Albert Bover, tout comme Jorge Rossy, sont deux personnalités qui marquent de leur empreinte, depuis plus de trente ans, le jazz en Espagne. Bover place ce disque sous le signe du swing et ne perd pas de temps. Dès les premières mesures de «How Deep Is the Ocean», cette caractéristique du jazz est présente et tant Rossy que le contrebassiste Kamaguchi –installé à Barcelone– y apportent leur contribution. «Luiza» est d’une grande douceur avec des notes égrenées lentement et un travail discret du batteur. Dans «45’», la première des quatre compositions d’Albert, on relève le beau solo de Kamaguchi; le swing entre progressivement et le tempo va en accélérant. Le pianiste offre une version personnelle, une vision jazz, du boléro «Verdad Amarga» à laquelle évidemment les meilleurs des artistes latinos Consuelo Velázquez, Pablo Milanés, José Feliciano… ne nous avaient pas habitués. On apprécie la fluidité du style de Bover. «Sis per Vuit» peine un peu à démarrer mais le swing émerge jusqu’au délicieux decrescendo final. Une certaine appréhension naît à la lecture du titre «Nosferatu». Allons-nous entendre un jazz d’outre-tombe? Ce film muet, historique, a captivé Albert et c’est à une sorte d’hommage à Murnau, son auteur, que nous convie le pianiste-compositeur. Le thème, très nostalgique, n’est pas spécialement jazz mais beau. Toute la science du piano que possède Bover peut être appréciée. Ses partenaires le servent avec discrétion et à propos. Le thème a plu et le public manifeste son plaisir. Que le live est valorisant! Retour au jazz avec une très belle composition d’Albert, «Raynald’s Doubt», une sorte d’hommage à un trompettiste Catalan Raynald Colom. Rossy et Kamaguchi sont excellents derrière Bover et portent une responsabilité dans l’excellent swing. Bon solo de Jorge. Albert Bover offre pour terminer une superbe version de l’œuvre d’Abdullah Ibrahim, «The Wedding». En l’absence d’orchestre à cordes, présent dans The African Suite, ou de saxophones comme lors d’autres prestations de Ibrahim live, toute l’attention se porte sur Bover qui étale sa maîtrise du piano et donne au thème une sensibilité davantage jazz. L’accompagnement se fait tout en nuances et douceur.
Tout au long du disque on sent une parfaite osmose entre les membres du trio qui visiblement on la même perspective sur le jazz.

Dès la première écoute de cet album on sait que l’on tient une pépite, une rareté qui ravit nos oreilles et notre cœur. On note là d’ailleurs un vrai dysfonctionnement dans l’économie actuelle du jazz: comment expliquer qu’aucun label n’ait sorti ce disque (le personnel est un all-stars!), obligeant le leader à le produire lui-même… Car Akua Dixon, grande prêtresse du violoncelle, joue aussi du violon et du baryton sur cet enregistrement, et nous enchante avec un répertoire signé de sa main ou de grandes dames nommées Abbey Lincoln et Sade.Tous les titres sont dignes d’intérêt et leur traitement, souvent assez calme, délivre une atmosphère de sérénité dans une maîtrise totale de leur interprétation. La rythmique excelle, que ce soit Kenny Davis ou Ron Carter à la contrebasse, leur assise est parfaite, complétement claire, à l’écoute et au service de la soliste. Idem pour les guitaristes, Freddie Bryant ou le célèbre Russel Malone dont les notes nous enchantent et dont les solos, toujours brefs cisèlent les compositions. On peut s’arrêter en particulier sur «Afrika/Afrika», où le dialogue cello/contrebasse, avec Ron Carter, rejoint par Russel Malone, nous emporte vers des chemins sonores merveilleux. La reprise de «Throw It Away», où Akua Dixon chante aussi et se lance le défi de passer après Abbey Lincoln, est réussie; l’arrangement empruntée à la bossa nova serait sans doute reconnue par la grande chanteuse. La légèreté de «The Sweetest Taboo» s’élève comme un hymne au ciel, le son du cello qui remplace le chant nous murmure des douces notes, sensuelles comme la voix de Sade. Tout est à citer, surtout l’introduction «I Dream a Dream» qui immédiatement nous prédit qu’il va s’agir d’un album qui deviendra un album de chevet. Puisant dans son héritage traditionnel de negro spiritual «I’m Gonna Tell God all of My Troubles» livre un formidable duo avec Freddie Bryant qui avant le final nous plonge dans la méditation. Si on se pose la question du swing d’Akua Dixon, il suffit d’écouter le final «Don’t Stop» qui, dans un crescendo délicat, flirte de nouveau avec la bossa nova. Il ne faut pas oublier le jeu subtil de Victor Lewis, grand batteur et fignoleur devant l’éternel: mais depuis l’époque où il accompagnait Stan Getz on le savait déjà.

Avec huit nouvelles compositions au compteur, Duke Robillard continue de faire vivre l’idiome qui lui colle à la peau depuis cinquante ans maintenant. Ce qu’il propose tient forcément la route. Au menu, guitares plaintives, voix profondément rocailleuse, éclats de piano, profondeur de notes d’Hammond, rythmique bien en place et, pour pimenter le tout, des invités de qualité. Honneur à Jimmie Vaughan, le frère de Stevie Ray toujours présent pour porter haut les couleurs du Texas. Sur «Shufflin’ and Scufflin’», il reste relativement sage laissant la lumière à l’orgue de Bruce Bears, mais n’en demeure pas moins redoutable dans ses interventions. Sur cette compo du Texan, il bénéficie aussi de la présence Doug James (bar) pour donner encore plus de rondeurs aux propos. La présence de la blueswoman Kelley Hunt sur «The Mood Room», apporte une touche de fraîcheur et de légèreté à cette production, qui permet au programme de se dérouler avec des variations intéressantes. La voix succède aux notes du piano, les sons de l’Hammond se combinent avec les bending sur la guitare. Avec Blues full Circle, le florilège du blues s’expose sans retenue pour perpétuer la tradition.

Après un long break, dû à des problèmes de santé, Larry Garner revient dans la lumière en compagnie de Neal Black. Pour l’occasion, les deux compères se sont fendus de plusieurs titres écrits à quatre mains et d’autres composés séparément. Larry Crocket et Leadfoot Rivet sont là pour les accompagner sur l’album. Guilty Saintsdébute avec une couleur blues marquée et des chants entrecroisés entre les deux intervenants. Cette relation au blues profond se perpétue sur les morceaux qui suivent. L’orgue de Mike Latrell colore de ses notes profondes «Saints of New Orleans», avant que le combo ne s’encanaille pour swinguer davantage avec la bénédiction de l’harmonica de Pascal Bako Mikaelian («Better Days»). La mise en musique du poème de Mary Frye («Do Not Stand at My Grave and Weep») évoque par moments les premiers albums de Santana, quand le blues le marquait encore profondément. C’est ensuite une compo de Garner qui lui succède et qui possède ce côté West Coast doucereux, avec ses arpèges de piano électrique («Back at It Again») et ses jolis déroulés de guitare. L’album se termine comme il avait commencé par des pièces très ancrées dans la tradition rurale («Ride With Me») ou plus soul («Neighbor, Neighbor»). De belles ballades entre bayou, église et club pour un voyage réussi.

Le disque dont il est ici question est né de la complicité (à la scène comme à la ville) entre une jeune flûtiste classique devenue chanteuse, Marie-Laure Célisse, et un non moins jeune pianiste tombé dans le swing dès sa petite enfance, César Pastre (que nous vous présentons dans ce numéro 681). Au menu de ce premier album, des standards du jazz chantés en français ou des chansons françaises chantées en jazz (et une composition). Un parti pris intéressant (l’exercice a connu de nombreux précédents: Mimi Perrin, entre autres) qui prend ici la forme d’une rencontre entre deux expressions musicales: d’un côté, la chanson (Marie-Laure) de l’autre, le jazz, avec le trio des «Frenchy’s». Deux expressions qui se superposent ici fort bien (Trenet, Gainsbourg ou Nougaro, judicieusement choisis, illustrent cette tradition de la chanson française imprégnée de jazz); tandis que, lorsque elle intervient à la flûte, Marie-Laure Célisse embrasse le registre du jazz à l’unisson de ses musiciens, les protagonistes du disque formant alors un véritable quartet (on apprécie d’ailleurs, tout particulièrement, la partie instrumentale sur «Caravane»/«Caravan»). On aurait aimé en entendre davantage sur ce plan-là et sans doute qu’il y aurait matière à nourrir de futurs projets. A moins que Marie-Laure Célisse ne fasse usage de sa personnalité pour construire une œuvre originale, orientée vers une «chanson à texte» au plus près du jazz, façon Nougaro. On reste curieux de voir comment ses chemins musicaux vont se dessiner.

«C’est dans les vieilles marmites qu’on fait les meilleurs confitures». Ce proverbe très français (donc tourné vers la dimension gustative de notre culture) convient très bien au jazz et particulièrement à Bobby Watson, aujourd’hui un aîné, qui nous donne un disque exceptionnel, en brillante compagnie du trio de Curtis Lundy, avec un bon Stephen Scott et le grand Lewis Nash. Bobby Watson (Jazz Hot n°664 et Spécial 2005, entre autres) appartient à la longue liste des Messengers d’Art Blakey dont il a été l’un des directeurs musicaux; plus de 25 ans après la disparition de l’emblématique leader, il continue de porter la bonne parole du jazz, à New York comme ici, ou dans son Kansas City et lors de tournées en Europe. Le jazz pour Bobby Watson et nombre de ses pairs musiciens, artistes, comme pour nous à Jazz Hot, ne s’arrête pas à une expression formellement codifié ou une étiquette de vente, mais il est l’expression d’une culture populaire, le fruit d’une longue histoire, artistique mais pas seulement, dans laquelle la déportation et l’esclavage restent les étapes fondatrices de leur art, et pour laquelle l’émancipation réelle (l’égalité réelle, pas celle de façade ou des textes légaux) demeure un objectif à ne jamais perdre de vue. On les comprend au regard de l’actualité américaine, on le sent dans ce XXI_^e siècle où les inégalités s’accroissent de concert avec les communautarismes et les privilèges.
C’est pourquoi, de nombreuses œuvres artistiques afro-américaines, pas seulement musicales, y font toujours référence, et ce disque est l’une d’elles, qui propose une suite de onze compositions dédiées à des personnalités afro-américaines qui ont contribué à cette quête, qui reste, comme celle du Graal, une ligne d’horizon, un idéal: ainsi sont présents dans le choix de Bobby Watson l’aviateur Wendell Oliver Pruitt (1920-1945), l’un des célèbres Tuskegee Airman (la première unité de pilotes afro-américaine qui s’illustra dans la Seconde Guerre mondiale); l’actrice Butterfly McQueen (1911-1995), le champion cycliste Marshall Major Taylor (1878-1932), champion du monde en 1899. Madame C.J. Walker (1867-1919), célèbre femme d'affaires. Isaac Burns Murphy (1861-1896), le plus célèbre des jockeys américains; Bass Reeves (1838-1910), le premier US Marshall à l’ouest du Mississippi; Mark E. Dean (1957, l’un des inventeurs de l’ordinateur personnel). La musique n’est pas oublié avec Grant Green, le guitariste dont le sens mélodique est pour beaucoup dans l’esthétique de Blue Note (époque Alfred Lion-Francis Wolff), et le polyvalent Sammy Davis, Jr. est gratifié de GOAT (Greatest of All Time) pour ses talents multidimensionnels, y compris dans le cadre de la lutte pour l’émancipation.
Au-delà de Martin Luther King, qui fait partie –pour les Afro-Américains et ils ont raison– des pères fondateurs des Etats-Unis, au même titre que Washington, Jefferson, Franklin, Lincoln, ce genre d’hommage à des membres célèbres de la société civile afro-américaine est fréquent dans ce monde américain plus ségrégué que jamais en 2017, où toutes les communautés, mêmes les natives (les Amérindiens), ont besoin de se sentir exister à côté de «l’aristocratie» supposée des Euro-Américains, et entre elles. Même la pauvreté y est redevenue une cause de ségrégation majeure et être une femme reste, comme toujours et partout, la cause de ségrégation la plus répandue. Les titres choisis pour cette galerie de portraits musicale sont évocateurs. La musique est de haut niveau pour cet album composé en totalité par Bobby Watson, à l’exception d’un titre de Curtis Lundy, un de Stephen Scott et d’un standard très particulier que chanta d’ailleurs Sammy Davis, Jr. et dont le premier couplet dit justement:
«Whether I'm right or whether I'm wrong
Whether I find a place in this world or never belong
I gotta be me, I've gotta be me
What else can I be but what I am»
Le message de ce disque, sous la forme d’un bel album d’une excellente musique, est donc on ne peut plus clair. Il prolonge celui de Louis Armstrong, Duke Ellington, Ella Fitzgerald (qui chanta aussi ce thème), Billie Holiday, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Max Roach, Mahalia Jackson, Ray Charles («Georgia»), Charles Mingus, John Coltrane pour ne parler que des plus célèbres. C’est aussi à ce point très précis, et pas si fréquent, qu’on discerne avec une certaine  évidence ce qui est de l’art et du jazz de ce qui n’en est pas. C’est toujours le révélateur, le marqueur absolu. Les artifices, même techniquement sophistiqués, ne peuvent jamais se substituer à cette sublimation indispensable de la condition humaine. Bobby Watson, en bon disciple du grand Art Blakey, nous rappelle le message avec sa modestie habituelle.

D’une telle formation, on attend le meilleur du jazz. Et la conception de ce disque n’échappe pas à l’idée d’anthologie, autant par le all-stars réuni que par le choix des thèmes, très étudié. Ces quatre musiciens sont sans doute aujourd’hui de second plan en matière de notoriété. Et pourtant, ils sont de premier ordre en matière de jazz. Ils mériteraient d’être en haut des affiches de nos scènes festivalières de jazz. Ils sont l’essence du jazz, chacun sur leur instrument.
Dans ce disque, chacun apporte une composition. Les autres thèmes sont de la plume de Thelonious Monk, Wayne Shorter, Charlie Parker, John Lewis, Miles Davis, Eddie Harris et des frères Gershwin. Rien n’est donc laissé au hasard, et la musique d’une précision presque académique, s’il pouvait exister une académie libre de sa création et culturellement ancrée. C’est simplement parfait, sans effet, simplement direct et évident: du jazz et du meilleur par des artistes. Ces musiciens ont tous fait une carrière exceptionnelle, et on vous renvoie à vos Jazz Hot pour en faire le tour; c’est en fait le tour des formations du jazz parmi les meilleures apparues depuis les années 1960. Ils continuent d’inventer une belle musique qui ne surprendra pas parce qu’ils sont des classiques: Gary Bartz est passionnant sur le second thème de sa composition, comme Larry Willis est magnifique sur la sienne, Al Foster aérien dans son «Aloysius» et David Williams a apporté une splendide valse jazzée «Keep the Master in Mind» qui aurait pu servir de titre à cet album construit jusqu’au plus petit détail. Mais tous les thèmes sont servis avec un égal souci d’excellence, et ça donne 72 minutes de grande musique de jazz.
Dans la production discographique, ces albums restent des bornes de beauté et de culture jazz, et ce sont des nouveautés de 2017.

The Happiest Man in the World, Toolin’ Down the Road, I’ll Farm for You, Tassin’ and Turnin’, Creole Café, Born to Be Your Man, Perison of Time, King Size Bed, On the Porch, Skiing Disaster, Tell Ol’ Bill, Wish I Could Hold You Now, Blueberry Boy, You Really Got Me
Eric Bibb (g, bjo, voc), Danny Thompson (b), Olli Haavisto (pedal steel, g), Petri Hakala (mandolin, fiddle, g), Michael Jerome Browne (g), Janne Haavisto (dm, perc), Ulrika Ponten Bibb (voc), Mary Murphy (Irish whistle), Pepe Aldqvist (hca)
Enregistré à Norfolk (Royaume-Uni), date non précisée
Durée: 48' 13''
Dixiefrog 8790 (www.bluesweb.com)

Champagne Habits, Come Back Baby, Connected, Don’t Ever Let Nobody Drag Your Spirit Down, Goin’ Down Slow, In my Father’s House, Needed Time, On my Way to Bamako, Saucer 'n' Cup
Eric Bibb (g)
Enregistré les 17 et 18 Mai 2014, à Paris
Durée: 1h13'
Dixiefrog 8778 (www.bluesweb.com)

Voici trois jolies galettes d’Eric Bibb à se mettre sous le coin de l’oreille. Le bluesman continue sa mission de mettre en avant un idiome qui n’en finit plus de se renouveler. Migration Blues est un album tout en délicatesse qui aborde une question d’actualité: celle des réfugiés. C’est d’ailleurs «Refugee Moan», qui ouvre ce CD et le propos de cette chanson aurait pu être le même il y a un siècle, quand les grandes migrations jetaient sur les routes des milliers d’Afro-Américains fuyant la misère. Le bluesman fait en tous cas clairement le lien entre ces deux tragédies. Sa voix envoutante transmet de profonds frissons («Brotherly Love»). Quand il ne chante pas, il cède à la place à ses amis pour lui tenir compagnie. Ainsi, Michael Jerome Browne se met en lumière avec sa mandoline sur «With a Dolla’ in my Pocket», tandis que Jean Jacques Milteau, présent aussi pour l’occasion, fait apprécier la qualité de son phrasé en jouant très en retrait sur «Prayin’ for Shore». Big Dadddy Wilson fait entendre sa voix soft et profonde sur «Prayin for Shore» et Ulrika Bibb en accompagnement de «Mornin’ Train».
Changement de décor avecThe Happiest Man in the World. Cet opus est construit sur la base de souvenirs partagés avec les frères Haavisto: Janne (dm) et Olli (guitare Dobro), rencontrés à Helsinki alors que Bibb y résidait. Ensemble, ils ont mis en commun leur vécu, notamment sur la route. Un être central est apparu dans leurs dialogues en la personne de Danny Thompson. Il n’en fallait pas plus pour se fixer un challenge: enregistrer avec ce légendaire contrebassiste, ce qui fait d’Eric Bibb «l’homme le plus heureux du monde». La couleur générale de ce disque est proche de celle de Migration Blues. La voix du guitariste est toujours aussi douce et feutrée pour exposer des thèmes souvent langoureux («Creole café»). Les sonorités acoustiques vous pénètrent, pour vous faire apprécier la beauté de la ruralité («I’ll Farm for You») ou pour parler d’amour, encore, mais n’est-ce pas la vocation première du blues («Born to Be Your man»)? «1912 Skiing Disaster» est dédiée aux fans de la six-cordes, tellement cette pièce est merveilleuse à savourer. Si on retrouve une certaine linéarité dans la douceur de cette production, Bibb parvient aussi à la faire décoller légèrement en usant d’artifices naturels avec le soutien épais de Danny Thompson (b) et Olli Haavisto (pedal steel) pour «Blueberry Boy». En bonus, Eric Bibb offre une chanson des Kinks («You Really Got Me»), une totale originalité dans ce paysage paisible et fruité des guitares et autres instruments acoustiques, dont celui de Pepe Ahlqvist (hca).
Enfin, pour les mordus d’Eric Bibb, un pack CD-DVD-CD Rom propose de s’entrainer à jouer sa musique. Le CD comprend neuf morceaux avec à chaque fois un exposé à la guitare puis avec la voix. On retrouve des classiques de ce troubadour comme «In my Father’s House», «Champagne Habits» ou «Connected». Avec cette troisième production, Eric Bibb ajoute une autre dimension à son travail de valorisation du blues. Un bel acte de foi.

Le contrebassiste toulonnais, Jean-Marie Carniel, qui depuis des années soutien de sa rythmique impeccable de nombreux groupes, a décidé de signer un opus plus personnel. Le titre éponyme de l’album vient d’Hank Mobley qui introduit un répertoire choisi au sein de standards de Gershwin à Cole Porter… mais aussi de thèmes plus rarement repris tels «Witch Hunt» de Wayne Shorter ou «The Peacoks» signé par Jimmy Rowles. Un disque délicat qui met en valeur la technique subtile de musiciens de haut niveau: le déjà vétéran pianiste Denis Césaro, hélas trop absent en leader, et l’encore jeune batteur (très sollicité) Cédrick Bec. Revisitant la chanson contemporaine française il s’empare de «Jardin d’Hiver» de Benjamin Biolay, qu’Henri Salvador interprété, pour en extraire une belle version romantique. Les doigts du pianiste caressent un thème qui se révèle parfaitement adapté à une ballade nostalgique jazz et Jean-Marie Carniel nous offre une traversée solitaire empli d’émotion. Seul titre original, signé par le leader, «I Remember Boris», peut-être dédié à Vian, poursuit un répertoire nostalgique dans son introduction, servie a perfection par le jeu du pianiste, pour ensuite se lancer dans une belle sarabande maîtrisée. L’album se conclut sur «Yesterdays» de Jerome Kern qui poursuit un dialogue de vieux complices de pianiste et contrebassiste démarré il y a déjà bien des années et qui a fait le bonheur de groupes sudistes. Un album dans une juste durée qui laisse écouler le temps nécessaire à apprécier un beau répertoire bien interprété.

Même si tout n’est pas indispensable dans ce disque, il y a d’abord l’idée indispensable de faire vivre un répertoire d’une beauté sans égale, celui du grand Billy Strayhorn, en respectant l’auteur. Comme il s’agit d’un pianiste, compositeur, arrangeur, et que dans notre trio se trouve un autre indispensable de l’instrument, Philippe Milanta, voici au moins deux raisons pertinentes de distinguer ce disque; elles ne sont pas les seules.
Philippe Milanta a cette qualité rare parmi les musiciens non afro-américains d’être en mesure d’endosser le répertoire du jazz, ellingtonien en particulier, et donc aussi celui de Billy Strayhorn qui en fut l’une des plus belles couleurs. Il possède cette musique de l’intérieur, body and soul, et son excellence pianistique n’explique pas tout dans la magie qui pointe au bout des dix doigts de ce pianiste hors norme: il maîtrise en fait les codes intimes de cette musique, le blues, le swing bien entendu, mais aussi cette maturité artistique qui fait que chez lui la reprise d’un répertoire n’est pas une exécution mais une appropriation, une véritable réinvention. C’est particulièrement sensible dans cet enregistrement, non que ses compagnons ne soient pas remarquables, ils le sont, mais parce que Philippe survole littéralement ce répertoire depuis l'Eden musical auquel n’accèdent que les plus talentueux du jazz (assez nombreux, notamment en matière pianistique, car le jazz est une musique très généreuse en artistes d’exception). Sa composition «Exquise» rejoint l’excellence du grand compositeur mis à l’honneur dans ce disque. Pour illustrer ces propos, il y a mille exemples dans ce disque comme l’intro' de «Smada», «Lush Life», «Passion Flower», mais en fait, il serait plus simple et plus exact de dire que Philippe est dans l’âge d’or de son expression et toutes ses interventions sont indispensables: du grand art!
André Villéger continue de (se) régaler dans le jazz, et il le fait en savant, avec le bon goût de la grande culture qu’il possède, plus expressif à notre sens au ténor, où son beau son feutré fait merveille («Low Key Lightly», «Satin Doll», «Smada», «Multi-colored Blue»…) que sur ses autres instruments plus coloristes qu’expressifs. Il reste aussi plus rivé au texte, très beau il vrai dans son épure, alors que Philippe le développe, l’enrichit. Thomas Bramerie se joint avec ses qualités de bassiste accompli, parfois discret, à cette paire d’artistes de haut vol déjà si complices depuis de nombreuses années, car, c’est à relever, cet enregistrement fait partie d’une série commencée en 1999, consacrée à l’univers ellingtonien (Duke Ellington and Billy Strayhorn’s Sound of Love, 1999, Jazz aux Remparts, cf. Jazz Hot, n°569, et For Duke and Paul, Camille Productions, 2015, cf. Jazz Hot n°673) que Michel Stochitch a la grande idée de perpétuer sur son excellent label, Camille Productions, dans ces petites configurations si belles et si libres quand les artistes savent peupler l’espace comme ici.

Si le début de sa notoriété commence avec sa participation à l’ONJ en 2000, sous la direction de Paolo Damiani, la chanteuse Laure Donnat mène une riche carrière qui échappe encore à la médiatisation et la reconnaissance nationale qu’elle mérite. Avec cet album, espérons que les programmateurs et journalistes ouvriront un peu plus leurs oreilles qui restent trop bouchées quand il s’agit d’artistes qui ont décidé de vivre loin de Paris. Son parcours a croisé les hommages à Hendrix et Police menés par le guitariste Rémi Charmasson, mais aussi des parcours plus improvisés aux côtés de Raymond Boni ou René Botlang. Au-delà des genres, sa voix s’est affirmée dans des projets personnels vers la musique africaine avec Tamalalou ou des vibrants hommages au Brésil métissé et énergique avec Rio-Mandingue et Brasil Project. Mais c’est sans aucun doute dans les traces du jazz qu’elle exprime au mieux sa passion. Elle dirige ses propres formations, son quintet, le Trio Mémoires, le JaZzMin Quartet ou encore le magnifique duo Billie’s Blues avec le contrebassiste Lilian Bencini, (album Billie’s Blues, 2010, autoproduction).
Après Le Temps d’Agir et Straight Ahead, elle signe avec Afro Blue son troisième album et abandonne son répertoire de compositions personnelles pour un répertoire de standards revisités. Elle ose reprendre en introduction «Afro Blue» dont la superbe version d’Abbey Lincoln marque encore la mémoire; pari réussi mais qui mériterait un peu plus de folie dans l’improvisation des musiciens,laquelle doit sans doute être bien plus vibrante sur scène. Les titres de Georges Gershwin, Kurt Weil, Duke Ellington, Jerome Kern, etc., qui ont été maintes fois repris, sont ici bien illustrés et avec des versions intéressantes. Les arrangements sont signés de Lilian Bencini qui depuis des années apporte sa précieuse collaboration à la chanteuse qui mène son équipe avec un grand professionnalisme. Fred Pasqua, comme d’habitude, assure un soutien parfait et si l’on regrette le manque de fureur de Sébastien Germain, il tient à merveille sa place. Les trois derniers titres sont tirés d’un répertoire plus original: «Dat Dere» est signé par Bobby Timmons et Oscar Brown qui l’a créé, puis repris par Sheila Jordan entre autres; «Alfonsina y el Mar» a été chanté par Mercedes Sosa, Maurane ou encore Shakira; «Old Devil Moon», rendu célèbre par Frank Sinatra ou Chet Baker; ces trois compositions connaissent ainsi un traitement qui ne démérite pas des versions originales. Un album et un groupe plus qu’intéressant à découvrir.

Remarquable personnalité et splendide enregistrement –en partie live au Village Vanguard, l’autre partie en studio au DiMenna Center for Classical Music, avec un quartet à cordes– voilà les remarques qui peuvent résumer l’impression profonde laissé par ce double album qui ponctue de la plus belle des manières le début de carrière de Cécile McLorin Salvant, car la chanteuse est maintenant dans le gotha des artistes de jazz. Cécile a sidéré la scène du jazz en élevant sans concession et sans complexe l’art vocal à un niveau artistique atteint seulement par quelques chanteuses de l’âge d’or du jazz; d’un autre temps donc. Cécile McLorin Salvant est de son temps, et ne fait pas dans la recette, la mode, le fac simile ou la reprise. Cultivée, curieuse, intelligente, miraculeusement enracinée dans le jazz en dépit d’une culture franco-américano-caribéenne qui aurait pu provoquer une recherche sans fin d’une identité artistique, elle est parvenue en très peu de temps à une synthèse artistique et à une expression d’une maturité qui lui ressemble: joyeuse, contestatrice, directe et originale, douée d’humour et de finesse, et qui rassemble tous les fils d’une histoire personnelle étonnante dans le cadre de l’histoire du jazz. Sa culture en matière de musique classique, comme ses capacités virtuoses en matière vocale, n’ont pas non plus déterminé les habituelles rigidités de l’enseignement académique. Comme pour les grands artistes du jazz, la forte personnalité naturelle et la culture ont distillé l’apprentissage pour le mettre avec naturel au service d’un projet expressif enraciné dans le grand récit collectif du jazz.
La culture et la curiosité de Cécile McLorin Salvant lui font choisir un répertoire toujours très original, personnel dans sa thématique: standards (Gershwin, Berlin…) ou jazz (Bob Dorought, les beaux «Nothing Like You», «Devil May Care»), traditionnels et originaux (d’elle-même, de Paul Sikivie), chanson française ou poèmes de Langston Hugues mis en musique par Kurt Weil ou par elle-même… Culture et curiosité qui lui font aussi embrasser l’ensemble stylistique du jazz sans a priori d’époque ou de mode, mettant toujours le blues, le swing et l’expression au cœur de sa musique. Elle s’approprie sans préjugé le répertoire très blues des premières vocalistes («You've Got to Give Me Some», Bessie Smith, 1928, avec l’excellent Sullivan Fortner, «Wild Women Don't Have the Blues», Ida Cox, 1924) aussi bien que celui de Gershwin, Billie Holiday («You’re My Thrill»), Dinah Washington («Mad About the Boy»), Joséphine Baker («Si j’étais blanche») et parfois Damia (pas ici mais à Marciac, cet été 2017), n’hésitant jamais à le prolonger par ses propres compositions ou celles des musiciens de son groupe. Elle possède la familiarité naturelle avec le monde classique pour faire de la partie avec le quartet à cordes de magnifiques moments de musique («More»), de poésie baroque par les arrangements («Fascination») et de jazz («You're My Thrill», splendide!). Exercice de maturité, la rencontre des cordes et du jazz n’est jamais évidente. Cécile en joue avec naturel avec de bons arrangements sans perdre une once d’authenticité. Son égale et parfaite maîtrise du français et de l’anglais enfin donne à ses interprétations dans les deux langues cette aisance dans l’expression qui vient du naturel de la culture native.
Elle a trouvé avec l’assurance de la grande artiste, musicienne et instrumentiste, une formation qui correspond parfaitement à son projet: Aaron Diehl, leader d’un excellent trio, est un pianiste dont l’étendue du talent («Let’s Face the Music and Dance») et l’art de l’accompagnement («Si j’étais blanche», «Wild Women Don't Have the Blues») est un idéal pour Cécile McLorin Salvant; Paul Sikivie, bon contrebassiste, est l’auteur de nombre d’arrangements et de certaines compositions, sa complicité avec Cécile fait merveille («You're Getting to Be a Habit With Me»); Lawrence Leathers est très musical, parfaitement à l’écoute, subtil. L’accueil du public, perceptible sur cet enregistrement en live, dit assez la fascination qu’elle exerce sur son auditoire, et les réactions qu’elle provoque de tous les publics. Cet enregistrement prend en live une dimension particulière, car sa voix est le plus bel instrument à ce degré de vérité expressive, un vrai miracle du jazz!
Enfin, ce disque est une étape importante, sans doute le premier de Cécile McLorin Salvant à rassembler autant d’éléments caractéristiques de sa personnalité aussi affirmée que complexe, le premier à synthétiser aussi clairement ses choix artistiques: ils sont en tous points parfaits.