Chroniques CD-DVD

Au programme des chroniques

A • Rémi Abram • Act Big Band • Antonio Adolfo • Cyrille Aimée • Monty Alexander • Aurore Quartet • B • Ronald Baker Quintet • Count Basie • Lionel Belmondo Trio • Belmondo Family Sextet • B.F.G. • François Biensan • Ran Blake • Claude Bolling • Frederic Borey • Bossa Nova in USA • Christian Brazier • Dee Dee Bridgewater / Irvin Mayfield • C • Frank Catalano / Jimmy Chamberlin • Joan Chamorro & Andrea Motis • Tom Chang • Fred Chapellier • Cyrus Chestnut • Pierre Christophe • Popa Chubby • Philippe Crettien • D • Dal Sasso-Belmondo Big Band • Miles Davis: Miles at the Fillmore • Miles Davis: Live in Paris • Pierre de Bethmann • Riccardo Del Fra • Jean-Pierre Derouard • Stefano Di Battista / Sylvain Luc • Aaron Diehl • Lucy Dixon • Doré Marthouret Quartet • Dr. John • Philippe Duchemin • E • Mark Elf • Andy Emler MegaOctet • Emler / Tchamitchian / Echampard • European Jazz Cool • European Jazz Sextet • Orrin Evans • F • Claudio Fasoli • Nicola Fazzini • Fiorini-Houben Quartet • Chico Freeman • Larry Fuller • Champian Fulton • G • Richard Galliano / Jean-Charles Capon • Red Garland • Viktorija Gecyte & Julien Coriatt Orchestra • Stan Gtetz • Aaron Goldberg • H • Jeff Hackworth • Rich Halley • Scott Hamilton • Phil Haynes • Ian Hendrickson-Smith • Fred Hersch • Bernard Hertrich • Lisa Hilton • Chris Hopkins & Berndt Lhotzky • Ramona Horvath • Hot Club de Madagascar • I • Abdullah Ibrahim • J • Javon Jackson • Keith Jarrett / Charlie Haden • Jazz Accordéon • Quincy Jones • K • Kassap / Touéry / Duscombs • Manu Katché • Hetty Kate • L • L'Ame des Poètes • La Section Rythmique • Christophe Laborde • Prince H. Lawsha & Frédérique Brun • Le Jazz à l'écran • LG Jazz Collective • Susanna Lindeborg • Frédéric Loiseau • Jean-Loup Longnon • Isabella Lundgren • Claude Luter / Barney Bigard • M • Tom McClung • Pete McGuinness • Cécile McLorin Salvant • Mack Avenue SuperBand • Richard Manetti • Manhattan School of Music • Roberto Magris • Delfeayo Marsalis • Fabien Mary • Louis Mazetier • Merlaud/ Rebillard / Braud • Metismatic & Guests • Laurent Mignard Duke Orchestra • Antoinette Montague • Jean-Marc Montaut • Christian Morin • N • No Vibrato • Kevin Norwood • O • On Air & Fabrizio Bosso • P • Lia Pale • Paris-Calvi Big Band • Paris Jazz Big Band • Michel Pastre • Jeb Patton • Pierrick Pédron • Lucky Peterson • PG Project • Piano Summit - Finale • R • Eric Reed • Walter Ricci-David Sauzay Quintet • George Robert • Duke Robillard • Justin Robinson • Manuel Rocheman / Nadine Bellombre • S • Nicola Sabato • David Sanborn • Ben Sidran • Frank Sinatra • Wadada Leo Smith • Curtis Stigers • T • Virginie Teychené • Claude Tissendier • The Cookers • Samy Thiébault • Sarah Thorpe • Baptiste Trotignon • U • René Urtreger • V • André Villéger / Philippe Milanta • W • Reggie Washington • X • XY Quartet • Z • Miguel Zenón

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Bonne lecture!

Des extraits de certains de ces disques sont parfois disponibles sur Internet. Pour les écouter, il vous suffit de cliquer sur les pochettes signalées par une info-bulle.

© Jazz Hot 2016

Cyrille Aimée
Let's Get Lost

Live Alone and Like It, There's a Lull in My Life, Estrellitas Y Duendes, Lazy Afternoon, Three Little Words, T'es beau tu sais, Let's Get Lost, Samois à moi, Nine More Minutes, Laverne Walk, That Old Feeling, Each Day*, Words
Cyrille Aimée (voc), Matt Simons* (voc), Adrien Moignard (g), Michael Valeanu (g), Sam Anning (b), Rajiv Jayaweera (dm)
Enregistré en 2015, New York
Durée: 42’ 15’’
Mack Avenue Records 1097 (Harmonia Mundi)

Après It’s a Good Day (qui succédait à plusieurs autoproductions, dont deux chroniquées dans Jazz Hot n°667), Cyrille Aimée propose son second album chez Mack Avenue, Let’s Get Lost, enregistré au Flux Studio de New York. Comme la plupart des disques actuellement enregistrés par les chanteuses, le programme est varié; sur la structure maîtresse de quelques standards de Tin Pan Alley des années 1930 et 1940 («There's a Lull in My Life», «Lazy Afternoon», «Three Little Words», «That Old Feeling» et le titre éponyme, «Let's Get Lost»), s’agrègent quatre pièces personnelles («Samois à moi», «Nine More Minutes», «Each Day» et «Words»), une chanson de Broadway («Live Alone and Like It»), une rumba caraïbe («Estrellitas Y Duendes), une jolie mélodie de Georges Moustaki sur des paroles bien tournées d’Henri Contet. Et pour conserver une certaine jazzité d’ensemble à ce patchwork musical, un duo voix/contrebasse sur une composition écrite à Paris en 1958 par Oscar Pettiford, «Laverne Walk» (originalement «Montmartre’s Blues»).
La chanteuse, qui a découvert le jazz à Samois, en a conservé l’ambiance; elle a choisi de se faire accompagner par un trio de cordes (deux guitaristes et un contrebassiste) et un batteur. Le ton d’ensemble est original et tranche dans le monde des chanteuses de jazz en général sur la formule piano/basse/batterie. Le résultat est dans l’ensemble agréable à entendre. Chanteuse de son temps, Cyrille Aimée interprète des chansons dont la musique est rythmée; ce n’en est pas pour autant toujours ce qu’on est en droit de qualifier de jazz: la rumba, le merengue, la habanera, formes musicales qui ont engendré quelques chefs d’œuvre, n’appartiennent néanmoins pas à la même syntaxe. La chanteuse possède la voix gracile d’une adolescente, voire un peu nasillarde d’enfant qu’elle semble parfois cultiver. Le lolitisme n’est pas que littéraire…Elle est en tous cas accompagnée par de très bons musiciens qui lui déroulent un tapis; leur musique travaillée fait un bel écrin. Et le guitariste Adrien Moignard y apporte un plus avec sa couleur Django.
Le label américain Mack Avenue semble ainsi s’être fait une spécialité des chanteuses françaises: après la révélation Cécile McLorin Salvan, voici Cyrille Aimée.Toutes les deux ont la particularité de posséder une double culture, ce qui leur a conféré une grande capacité d’adaptation à la culture mondialisée de notre temps. Cyrille Aimée est le versant éclairé de la face sombre et certainement plus enracinée de Cécile. A découvrir.

Félix W. Sportis

Champian Fulton
Change Partners

You Made a Good Move, Change Partners, Lover Come Back to Me, The Boy Next Door, Bring Enoug Clothes, After You've Gone, It's a Sin to Tell a Lie, Social Call, Get out of Town
Champian Fulton (voc, p), Cory Weeds (ts), Jodi Proznick (b), Julian MacDonough (dm)
Enregistré les 1_^er et 2 mai 2014, Edmonton (Canada)
Durée: 1h 02’ 36’’
Cellar Live 050114 (www.cellarlive.com)

Champian Fulton
After Dark

Ain't Misbehavin'*, That Old Feeling, What a Difference a Day Made, Blue Skies*, Keepin' out of Mischief now, A Bad Case of the Blues*, Travelin' Light*, Mad About the Boy, All Of Me, Baby Won't You Please Come Home, Midnight Stroll
Champian Fulton (voc, p), Stephen Fulton* (tp, flh), David Williams (b), Lewis Nash (dm)
Enregistré le 17 août 2015, Paramus (New Jersey)
Durée: 54’ 30’’
Gut String Records 022 (www.champian.net)

En 2012, le public de JazzAscona avait découvert une jeune pianiste-chanteuse de 27 ans, Champian Fulton, qui faisait l’une de ses premières apparitions sur le Vieux continent. Fille du trompettiste Stephen Fulton, un proche de Clark Terry, elle était attendue avec curiosité par les amateurs qui ne mirent pas longtemps à reconnaître son talent. La demoiselle a depuis fait du chemin et passe par Paris chaque printemps.
Son album Change Partners (sorti l’année dernière) correspond à la sélection de neuf moments des deux concerts donnés par la pianiste dans le club du saxophoniste ténor et producteur de Cellar Live, le canadien Cory Weeds, The Yardbird Suite, installé dans la capitale de la province de l’Alberta, Edmonton. L’artiste construit son programme autour des songs qui lui fournissent matière à chanson. Les pièces de jazz proprement dites, («You Made a Good Move» de Frank Wess, «Bring Enoug Clothes» de Stephen B. Fulton, «Social Call») sont en revanchetraitées en tant qu’œuvres de musique. Elle ouvre d’ailleurs son album avec une pièce totalement instrumentale, celle de Frank Wess avec lequel elle eut souvent l’occasion de se produire au début de sa carrière. La composition de son père, dans la tradition du bop, est aussi totalement instrumentale. C’est l’occasion de l’entendre dans un style pianistique qu’on lui connaît moins dans ses concerts; alors qu’habituellement sa manière est classique, empruntant à Garner parfois, elle évoque, dans ce thème, Red Garland surtout dans la façon d’utiliser les blocks chords. C’est dans la composition de Gigi Gryce, avec les paroles de Jon Hendricks qu’elle réalise la forme la plus aboutie de son projet musical, associant chant et musique dans un esprit «lied». Elle est bien entourée, tant par Cory Weeds, un ténor bien dans l’esprit de sa musique, que par le reste de la rythmique; le batteur joue bien et «fait ce qu’il faut et ce qu’il doit». La contrebassiste, Jordi Proznicki est parfaite.
Un an plus tard, avec After Dark, le ton d’ensemble est différent, plus orienté production commerciale. Il n’en est pas moins agréable, sinon plus travaillé. Comme dans le précédent, nous retrouvons la part de songsde Tin Pan Alley («That Old Feeling», «What a Difference a Day Made», «Blue Skies», «Mad About the Boy», «All Of Me»), qui permet à la chanteuse d’œuvrer avec un certain talent dans son dialogue avec le piano, ne manquant jamais d’évoquer quelques versions rendues célèbres par quelques grands – «That Old Feeling», manière Garner bien exécutée ou «What a Difference», dans un accompagnement façon King Cole à l’articulation des phrases. Cependant les autres pièces, plus enracinées dans la tradition du jazz, lui permettent de faire valoir ses qualités de chanteuse-musicienne et de pianiste nourrie et avertie de la littérature du jazz. Sa composition, «Midnight Stroll», un blues bien assis en piano solo, est une bonne illustration de cet héritage. C’est dans les thèmes walleriens, dont elle a parfaitement assimilé les subtilités, qu’elle est le plus à son affaire, et qu’elle relit de manière ludique en traitant son instrument dans l’esprit Hank Jones (Ain’t Misbehavin, 1978).
Dans cet opus, la jeune chanteuse s’essaie à reprendre des thèmes interprétés par Dinah Washington qu’elle semble particulièrement apprécier: «Baby Won't You Please Come Home» ou « (I’ve Got) a Bad Case of the Blues» (version Mercury 1959) en attestent. Néanmoins sa tessiture de voix ne semble pas convenir à cet objectif; son amplitude comme sa puissance ne lui permettent pas de transcrire la dramaturgie des textes; alors qu’elle s’en acquitte fort bien musicalement, avec beaucoup de réussite même. Sur quatre faces de l’album, Champian a invité son père, Stephen Fulton. Son style très lyrique constitue un très bon contrepoint à sa voix («Ain’t Misbehavin’» ou «A Bad Case of the Blues»). Ses soli sont également de très belle facture, que ce soit en medium tempo («Blue Skies», «A Bad Case of the Blues») où le musicien laisse à ses notes tendrement voilée la totale liberté d’emplir l’espace qu’en tempo soutenu («Travelin’ Light») où sa filiation avec Clark Terry devient indubitable. Plus que tout, c’est la complicité musicale entre père (parfois intimidé) et fille (qui s’affirme avec et contre lui) qui fait plaisir à entendre. Au-delà de ce duo à l’intérieur de l’album, qui lui donne une couleur particulière, c’est la qualité de la section rythmique qu’il convient de souligner. Que ce soit David Williams ou Lewis Nash, Champian a choisi deux merveilleux musiciens qui excellent dans cette fonction d’accompagnateur qui exige présence et discrétion à la fois. Par ailleurs, ils sont aussi brillants solistes (à l’archet sur «Blue Skies» ou pizzicato sur«All of Me» DW; 4/4 de LN sur «Travelin’ Light»). Leur mise en place est un modèle du genre.
Change Partners et surtout After Dark sont deux très bons albums de jazz. Et si Champian Fulton n’entre pas dans la catégorie des légendes vocales, la chanteuse livre un résultat impeccable. En revanche, la pianiste a un vrai talent: c’est plus qu’agréable à écouter!

Félix W. Sportis

Count Basie
Live in Paris. 1957-1962

Whirlybird, Little Pony, Corner Pocket, Lovely Baby, Bleep Blop Blues, Nails, The Kid from Redbank, Well, Alright, OK, You Win; Roll’ Em Pete, Gee, Baby Ain’t I Good to You, One O’Clock Jump, Shiny Stockings, H.R.H. , A Little Tempo Please , Makin’ Whoopee, Who Me, In a Mellow Tone, Blues in Hoss’ Flat, Splanky; Segue in C, Why Not, Easy Money, Vine Street Rumble, Discomotion, Mama’s Talking Soft, Jumpin’ at the Woodside, Easin’ It, Basie, Lil’ Darlin’, Toot Sweet, You’re Too Beautiful, Bleep Blop Blues, April in Paris, The Song is You, Stella by Starlight, Cute, I Needs to Be Bee’d With, Nails, The Blues, One O’Clock Jump
Count Basie (p), Wendell Culley, Snooky Young, Sonny Cohn (tp1), Joe Newman, Thad Jones, Al Aarons (tp), Henry Coker, Benny Powell, Al Grey, Quentin Jackson (tb), Marshall Royal (as1, cl), Frank Wess (as, ts, fl), Frank Foster (ts, cl), Eddie Davis, Billy Mitchell (ts), Eric Dixon (ts, fl), Charlie Fowlkes (bs), Freddie Green (g), Eddie Jones (b), Sonny Payne (dm), Joe Williams, Irene Reid (voc)
Enregistré entre le 9 novembre 1957 et 5 mai 1962, Paris
Durée: 2h 33’ 32’’
Frémeaux & Associés 5619 (Socadisc)

L’auteur de ces lignes déplore l’abandon des rééditions, après l’âge d’or des années 1990, outils indispensables à la «mémoire» et aussi à l’éducation des plus jeunes qui n’abordent de nos jours ce qu’ils croient représentatif d’un genre que par les nouveautés, dernières émanations pour l’essentiel éloignées du cœur du sujet. Peut faire le même office, la sortie, comme ici, d’inédits des maîtres qui outre les mêmes nécessités, combleront aussi les «jazzfans» chevronnés (du moins, ce qu’il en reste).
Voici donc d’inespérés trésors que nous devons à Frank Ténot, Daniel Filipacchi et Norman Granz, enregistrés en direct à l’Olympia (onze des quinze titres des 9 et 12 novembre 1957 -quelques jours après la mise en boîte de l’album historique Atomic Basie- et vingt morceaux du 5 mai 1962 –tout le CD2) et au Palais de Chaillot (neuf titres, 29 mars 1960), grâce aux équipes techniques de la radio Europe 1 (pas terrible en 1957).
Lorsqu’il célébra les 25 ans de l’orchestre, en 1960, Count Basie (1904-1984) était au sommet de sa popularité internationale. C’est plus que de l’éducation que ce genre de disques permet, c’est de la rééducation des oreilles (et du cerveau) sur ce qu’est la nature même du swing. L’arrivée exubérante de Sonny Payne, qui surclasse son bon prédécesseur Gus Johnson, y est pour beaucoup. Pour Basie: «Comment swinguer? C’est la façon de jouer qui fait tout» (livret). En plus, l’orchestre Basie, à toutes ses époques et surtout celle-là, est une constante démonstration du jeu décontracté (même dans l’effervescence), agrémentée d’une parfaite maîtrise des dynamiques (exemple: la fin de «Segue in C»), des contrastes entre les pupitres.
L’écoute des amateurs (parfois chevronnés) comme des consommateurs de jazz, trop soumise à la performance des solos (l’improvisation n’est qu’un plus, et non un but), passe donc souvent à côté d’un intérêt primordial de l’art des grands ensembles, celui de l’orchestration (d’où l’importance des arrangeurs comme Neal Hefti, Ernie Wilkins, Buster Harding, Frank Foster, Thad Jones, Quincy Jones, Benny Carter).
Le plaisir de l’auditeur doté d’une bonne oreille éduquée est de percevoir au-delà d’un résultat sonore global, tous les détails de traitement du son et du rythme, pupitre par pupitre, voir des alliages (exemples: passages de flûte et trompettes avec des sourdines différentes dans «Segue in C»; background au solo de basse dans «Mama’s Talking Soft» par deux flûtes –Wess et Dixon-, clarinettes –Royal et Foster- et clarinette basse –Fowlkes-; stop chorus écrit pour la section de trompettes dans «Discomotion»). On regrette donc que le livret ne donne pas le nom des arrangeurs qui le méritent autant que chaque musicien exécutant, artisan de pupitre comme artiste soliste.
Chez Basie tout porte à l’excellence collective que le «live» préserve autant que la technicité en studio. Il est dommage aussi que les noms des solistes ne soient pas mentionnés, car Basie ne les annonce que rarement (Frank Foster, ts, dans «Little Pony»; Eddie Jones, b, dans «Nails» dont le solo est truffé de citations en 1957 comme en 1962 –même band vocal–) et il est douteux qu’aujourd’hui un nouveau venu sache identifier tel trompettiste même au jeu considéré, hier, comme personnel (exemple: Snooky Young, au style swing et percutant avec plunger dans «Who Me»).
L’album Atomic Basie, d’octobre 1957, sur des arrangements essentiels de Neal Hefti («Lil’ Darlin’», «Splanky», etc.), pour le label Roulette nouvellement lancé, marqua une nouvelle étape pour cet orchestre qui disposait d’une belle phalange de solistes (Joe Newman, tp, Henry Coker, tb, Eddie Lockjaw Davis, ts), de premiers pupitres (Wendell Culley et Snooky Young, tp, Marshall Royal, as) et d’une rythmique de rêve (Basie, Freddie Green, g, Eddie Jones, b, Sonny Payne, dm) pour son image de marque, le swing. Peu après celui de Duke Ellington (à Newport en juillet 1956, avec notamment les 27 chorus de Paul Gonsalves sur Diminuendo in Blue and Crescendo in Blue), le grand orchestre de Count Basie ressurgit donc sur le devant de la scène jazz internationale, prouvant s’il en était besoin (pour les Hodeir et disciples en tout cas) que la nouveauté n’a nul besoin de renoncer à la raison d’être d’un genre expressif.
A cette même époque charnière 1956-57, Dizzy Gillespie aussi dirigeait un excellent big band, mais il ne s’imposera pas durablement contrairement à celui de Count Basie qui a, avec succès, chez les solistes, joué l’assimilation/intégration d’une approche bop (Thad Jones, tp, Benny Powell, tb, Frank Foster, ts-cl-arr, Frank Wess, as-ts-fl –ces deux derniers recommandés à Basie par Billy Eckstine). Remarquons la stabilité du personnel en 1957-62, clé d’accès à la perfection, pour la rythmique et pour la section de sax à un ténor près (Lockjaw Davis en 1957, puis Billy Mitchell -1960- et enfin Eric Dixon, également flûtiste -1962-). Celle-ci est menée par le premier alto «chantant» Marshall Royal. Sa sonorité donne la couleur et la personnalité de toute la section («Lovely Baby» -où le baryton de Charlie Fowlkes donne du poids-, «One O’Clock Jump» -générique de fin de concert-, «H.R.H», «Easy Money», «April in Paris», etc.). Marshall Royal, musicien de culture classique, était directeur musical, et Count Basie se reposait sur lui. Si Count Basie aimait singulièrement son équipe de 1957 («Quand on avait Joe Newman, Thad Jones, Snooky Young et Wendell Culley là-haut dans la section de trompettes, on était tranquille», in Good Morning Blues, p43 –section malheureusement desservie ici par l’enregistrement: «Bleep Blop Blues», CD1-Joe Newman, tp solo et très difficile passage pour la section menée par Snooky Young), le prélude à sa renaissance est déjà dans l’album April in Paris pour Verve (enregistré les 26 juillet 1955 et 4 janvier 1956) dont des morceaux se sont inscrits durablement à son répertoire et que nous retrouvons ici en 1957 («Corner Pocket» de Freddie Green, arrangé par Ernie Wilkins, donne à entendre Thad Jones –qui reprend la citation de «Cherry Pink» comme dans le disque- et Frank Wess), en 1960 («Shiny Stockings» avec un solo bop de Thad Jones, le piano économe du chef et des breaks de Sonny Payne) et en 1962 («April in Paris», arrangé par Hefti avec sa célèbre fausse coda). On constate qu’au cours des deux concerts de 1957, deux titres seulement viennent de l’Atomic Basie: «Whirly-Bird» (où, concurrence du syndrome Ellington/Gonsalves, Eddie Lockjaw Davis fait monter la «sauce») et «The Kid From Red Bank» bien sûr pour le piano de Basie en vedette (on notera les riffs de trompettes en détaché, et la coda qui prouve que sans un 1_^er trompette et un batteur de classe il n’y a pas de bon big band)!
En 1960, il joue encore «Splanky» de Thad Jones (thème en appel-réponse des sections de cuivres et de saxophones, solo véhément de Billy Mitchell, ts, et les trois notes du chef en clôture).
En 1962, l’incontournable «Li’l Darlin’» d’Hefti d’Atomic Basie est toujours là, avec son solo de trompette écrit, souvent assumé par le premier pupitre (qui rappelons-le n’est pas le soliste attitré qui le plus souvent est 2_^e à 4_^e pupitre, mais le meilleur technicien de l’équipe, pas forcément bon improvisateur, responsable de l’esprit musical à donner à l’ensemble) et qu’une multitude de trompettistes professionnels et amateurs, de par le monde, ont joué et rejoué note pour note. Ce solo créé en 1957 par Wendell Culley (avec la sourdine harmon avec tube et du vibrato) fut repris, comme ici (librement), par Sonny Cohn qui a remplacé Culley dès 1960. Basie aimait beaucoup Joe Williams qu’il présenta dans un album de 1955 Count Basie swings–Joe Williams Sings (Barclay GLP 3561) et qui deviendra une vedette auprès du grand public. Joe Williams, inspiré par Big Joe Turner et Billy Eckstine, chante juste, avec une bonne diction et un certain swing. Il apparaît ici dans trois titres: «All Right Okay You Win» qui lui convient bien, «Roll ‘Em Pete» (solo de Frank Wess, ts), deux blues, et le «Gee, Baby» de Don Redman (1957).
C’est Quentin Jackson qui a remplacé Al Grey, parce que «Base» voulait qu’il y ait toujours un spécialiste du plunger dans la section de trombone. Et Quentin Jackson nous donne là de belles démonstrations: «Makin’ Whoopee», «Segue in C» (qui vaut aussi pour le véhément sax ténor au son charnu, Billy Mitchell). Quentin Jackson dispose d’excellents collègues de pupitre bons solistes: le bopper Benny Powell («A little Tempo Please») et surtout Henri Coker, puissant («In a Mellow Tone» où il débute sur des notes pédales; «Blues in Hoss’ Flat», morceau de Basie et Foster pour l’album Roulette Chairman of the Board de 1958, rendu célèbre par le sketch de Jerry Lewis, avec ici un Snooky Young, méchant et growleur avec le plunger).
On ne compte plus les big bands qui ont joué «Cute» de Neal Hefti destiné à mettre en valeur le batteur et lancé par l’album Basie Plays Hefti (avril 1958, Roulette Records R52011). Mais rares sont ceux qui avaient un artiste comme Sonny Payne aux balais (ici, en 1962 –Frank Wess, fl-). Bien entendu les critiques conventionnels n’en avaient que pour Max Roach et Art Blakey (qui sont passés en 1956-57 par un sommet dans leur genre), sans porter assez attention à Sonny Payne, un transfuge de l’orchestre Erskine Hawkins qui a beaucoup joué au Savoy pour les danseurs. Il swingue de façon directe, intense. Un atout de Basie est dès lors le jeu furieux de Sonny Payne à la fin de nombreux titres («Lovely Baby» -notez le «shake» du premier trompette-, «In a Mellow Tone», ««Splanky», «Bleep Blop Blues», etc).
En 1962, Count Basie mélange vieux succès («Jumpin’ at the Woodside» -bon solo avec citations de Frank Foster-) et nouveautés du moment tirées de The Music of Benny Carter (7 septembre 1960, Roulette 52056) et From the pen of Benny Carter (2 novembre 1961, Roulette 52086), respectivement «Vine Street Rumble» (en vedette: le Count et Eric Dixon, disciple de Paul Gonsalves) et «Easy Money» (solos de Thad Jones et Benny Powell).
Dans «Toot Sweet», on retrouve les préoccupations d’alliage sonore présentes dans l’album Impulse! The Kansas City 7 (mars 1962): la trompette avec sourdine de Thad Jones et la flûte de Frank Wess (ils sont aussi solistes dans «Why Not»). Dans «Easin’ It» de Frank Foster, toute la section de cuivres est à l’honneur (alternatives, dans l’ordre: Henry Coker, ouvert, Quentin Jackson, plunger, Benny Powell, sourdine soft, puis Al Aarons, Sonny Cohn, Snooky Young, Thad Jones).
Le méconnu Eric Dixon (1930-1989) est soliste dans «Basie» d’Ernie Wilkins et dans la ballade «You’re Too Beautiful» (influence de Ben Webster).
Quentin Jackson (plunger) est soliste dans «I Need to Be Bee’d With» de Quincy Jones (qui vaut aussi pour Basie) et en contre-chant d’Irene Reid dans «The Blues» (lent), tandis que le bopper Benny Powell est en vedette dans «The Song is You», un standard qui a pour pendant «Stella by Starlight» pour un remarquable trompette concurrent d’Harry James en Sonny Cohn (vibrato, beaux aigus!). Cette nouveauté, puisqu’il s’agit d’inédits, intéressera les jazzophiles vétérans qui retrouveront les principes de leur formatage (et l’ambiance des concerts du Count), mais aussi les apprentis batteurs, les orchestrateurs et ceux qui aiment que ça swingue de façon ludique sans chercher, contrairement à cette chronique, à savoir qui fait quoi.

Michel Laplace

Jeb Patton
Shades and Tones

Jeb Patton (p), D. Wong (b), Lewis Nash (dm), Albert Tootie Heath (dm) + Elena Pinderhugues (fl), Michael Rodriguez (tp), Dion Tucker (tb), Dmitri Baevsky (as), Pete Van Nostrand (dm)
Make Believe, Gigi, Rise & Fall, Cool Eyes, Orpheo’s Wish, Holy Land, Hidden Horizons, I’ll Be Around, Foreign Freedom, Violets for Furs, Juicy Lucy
Enregistré en 2014, New York
Durée: 1h 03’
Cellar Live 010515 (www.cellarlive.com)

Même s’il a dépassé la quarantaine Jeb Patton est pour nous une découverte. Nous sommes face à un brillant pianiste qui, tout en ayant un toucher moderne, joue un jazz ancré dans la tradition et avec le swing. Jeb tire ses connaissances des enseignements de Sir Roland Hanna. Les prestations en trio offrent un grand dynamisme et mettent en évidence toutes les qualités de Patton: virtuosité sans effet inutile, percussivité. Son jeu main droite déborde de vivacité. Jeb offre pour ce travail en trio notamment deux excellents thèmes de Horace Silver et un de Jerome Kern. Ses partenaires, s’inscrivant parfaitement dans le travail de Jeb, sont économes en soli mais dans ce domaine Nash est excellent sur «Cool Eyes». Patton sait aussi se montrer maître dans la ballade comme il le fait savoir sur «Violets for Furs». On doit noter également que le trio joue de la même manière que ce soit Nash ou «Tootie» qui manient les baguettes.
Les cinq compositions personnelles révèlent également les possibilités du pianiste dans cet art. Il y inclue trompette, flûte, saxo ou trombone. Sur «Gigi», «Rise and fall» et «Orpheo’s wish» on relève la présence de la flutiste Elena Pinderhugues. Une petite vingtaine d’années et un grand talent. Si elle est ici à disposition du pianiste (avec un beau solo sur le dernier de ces thèmes); en d’autres circonstances on peut l’entendre exprimer pleinement toute sa classe. Elle a déjà côtoyé quelques pointures comme Hancock, Barron, Spalding, «Maraca», Redman…
Le trompettiste Michael Rodriguez rejoint les partenaires de Patton dès que la géométrie du groupe dépasse le trio. C’est un bon interprète qui, dans un solo, se hisse à la hauteur de son leader; il est époustouflant sur «Hidden Horizons». Dion Tucker (tb) s’incorpore à la formation sur plusieurs des compositions de Jeb, ainsi que Dmitri Baevsky (as) sur «Foreign Freedom» ce qui transforme sur ce thème la formation en un beau quintet. On notera que sur quatre des cinq compositions de Jeb Patton les batteurs attitrés disparaissent au profit de Pete Van Nostrand et que le bon contrebassiste David Wong est présent sur l’ensemble des titres.

Patrick Dalmace

Antonio Adolfo
Tema

Antonio Adolfo (p), Marcelo Martins (fl, ss), Leo Amuedo (elg), Claudio Spiewak (g), Jorge Helder (b), R. Barata (dm, perc), Armando Marçal (perc)
Alegria for all, Natureza, Phrygia Brasileira, Sambojazz, Alem mares, Sao Paulo Express, Todo dia, Trem da Serra, Melos, Variations on a Tema Triste
Enregistré à Rio de Janeiro (Brésil), date non précisée
Durée: 52’
AAM Music 0708 (www.aammusic.com)

Antonio Adolfo a exhumé plusieurs de ses travaux de la fin des années soixante, pour certains en collaboration avec Tiberio Gaspar, Xico Chaves. Il les a, cinquante ans après, à la lumière de la maturité, retravaillés, réarrangés, transformés en versions instrumentales et enregistrés avec des musiciens actuels. On est dans l’ensemble en présence de versions qui prennent leur liberté face à la MPB qui nous est bien connue comme le «Phrygia Brasileira» inspiré pourtant du folklore. Antonio Adolfo est un excellent pianiste au style très percussif comme le montre «Sambo Jazz». Sur ce dernier thème il s’adjoint les percussions de samba offertes pas Hugo Sandim.
Le disque recèle d’autres bonnes plages à l’image de «Alegria for all», «Sao Paolo Express» ou encore «Trem da Serra». Parmi ses excellents partenaires signalons le très bon travail des percussionnistes et l’interprétation de Leo Amuedo (elec.g) sur «Sao Paolo Express» et «Sambo Jazz» auquel se joint celui qui au long du disque tient la guitare acoustique, Leo Spiewak, pour ce dernier thème à la basse électrique. Quant à M. Martinez nous le préférons nettement au saxophone soprano plutôt qu’à la flûte.

Patrick Dalmace

European Jazz Sextet
Live at the International Jazzfest in Viersen

V'S Groove, D'NA, Lonnies's Lament, Impressions, Chasin' the Trane
Alan Skidmore (ts), Gerd Dudek (ts,ss), Jiri Stivin (as, fl), Steve Melling (p), Ali Haurand (b), Clark Tracy (dm)
Enregistré le 27 septembre 2013, Viersen (Allemagne)
Durée: 48' 18''
Konnex 5309 (www.konnex-records.de)

Selon une formule assez inhabituelle (deux sax ténor dont un joue aussi du soprano, et un sax alto également flûtiste, devant une section rythmique conventionnelle), ce sextet, enregistré en public au festival Jazzfest de Viersen fait preuve d'un bel enthousiasme. Il reprend trois thèmes de John Coltrane (issus des albums Crescent, Chasin' the Trane etImpressions) et développe, dans la même veine, deux thèmes composés par le pianiste (évidemment, très influencés par McCoy Tyner). L'univers est connu, mais semé d'embûches, tant on a usé de pointes de lecture sur nos platines vinyles en écoutant les versions originales. Pourtant, ces cinq musiciens natifs de Grande Bretagne, d'Allemagne, de République Tchèque, et de Pologne, semblent avoir pour langue maternelle un«esperanto» du jazz contemporain familier et savant.
Magie, magie... car, où et quand se retrouvent-ils donc pour répéter, choisir les thèmes et définir les arrangements? tant l'alchimie de cette rencontre fonctionne bien. Les arrangements subtils et efficaces, le drive d'enfer et les solos très inspirés emportent l'enthousiasme (les spectateurs ne s'y trompent pas et applaudissent à tout rompre, affolant, parfois, les aiguilles des potentiomètres). Le résultat est tout simplement stupéfiant: un hommage et une re-création de l’œuvre de Coltrane d'un tel niveau mérite l'admiration. Bravo messieurs!

Daniel Chauvet

Frank Sinatra
Live in Paris. 5/7 juin 1962

Goody Goody, Imagination, At Long Last Love, Moonlight in Vermont, Without A Song, Day-In Day-Out, I've Got You Under My Skin, I Get a Kick Out Of You, The Second Time Around, Too Marvelous for Words, My Funny Valentine, In the Still of the Night, April in Paris, You're Nobody Till Somebody Loves You, They Can't Take That Away From Me, All the Way, Chicago, Night and Day, One for My Baby, I Could Have Danced all Night, A Foggy Day, Ol' Man River, The Lady Is a Tramp, I Love Paris, Come Fly With Me
Frank Sinatra (voc), Bill Miller (p), Al Viola (g), Emil Richards (vb), Harry Klee (as, fl), Ralph Pena (b), Irv Cottler (dm)
Enregistré 5 et 7 juin 1962, Paris
Durée 1h 18' 51''
Frémeaux & Associés 5470 (Socadisc)

Comme on célèbre le centième anniversaire de sa naissance, Frank Sinatra se retrouve opportunément à la une de nombreux de magazines censés incarner le bon goût en matière de Culture. «The Voice» est donc de nouveau en cour. «C'est dur d'être aimé par des cons!» aurait pu titrer le regretté Cabu, grand connaisseur du jazz. Oubliées donc ses relations troubles avec la mafia, ses rapports tumultueux avec les Kennedy et ses frasques scandaleuses. Dix-sept ans après sa disparition, Frankie est pardonné; il n'est même plus ringard...
On se réjouira, à l'inverse, de l'initiative des éditions Frémeaux de mettre à notre disposition ce live de 1962. A 46 ans, Sinatra est alors au sommet de sa gloire et c'est la première fois qu'il se produit à Paris (au Lido le 5 juin et à l'Olympia le 7 juin), au cours d'une tournée mondiale, entièrement à sa charge (car à but caritatif). Etait-ce pour redorer son image? Sur des arrangements de Neal Hefti, il est accompagné par le sextet du pianiste Bill Miller pour un show millimétré, (identique tout au long de sa tournée) et impeccable de bout en bout, devant le «tout Paris». Juliette Gréco, Fernand Raynaud, Tino Rossi et Henri Salvador, étaient-là, dit-on. La noblesse de ses intentions ne l'empêchera pas toutefois de passer quelques moments privilégiés et privés (heureux homme) avec les «Bluebell Girls», ces danseuses sculpturales du cabaret du Lido. Certes, il reviendra quatre fois à Paris entre 1975 et 1991, mais les fans inconditionnels du «crooner aux yeux bleus», ne manqueront pas de porter une oreille attentive aux vingt-cinq chansons de ce CD.

Daniel Chauvet

Bossa Nova in USA
1961-1962

3 CDs: titres et personnels détaillés dans le livret
Enregistré entre 1959 et 1962, principalement en Californie
Durée: 1h 09’ + 1h 02’ 26’’ + 1h 07’ 56’’
Frémeaux & Associés 5482 (Socadisc)

Plus de 50 titres, soigneusement sélectionnés, répartis sur seulement deux années permettent d’avoir une bonne vision de ce qu’a pu être la vogue de la bossa nova aux USA. Si le livret présente le célèbre concert du Carnegie Hall du 21 novembre 1962 comme l’événement fondateur de cet engouement, il n’est pas le point de départ de l’intérêt des jazzmen américains pour la musique brésilienne et la bossa nova. Mentionnons, parmi d’autres, la visite à Rio, dès 1959, de Sarah Vaughan puis celle, l’année suivante, de Lena Horne qui se lance dans l’interprétation de «Bim Bom» de Joao Gilberto au club Copa. La même année, Charlie Byrd s’intéresse au genre puis Tony Bennett et Don Payne qui, captivé par les explications qu’on lui donne et la musique qu’il écoute, rapporte à Stan Getz tout ce qu’il a pu apprendre et acquérir. Herbie Mann et de nombreux jazzmen sont présents à Rio de Janeiro pour l’American Jazz Festival en juin 61. Le flûtiste a aussi passé de longues journées en Californie avecJoao Donato. Dans l’univers des jazzmen, la table bossa nova est mise depuis quelques mois lorsque le fameux concert est organisé et le grand public conquis.
Le coffret présenté par Frémeaux & Associés rassemble ainsi une très grande majorité d’enregistrements antérieurs au concert de novembre 62, qui, mis sur le marché quasiment à la sortie des studios, étaient donc à disposition du public américain. Tout était prêt pour le raz-de-marée populaire. Des thèmes précèdent même les dates indiquées par le coffret: celui de Bud Shank (signalé 1959) est en réalité enregistré en mars 1958 à Los Angeles; ceux du vocaliste Jon Hendricks sont de 1961. D’autre part, la date de 1962, proposée pour «Speak Low» (CD2) de Laurindo Almeida, nous semble une erreur car le WP 1412 dont il serait issu est une réédition du PJ 1204 enregistré en avril 1954. Petite erreur aussi, Charlie Rouse enregistre sa version pleine de swing de «Samba de Orfeu» (CD3), non pas en 1960, mais juste après le concert du Carnegie, le 26 novembre 1962 à New York.
Qui sont les jazzmen ayant enregistré la bossa nova et pourquoi cet intérêt? Notons qu’à l’exception de Dizzy Gillespie, fasciné par tout ce qui est latin, Charlie Rouse, Coleman Hawkins et Jon Hendricks tous les autres acteurs proviennent du jazz «blanc». Et il y a une certaine logique.
La bossa nova est le produit musical d’une jeunesse brésilienne blanche, certes en rupture mais issue de milieux aisés et raffinés qui vit hors des quartiers noirs, principalement vers les plages. Imprégnés de culture européenne ces jeunes écoutent pourtant le jazz, celui de la Côte Ouest des Etats-Unis, Rogers, Mulligan, Baker, Brubeck… mais aussi du bebop. Tous sont de brillants musiciens avec une solide formation classique, académique. Ils composent une musique de qualité, avec de belles harmonies, des arrangements raffinés, des paroles soignées offertes pas des auteurs de talent. (Jon Hendricks voulait toujours en connaître le sens avant de s’en emparer).
De par leur culture et leur formation, les jazzmen du style dit West Coast sont les plus attirés par cette jeune génération brésilienne et les plus sensibles à la bossa nova – très clairement un polissage du samba populaire – et c’est grâce à eux que la bossa a pu sortir de la confidentialité et du Brésil.
Stan Getz est bien entendu le chef de file du «mouvement». Il offre sur ces disques cinq thèmes, abondamment diffusés par ailleurs, dont trois de son tout premier enregistrement avec Charlie Byrd en mars 1962. Dave Brubeck était incontournable et ses cinq titres sont tous issus de l’album sorti début 1963. On relève également le très bon Zoot Sims dont le son convient bien au genre sur l’historique «Maria Ninguém» (CD3) et les moins connus «Ciume» (CD2), «Recado bossa nova» (CD2), «Cantando a Orquestra» (CD3) le tout provenant de la même session d’enregistrement du mois d’août 1962.
Herbie Mann est sans aucun doute l’un des plus prolixes de l’année 62, il enregistre la Bossa à tour de bras en mars, avril et octobre. Sa présence à Rio de Janeiro dans les mois antérieurs et le fait qu’il s’installe en studio en octobre dans la cité carioca lui ont permis de rassembler autour de lui des noms comme Baden Powell (g), Sergio Mendes (p), Durval Ferreira (g), Paulo Moura (as), Carlos Jobim (p et voix), Dom um Romao (dr)… Les cinq morceaux présentés ici sont issus de trois sessions successives de ce dernier mois avec des personnels différents. On en goûte la richesse rythmique particulièrement dans « Deve ser amor» (CD1), «Influênza do jazz» (CD1).
Deux noms très discutés chez les amateurs de jazz, ceux de Cal Tjader et de George Shearing ne pouvaient faire défaut. De Tjader cinq morceaux nés en mars 62 à Hollywood figurent sur les CDs. Ils font partie d’un ensemble comprenant aussi des thèmes mexicains montrant la versatilité de Carl et son flair quant à surfer sur les modes. Shearing apporte sa version du célèbre «Manha de Carnaval» (CD1) avec une interprétation qui correspond assez bien à l’atmosphère de la musique originale du film de Marcel Camus plus qu’à une version jazz et «One note samba» (CD1).
Coleman Hawkins enregistre en septembre des disques qui ne sortiront qu’au début de l’année suivante. On apprécie le jazzman qui prend le pas sur la musique brésilienne. Hawkins a su déceler dans le réservoir de la Bossa un titre clé de celle-ci «O Pato» (CD2) et en donner une version très personnelle.
D’autres interprètes peut-être moins connus méritent d’être écoutés comme le Brésilien Laurindo Almeida dont le rôle a été important dans l’implantation de la musique brésilienne en Californie avant même la naissance de la Bossa Nova puisqu’en 1952 il pratique déjà une fusion jazz-choro avec Bud Shank. Il offre ici l’excellent «Speak low» (Cd1) (1954). On retrouve d’ailleurs sur le CD1 Laurindo avec Bud pour «Lonely» non en 1959 comme le précise le livret mais à Hollywood en mars 1958. Figure aussi sur les différents disques Bob Brookmeyer avec «Chora sua tristeza» (CD1) d’août 1962. Le trombone swingue bien et les guitares et percussions brésiliennes donnent l’ambiance. «A Felicidade» nous semble bien moins intéressant. On trouve encore cinq thèmes interprétés par le pianiste argentin Lalo Schifrin.
La prestation de Gillespie à la trompette est excellente mais il propose une introduction puérile dans «Chega de Saudade» (CD1). C’est son partenaire Lalo Schifrin (p) qui apporte le back groundbrésilien car Dizzy joue jazz. Cela vaut pour «Desafinado» (CD2).
Il est surprenant de ne pas avoir choisi pour cette compilation d’inclure Cannonball Adderley qui, en décembre 1962 à New York, enregistre magnifiquement des thèmes moins classiques permettant de prendre une liberté et de se montrer moins cool que ne le sont Getz, Brubeck et autres.
Nous avons aussi aimé pourvoir comparer les diverses versions d’un même thème proposées par le coffret. Ecouter «Desafinado» par Getz, Dizzy, Hawkinsoffre la possibilité d’apprécier la manière dont chacun aborde la Bossa et la ressent. C’est vrai aussi pour «Samba de uma nota so» par Brubeck, Mann, Shearing, Hawkins; «Chega de Saudade» par Hawkins et Gillespie. On aurait aimé une autre version de «Meditação» en plus de celle de Tjader.
On ne peut que recommander ce très beau coffret qui rassemble bien l’essentiel des amours entre jazz et bossa nova.

Patrick Dalmace

Sarah Thorpe
Never Leave Me

Just Say Goodbye, Better Than Anything, I’m Gonna Leave You, Mack The Knife, Where’d It Go, Nowhere to Go, Jive, Nerver Leave Me, Para Raio, The End of the Line
Sarah Thorpe (voc), Olivier Hutman (p, arr), Darry Hall (b), Philippe Soirat (dm) + Ronald Baker (tp, flh), Guillaume Naturel (ts, fl)
Enregistré les 29-30 décembre 2014 et le 14 janvier 2015, Maurepas (78)
Durée: 41' 58''
Spirit of Jazz Productions / Elabeth ST001 (www.spiritofjazz.fr)

Pour ce premier enregistrement, Sarah Thorpe nous offre une promenade sensible entre standards et titres moins courus. Formée par Daniela Barda et Sarah Lazarus, elle a également suivi l'enseignement de Joe Makholm, Michele Hendricks et Géraldine Ros. Entourée par un quintet monté pour cette session, la chanteuse impose son univers particulier, entre jazz et rythm'n'blues, sur les arrangements inspirés d'Olivier Hutman, qui compte également à son actif une prestigieuse carrière d'accompagnateur (Clifford Jordan, Steve Grossman, Clark Terry, Stéphane Grappelli, etc.). On lui doit notamment ici un «Mack the Knife» métamorphosé et sur lequel Sarah Thorpe a posé de nouvelles paroles. Il en ressort une ballade brillante, sans doute le morceau de bravoure de cet album.
C'est que la vocaliste franco-britannique, a, en effet, et avant tout, le talent de s'être très bien entourée: Darryl Hall, une référence de la scène jazz internationale (Benny Golson, Kirk Lightsey, Mary Stallings, Eric Reed, Dianne Reeves, etc.), un excellent batteur parisien, Philippe Soirat, et deux très bons guests, Ronald Baker et Guillaume Naturel. Portée par ce line-up de luxe, Sarah Thorpe tire son épingle du jeu sur les tempos lents, qui lui permettent de jouer sur l'émotion. On a sinon plaisir à entendre le solo de Darryl Hall en ouverture de «Better Than Anything», les interventions de Philippe Soirat sur «Jive» ou l'élégante sourdine de Ronald Baker sur «Just Say Goodbye». Le disque se termine avec une vibrante reprise de Nina Simone, «The End of the Line», qui contribue à en faire de l'ensemble un beau moment d'évasion.

Patrick Martineau

Mack Avenue SuperBand
Live From the Detroit Jazz Festival 2014

Introduction, Riot, The Struggle, A Mother's Cry, Santa Maria, For Stephane, Introduction to Bipolar Blues Blues, Bipolar Blues Blues
Tia Fuller (as, ss), Kirk Whalum (ts, fl), Aaron Diehl (p), Rodney Whitaker (b, dir), Evan Perri (g), Carl Allen (dm), Warren Wolf (vib)
Enregistré le 1_^er septembre 2014, Detroit (Michigan)
Durée : 59’ 12’’
Mack Avenue 1096 (www.mackavenue.com)

Enregistré en live lors d’un grand festival américain, avec un orchestre a priori de rêve quand on note la présence de Carl Allen, Rodney Whitaker et Aaron Diehl, le résultat est très décevant, en dépit des applaudissements, avec trois premiers thèmes très démagogiques (on est à Detroit) quand on connaît la valeur de ces musiciens.
Sort du lot le «Santa Maria» d’Aaron Diehl qui fait briller ses talents de compositeur et de grand concertiste sur la première composition digne de ce nom qui fait d’ailleurs la différence avec le thème suivant «For Stephane» qui tire pourtant son inspiration de la même source.La touche finale sur «Bipolar Blues Blues» de Kirk Whalum, plus rhythm’n’blues, a pu faire danser sur place, mais reste assez pauvre pour l’écoute en disque, bien que plus épicé que la plupart des autres thèmes. Et pourtant la section rhytmique est vraiment de rêve et en donne quelques moments sur «Bipolar Blues Blues». C’est dommage!

Yves Sportis

Ran Blake / Ghost Tones
Portraits of George Russell

L'Air de rien, Eteignez vos portables, For Lena l'aînée, March à suivre, Jambon beurre shuffle, Introduction Back From N.O., Back From N.O., The Blessing, C'est quand qu'on arrive, MACH1N N1, Milled Quiet Moon, Après le calme, la tempête, The Groove Merchant
Pierre Guicquéro (tb, comp, arr), Julien Silvand (tp), Davy Sladek (as, ss), Franck Pilandon (ts, bs), Bruno Martinez (p), Dominique Mollet (b), Marc Verne (dm)
Enregistré du 22 au 25 avril 2014, Clermont-Ferrand (63)
Durée: 1h 02’ 05’’
Black & Blue 800.2 (Socadisc)

Pierre Guicquéro est de ces musiciens effacés mais brillants qui peuplent les différents orchestres français de jazz: nous l’avons entendu au sein de l’Anachronic Jazz Band, du Paris Swing Orchestra, du Julien Silvand All Stars, des Be Bop Stompers, de Sac à Pulses, du Big Band de Jean-Loup Longnon… et du Montier Guicquéro Quintet (le MGQ!). Cette énumération, longue mais non exhaustive (car il est n’est pas rare de le retrouver à «faire des remplacements» au sein d’autres grandes formations), dit tout son talent et sa capacité d’adaptation aux contextes les plus divers, ainsi que de sa connaissance assimilée des univers musicaux du jazz. Il a d’ailleurs une bonne vingtaine d’albums à son actif en tant que sideman de formations plusieurs fois primées.
Arrivé à l’âge de raison et avant de souffler sa dernière bougie de quadra (il est né à Vitry-Sur-Seine en 1968) et profitant de l’opportunité d’enregistrer à l’opéra de Clermont-Ferrand, Pierre Guicquéro s’est enfin décidé à sortir de l’ombre rassurante du musicien pour musiciens aux fins de réaliser en tant que maître d’œuvre cet album Back From N.O. Avec ce P.G. Project, il nous expose sans fard un panorama de son imaginaire musical avec pas moins de onze compositions personnelles sur treize que compte cet album (les deux autres étant empruntées à deux auteurs non négligeables, Ornette Coleman et Jérôme Richardson). Toutes ces créations, qui puisent à la meilleure tradition du swing, sont bien écrites. Les thèmes solides manifestent un réel sens de la mélodie. Sans être simples, les arrangements bien construits conservent une parfaite clarté. Ce septet sonne d’ailleurs souvent comme une grande formation («The Groove Merchant»).
Tous les musiciens de cette formation sont à féliciter pour la qualité de leur participation; les ensembles sont parfaitement équilibrés tout en étant joués avec une belle générosité. L’intervention de chacun en tant que soliste n’est pas moins remarquable. Le Toulousain Julien Silvand est particulièrement brillant («Marche à suivre», «Introduction Back from N.O.», «Back from N.O.», «Jambon, beurre, shuffle»). Franck Pilandon au ténor et au baryton («Eteignez vos portables») fait preuve d’une belle maîtrise instrumentale. Davy Sladek a un beau phrasé («Après le calme la tempête» et le chase «March à suivre»). Bruno Martinez est un pianiste sûr; son accompagnement et ses liaisons sont parfaits; quant à ses interventions elles ont la belle élégance de la concision («C’est quand qu’on arrive»). Marc Verne est présent et bien présent («Marche à suivre», «Jambon beurre shuffle»). Dominique Mollet possède une très belle musicalité; c’est un contrebassiste qui mérite à être connu («Milled Quiet Moon»). Sa mise en place est remarquable et son accompagnement en duo avec Guicquéro sur la pièce d’Ornette Coleman, un modèle du genre, est l’un moment fort de cet album. Tout au long de son opus, le tromboniste fait montre de sa grande maîtrise instrumentale et d’un grand sens musical: excellent soliste, il sait également établir les équilibres musicaux.
Pour réaliser Back From N.O., Guicquéro a dû, comme beaucoup d’artistes actuellement, faire appel à une souscription. Remercions les personnes qui ont permis l’enregistrement de ce magnifique album dans lequel tous les musiciens servent cette musique de qualité avec une ferveur amoureuse.

Félix W. Sportis

Chico Freeman 4-tet
Spoken Into Existence

Seven Steps to Heaven, Free Man, India Blue, Black Inside, Dance of Light for Luani, Nia’s quest, N’Tiana’s Dream, lara’s Lullaby, Erika’s Reverie, Soft Pedal Blues, Niskayuna, The Crossing, Ballad for Hakima
Chico Freeman (ss, ts), Antonio Farao (p), Heiri Känzig (b), Michael Baker (dm)
Enregistré à Munich et Nuremberg, date non précisée
Jive Music 2080-2 (www.jivemusic.at)

Chico Freeman / Heiri Känzig
The Arrival

One for Eddie Who 2, Early Snow, The Essence of Silence, Ancient Dancer, Will I See You in the Morning, Dat Dere, Song for the Sun, Just Play, Eye of the Fly, After the Rain, To Hear a Teardrop In the Rain, Chamber's Room
Chico Freeman (ts), Heiri Känzig (b)
Enregistré les 13-14 décembre 2014, Winterthur (Suisse)
Durée: 1h 00’ 20’’
Intakt 251 (www.intaktrec.ch)

Bien qu’il paraisse toujours jeune, Chico Freeman est un son du saxophone qui s’impose depuis la fin des années 1970. Fils du grand et regretté Von Freeman, il a fait partie de cette belle génération musicale qui a gardé au jazz sa capacité d’inventivité et son authenticité à travers le temps. De son parcours enraciné dans la tradition chicagoane du père et dans l’expérimentation de l’AACM, où il développa aussi une partie de ses recherches musicales, il a au cours du temps donné un exemple original d’ouverture d’esprit: ne reniant jamais, contrairement à une partie de ses pairs de l’AACM, la grande tradition du jazz, des beaux sons, du récit et des standards appris auprès de son père, il a quand même su faire sienne un esprit d’aventure propre à la Cité des vents, ne récusant pour autant ni le blues, ni le rhythm & blues, ni la soul, ni même parfois des formes plus «commerciales» de l’expression musicale afro-américaine. Il a conservé ainsi un jeu naturel, direct et pourtant sophistiqué, comme le jazz, et un souci d’originalité dans tous les formats qu’il a fréquentés, au sein de ses quartets, de ses groupes comme les leaders.
Aujourd’hui Européen d’adoption, on le retrouve ici sur deux enregistrements en quartet et en duo saxophone-basse avec des musiciens européens, l’excellent Antonio Farao (p) et une découverte, le bassiste autrichien Heiri Känzig, plus Michael Baker à la batterie. C’est la formation, à l’exception du batteur remplacé par le vieux et brillant compagnon Billy Hart, qui s’est produite l’été 2015 à Jazz à Vienne au Théâtre de minuit, alors qu’elle aurait tout aussi bien pu prétendre à la grande scène au milieu de la soirée la plus jazz de la quinzaine.
Le disque en duo est composé essentiellement de ballades originales soit de Chico soit de Heiri, parfois des deux, plus deux standards, «Dat Dere» (Bobby Timmons) et «After the Rain» (Coltrane). Le beau son feutré de Chico et la contrebasse chantante d’Heiri ont beaucoup de place pour s’exprimer sans pression, avec beaucoup d’écoute réciproque, de complicité, sans abstraction. L’atmosphère de certaines compositions est propre à l’univers apaisé habituel de Chico Freeman que l’on connaît depuis ses débuts: sérénité, sensualité, spiritualité, et le contrebassiste se coule avec adresse dans cet environnement.
Le disque en quartet propose essentiellement des compositions originales de Chico Freeman (huit) dont cinq belles compositions dédiées à ses cinq filles, plus deux d’Antonio Farao, une de Heiri Känzig, une de Miles Davis et un blues de Stanley Turrentine. L’ensemble du disque appartient au climat jazz de la fin du XX_^e siècle, avec parfois un petit manque de relief, d’impulsion. En live, la formation semblait plus tendue...

Yves Sportis

Claude Luter / Barney Bigard
The Paris Session

Struttin' With Some Barbecue*, Mood Indigo*, Double Gin Stomp, Sweet Lorraine*, Royal Garden Blues, Doobooloo Blues, Honeysuckle Rose, China Boy*, "C” Jam Blues*, Sobbin' and Cryin'*, S' Wonderful*, Promenade aux Champs-Elysées*
Barney Bigard (cl), Claude Luter (cl), Eddie Bernard (p), Roland Bianchini (b), Teddy Martin (dm)
Enregistré les 14 et 15* février 1960, Paris
Durée: 53’ 25’’
Milan 399 349-2 (Universal)

Voici enfin réédités des enregistrements effectués en France par des musiciens français de jazz et un américain qui méritent le qualificatif d’historiques et d’indispensables. Précisons que deux titres de ce Paris Session ne concernent que Barney Bigard («Sweet Lorraine» et «S' Wonderful»). Mis à part deux originaux cosignés (1960) par les deux clarinettistes, le programme est puisé dans un répertoire ancien composé entre 1919 et 1951: des pièces faisant référence au style new orleans évidemment, mais également deux compositions tardives (1947 et 1951) de Sidney Bechet, ainsi que d’Ellington, de Waller, de Gershwin sans oublier une révérence à Jimmy Noone («Sweet Lorraine»).
Dans le livret, Fabrice Zammarchi rappelle les circonstances qui permirent l’enregistrement de ces faces: la réalisation du film Paris Blues, qui vers la fin du quatrième trimestre de 1960 réunirent dans la capitale les orchestres du Duke et de Louie, dont faisait partie Barney Bigard. Charles Delaunay ne fut pas étranger à l’opération et s’activa pour rendre possible cette rencontre. Il fit en sorte de mobiliser un studio sur plusieurs jours «pour engranger de la matière», disait-il.
Lors de la session, Barney Bigard, âgé de 54 ans, était en pleine possession de ses moyens. Son style tout de sérénité était parvenu à une sorte de perfection classique qui faisait de lui le représentant emblématique encore vivant, de la grande école des clarinettistes de New Orleans. Claude Luter avait 37 ans; il était en pleine force de l’âge et tout juste sorti de sa période de gloire, mais aussi de formation, avec Bechet. Et la réunion a tenu toutes ses promesses.
Dans ces enregistrements, Claude Luter s’affirme comme un disciple de Sidney Bechet/clarinettiste, celui de «Blue Horizon» (1944), de «Egyptian Fantasy» (1941), et de «Old Stack O Lee Blues» (1946). Il évoque beaucoup le Bechet du début des années 1940; on y retrouve le vibrato du maître sur le blues, («Doobooloo Blues») mais également dans les tempi soutenus (cf. «China Boy» avec Sidney Bechet/Muggsy Spanier mars 1940). Comme lui, dans cet album, Luter «attaque» la clarinette (traitement «hot» du son de l’instrument), il la traite à la manière d’un soprano, lui donnant une expressivité mâle voire agressive. Le vibrato Claude est moins ample, moins soutenu, moins véhément que celui de Bechet. Il n’en demeure pas moins que son style rugueux lui permettait de conduire le discours musical. Au-delà de la très forte présence musicale de Bechet, Luter était en position d’infériorité dans son orchestre par rapport au maître qui utilisait un soprano plus puissant. Or en jouant à égalité, sur le même instrument que son partenaire, Claude Luter pouvait rivaliser et réalisa une session exceptionnelle, dont il avait raison de dire qu’elle constituait son grand œuvre, la «plus grande réussite de sa carrière».
Quant à Barney Bigard, il est impérial tant dans ses solos («Double Gin Stomp», «Doobooloo Blues»), dont la rigueur et la poésie sans affectation constituent la puissance d’évocation, que dans ses dialogues avec Luter et surtout dans sa manière de réinventer à l’infinie la polyphonie néo-orléanaise par la volubilité de son discours léger et la fluidité exquise de son expression. Zammarchi parle de sa part de «féminité» qu’il oppose à la masculinité de Luter; je préfèrerais parler de la tradition d’élégance créole (Lorenzo Tio, son mentor) dont son style témoigne dans ces faces que j’opposerais à la rusticité policée de Luter, héritée celle de Dodds créolisée par le lyrisme de Bechet. Dans les deux titres où il joue en quartet, Bigard nous présente une autre lecture musicale de l’école créole: sur «Sweet Lorraine», très personnelle et différente de celle de Jimmie Noone, son aîné de dix ans qui fut également l’élève de Tio; sur «‘S Wonderful», par la structuration classique acquise à New York auprès d’Ellington.
Les deux solistes sont certes brillantissimes, mais leur prestation doit également beaucoup à la section rythmique qui leur déroule un tapis. Claude Luter disait, à juste titre, que ce fut la meilleure de sa carrière. Roland Bianchini (b) accompagne et soutient à la perfection. Teddy Martin (dm) est présent sans gêner; son accompagnement est rigoureux et ses interventions en solo sont de bonne facture. Mais la pièce maîtresse de cette formation est Eddie Bernard. Au-delà de l’amitié qui unissait les deux hommes, on comprend que Claude Luter ait été très affecté par la disparition d’un artiste de cette trempe. Il y est exceptionnel: dans ses introductions, où il installe des tempi parfaits, dans ses accompagnements aussi stimulants qu’intelligents et justes dans l’esprit de la pièce. Son jeu d’une grande finesse évoque ceux de Teddy Wilson et d’Ellis Larskins. Bernard n’était pas qu’un pianiste «stride», technique qu’il fut l’un des premiers en France à posséder dans toute sa complexité; sa connaissance de la littérature du jazz et sa maîtrise du clavier en faisait tout simplement un grand pianiste. Ses interventions en solo sont dignes des plus grands solistes. «Mood Indigo» est un joyau de cette perfection, au plan de la musicalité et du toucher d’une clarté et d’une densité formidables. Quant à ses deux faces en quartet, Bigard lui doit d’y être sublime; on comprend qu’il l’ait sollicité pour graver ce superbe «Sweet Lorraine» et son étincelant «‘S Wonderful»: le soutien d’un Fatsà l’élégance française. M. Edouard Bernard était un immense pianiste: ces enregistrements lui doivent vraiment beaucoup.
En France au lendemain de la Seconde guerre mondiale, le caractère festif de la musique new orleans a, peut-être, éclipsé, voire occulté la beauté intrinsèque de cette école. Or, ici Bigard et Luter jouent la musique de la musique de Crescent City, en intimité, en communion, en l’absence de toute relation avec l’extérieur, d’où la densité extrême de ces moments superbes: jubilatoires dans «China Boy», «Struttin’», «Honeysuckle Rose» ou «C Jam Blues»; jusqu’à l’extase parfois dans l’exposition du thème de «Mood Indigo» ou le final de «Doobooloo Blues».
Une des albums les plus importants de l’histoire du jazz.

Félix W. Sportis

Dee Dee Bridgewater / Irvin Mayfield / The New Orleans Jazz Orchestra
Dee Dee's Feather

One Fine Thing, What a Wonderful World, Big Chief, Saint James Infirmary, Dee Dee's Feathers, New Orleans, Treme Song/Do Whatcha Wanna, Come Sunday, Congo Square, C'est ici que je t'aime, Do You Know What it Means, Whoopin' Blues
Dee Dee Bridgewater (voc), Irvin Mayfield (tp) and The New Orleans Jazz Orchestra: Bernard Floyd (tp), Ashlin Parker (tp, voc), Eric Lucero (tp), Leon Chocolate Brown (tp, voc), Michael Watson (tb, voc), David L. Harris (tb), Emily Frederickson (tb), Khari Allen Lee (as), Rex Gregory (as, cl), Derek Douget (ts), Edward Petersen (ts), Jason W. Marshall Sr. (bs, bcl), Victor Atkins (p), Don Vappie (g, bjo) , Jasen Weaver (b), Peter Harris (b), Adonis Rose (dm), Bill Summers (perc), Glen David Andrews (voc), Branden Lewis (tp), etc. + Dr. John (voc)
Enregistré du 23 au 25 mars 2014, New Orleans
Durée: 1h 07' 18''
DDB Records / Okeh 88875063532 (Sony)

Dee Dee Bridgewater est devenue une Néo-Orléanaise d’adoption, et comme on a pu le constater en France, quand Dee Dee aime, ce n’est pas à moitié… Elle consacre beaucoup de temps donc, non seulement à faire ce qu’elle sait très bien faire, chanter et animer une scène ou une séance avec un big band, comme ici, mais aussi à promouvoir tout ce qui contribue à faire que New Orleans retrouve la splendeur non seulement de son âme musicale mais que s’y développent de nouvelles initiatives à même de rendre la joie de vivre à la belle Cité du Croissant, un véritable art de vivre. De la France à la ville la plus française des Etats-Unis, il n’y avait qu’un pas et elle a rencontré un des acteurs les plus actifs de ce renouveau néo-orléanais en la personne de l’excellent trompettiste et leader, Irvin Mayfield, qui non seulement dirige plusieurs formations dont ce magnifique big band, mais aussi un club et maintenant un Jazz Market, sorte de centre culturel à l’américaine, où l’on retrouve, depuis son inauguration au printemps dernier, tout ce qu’un amateur de jazz peut souhaiter, des disques, des partitions, un auditorium… On vous en parlera mieux dès qu’un rédacteur de l’équipe l’aura visité.
C’est à cette occasion que Dee Dee et Irvin ont réalisé, pour l’inauguration, un enregistrement, au départ avec cette seule ambition. Conjoncture aidant (10 ans que l’Ouragan Katrina a dévasté la ville), mais aussi excellence de cette rencontre, l’album est devenu un vrai projet discographique, et a reçu un incroyable accueil aux Etats-Unis où il a été placé en têtes des hits du jazz. C’est donc cet album, cet orchestre et la renaissance de New Orleans qu’étaient venus nous présenter, en septembre 2015 à l’Olympia, à Paris, Dee Dee Bridgewater et Irvin Mayfield, soutenus par une opération de communication du New Orleans Convention et Visitors Bureau. Le concert fut un beau succès, d’assistance et d’atmosphère (voir notre compte rendu).
Cet enregistrement est à la hauteur de l’attente et de l’événement. Le big band néo-orléanais, peuplé de musiciens du cru de haut-niveau, dont certains sont déjà des protagonistes de premier plan du renouveau musical de la ville depuis des années (Don Vappie, Adonis Rose…) et même des stars (Bill Summers, Dr. John), tourne à merveille avec cette souplesse d’articulation, ces sonorités qui font encore du New Orleans sound un cas à part dans le jazz, aussi bien sur le plan rythmique que sur le plan du phrasé et de la sonorité. Dee Dee retrouve en cette occasion le punch et la conviction qui sont ses qualités essentielles. Avec son naturel, son exubérance qui se marient si bien à l'esprit de New Orleans, elle transpose littéralement l’amour qu’elle porte à cette ville et à sa musique, très directement, sans maniérisme. Elle possède aussi, sur scène, une énergie et un savoir-faire rares, qui en font une actrice à part entière dans la veine des grands devanciers comme Cab Calloway.
Le répertoire, de standards et de hits néo-orléanais, n’a rien de nouveau et ce n’est pas un problème car les arrangements comme l’interprétation et les interventions sont parfaits, originaux, partageant avec tous et dans l’excellence – la recette de son succès – un patrimoine, aujourd’hui commun, de l’humanité. Une bonne manière de rappeler que New Orleans lives!plus que jamais et qu’il suffit de l’exposer à la lumière pour que nouveaux bourgeons explosent de sa nature exubérante.

Yves Sportis

Fred Hersch
Solo

Olha Maria/O Grande Amor, Caravan, Pastorale, Whirl, The Song Is You, In Walked Bud, Both Sides Now
Fred Hersch (p)
Enregistré le 14 août 2014, Windham (New York)
Durée : 1h 00' 36''
Palmetto Records 2180 (www.palmetto-records.com)

Fred Hersh est un excellent artiste, pianiste classique par la culture (une dédicace est faite à Robert Schumann dans ce disque ainsi qu’à Suzanne Farrell, une grande ballerine américaine née en 1945) qui aura choisi de vivre son art et de se produire comme un artiste de jazz par l’esprit. Il a derrière lui une belle carrière et un production soutenue d’enregistrements (c’est son 10_^ealbum en solo), toujours de grande qualité, où, en véritable artiste, il joue ce qu’il a mûri, pénétré de l’intérieur, maîtrisé. Et son répertoire n’est pas exclusif: il est amateur de belles musiques, et son choix s’écarte du piano classique au jazz ou aux beaux thèmes de la musique populaire (le premier de cet enregistrement par exemple est brésilien) et des standards de jazz bien entendu.
Là, commence sa création, son apport. Il ne jouera pas comme un musicien classique, car il apporte ce qu’il est, son vécu, réharmonisera, enrichira les mélodies tout en les respectant; il apportera même quelques inflexions rythmiques dans l’esprit du jazz quand le morceau ne peut s’en passer («In Walked Bud»), et nous entendons parfois ici par exemple une manière de jouer qui fait référence à Randy Weston («Caravan»). Mais Fred Hersch ne swingue pas et le blues est absent de sa manière, son toucher du clavier appartient à une autre tradition. Ce n’est pas une incapacité technique, car c’est un grand pianiste qui pourrait «faire semblant» comme d’autres (Jarrett et Mehldau…) qui arrivent à tromper qui le veut bien par des artifices.
Fred Hersch se respecte; sa musique est de lui; c’est du très beau piano; c’est un choix artistique, humain, d’une honnêteté radicale qui fait plaisir, d’autant que ses interprétations sont toujours très touchantes de sincérité et captivantes d’inventivité, virtuoses, émouvantes, sans tromperie, sans boursoufflure de l’égo. C’est un musicien savant qui a toujours écouté les artistes avec attention, et qui sait honorer ses sources. Il précise dans la notice que, parmi ses enregistrements en solo, c’est le troisième disque en live, prévu d’abord pour ses archives personnelles, mais qui, répondant à ses critères de cœur, d’esprit et de technique (a first class recording), est ainsi publié, sans que cela ait été prévu. On ne peut mieux décrire une démarche artistique.

Yves Sportis

La Section Rythmique
La Section Rythmique

Just a Closer Walk With Thee, Hard Times, Buddy Bolden's Blues, Elijah Rock, Saint James Infirmary, It Ain't My Fault, Girl of My Dreams, The Mooche, The Nearness of You

David Blenkhorn (g), Sébatien Girardot (b), Guillaume Nouaux (dm)

Enregistré les 4 et 5 mai 2014, Créon (33)

Durée: 43' 26''

Frémeaux & Associés 8514 (Socadisc)

Sur des thèmes «standardisés»dans les années 1950/1960 par des interprètes majeurs du jazz, les faces de cet album illustrent et revisitent toutes les formes de l’expression musicale afro-américaine du Sud au sens large du terme : de la marche funèbre – « Saint James Infirmary » (1928) – à la danse/transe ritualisée – «It Ain’t My Fault» (Smokey Johnson 1964); du negro spiritual – «Elijah Rock» immortalisé par Mahalia Jackson en 1962 – au rhythm & blues – «Hard Times» (Paul Mitchell) magnifié en 1958 par David «Fathead» Newman et Ray Charles; de la bluette – «The Nearness of You» (Hoagy Carmichael, 1937) song sublimé par le duo Ella/Louis en 1956 – au blues néo-orléanais – «Buddy Bolden’s Blues» (1923); de la romance– «Girl of My Dreams» (Sunny Clapp, 1928), transfigurée par Erroll Garner en 1956 et adaptée au gout du jour des années 60 par Etta James – à la parade – «Just a Closer With Thee» (traditional, 1885); du jazz standard – «Night Train» (Jimmy Forrest, 1952) – au jungle style – «The Mooche» (Duke Ellington, 1929).

Mis à part les traditionalet «Buddy Bolden Blues», ces thèmes, souvent révélés ou immortalisés dans/par les musical tours en Louisiane, ont été composés par des musiciens originaires du Middle-West (Jimmy Forrest, Smokey Johnson, Hoagy Carmichael…): effet de l’économie culturelle nomade aux Etats-Unis dès les années 1920.

Par ailleurs, cet album mêle intelligemment les univers sacré et profane qui habitent la tradition musicale afro-américaine; la musique jouée par ces musiciens est inspirée et sentie, profonde, même si elle conserve toujours cette part d’extraversion qui constitue un des caractères essentiels de cette tradition: gospel song joué lors des enterrements, «Just a Closer Walk With Thee», est traité avec beaucoup de sensibilité à la manière d’une danse rituelle ; et «Hard Times», qui relève du work song profane, est joué en recourant à la strette, selon la logique responsorielle de la liturgie incantatoire des chants religieux.

Certes David Blenkhorn, qui vit le jour à Tamworth en 1972, et Sébastien Girardot, né à Melbourne en 1980, sont Australiens; mais Guillaume Nouaux, qui naquit à Arcachon en 1976, est Français. Et il est remarquable que ses deux collègues océaniens aient éprouvé le besoin de s’installer, comme beaucoup d’autres, dans notre pays pour jouer cette musique de jazz. Je partage totalement l’hommage que leur rend Evan Christopher dans le livret; ce trio de musiciens a un palmarès de sidemen auprès du gratin du jazz de Crescent City tout à fait exceptionnel. Et l’on comprend pourquoi en écoutant La Section Rythmique. Car leur talent ne réside pas seulement en un «simple travail de reproduction», fût-il brillant; ils ont assimilé l’idiome musical de cette tradition au point de le faire leur et de le rendre vivant en continuant cette tradition dans une relecture innovante permanente. Par leur traitement propre, chaque pièce est une œuvre en soi et leur agencement rend l’album pertinent Les trois compères sont formidablement unis dans cet ouvrage; c’est un ensemble d’une homogénéité rare au regard du fonctionnement actuel des formations de jazz. C’est une section rythmique très soudée. On comprend ainsi pourquoi elle est si souvent sollicitée pour accompagner des musiciens aux univers jazziques si différents que Michel Pastre et Cécile McLorin Salvant. L’accompagnement est l’école de l’exigence; les musiciens s’y révèlent. Dans cet album, dont ils sont à la fois leaderset sidemen, solistes et accompagnateurs, le talent de chacun explose à tout instant.

David Blenkhorn est un guitariste assez exceptionnel. Il connait de manière évidente et approfondie la littérature de son instrument et du jazz. C’est un technicien impressionnant. Sébastien Girardot n’est pas moins brillant. Dans cet album, il joue un rôle essentiel, étant à la fois second élément rythmique et harmonique, d’une part, et deuxième voix mélodique (exposition du thème et solo dans «Hard Times»), d’autre part. Guillaume Nouaux est tout bonnement extraordinaire dans ce volume. Il joue la musique qu’il aime comme il la sent et sans retenue avec tous les moyens dont il dispose («It Ain’t My Fault») qui sont immenses. C’est un rythmicien d’exception – un des rares européens à savoir jouer les rythmes et les tempi de New Orleans – en tant qu’accompagnateur et un vrai partenaire dans le groupe. Il joue de la musique sur ses tambours avec toutes les nuances qu’on est en droit d’attendre d’un interprète.

La Section Rythmique est une œuvre jubilatoire; pour ceux qui jouent, pour celui qui écoute. L’auditeur est à chaque instant sollicité, dans sa curiosité comme dans son intelligence; ces trois gars font découvrir et redécouvrir la musique américaine dans sa diversité complexe mais également et plus spécifiquement l’entièreté composite de la civilisation du jazz dans sa branche afro-américaine: de sa sociologie et son histoire à ce qui fait sa spécificité musicale, le swing.

Félix W. Sportis

David Sanborn
Time and the River

A la Verticale, Ordinary People, Drift, Can’t Get Next to You, Oublie-moi, Seven Days Seven Nights, Windmills of Your Mind, Spanish Joint, Overture
David Sanborn (as), Roy Assaf (p, key), Marcus Baylor (dm), Javier Diaz (perc), Marcus Miller (b), reste du personnel détaillé dans le livret
Enregistré à Brooklyn, date non précisée
Durée: 42' 24’’
Okeh 88875063142 8 (Sony Music)

C’est par «A la verticale», une composition de la Parisienne Alice Soyer et de Sylvain Luc que débute ce CD. Au cœur du disque on trouve aussi «Oublie-moi». Dans cette dernière Sanborn et son saxo alto, hors du jazz, offre l’ambiance poétique, sensuelle, chère à Alice, en jouant cool et en laissant traîner les notes. La délicatesse du clavier de Roy Assaf contribue à l’atmosphère. «A la verticale» est plus dynamique avec deux sax, trompette et trombone, un travail percussif plus marqué et une belle participation d’Assaf. Deux thèmes sont de Sanborn lui-même. «Drift» joué en quintet (as, key, b, perc. dm) apparaît comme une sorte de ballade, de complainte, prise très slow tandis que pour «Ordinary People» le saxophoniste lance son armada avec Rhodes, Hammond B3, trombone, clarinette, sax, etc., mais le morceau, même avec un ton latino, conserve une nonchalance qui finit par peser. Le même ton se poursuit par «Seven Days, Seven Night» de l’autorité de Marcus Miller. La voix de Lary Braggs dans le funky «Cant’Get Next to You» plaira peut-être davantage aux amateurs de jazz/blues tout comme les «Moulins de mon cœur / Windmills of Your Mind » et la superbe voix de Randy Crawford. David Sanborn se coule dans l’ambiance tout comme l’accompagnement de Diaz qui s’illustre également sur «Spanish Joint», un thème bien plus dynamique avec un bon groove. Le thème final «Overture», en duo Sanborn-Assaf, reste dans cette mélancolie que l’on trouve tout au long du disque.
Finalement un disque qu’il faut consommer en plusieurs fois pour ne pas se lasser mais que l’on ne peut raisonnablement pas ranger dans les bons disques de bon jazz.

Patrick Dalmace

Aaron Goldberg
The Now

Aaron Golberg (p), Reuben Rogers (b), Eric Harland (dm) + Kurt Rosenwinkel (g)
Trocando em miudos, Yoyo, The Xind in the Night, E-Land, Perhaps, Triste Baía da Guanabara, Background Music, Francisca, One’s a Crowd, One Life
Enregistré en 2009, Stalden (Suisse) et en 2014, New York
Durée: 53' 22''
Sunnyside 1402 (www.sunnyside.com)

Superbe disque! Utilisant le format du trio dans sa conception la plus traditionnelle avec une section rythmique de talent (et le non moins talentueux guitariste Kurt Rosenwinkel sur le dernier thème), rodée par quinze années de vie musicale partagée; Goldberg propose un jazz renouant fortement avec le classicisme d’un Evans par exemple.
S’appuyant sur ses deux partenaires qui assurent parfaitement leur rôle, le pianiste est brillant, virtuose sans excès. Sur des tempilents le trio dégage de la sérénité, de la spontanéité, du lyrisme et swingue («Perhaps» en particulier) comme le jazz l’exige. Les trois partenaires jouent détendus et les soli de chacun s’enchaînent sans rupture au sein des morceaux. Le répertoire, éclectique, va du Brésil à Charlie Parker en passant par le folklore d’Haïti et les propres compositions de Goldberg. Ces compositions de Goldberg sont les plus récemment enregistrées (2014). Dans « The Wind in the Night » Goldberg est le seul à s’exprimer, Rogers et Harland veillant à mettre le pianiste en évidence. Le court « E-Land » offre du dynamisme, le drummer est valorisé. A chaque phrase de «Francisca» on attend une voix… mais non le morceau est purement instrumental. Les balais de Harland contribuent à l’atmosphère feutrée. «One’s a Crowd» avec un jeu plus percussif du pianiste est gorgé de swing et laisse un espace à l’expression personnelle de la contrebasse et de la batterie. Les autres thèmes étaient depuis plus de cinq ans en stand by. «Trocando» se déroule comme une marche majestueuse; «Yoyo» rythmé est parsemé de breaks. Du nostalgique «Triste Baía da Guanabara» émerge un beau solo de contrebasse. Pour «Back Ground Music» le trio prend un tempo d’enfer! Malgré le temps séparant les deux dates d’enregistrement The Nowpossède une unité car les thèmes d’auteurs sont bien assimilés et rendus avec personnalité, donnant une homogénéité à presque tout l’ensemble. Presque car l’introduction de la guitare sur «One Life» marque une rupture compte tenue de l’intervention de Rosenwinkel dont la guitare sonne parfois comme une flûte! Il est en effet la voix principale du thème, le piano s’effaçant dans l’accompagnement, mais c’est ainsi que Goldberg a entendu «One Life» en le composant.

Patrick Dalmace

Stan Gtetz
The Quintessence. Volume 2

Titres et personnels détaillés dans le livret
Dates et lieux d’enregistrement détaillés dans le livret
Durée : 1h 12' 48'' + 1h 10' 52''
Frémeaux & Associés 3061 (Socadisc)

Ce coffret fait suite au premier volume (1945-1951) et propose un ou deux thèmes (les meilleurs en principe) des principaux disques du saxophoniste Stan Getz couvrant la période 1953-1958. Après une époque californienne, puis ses passages au Storyville à Boston, Getz fait une «pause studio» dont les conséquences vont être très bénéfiques. Dans la foulée de sa participation au 25_^eanniversaire de Duke Ellington au Carnegie Hall, il enregistre en quintet à New York. «You Turned the Tables on Me» fait partie de cette session. Puis Stan retourne sur la Côte Ouest et, entre les jams au Lighthouse ou au Zardi’s et les tournées, il enregistre dans les studios de Los Angeles. De nouveau en quintet on découvre deux titres où figure l’excellent tromboniste Bob Brookmeyer que Stan a amené avec lui, «The Nearness of You» et «Pernod», chargés en swing.
«I Don’t Mean a Thing» (1953): treize minutes de régal. Les deux premiers titres étaient plutôtcool mais cette fois avec le disque Diz & Getz with The Oscar Peterson Trio le saxophoniste se mêle aux grands boppers : Dizzy Gillespie (tp), Max Roach (dm), Oscar Peterson (p), Ray Brown (b), Herb Ellis (g) complètent le plateau. Stan répond à son aîné Diz sans jamais se soumettre, et l’association du trompettiste et du ténor fonctionne à merveille. Elle est encore meilleure trois ans plus tard lorsque Diz, Brown, Ellis reviennent avec Sonny Stitt (as), John Lewis (p) et Stan Levey (dm). Il en sort un bebop assez fou dans lequel Stitt cherche à tirer les marrons du feu… mais non, ce sont bien Stan et Gillespie – qui font preuve d’un mutuel respect – les acteurs principaux. Max Roach est resté à L.A et récidive avec le quartet du saxophoniste : «Down by the Sycamore Tree» est une jolie ballade. Le batteur revient un an plus tard (1955). Les partenaires de Getz ne sont plus les mêmes et on découvre le remarquable Lou Levy (p) que Stan Getz va beaucoup apprécier et appeler dans ses formations. Les deux thèmes proposés sont très éloignés. «Shine» avec la trompette de Conte Candoli swingue. «A Handful of Stars », courte ballade, montre que Levy, bien qu’issu de Chicago, a su profiter en Californie de ses passages chez Woody Herman puis Shorty Rodgers. Levy a déjà collaboré avec Getz quelques jours avant lors de l’enregistrement que ce dernier réalise avec Lionel Hampton. Ils sont accompagnés par le batteur incontournable du west coast, Shelly Manne, et un bassiste non moins important Leroy Vinnegar, tous les deux s’adaptant facilement au jeu de vibraphoniste. Levy offre un swing superbe sur «Cherokee». Hampton va crescendo jusqu’à se montrer déchaîné – comme souvent – et choisit alors de proposer, sans se calmer, un sensationnel dialogue avec le saxophoniste qui se prolonge trois bonnes minutes, ponctué d’interjections des musiciens qui jubilent!
A la fin de 1955, Stan Getz voyage en Suède et invite trois jazzmen autochtones pour enregistrer. Il en sort un surprenant «Over the Rainbow». On écoute ensuite trois thèmes en quartet, issus de l’album The Steamer. La section rythmique (Levy, Levey et Vinnegar) impressionne sur «There’ll Never Be Another You» mais est bien tenue de le faire pour être à la hauteur de Stan qui mène un train d’enfer durant neuf minutes. Ce morceau contient de beaux échanges entre Getz et Levy et entre ce dernier et Levey. La suite est sur le second CD. «Blues for Mary» est la première composition de Getz proposée dans cette Quintessence. Est-elle dédiée à son grand problème, la marijuana ou peut-être à la secrétaire de Norman Granz. L’interprétation regorge d’idées et de belles phrases. Le quartet enchaîne avec la jolie ballade « You’re Blasé ». Stan Getz fait une infidélité à L.A. pour enregistrer The Soft Swing à New York, ce qui nous permet de l’écouter avec un quartet différent sur une autre composition personnelle «Down Beat». Interprétation très standard, pas de virtuosité, de chorus endiablés, ni de fioritures mais du bon jazz.
Oscar Peterson et son trio reviennent à Los Angeles en 1957 et Stan en profite. Il commence avec le trio auquel il adjoint Connie Kay (dm) et Jay Jay Johnson (tb), coleader, et se produit lors d’un concert, enregistré, dont sort une très bonne version de «My Funny Valentine». C’est vivant et les interventions, parfaitement en symbiose, des deux hommes sont appréciées du public. Extraite du même concert on apprécie «It Never Entered My Mind». Cette fois Getz est à la barre. Peut-être une des plus belles ballades de Stan. Trois jours plus tard le saxophoniste se remet au travail en studio avec le trio. Contrairement à la première opportunité de 1953, l’enregistrement se fait sans batteur et l’on a encore le privilège d’écouter une superbe ballade, «I’m Glad There Is You», permettant de goûter la beauté du son que Getz sait faire surgir de son ténor. Herb Ellis offre également de bonnes interventions. Vraisemblablement le lendemain de cet enregistrement, Stan est invité par le même Ellis qui a en outre rassemblé dans le JATP all-stars Roy Eldridge (tp), Ray Brown et Stan Levey. «Tin Roof Blues» est issu de cette session. Evidemment, la guitare et la trompette se sont mis successivement en évidence puis Getz intervient. C’est assez linéaire mais on y apprécie le son de chacun. Le jour suivant, Getz, gardant Levey et Brown rappelle Lou Levy pour inviter Gerry Mullignan (bs). Le coffret présente deux thèmes émanant de cet enregistrement capital. Entre Stan et Gerry c’est un véritable corps à corps… On trouve de tout dans «This Can’t Be Love», improvisation conjointe, soli, dialogues, fantaisie… Cela tient de la jam-session. «Ballad» composition attribuée (à tort pensons-nous) à Getz permet aux deux hommes de calmer leurs ardeurs et de s’attacher à la mélodie en faisant couler lentement le meilleur de leurs instruments. Au risque de se répéter (mais cela prouve que l’on a bien là la Quintessence de Stan Getz) c’est du bonheur. 1958: Stan Getz et Chet Baker (tp) ne s’apprécient pas vraiment; pourtant les talents de négociateur de Norman Granz suffisent à convaincre le second d’enregistrer avec le premier et la session se passe à Chicago. Ni Stan ni Chet n’offrent une prestation exceptionnelle. On assiste à une espèce de bagarre musicale sur un tempo effréné que ne laissait pas présager les premières mesures de «Half Breed Apache» (composition de Getz), toute en délicatesse! Finalement c’est Getz qui déclenche un petit quart d’heure d’hostilités. Le coffret s’achève sur l’enregistrement de Stockholm de septembre 1958. Getz réunit ses Swedish Jazzmen parmi lesquels Lars Gullin (bs) un excellent musicien de formation classique, passionné de jazz, partenaire dans des tournées européennes de Chet Baker, Zoot Sims, Lee Konitz, etc. Gullin écrit «Stockholm Street». Il faut relever dans la formation la présence du trompettiste Benny Bailey, un Américain installé en Suède à ce moment-là, partenaire de Diz pour le célèbre concert de la salle Pleyel. Du très classique. Getz s’exprime seul, les six Suédois n’assurant que l’accompagnement sur ce thème. Comme l’indique le livret, signé d’Alain Tercinet, le coffret se clôt alors que Stan Getz n’a que trente et un ans; certes avec quinze ans de carrière. Il est à la moitié de sa vie. Cela donne une idée de l’envergure de ce jazzman que ses détracteurs devraient réécouter.

Patrick Dalmace

Merlaud / Rebillard / Braud
Bear on a Tightrope

Françou on My Mind, Bear on a Tightrope, Peau douce, Allô Romain*, Deep Passion*, Un verre de graves pour Françou, Anaïta, Dorémifanny, Kalimàt, No Way*, L'eau qui dort*
Serge Merlaud (g), Jean-Pierre Rebillard (b), Claude Braud (ts)*
Enregistré les 11 et 12 juin 2014, Epinay-sur-Orge (91)
Durée: 45’ 58’’
Black & Blue 799.2 (Socadisc)

Que voilà un album original et attachant. Bien que l’œuvre de «vieux de la vieille», c’est une agréable «Découverte», même s’il n’est pas classable. C’est une belle conversation entre deux musiciens, le guitariste Serge Merlaud et le contrebassiste Jean-Pierre Rebillard, auxquels vient se joindre, sur quatre titres, le saxophoniste Claude Braud. Les amateurs de jazz ne sont pas habitués à les entendre dans un tel registre. Neuf de ces onze pièces, dont cinq composées par Jean-Pierre Rebillard et quatre par Serge Merlaud, les autres l’ayant été par Steve Swallow et Lucky Thompson, ne relèvent pas de l’idiome du jazz. La musique n’en étant pas moins superbe; et l’on se laisse rapidement envouté par l’ambiance intimiste de cette réflexion à plusieurs voix («Un verre de graves pour Françou»). Ressortent de cet ouvrage les versions de «Peau Douce» (Swallow), dans laquelle la délicatesse de Merlaud, dont la musicalité évoque Charlie Byrd, et la subtilité de Rebillard font merveille, et «Deep Passion» (Thompson) où la sensibilité de Braud s’épanouit dans une élégance réservée de bon aloi.
Un bel album à écouter au coin du feu.

Félix W. Sportis

Miguel Zenón
Identities Are Changeable

Miguel Zenón, (as), Luis Perdomo (p), Hans Glawischnig, (b), Henry Cole (dm), Will Vinson, Michael Thomas (as), Samir Zarif, John Ellis (ts), Chris Cheek (bs), Mat Jodrel, Michael Rodríguez, Alex Norris, Jonathan Powell (tp), Ryan Keberle, Alan Ferber, Tim Albright (tb)
De donde vienes?, Identities are changeable, My Home, Same fight, First language, Second generation Lullaby, Through Culture and Tradition, De donde vienes?
Enregistré les 18 et 19 mars 2014, New York et en 2011, La Havane (Cuba)
Durée: 75’
Miel Music (www.miguelzenon.com)

Dans une très antérieure chronique nous avions souligné l’intérêt que montre Zenón, à travers sa Caravane Culturel, à diffuser le jazz dans les plus petits villages de son l’île, Puerto Rico. Aujourd’hui Zenón est plongé dans des recherches identitaires et s’attache au mouvement migratoire qui depuis plusieurs générations entraîne ses compatriotes vers les Etats-Unis. Les Portoricains constituent à New York une colonie de plusieurs millions de personnes. Ce disque assez étrange ne ressemble en rien à ce que l’on a l’habitude d’écouter. Miguel Zenón se livre à de nombreuses interviews de ces Portoricains vivant dans la gran manzana. Il les questionne sur leurs liens actuels avec Puerto Rico, leur façon de vivre etc... et superpose ces interviews sur les huit thèmes qu’il compose spécialement pour ce projet et dont les titres font référence à ces interviews.
Le quartet de Zenón et le Identies Big Band apparaissent donc en arrière plan chaque fois que les interviews se superposent à la musique. Les thèmes – à l’exception de l’introduction et de la conclusion – excédant les dix minutes on peut quand même percevoir le jazz de Zenón et de ses partenaires, percutant, au sein de laquelle éclatent les trois trombones, à la manière de certaines formations latines aux Etats Unis à l’apparition de la salsa. Toutefois Zenón les équilibre avec le pupitre des saxos et des trompettes. L’ensemble est donc puissant avec toute cette armada de metales. En filigrane très discret apparaissent les bases de la musique portoricaine historique, la plena, peut-être la bomba apportant une référence à la latinité correspondant aux personnes interrogées.
Ce disque s’adresse aux découvreurs de mystères… car pour connaître Zenón, d’autres disques sont plus à conseiller.

Patrick Dalmace

Hetty Kate
Dim All the Lights

The Thrill Is Gone, In the Still of the Night, Bewitched, Bothered and Bewildered, Answer Me, My Love, Why Don't You Do Right ?, Cry Me a River, Something Cool, Wives and Lovers, I Get Along Without You Very Well
Hetty Kate (voc), James Sherlock (g), Sam Keevers (p), Ben Robertson (b), Danny Farrugia (dm)
Enregistré le 15 mars 2013, Melbourne (Australie)
Durée: 40' 50''
ABC Jazz 378 2335 (www.hettykate.com)

Gordon Webster / Hetty Kate
Gordon Webster Meets Hetty Kate

Button Up Your Overcoat***, Blitzkrieg Baby, Peek-a-Boo, Shoo Fly Pie & Apple Pan Dowdy, How D'ya Like to Love Me ?, Eight, Nine & Ten, There's Frost on the Moon*, Busy Line, Sweet Lover no More, I Wanna Be Around, Hard Hearted Hannah, Bésame Mucho**, I Lost My Sugar in Salt Lake City****
Gordon Webster (p), Hetty Kate (voc), Mike Davis (tp), Cassidy Holden (g), Rob Adkins (b), Kevin Congleton (dm) + Joseph Wiggan (tap dancing), Shannon Barnett (tb)*, Adrien Chevalier (vln)**, Adam Brisbin (g)***, Evan Arntzen (cl)****, reste du personnel détaillé dans le livret
Enregistré en septembre 2013, New York
Durée: 49' 03''
Autoproduit (www.hettykate.com)

En juin 2015, nous étions tombés sous le charme de la pétillante Hetty Kate, qui se produisait au Caveau de La Huchette (Jazz Hot n°672). Une rencontre à l'occasion de laquelle ses deux derniers albums en leader, enregistrés durant l'année 2013, à quelques mois d'intervalle, nous sont tombés sous la main. Originaire de Hampshire, en Angleterre, mais élevée en Australie, Hetty Kate vit à Melbourne. Elle appartient donc à cette scène lointaine jazz océanique dont nous avons quelques échos de temps en temps (Joe Chindamo, Jazz Hot n°596) et aussi quelques représentants qui ont leur rond de serviette dans les clubs parisiens : Chris Cody (p), Dave Blenkhorn (g), Sébastien Girardot (b) ou encore Wendy Lee Taylor (voc).
Dim All the Lights est un album de ballades qui s'ouvre avec un «The Thrill Is Gone» joliment mélancolique et qui capte d'emblée l'oreille. La voix sensuelle de Miss Kate évoque le timbre de Peggy Lee, avec un phrasé qui épouse le swing. L'accompagnement du piano («In the Still of the Night») comme de la guitare («Bewitched, Bothered and Bewildered», sobre et élégant, met parfaitement en valeur la chanteuse. Les subtiles variations d'un titre à l'autre maintiennent notre intérêt de bout de bout : des ballades certes, mais les couleurs sont différentes entre «Why Don't You Do Right?», «Cry Me a River» ou «Wives and Lovers». Un disque très plaisant.
Sur le second opus, Hetty Kate partage l'affiche avec le pianiste Gordon Webster, émule canadien de Fats Waller, installé à New York. La rencontre des deux, sous le signe du swing, est des plus réjouissantes ! Webster et Kate nous embarquent dès le premier titre, «Button Up Your Overcoat» et nous convient à une joyeuse évocation du jazz des années trente et quarante, convoquant même un danseur de claquettes sur «Shoo Fly Pie & Apple Pan Dowly». Rien n’est artificiel ni ringard : on a affaire à de bons musiciens qui maîtrisent leur style (le groupe se révèle particulièrement alerte sur Eight, Nine & Ten» et sur «There's Frost on the Moon». Hetty Kate, portée par l’ensemble, est délicieuse sur «Peek-a-Boo», drôle sur «Busy Line», romantique sur «Hard Hearted Hannah» dévoilant ainsi une palette assez large. On ne peut que souhaiter la voir revenir bientôt sous nos climats pour profiter en scène de ses atours vocaux.

Jérôme Partage

Frederic Borey
Wink

Witchcraft, Bess You Is My Woman, You Don’t Know What Love Is, My Man’s Gone Now, Our Love Is Here to Stay, Get Out of Town, I Hear Music*, Blues in Green, Boplicity
Frederic Borey (ts, arr), Michael Felberbaum (g, arr*), Leonardo Montana (p), Yoni Zelnik (b), Fred Pasqua (dm) + Gildas Boclé (b)
Enregistré les 7 et 8 juin 2015, Videlles (91)
Durée : 58' 46''
Fresh Sound New Talent 486 (www.fredericborey.com)

Le clin d’œil de Frederic Borey passe, dans ce nouvel enregistrement, par une relecture de standards parmi les plus connus, revus au filtre d’une filiation hendersonienne (Joe), avouée dans les quelques notes de pochette. Les influences et admirations de Frederic Borey, né en 1967, ne s’arrêtent bien sûr pas là, et s’il est aujourd’hui mis en valeur par le label New Talent (Fresh Sound) de l’excellent Jordi Pujol, ne vous y trompez pas, c’est un musicien expérimenté, diplômé, enseignant lui-même, qui a déjà côtoyé d’excellents partenaires depuis plus de vingt ans sur les scènes du jazz. La présence de Gildas Boclé sur le premier thème, le soutien de Jerry Bergonzi et Lionel Loueke dans les notes de livret, confirment ce statut de musicien reconnu et expérimenté, et la musique jouée vient confirmer cette présentation rapide.
Nous évoquions l’influence de Joe Henderson, et elle est en effet marquante dans cette manière de diffuser un voile aérien de réharmonisations sur toutes les compositions pour créer un véritable univers, captivant. La sonorité même de ténor de Frederic Borey n’est pas sans rappeler l’élégance du regretté et grand saxophoniste de Lima (Ohio). Ses héritiers ne sont pas si nombreux, et c’est donc un plaisir supplémentaire de cet enregistrement.
On apprécie l’apport du très bon Michael Felberbaum, guitariste américain né à Rome et qui vit son actualité jazzique à Paris, tout à fait dans l’esprit de cette musique, particulièrement sur le très réussi « Our Love Is Here to Stay », et le soutien d’un Fred Pasqua à son aise dans cet univers, apportant juste ce qu’il faut avec délicatesse.
Les relectures métamorphosent plus ou moins les standards, mais dans l’ensemble, ce qui est remarquable est l’unité du ton, la création d’un ensemble musical à la personnalité certaine, à la tonalité originale, une construction d’une séance cohérente dans laquelle on s’immerge progressivement, conclue sur un « Boplicity » enlevé et joyeux : un cheminement qui contribue à faire de ce disque un excellent moment musical.

Yves Sportis

Lucy Dixon
Lulu's Back in Town

No Strings, Undecided, Shall We Dance, Lulu’s Back in Town*, Running Wild, Living in a Great Big Way, Get Happy*, Fascinating Rhythm, Darling je vous aime beaucoup, It Don’t Mean a Thing, After You’ve Gone, Nagasaki, When Somebody Thinks You’re Wonderful, When I Get Low I Get High, Me Myself and I
Lucy Dixon (voc, tap dance, dm), Samy Daussat (g), David Gastine (g), Sébastien Gastine (b), Laurent de Wilde (p), Steve Argüelles (dm, perc) + Umlaut Big Band* : Pierre Antoine Badaroux (as, arr), Louis Laurein (tp) Geoffroy Gesser (ts, cl), Fidel Fourneyron (tb)
Enregistré en mai 2014, Juillaguet (16)
Durée : 36' 38''
SideStreet Music (www.thelucydixon.com)

Lucy Dixon est anglaise, elle danse (les claquettes), elle possède un excellent drive, et comme vous pourrez l’entendre sur ce disque, sans trop de moyens apparents, elle a su réunir autour d’elle une bonne section dans l’esprit de Django, avec les excellents frères Gastine, et un Samy Daussat, toujours aussi brillant guitariste de cette tradition, augmentée quand il le faut de Steve Argüelles, qui produit le disque, et d’une section de cuivres.
Son répertoire va des standards à la tradition de Broadway, le tout marqué par l’empreinte de Django, à cause de Paris et du choix des musiciens qui l’accompagnent, et cela donne une résultat musical de belle facture. Lucy possède sur disque, nous ne l’avons pas écouté en live, une vraie personnalité, une belle voix juste, un phrasé swing ce qu’il faut pour ce registre et pose les paroles avec une vraie connaissance de ce répertoire. La mise en place est réussie, les musiciens connaissent leur Django sur le bout des doigts et en donnent une belle illustration tout au long de ce bon enregistrement.
Donc, ce qui pourrait paraître pour un disque promotionnel de plus, dans une présentation économique, en dépit d’une photo sympa et des renseignements de base, est en fait très prometteur, et mérite une attention certaine d’où le plaisir n’est pas exclu. Il évoque tout aussi bien la grande tradition populaire américaine que la tradition française marquée par Django. En direct, les claquettes ne seront pas non plus à dédaigner, car la dame semble se débrouiller parfaitement (« Nagasaki »). Donc si vous croisez ce groupe sur votre route, allez l’écouter et vous pourrez même conserver un souvenir de la bonne soirée.

Yves Sportis

Frank Catalano / Jimmy Chamberlin
Love Supreme Collective

Brooklyn Bridge part 1, 2, 3, Carroll Gardens, Bay Parkway, BAM, Mapletone, Boerum Hill, Neptune Avenue, 7005 Shore Road, Avenue M, Dumbo, Gowanus
Claudio Fasoli (ts, ss), Ralph Alessi (tp), Matt Mitchell (p), Drew Gress (b), Nasheet Waits (dm)
Enregistré les 16 et 17 novembre 2014, Udine (Italie)
Durée : 58' 09''
Musica Jazz 1289 (www.musicajazz.it)

Claudio Fasoli continue son exploration des capitales en musique, aujourd’hui Brooklyn, et pour ce faire il s’est entouré de trois jazzmen de premier plan. Nasheet Waits a été le batteur de Fred Hersh, Andrew Hill, Jason Moran. Dew Gress a joué aussi avec Fred Hersh et Bill Carrothers, il est le contrebassiste préféré de Uri Caine, capable de jouer ses partitions les plus complexes. Matt Mitchell tient le piano chez Tim Berne, Dave Douglas, Lee Konitz. C’est donc une rythmique de rêve. Quant au trompettiste Ralph Alessi il n’est plus à présenter en France.
Claudio déclare qu’il a suivi dans Brooklyn un itinéraire assez illogique, et surtout plus émotionnel que rationnel. Les treize compositions du leader sont de purs joyaux mélodiques. Pour ce disque Claudio Fasoli utilise systématiquement les unissons saxophone-trompette, et parfois s’y ajoutent piano et contrebasse, en variant les intervalles, ce qui donne des couleurs surprenantes et attrayantes aux ensembles.
Ralph Alessi possède un son de trompette légèrement écrasé qui s’intègre à merveille aux sons des saxes de Claudio, un son droit, sans effet ni fioritures, jouant toujours avec une émotion d’autant plus forte qu’elle est contenue. Le quintet est très soudé, déjouant le piège de jouer hard-bop. Claudio a su en faire un bijou tout neuf, par la grâce d’arrangements peaufinés harmoniquement, sans jamais être chargés. Les solos coulent de source. A titre d’exemple il suffit d’écouter « Bam » sur un tempo médium-lent dans lequel brillent la trompette et le soprano lyrique qui n’est pas sans évoquer Steve Lacy. Ou encore « Carroll Gardens », un curieux morceau mené par le ténor qui souffle tout le mystère du jardin. La rythmique coule de source, avec simplicité et efficacité, et les solos de contrebasse sont de grand cru.
C’est une musique limpide, belle et forte. Claudio Fasoli poursuit son chemin créateur, tranquillement et sereinement, hors des modes, pour le bonheur du jazz.

Serge Baudot

European Cool Jazz
1951-1959

46 titres
Henri Renaud (p), André Hodeir (vln), Jimmy Gourley (g), Kenny Clarke (dm), Sacha Distel (g), Maurice Vander (p), Jean-Claude Fohrenbach (ts), Martial Solal (p), René Thomas (g), Joe Zawinul (p), Gianni Basso (ts), Ronnie Scott (ts), reste des personnels détaillé dans le livret
Durée : 1h 15' 55'' et 1h 16' 07''
Enregistré entre 1951 et 1959, Paris et plusieurs villes d'Europe
Frémeaux & Associés 5428 (Socadisc)

A cette époque, « la guerre du jazz » faisait rage et l'événement était très suivi parJazz Hot (Charles Delaunay, fondateur de la revue, étant d'ailleurs le producteur de nombreuses sessions reprises dans le premier CD). Il fallait choisir son camp... Ce n'était pas facile pour les jeunes musiciens disciples de Lester Young plus que de Charlie Parker ou de Louis Armstrong, d'imposer un style nouveau qu'on appellerait: « Jazz Cool ». Pas évident non plus pour de jeunes arrangeurs de faire admettre leurs idées novatrices. Comme l'indique Alain Tercinet (ancien collaborateur de Jazz Hotet qui a participé, en avril dernier, à l'une des tables-rondes organisées à l'occasion des 80 ans de notre revue) dans son livret très documenté : « Le style Swing avait ses supporters, d'autres se tournaient vers le New Orleans Revival et, après une courte période d'adaptation, le jazz nouveau eut ses adeptes. Peu nombreux dans un premier temps (…). » Enregistrées à Paris mais aussi à Stockholm, Cologne, Baden Baden, Vienne, Francfort, Milan, Rome, Hilversum et Londres de 1951 à 1959, voici 46 petites perles sauvées opportunément de l'oubli au moment même où se pose de plus en plus la question de la conservation durable de la « mémoire du Jazz ». Empruntons encore à Alain Tercinet sa conclusion : « (...) bien naturellement le jazz passa à autre chose (…) reléguant aux oubliettes les tentatives conduites durant une courte décennie (...). Ce qui reste de cette musique, qu'elle soit due à Bobby Jaspar, Lars Gullin, Jean-Claude Fohrenbach, Henri Renaud, Jimmy Gourley, Sadi, Hans Koller, Gianni Basso ou bien d'autres, montre qu'ils eurent raison d'aller voir ailleurs si l'herbe était plus verte ». Des enregistrements essentiels et précieux.

Daniel Chauvet

Act Big Band & Guests
Extrêmes

Pentaprism, Omnitonic, Extremes, In a Sentimental Mood, RE, Easy Fucksong, Rough Business, Ana Maria, Rough Stuff
Félix Simtaine (dm), Michel Herr (p), Philippe Aerts (b), Joe Lovano (ts), John Ruocco (ts) Eric Veraeghe, Serge Plum, Richard Rousselet, Bert Joris (tp, flh), Paul Bourdiaudhy, Marc Godfroid, Jean-Pol Danhier (tb, tuba), Peter Vandendriessche (as), Erwin Vanslembrouck (ss, ts), Kurt Van Herck (ts) Johan Vandendriessche (bs, fl), Jean-Pierre Catoul (vln)
Durée : 1h 04' 44''
Enregistré en novembre 1986, Bruxelles
Igloo Records 044 (Socadisc)

Fondé en 1978 (et en sommeil, semble-t-il, depuis 2011), l'Act Big Band, véritable institution en Belgique, a connu la consécration officielle en recevant en 1986 l'aide du « Conseil de la Musique de la Communauté Française de Belgique » lui permettant de commander quatre œuvres à Francis Boland, Michel Herr, Arnould Massart et Jean Warland et, aussi, d'inviter Joe Lovano et John Ruocco pour les enregistrer. Remastérisé il y a peu, ce disque est une superbe réussite. Aux arrangements tirés au cordeau, les solistes (dont certains sont hélas aujourd'hui disparus), ajoutent leur grain de folie et de génie personnels. Le résultat est passionnant, preuve que la formule magique du big band (doit-on dire « classique »?) est également maîtrisée de ce côté-ci de l'Atlantique. Dommage qu'elle ne soit pas plus souvent (et plus durablement) appliquée.

Daniel Chauvet

The Pete McGuinness Jazz Orchestra
Strength in Numbers

The Send-Off, What Are You Doing the Rest of Your Life, Trixie's Little Girl, The Swagger, Beautiful Dreamer, Spellbound, You Don't Know What Love Is, Nasty Blues, Bittersweet, You Don't Know What Love Is
Pete McGuiness (tb, voc), Dave Pietro (as, ss, fl), Marc Phaneuf (as, fl), Tom Christensen (ts, fl), jason Rigby (ts, ss, cl), Dave Reickenberg (bs, bcl), Bruce Eidem, Mark Pattersonet Matt Haviland (tb), Jeff Nelson (btb), Jon Owens, Tony Kadlek, Bill Mobley, Chris Rogers (tp), Mike Holober (p), Andy Eulau (b), Scott Neumann (dm)
Enregistré le 24 octobre 2013, New York
Durée : 1h 17' 26''
Summit Records 627 (www.summitrecords.com)

A l'exception de « What Are You Doing The Rest of Your Life » (de Michel Legrand), et de « You Don't Know What Love Is », qu'il chante d'ailleurs avec beaucoup d'émotion et sur lesquels il scatte habilement, toutes les compositions (et la totalité des arrangements) sont de la plume du chef d'orchestre et talentueux tromboniste Pete McGuiness. Sur des mélodies très élégantes, et de très riches harmonies, il a façonné des arrangements qui mettent particulièrement en valeur les unes et les autres tout en laissant le champ libre aux très brillants improvisateurs de l'orchestre (tous fines gâchettes du jazz new-yorkais). Renouvelant pour le moins le genre, ce disque comblera tous les amateurs de big bands frustrés par leur absence dans la programmation de la plupart des festivals d'été (à la notable exception de celui de Pertuis dont c'est la spécialité).

Daniel Chauvet

Larry Fuller
Larry Fuller

At Long Last Love, Parking Lot Blues, Daahoud, Both Sides Now, Django, Hymn to Freedom, Reflections In D / Prelude to a Kiss, C Jam Blues, Old Folks, Old Devil Moon, Close Enough for Love, Celia
Larry Fuller (p), Hassan Shakur (b), Greg Hutchinson (dm)
Enregistré les 10-11 décembre 2013 et 14 janvier 2014, Paramus (New Jersey)
Durée 1h 00' 38''
Capri Records 74135-2 (www.caprirecords.com)

Dernier pianiste du grand Ray Brown, le New-Yorkais Larry Fuller revendique l'héritage des musiciens middle jazz. Son jeu très volubile évoque d'ailleurs fortement celui d'Oscar Peterson, le maître absolu. Pas étonnant qu'il soit ici entouré de Greg Hutchinson, qui fit ses classes auprès de Ray Brown, et de Hassan Shakur qui les fit au sein du Duke Ellington Orchestra, et aux côtés de Monty Alexander, autre grand maître. On est donc entre gens de bonne compagnie. Ce trio est un modèle du genre : sens de la mélodie, sens du blues, (boogie-woogie en solo compris), respect des harmonies des standards, swing et parfaite entente. Un CD à recommander dans toutes les écoles...

Daniel Chauvet

Jazz Accordéon
The New Wave

La Princesse d'Artolu, Smile, Prelude to a Kiss, Ab for G, Haupé, The Duke, All Too Soon, U.M.M.G., Summer Leaf
Frédéric Loiseau (g), Benoît Sourisse (org), André Chalier (dm)
Enregistré les 12 et 13 mars 2014, Videlles (91)
Durée : 44' 37''
Black & Blue 789.2 (Socadisc)

C’est le second opus de Frédéric Loiseau en tant que leader ; et dans sa présentation, le musicien affirme que le choix de ses partenaires lui est apparue « comme une évidence » et, plus encore, « sans répétition préalable avec le frisson de l’aventure spontanée ». Le programme de cet album est pour une large part emprunté au répertoire ellingtonien : deux pièces du Duke et deux de son alter ego, Billy Strayhorn, auquel il convient d’adjoindre l’hommage de Dave Brubeck au maestro composé en 1955 (« The Duke »). Les autres thèmes sont du leader de session. Les deux compositions d’Ellington sont de 1938 et 1940 ; en revanche toutes les autres (quatre), hormis les siennes, furent écrites entre 1954 et 1959. Ce choix donne un ton à l’esthétique musicale dominante que vient renforcer la propre sensibilité du maître d’œuvre et de ses partenaires.
Unité de ton ou monotonie ? Quoi qu’il en soit, le parti pris de l'esquisse reste trop souvent floue et même incertaine ; si le solo dépouillé ad libitumsur « All too Soon » se conçoit fort bien et constitue une réelle réussite, manque quelques traits appuyés - qui eussent structuré « Prelude to a Kiss » en épure – structure que comporte justement « Upper Manhattan Medical Group ». En sorte que restent des ébauches, au mieux des pochades un peu fades voire affectées (« Summer Leaf », variation sur « Les feuilles mortes »). Il y a néanmoins quelques parties prometteuses : exposition du thème et premier chorus de « la Princesse d’Artolu », « Smile », « Ab for G », « Haupé », « The Duke ».
Trop d’ambiance où l’on attend plus de musique ; car les deux ne sont pas opposées. La rançon, peut-être le risque, de « l’aventure spontanée » ?

Félix W. Sportis

Monty Alexander
Harlem-Kingston Express Vol. 2 : The River Rolls On

Guy Reynard

Dal Sasso-Belmondo Big Band
John Coltrane. A Love Supreme

A Love Supreme (poem), Introduction, Part 1. Acknowledgement, Part 2. Resolution, Part 3. Pursuance, Part 4. Psalm
Christophe DalSasso (arr, dir), Stéphane Belmondo (tp), Erick Poirier (tp), Laurent Agnès (tp), Merrill Jerome Edwards (tb), François Christin (french horn), Bastien Stil (tuba), Dominique Mandin (as), Lionel Belmondo (ts), Sophie Alour (ts), Guillaume Naturel (ts, cl), Laurent Fickelson (p), Clovis Nicolas (b), Philippe Soirat (dm), Dre Pallemaerts (dm), Allonymous (voc)
Enregistré le 27 février 2002, Paris
Durée : 37’ 37’’
Jazz & People 814001 (Harmonia Mundi)

La suite A Love Supremetenait particulièrement à cœur John Coltrane et il l'a malheureusement peu jouée en public. De même, très peu de reprises ont été faites à part celle d'Elvin Jones avec Wynton Marsalis (uniquement en concert) et quelques extraits par d'autres musiciens, Branford Marsalis en particulier. Celle de du big band de Dal Sasso avec les frères Lionel et Stéphane Belmondo est une excellente nouvelle. En effet une pièce aussi emblématique soit-elle, si elle n'est pas jouée, adoptée, transformée n'a plus de véritable existence. Mais apparemment cette œuvre qui sort aujourd'hui après avoir été enregistrée en 2002 a eu beaucoup de difficultés à être diffusée puisqu'il a fallu une souscription auprès du public pour qu'elle soit enfin publiée.
Le big band Dal Sasso – Belmondo nous offre une version à la fois proche et différente de l'original de John Coltrane. Le poème qui figurait au dos de la pochette du vinyle original est récité en ouverture par Allonymous avec une improvisation de Christophe Dal Sasso, des frères Belmondo et de Dre Pallemaerts. L'introduction est également un apport de Christophe Dal Sasso qui annonce l'esprit dans lequel la suite de John Coltrane va être reprise. La suite elle-même est profondément remaniée, même si elle reste constamment dans l'esprit de la suite originale. Chacune des quatre parties est présente mais raccourcie malgré la présence de solos de plusieurs instrumentistes, comme si tous les interprètes, par révérence pour Coltrane, cherchaient à ne pas s'exprimer trop personnellement. Lionel Belmondo a parfaitement assimilé le jeu de John Coltrane et reste très proche de l'esprit de la version originale dans la première partie « Acknowledgement ». Les parties d'ensemble viennent souligner la volonté de Coltrane de faire une prière et apportent une sorte d'élévation de la musique. C'est Clovis Nicolas qui introduit « Resolution », la deuxième partie comme le faisait parfois Jimmy Garrison en de longs solos introductifs (malheureusement coupés à la production !). Après l'entrée de l'orchestre pour présenter le thème, Laurent Fickelson prend un solo extensif à nouveau relancé par tout l'orchestre. Dans la troisième partie, les solos sont partagés entre la trompette de Stéphane Belmondo très volubile et brillante, relancée deux fois par l'orchestre et Lionel Belmondo qui poursuit sur ses improvisations des deux précédents mouvements bientôt repris par l'orchestre qui le pousse vers la dissonance et le discours déchiré qui sera ensuite celui de Coltrane. Le psaume final est lancé par le tuba de Bastien Stil et reste dans les sonorités graves et sombres jusqu'à ce que l'orchestre débouche vers la lumière. L'apport principal de cette version de A Love Supreme, outre les solos bien construits, sont principalement les parties collectives. Grace à cet ensemble et au travail des frères Belmondo et de Christophe Dal Sasso, la suite prend une autre dimension tout en demeurant fidèle à l'esprit de l'original.

Guy Reynard

Lionel Belmondo Trio
Plays European Jazz Standards

Passionate, Cercle mineur, The Love of a Dead Man, Elégie, Désillusion, Sérénade, Come Sweet Death, Assimilation, Song for the Evening Star, In the Gleak Midwinter
Lionel Belmondo (ts, ss, fl), Sylvain Romano (b), Laurent Robin (dm)
Durée : 46' 06''
Enregistré les 9 et 10 août 2012, Solliès-Toucas (Var)
Discograph 6149982 (Discograph)

Parfois éclipsé par les éblouissantes fulgurances de son trompettiste de frère, le saxophoniste ténor et flûtiste Lionel Belmondo démontre ici, en trio sans piano – la formule la plus difficile qui soit –, quel magnifique musicien il est. Lyrique quand il faut, mais le plus souvent mesuré et réfléchi, il brode, à loisir – car superbement accompagné par Sylvain Romano et Laurent Robin, très attentifs –, des motifs impressionnistes d'une beauté diaphane à partir d'extraits très courts de musique « classique » (Brahms, Tchaïkowsky, Fauré, Shubert, Bach, Chopin, Rachmaninov et Wagner) et de quelques compositions personnelles. Un peu austère, certes, mais très inventif et gorgé de swing. Chapeau bas !

Daniel Chauvet

François Biensan Octet
Jazzin' Brassens

J'ai rendez-vous avec vous, Au bois de mon cœur, La Chasse aux papillons, La Prière, Le Parapluie, La Cane de Jeanne, Le Gorille, Je me suis fait tout petit, Les Sabots d’Hélène, Dans l’eau de la claire fontaine, Chanson pour l’Auvergnat + Les Copains d'abord
François Biensan (tp, arr, sifflette), Patrick Bacqueville (tb, voc), Nicolas Montier (as), André Villéger (ts, cl), Philippe Chagne (bs), Philippe Milanta (p), Bruno Rousselet (b), François Laudet (dm)
Enregistré les 16-17 décembre 2006, Paris
Durée : 1h 06' 59''
Autoproduit FB 0001/1 (fbprod@fbjazz.com)

Sans doute l’un des disques jazz de l’année (et le leader a soigneusement évité les dates anniversaires de la disparition de Georges Brassens)… et les plus couvés (enregistré il y a neuf ans). On a bien fait d’attendre car le résultat est superlatif. François Biensan avait déjà travaillé sur « Les Sabots d’Hélène » (1980) mais c’est un projet en 2001 pour le festival des 24h du Swing de Monségur qui est le vrai début de l’aventure Brassens-Biensan.
On sait que Brassens, comme Trenet, ont déjà inspiré des interprétations jazzées de leur œuvre. Le résultat obtenu par François Biensan nous fait croire que c’est évident, ce qui, en soit, est une marque de talent. L’intérêt ici, tient dans la qualité créative des habillages orchestraux de ces chansons (que vous reconnaitrez, n’ayez crainte) et que, sans surprise, les musiciens réunis assurent avec leurs incontournables qualités. Ceux-ci ont largement l’occasion d’apporter leur touche personnelle, notamment dans des solos et exposés à tour de rôle et à profusion. Bien sûr, la mise en place de ces arrangements est parfaite (la prise de son, réalisée par Vincent Cordelette et Bruno Minisini aussi). Disposant d’une section de sax alto-ténor-baryton, François Biensan en tire un bon parti, notamment dans « Le Gorille » où la trompette du chef n’est pas sans nous évoquer Shorty Rogers (et le Miles Davis des années 1950 qui n’est bien sûr pas loin). D’ailleurs si l’axe est le jazz mainstream, certains titres nous font penser à l’esthétique qu’en ont donné certains artistes dits « West Coast » comme dans « J’ai rendez-vous avec vous » (le solo de Nicolas Montier y ajoute un quelque chose à la Earl Bostic qu’on ne retrouve pas ailleurs – notez le travail, ô combien efficace, de Bruno Rousselet notamment derrière le ténor, et de François Laudet). C’est dans ce type de sonorité de trompette que l’on retrouve François Biensan dans « Les Sabots d’Hélène » (après le ténor véhément – c’est l'un des deux titres où il siffle aussi), « Chanson pour l’Auvergnat ». Il y a également des passages en shuffle, et la couleur d’Ellington : « Prière » (climat sombre, adapté, trombone wa wa pour l’exposé –belles contributions de Rousselet et Milanta), « Le Parapluie » (André Villéger est en valeur à la clarinette dans la lignée Jimmy Hamilton). André Villéger est «également à la clarinette dans « La Chasse aux papillons » (notons aussi le scat de Bacqueville et la prestation de Laudet), tandis qu’au ténor, il est l’un des rares à retrouver la véhémence d’un Paul Gonsalves dans « Au bois de mon cœur » (Biensan y manipule la sourdine wa wa), « La Cane de Jeanne » (avec aussi, un scat, une remarquable prestation aux balais de Laudet notamment en alternative avec Montier). Philippe Chagne qui a assumé divers bons solos, est plus en valeur dans « Je me suis fait tout petit » : exposé du thème et solo (y sont aussi excellents : Bacqueville, Milanta – sobre et swing –, Rousselet). Patrick Bacqueville est remarquable (avec sourdine) dans « Dans l’eau de la claire fontaine ». Nous n’allons pas détailler toutes les interventions en solo ni toutes les trouvailles d’orchestration puisque l’achat de ce CD s’impose à vous, et il faut donc laisser une marge de découverte à laquelle, de suite, nous faisons une entorse : après les onze titres annoncés, surgit un bonus, « Les Copains d’abord » aussi bref qu’indispensable. Un dernier mot enfin pour signaler l'auteur du visuel de la pochette : Emilie Poisson.

Michel Laplace

Claude Bolling
Cinéma Piano Solo

Flic Story Theme, Trois hommes à abattre, Prends-moi matelot, La Réussite, Borsalino Theme, La Complainte des Apaches, La Mandarine, Louisiana Waltz, Old New Orleans, Dors bonhomme, Far West Cho Cho, Lucky Luke I'm a Poor Lonesome Cow Boy, Daisy Town Saloon, Tatiana (Le Magnifique), Raner, Christine, Nostalgie, God Bless Rugby (Le Mur de l'Atlantique), Le Labyrinthe, Claudine, Fiancées en folieClaude Bolling (p)
Enregistré les 1_^er, 4, 5, 18 et 20 avril 2011, Cherisy (28)
Durée : 1h 07' 17''
Frémeaux & Associés 8509 (Socadisc)

Ce n’est pas, à proprement parler, de jazz qu’il s’agit dans cet album en piano solo de Claude Bolling. C’est d’une autre activité, au moins aussi importante professionnellement, et qui n’a pas été sans conséquence sur sa notoriété, celle de compositeur de musique de cinéma. Cinéma Piano Soloretrace en 21 plages son parcours, d’une vingtaine d’années, d’acteur dans le monde du septième art. Néanmoins dans son intimité foncière, Claude reste un authentique musicien de jazz. Et s’il sait prendre du recul, en tant que compositeur, pour accompagner ce que l’image commande, son esthétique intrinsèque reste consubstantiellement pétrie de la musique de son cœur. En sorte que ces solos ont encore quelque chose à voir avec l’univers du jazz. Et tous ceux qui ont eux l’occasion de l’entendre en concert savent qu’il n’est pas rare de l’entendre interpréter, en intermède, un solo sur « Borsalino » ou « Fiancées en folie » ; souvent, du reste, en special request de l’assistance. Car sa reconnaissance de pianiste de jazz a souvent été acquise auprès du grand public par l’entremise de ce média populaire.
C’est qu’il doit son entrée dans l’univers fermé des compositeurs de musique de films à sa compétence précoce et particulière de musicien de jazz, spécialement celle de pianiste. Ce savoir-faire très particulier l’ont d’abord imposé auprès de ses confrères en tant qu’interprète, avant que d’enfiler le costume de compositeur patenté. Et ce ne fut pas un mince atout, dans cette usine d’assemblage de compétences fragmentées que constitue le cinéma, que de pouvoir interpréter avec talent la musique qu’on écrit pour l’image produite.
Il y a une multitude de façons de présenter l’œuvre d’un musicien. Sans en limiter l’évaluation au seul quantitatif, la production chiffrée de Claude Bolling permet une appréciation objective de son activité : à presque 85 ans, on peut affirmer qu’elle est énorme. Ses activités recensées par la Sacem donne un total de 1618 résultats, dont 1285 occurrences en tant qu’auteur-compositeur-arranguer-éditeur et 635 comme interprète. Ce recensement, qui est loin de comptabiliser toutes ses occupations, fait apparaître, dans le détail, que sa production concerne tous les domaines et toutes les formes musicales ; aussi bien l’adaptation et/ou l’arrangement de pièces populaires traditionnelles (« Au clair de la lune », de « Frère Jacques » ou de « Fais dodo Colas »), que des œuvres classiques ou originales ambitieuses, ( la série des suites comme la Suite pour flûte et piano), que des partitions de musique de films de divertissement (Borsalino,Louisiane,Le Magnifique,Les Brigades du Tigre…) ou de sujets plus graves (Le Mur de l’Atlantique,Netchaïev est de retour) et même de dessin animé (Lucky Luke, Daisy Town) ; sans parler de ses collaborations auprès des chanteurs de variétés ou d’artistes divers (Jacqueline François, Juliette Gréco, Les Parisiennes, Sacha Distel, henri Salvador, Brigitte Bardot) et de ses collaborations aux émissions de télévision de Jean-Christophe Averty, d’Albert Raisner, de Maritie et Gilbert Carpentier dans les années 1960 et 1970. Claude Bolling est un musicien complet : il sait tout faire. Il le fait avec exigence dans un professionnalisme apprécié de ses partenaires.
Cette activité débordante lui a fourni les moyens économiques de pratiquer la musique de sa vie, le jazz. C’est aux revenus engendrés par ses activités de « musicien du quotidien » que Claude Bolling (comme la plupart des autres musiciens de jazz) doit d’avoir pu continuer à jouer sa musique et, pendant plus de quarante ans, et à entretenir le fonctionnement d’un big band, le seul permanent en France, l’un des rares en Europe et dans le monde ; sa renommée a, de manière justifiée, très largement dépassé les frontières de la France. Car le catalogue des œuvres de ce travailleur invétéré est structuré depuis le début par une multitude de petites bornes, des compositions écrites pour/par le jazz, dont certaines (« Geneviève », « Happy Congregation », « Piège », « Suivez le chef », « I Love You All Madly », « Stéphane »…) sont de vrais petits bijoux. Admirateur inconditionnel de Duke Ellington, Claude Bolling a, à l’exemple de son maître, su rendre au jazz beaucoup de ce qu’il lui avait donné.
Cinéma Piano Solo est, d’une certaine façon, le formidable condensé d’une œuvre relue par son compositeur sur son propre instrument. Et comme beaucoup de ses œuvres inspirées par la musique de jazz, ces vingt-et-une pièces traduisent l’unité de l’œuvre de Bollingtondans toute sa complexité. Enregistrées en 2011 seulement, elles auraient pu et dû l’être bien avant. Nous y retrouvons avec plaisir la générosité formidable du pianiste, amoureux de la musique et du jazz au point de ne quitter son instrument qu’à regret lorsqu’il y était installé. Si le public lui savait gré de ne jamais s’économiser, que de fois, ses musiciens fatigués ont vitupéré contre ce boulimique du clavier qui ne se résignait jamais à clore un concert !
Ces faces lui ressemblent. Merci M. Bolling.

Félix W. Sportis

Joan Chamorro & Andrea Motis
Feeling Good

Feeling Good, Between the Devil and Deep Blue Sea, How Insensitive, Lover Com Back to Me, Moon River, Love Me or Leave Me, Lover Man, Solitude, Hallelujah, Easy Living, My Funny Valentine, Bésame Mucho, Sophisticated Lady, Gee Baby, Ain't I Good to You, Lover Man, Lullaby of Birland
Andrea Motis (voc, tp), Alba Armengou (tp), Scott Robinson (ts, tp), Joan Mart (as), Marçal Perramon (ts), Carles Vazquez (fl), Elia Bastida (vln), Alba Esteban (as, ss)Eva Fernandez (cl), Iscle Datzira (cl), Edurne Vila (vln), Marc Armengol (vln), Joan Ignasi (alt), Esther Vila (cel), Edward Ferrer (bs), Joseph Traver (g), Ignasi Terraza (p), Joan Chamorro (b) ou David Mengual (b), Esteve Pi (dm); arrangements: Joan Monné, Sergi Verges, Alfons Carrascosa
Enregistré en 2012 les 18, 19 février, 11 avril, en juin et le 31 août, Barcelone (Espagne)
Durée : 1h 01' 17''
Temps Records 1326-GE12 (Socadisc)

A l’instar d’un très – d’un trop – grand nombre d’albums publiés depuis une trentaine d’années, Feeling Good relève du produit de consommation courante dont notre société marchande gave le public ; le spectaculaire, ou présenté comme tel, y tient lieu de fond culturel. En l’espèce, une chanteuse, une de plus aurait-on envie d’écrire. Car la demoiselle, qui n’a encore pas 20 ans, est un peu trompettiste. Voici donc le phénomène à l’origine de ce recueil.Et pour vendre ce produit, la jeune personne donne à entendre une quinzaine de standards bien choisis. Le résultat est techniquement tout à fait acceptable et commercialement en adéquation avec l’attente de la clientèle actuelle des FNAC. Les thèmes sont de qualité et ont passé la dure épreuve du temps. Les arrangements, lorsqu’ils existent, sont plutôt bien écrits, et les accompagnateurs de qualité.
Dans cet album, la trompettiste réduit sa prestation au minimum ; elle n’est pas de nature à abattre les murs de Jéricho : les trompettes - de la renommée - seraient bien mal embouchées ! Quand à la chanteuse, elle possède une voix d’enfant, à la tessiture étroite, avant la mue (même chez les femmes). Plus que Norah Jones c’est Lisa Ekdahl, d’il y a une vingtaine d’années, qu’évoque Andrea Motis. Sans être parangon de vertu ou nostalgique d’innocence virginale, entendre une petite fille susurrant des paroles aux sous-entendus coquins surprend un peu. Point n’est besoin d’être né de la dernière pluie pour se bien douter qu’à son âge et qu’en notre temps la charmante enfant ne brode plus de dentelle. En Nabokov musical, Joan Chamorro, son mentor, n’en offre pas moins à écouter une Lolita du sillon pour vieux messieurs libidineux un peu durs d’oreille.
Alors, que reste-t-il ? De l’excellente musique, jouée par de très bons musiciens ; ils feraient danser des culs-de-jatte et swinguer des muets ; ils font oublier le reste. La section rythmique et ses membres font du beau travail. Joan Chamorro est un contrebassiste solide et un ténor (façon Getz) de talent. Esteve Pi est un très bon batteur. Joseph Traver, qui évoque tour à tour Charlie Byrd et Joe Pass, accompagne très bien et donne quelques beaux choruses. Mais dans cet ensemble, Ignasi Terraza ressort du lot, de par sa musicalité : son accompagnement est toujours juste et ses soli sont superbes, scintillant de la clarté cristalline de son toucher pianistique exceptionnel.
Tout proportion gardée, ce type de production évoque les enregistrements Okeh de Lillie Delk Christian accompagnée en 1928, sur la « demande expresse » d’Al Capone dit-on, par le Louis Armstrong Hot Four, composé de Louie (tp), Jimmie Noone (cl), Earl Hines (p) et Mancy Cara (g) ; on les écoute néanmoins toujours avec ferveur pour « ce qu’il y a derrière ».
Sans être un grand disque, Feeling Good s’écoute sans torturer. Il permet de découvrir et d’entendre d’excellents musiciens catalans.

Félix W. Sportis
© Jazz Hot n°673, automne 2015

Cyrus Chestnut
Midnight Melodies

Two Heartbeats, Pocket Full of Blues, To Be Determined, Bag's Groove, Hey, It's Me You're Talkin' To, Chelsea Bridge, U.M.M.G. (Upper Manhattan Medical Group), I Wanted to Say, Giant Steps, Naima's Love Song, The Theme
Cyrus Chestnut (p), Curtis Lundy (b), Victor Lewis (dm)
Enregistré les 22 et 23 novembre 2013, New York
Durée : 1h 17' 27''
Smoke Sessions Records 1408 (Distrijazz)

A un tel niveau d’excellence, aussi bien pour le leader que pour ses accompagnateurs et que pour le trio et la musique offerte, l’indispensable s’impose. La facture apparemment classique de ce trio vient davantage de cette impression de perfection musicale que du registre, très contemporain, de ce jazz pétri dans le blues, le swing, la beauté des mélodies et des harmonies servie par une virtuosité artistique.
Le répertoire choisi propose trois beaux thèmes du regretté John Hicks, lui-même brillant pianiste, un de Cyrus Chesnut, deux de Victor Lewis, mais aussi deux thèmes de Billy Strayhorn, un de Milt Jackson, un de John Coltrane, un de Miles Davis. Le mainstream, c’est encore aujourd’hui, si l’on veut bien concevoir que ce magnifique jazz incarne la descendance directe et sans complaisance de ce que le jazz a de meilleur depuis Louis Armstrong.
Chez Cyrus Chestnut, tout est au niveau supérieur, tout est personnel, très original dans l’élaboration, et tout est swing et blues, comme ces relectures de « Bags Groove » et de « Chelsea Bridge ».
Il n’y a que nos programmateurs peu inspirés et peu savants en matière de jazz de nos scènes de clubs ou de festivals pour ne pas faire de ces musiciens les Oscar Peterson, Ray Brown ou Art Blakey des temps actuels, pour appauvrir les scènes d’ersatz affadis ou dénaturés quand il existe des centaines de magnifiques musiciens de jazz de par le monde.
La scène du Smoke fait partie de celles qui se respectent en respectant le jazz, même si elle commence à être très isolée. L’atmosphère délicieusement jazz (le public) qu’on perçoit en fond de cette magnifique musique dit assez et aussi ce qu’est le jazz et ce que furent ces belles soirées de novembre 2013 au Smoke.

Yves Sportis

Pierre Christophe
Valparaiso

Relaxin' at Battery Park, Secret Lullaby, Valparaiso, Fats Meets Erroll, Isla Negra, African Beauty, Oladé's Dance, Renaissance, Grumpy Old Folks, Jumping Fish
Pierre Christophe (p), Olivier Zanot (as), Raphaël Dever (b), Mourad Benhammou (dm)
Enregistré le 14 septembre 2014, Cherisy (28)
Durée : 50' 18''
Black & Blue 803.2 (Socadisc)

Pierre Christophe a 46 ans. Il est par conséquent en pleine maturité musicale lorsqu’il choisit, en 2014, avec le même quartet, de reconduire l’expérience de Frozen Tears (Black & Blue 710.2) enregistré en 2009 avec Olivier Zanot. Néanmoins, outre le fait que toutes les compositions sont également de sa plume, la nature du répertoire retenu présente la particularité de relire pratiquement vingt-cinq ans de sa production musicale, puisque la première pièce, « Relaxin' at Battery Park » date de 1990 (il avait seulement 21 ans ; c’était ni plus ni moins au sortir de ses études au conservatoire de Marseille, dans la classe de jazz de Guy Longnon) et que la plus récente, « Isla Negra » a été composée en 2014. Ces compositions constituent donc un itinéraire en relation avec son parcours musical et professionnel en relation avec la conjoncture du moment ; par exemple, sa tournée en Amérique du Sud en 2010.Christophe est un si brillant pianiste, qu’on finit par oublier qu’il est également un formidable accompagnateur ; en témoignent les jamsau Garden Beach Hôtel de Juan-les-Pins, au cours desquels il nous régala notamment derrière Antonio Hart (as) en juillet 2006. La formule, reprise en 2009 avec Olivier Zanot (as) et celle-ci particulièrement, apparait de ce fait à la fois logique, pertinente et aboutie. On oublie trop souvent qu’un autre immense pianiste symbole de l’instrument, Erroll Garner, auquel Pierre Christophe n’est pas indifférent, a également laissé quelques superbes plages avec un extraordinaire altiste, Charlie Parker. Cette seconde voix mélodique dans la formation y ajoute par conséquent une touche de diversité qui met, peut-être, encore plus en évidence l’originalité de son style.
L’essentiel des pièces (« Secret Lullaby », « Valparaiso », « African Beauty », « Oladé's Dance », « Renaissance », « Grumpy Old Folks » et « Jumping Fish ») a été composé dans la période 2009-2011 ; une seule a été concomitante de l’enregistrement de l’album (« Isla Negra ») ; deux (« Relaxin' At Battery Park » et « Fats Meets Erroll ») remontent aux débuts de sa formation. Malgré les différences chronologiques, l’album présente trois thématiques : une présentation fantasmée de l’Afrique très homogène (2009 et 2011) ; une forte dominantemainstream jazz, réexplorant le spectre large du jazz étatsunien de Fats Waller à Dave Brubeck et Jaki Byard en passant par Erroll Garner et de Charlie Parker à Eric Dolphy en passant par Paul Desmond ; enfin une évocation poétique lyrique de l’Amérique du Sud (2010 et 2014) sorte de contre-chant musical à l’univers de Pablo Neruda (« Valparaiso », « Isla Negra » et « Renaissance »). Le programme de cet album est, en définitive, une invite aux voyages imaginaires en des continents musicaux recomposés en entrelacs chimériques.
On ne résiste pas au plaisir de percer quelques secrets de ces petites boîtes à bijoux musicaux. D’entrée, Pierre distribue quelques pépites rythmiques tout droit sorties duClavier bien Bayardé (« Relaxin' At Battery Park »). « Secret Lullaby » est construit à la manière d’un choral ; le thème et le traitement évoque la manière du premier John Lewis, pianiste be-bop. Les trois pièces latino-américaines, dont La Vallée du paradis, sont traitées en habanera, forme de contradanzalente du continent latino-américain. Toutefois, le ton comme l’univers impressionniste d’ « Isla Negra » (lieu où Pablo Neruda avait sa maison) n’est pas sans évoquer la nostalgie lourde d’incertitude d’ « UMMG » (Billy Strayhorn). « Renaissance » rêve en réminiscences debussystes. « Fats Meets Erroll » est une pièce tout à fait remarquable ; sa construction est un agencement en forme de puzzle particulièrement brillant d’imaginaires de pièces empruntées à des musiciens de périodes et de styles apparemment très différents. Et pourtant, cette pièce fait immanquablement référence à « Bird’s Nest ». Les deux pièces d’inspiration africaine ; « African Beauty » et « Olade’s Dance » emprunte leur univers aux périodes jazziques pendant lesquelles le jazz essaya d’échapper à son identité première, afro-américaine, en empruntant à des civilisations extra étatsuniennes des syntagmes fantasmatiquement originaires : « AB », réinvention incantatoire rollinsienne puisée en une Afrique tout doit sortie de l’imaginaire afro-étatsunien des années 1960 ; « OD », une danse 5/4 au tempo enlevé, ni afro-américaine ni africaine, exotisme brubeckien étatsunien, pour célébrer le nom Yoruba du fils de Pierre, sur lequel, Benhammou, après le clin d’œil de Zanot à Desmond, cite longuement en forme d’obligado, le solo de Joe Morello sur « Take Five ». « Grumpy Old Folks » et « Jumping Fish » en fin d’album marquent le retour, après la ballade (au sens de promenade mais également en tant que construction poétique) à la racine mainstreamdu jazz ; le premier dans une acception de structure monkienne quand le second évoque l’univers évansien (3/4).
Olivier Zanot qui est né en 1973 a fait ses études musicales au conservatoire de Toulon avant de poursuivre en musicologie à Nice puis au CNM de Paris. Dans cet opus, il évoque, par son timbre et souvent par sa manière de mise en place, Phil Woods. Son ton convient parfaitement à la musique de Christophe, dont il épouse parfaitement les tours et détours avec beaucoup de finesse. Raphaël Dever est un bassiste qui ne fait pas de bruit dans le Landernau du jazz mais qui est toujours là et bien là où il faut, assurant sa partie avec toujours plus de sureté : mise en place très sûre. Mourad Benhammou "joue" (dans tous les sens du terme) de la batterie : ce batteur étonne d’album en album dans sa capacité de s’adapter au répertoire, toujours avec sa propre personnalité, un peu à la façon qu’avait Kenny Clarke de soutenir en apportant sa part au travail commun. Ce n’est jamais bruyant et pourtant fortement présent : parfait. Quant à Pierre Christophe, cet album nous révèle un pianiste qui joue de mieux en mieux – et pourtant le niveau de départ était déjà très élevé – et qui dans Valparaiso fait montre de maturité et de pertinence dans sa réflexion sur sa propre musique. Cette relecture sereine est tout à la fois distanciée et sentie ; le musicien se relit sans jamais se répéter.
Valparaiso est un album rare dans sa production déjà conséquente. Pierre Christophe y a pris le temps de s’arrêter pour s’écouter et donner à écouter ce qu’il entend laisser dans sa contribution de musicien et de pianiste de sa lecture dans la longue histoire du jazz à laquelle il contribue avec bonheur. C’est intelligent, c’est fin, c’est jubilatoire, c’est poétique et c’est souvent très beau.

Félix W. Sportis

Riccardo Del Fra
My Chet My Song

I'm a Fool to Want You, Love for Sale/Wayne's Whistle, I Remember You, Wind on an Open Book, For All We Know, But Not For Me/Oklahoma Kid, The Bells and the Island, My Funny Valentine
Riccardo Del Fra (b), Airelle Besson (tp & flh), Pierrick Pédron (as), Bruno Ruder (p), Billy Hart (dm), Deutsches Filmorchester Babelsberg, dir Torsten Scholz
Enregistré en 2013, Postdam (Allemagne)
Durée : 1h 05' 02''
Cristal Records 229 (Harmonia Mundi)

My Chet My Song est un album composé d’orchestrations écrites par Riccardo Del Fra sur des pièces qui dessinent en creux la carrière de Chet Baker, avec lequel le contrebassiste se lia et dont il partagea huit ans de l’existence depuis leur première rencontre un jour de 1979 à Rome. On y retrouve donc, dans une mise en forme avec cordes, quelques-uns des thèmes qui ont fait et la renommée et le succès de Chet. Cette œuvre, commémorant le 25_^e anniversaire de la mort du trompettiste, fut créée au Festival de Marciac le 6 août 2011 avec l’orchestre du Conservatoire de Toulouse sous la direction de Jean-Pierre Peyrebelle, avec Roy Hargrove (tp, flh) et Pierrick Pédron (as) en solistes.
Cette œuvre fut par la suite reprise à l’occasion de concerts (Duc des Lombards…) les mois suivants, notamment à l’occasion de sa tournée de plusieurs semaines au Luxembourg et en Allemagne dans le cadre des activités de différents instituts culturels français à Munich, Tübingen, Berlin… au cours de laquelle elle fut donnée en formation mixte par le même quintet associé à des formations allemandes. Cet album présente donc l’enregistrement de l’une de ces sessions germaniques. Ces arrangements évoquent Gill Evans par les nombreuses similitudes qu’ils présentent avec ceux du Torontonianau début des années 1950 ; et de ce point de vue, l’essai de Del Fra, dont l’objet est de se réinscrire dans l’imaginaire de Chet, c’est à dire aussi l’évocation du Californian mood de la West Coast de cette période, est parfaitement abouti. C’est une musique de climats à forte connotation cinématographique qui sollicite l’imaginaire de l’auditeur et l’incite à une certaine contemplation. De ce point de vue, le rôle participatif de l’auditeur, celle consistant à vivre le traitement sensuel du rythme, avec le swing, est souvent absent même si l’intervention des solistes (surtout de par la section rythmique) en certaines parties, rattache ces pièces à l’univers du jazz d’où est issu Chet Baker. L’écriture très élégante et même ciselée de Del Fra, même en ses parties les plus contemporaines (« The Bells and the Island »), s’inscrit évidemment dans la veine italienne du chant ; « I Remember You », dans son urgence contenue (opposition du fond très tendre des cordes souligné par le timbre chaleureux du bugle à la fougue impatiente plus masculine de l’alto), métamorphose l’hommage en chant d’amour.
L’auditeur pourra apprécier les accents davisiens, la parfaite maîtrise technique et l’élégiaque douceur d’Airelle Besson opposés à la véhémence mâle, insistante et timbrée, de Pierrick Pédron, les deux solistes œuvrant de manière concertante avec la masse orchestrale. Tout au long de l’opus, le trio piano-contrebasse-batterie se contente le plus souvent d’accompagner et de colorer l’espace sonore de structures rythmiques : remarquable travail aux baguettes et aux balais de Billy Hart à peine souligné par la contrebasse comme un battement du cœur, le pianiste jouant out renforçant le ton incertain par le traitement atonal des parties solistes (fin de « For All We Know »).
C’est un beau disque qui illustre l’art délicat du musicien Riccardo Del Fra, compositeur comme arrangeur, même si l’idiome du jazz n’est pas toujours la préoccupation principale de l’orchestrateur.

Félix W. Sportis

Doré Marthouret Quartet
3

Bye-Ya, Manhattan Plaza, I Surrender Dear, The Jitterburg Waltz, You're The Sunshine, Cala Morel, Fradel's Mood, O Grande Amor, No Moon at All
Guillaume Marthouret (ts), Xavier Doré (g), Laurent Fradelizi (b), Fred Oddou (dm)
Enregistré le 23 septembre 2013, Cherisy (28)
Durée : 49' 25''
Black & Blue 787.2 (Socadisc)

Les musiciens de ce groupe n’ont pas encore 40 ans. Leur musique présente encore la fraîcheur de la jeunesse mais déjà la maturité d’une véritable expérience. Le programme de cet opus, qui comprend des pièces aux ambiances variées, est constitué pour l’immense majorité d’un répertoire empruntant à la tradition du jazz : celui des standards et des classiques du jazz, de Fats à Sphere, de Barry Harris (1931) à David Mann (1948). En parallèle, ils nous proposent quatre compositions personnelles, dont le ton dans l’idiome s’intègre parfaitement au reste.
Doré, Marthouret, Fradelizi et Oddou n’en sont pas à leur premier essai ; ils jouent ensemble depuis 2006 et la tenue remarquable de cet album est la preuve patente de leur savoir faire confirmé en matière de jazz. 3est en effet le troisième album dans cette formule quartet, aprèsAnother View(Camion Jazz, 2009) et That’s it (Black & Blue 2011). La longévité de cette formation n’est pas étrangère à la qualité musicale d’ensemble.
Les solos sont également de qualité. Doré évoque, par son discours dépouillé, le regretté Jimmy Gourley ; aucun superflu, rien que l’essentiel. Marthouret est un ténor élégant ; sa manière ne donne jamais dans le spectaculaire et la qualité musicale de son improvisation est sa principale préoccupation : « Surrender Dear », thème peu souvent joué, met en évidence sa sonorité aussi chaleureuse que la poésie de la mélodie. Fradelizi accompagne avec beaucoup de feeling et ses soli restent toujours mélodiques. Quant à Oddou, il s’adapte avec beaucoup de finesse aux ambiances dessinées par ses partenaires.
3est un album de qualité qui mérite d’être entendu et écouté ; on y prend beaucoup de plaisir. Et ça swingue !

Félix W. Sportis

Philippe Duchemin Trio
Dansez sur Nougaro

Dansez sur moi*/Girl Talk, La pluie fait des claquettes, Berceuse à pépé, Les mains d'une femme dans la farine/Gravy Waltz, Les pas, Cécile, ma fille, Prisonnier des nuages*, Ah tu verras, Le coq et la pendule, Déjeuner sur l'herbe, Toulouse
Philippe Duchemin (p, arr, dir), Christophe Le Van (b), Philippe Le Van (dm), Christophe Davot (voc, g*), Arnaud Aguergaray (vln), Kammerphilarmonia ensemble à cordes du Pays Basque
Enregistré les 20-21 mars 2015, Anglet (64)
Durée: 45’ 29”
Black and Blue 790.2 (Socadisc)

Né à flanc de Garonne, Philippe Duchemin ne pouvait pas ne pas un jour se rendre à l’évidente attraction du poète. Et c’est un bien bel hommage qu’il rend à l’aède rocailleux de sa Ville rose. La musique populaire en France a, depuis les années 1920, entretenu avec le jazz des relations intimes dont la fécondité n’a pas été étrangère à la naissance de ce qu’on désigne par Chanson française; Mireille, Jean Sablon, Charles Trenet, Henri Salvador, Georges Brassens, Léo Ferré, Prévert-Kosma… et Claude Nougaro ont, chacun à sa manière, été les passeurs de cette mutation liée aux échanges interculturels. Ils ont transposé dans leur imaginaire l’esthétique de l’autre, en évitant l’écueil redoutable d’une hybridation stérilisante; n’en déplaise à Jacques Canetti, initiateur du straight et du jazzy, à ses héritiers, les thuriféraires de la world music, de la fusion, du rock et autres musiques nouvelles, qui confondent fécondation et mondialisation génétique.
Ce qui contribue à expliquer que, malgré ses contorsions phonétiques et ses outrances rythmiques, Nougaro reste donc par la langue, d’abord et avant tout, un artiste intrinsèquement français. Comme celui de son maitre, Jacques Audiberti, son style emprunte aux ressources les plus classiques de la versification française: harmonie imitative, assonance, allitération rejet et contre-rejet («Le Coq et la pendule»)… Et même si sa strophe est libre, sa métrique est tenue à des formes plus rigoureuses pour tomber sur ses pieds.
En fin musicien de jazz, Philippe Duchemin n’a pas commis l’erreur rédhibitoire de vouloir trouver dans l’œuvre du Toulousain l’introuvable chez cet artiste à la culture intrinsèquement française. Car, en considération des très nombreuses chansons qu’il écrivit ou composa en référence à la musique de jazz, Nougaro est souvent présenté, dans un raccourci aussi audacieux qu’inapproprié, comme un «chanteur de jazz». Or si le poète a su reconstruire un imaginaire «étranger» [jazz] dans son propre langage, il ne saurait suffire au chanteur de scander la prosodie des syllabes, fussent-elles accentuées ou onomatopées, d’un texte pour swinguer le tempo de sa mélopée. Comme Ellington reconstruisit l’imaginaire d’une Afrique mythique dans son conventionnel American jungle style ou Gillespie celui de sa Caravan dans la nuit tunisienne, Nougaro fantasma son jazz sur vélin blanc de ses jours noirs.
Philippe Duchemin n’a également pas commis l’erreur de vouloir «mouler» Nougaro à sa propre forme jazzique. Le programme de son album est de ce point de vue très équilibré et foncièrement nougaresque. De cet énorme répertoire, il n’a conservé que deux pièces issues de la littérature musicale spécifiquement jazz qui a si souvent nourri cette œuvre, «Girl Talk» et «Gravy Waltz», deux morceaux chers au petersonian qu’il est. Les neuf autres, à l’exclusion de «Ah tu verras» (Chico Buarque), sont de veine toulousaine; le musicien s’est mis au service de l’auteur-compositeur: les textes et leur rythmique semblent avoir été les critères principaux de sa sélection et les arrangements ont été écrits en relation à la thématique scandée des textes.
Cet album brillant doit beaucoup à l’expérience acquise dans l’emploi des cordes dans son précédent ouvrage, Swing and Strings; elle donne quelques très beaux moments (orchestration des cordes dans «Ah, tu verras»), des réalisations bien venues (pizzicati dans l’exposition de «La pluie fait des claquettes») et des intuitions bien senties (après une citation courte et classique de «Nuages» par les cordes, la rupture du tempo bluesy initial up de la section rythmique, pour installer, en opposition, le mood orchestral en contrepoint très français de «Prisonnier des nuages»). Cette musique respire le bonheur vécu, y transparaît l’épanouissement d’un orchestrateur qui dit sa joie dans cet univers musical où les cordes confèrent à ces pièces un ton nouveau, une gravité légère que les enregistrements originaux du «maître» n’avaient pas dévoilée.
La réussite de Dansez sur Nougaro tient bien évidemment à la qualité des orchestrations dont la respiration générale relève du boston américain, forme ternaire rythmée si particulière des strings en Amérique. Mais la réalisation générale assez exceptionnelle tient également aux interprètes de ces partitions pas faciles: la mise en place des cordes dans les parties très écrites est remarquable; la section rythmique est en accord complet avec l’esprit du texte et chaque intervenant soliste y apporte sa part de création intelligente (l’exposition sur leitmotiv voix/contrebasse dans «Les mains d’une femme dans la farine» est non seulement intelligente mais pleine de tendresse en référence au compositeur de «Gravy Waltz»).
Mais dans cette réussite, la part du chanteur, Christophe Davot, est essentielle. Il n’imite jamais. Cet homme chante avec sa voix, qui est superbe, dans une diction parfaite et sans affectation aucune, laissant s’épanouir la beauté de la prosodie dans ses sonorités ciselées. Quant à sa mise en place, elle est d’une rigueur exceptionnelle. La manière, commediante voire tragediante, gravée sur les galettes par Nougaro a quelque peu figé le reçu de ces pièces, dont la richesse –et ce n’est pas une moindre qualité de l’auteur et des différents compositeurs, Vander particulièrement– mérite plus qu’une lecture «au passé», au ton dépassé voire compassé. C’est tout le talent de Christophe que d’avoir mis en lumière, par une interprétation fine et pleine de sensibilité, et l’originalité et la fraîcheur de ces œuvres; elles valaient qu’on dépassât la sensiblerie d’une mémoire trop fidèle. Davot a ouvert une voie/x nouvelle à l’interprétation des très belles chansons de Nougaro. Dans sa seule intervention soliste en tant que guitariste sur «Prisonnier des nuages», ce fin musicien a l’élégance de ne pas imiter la manière de Django. Il a l’exquise politesse d’emprunter la sonorité ensoleillée d’Henri Crolla, autre guitariste manouche d’origine italienne et malheureusement trop oublié. Cet opus de Philippe Duchemin, comme les albums Cross Over de Claude Bolling, illustre la parfaite réussite de ce dialogue bien compris des cultures; encore faut-il les avoir assimilées et en maîtriser, comme ces deux musiciens rares, les outils de ces deux langues, à la syntaxe et à la grammaire aussi complexes qu’exigeantes, pour échapper, dans une traduction périlleuse, aux écueils des solécismes plus fréquents que les barbarismes encore.
Dansez sur Nougaro est mieux qu’une heureuse surprise, c’est le bonheur; le bonheur de redécouvrir des textes et des musiques, qui à force de célébrations convenues, avaient pris le masque des momies. Or ce répertoire est magnifique; il importait de lui redonner vie en des formes et des expressions vivantes de notre temps. Philippe Duchemin et ses coauteurs (car tous y contribuent à leur place et dans leur rôle) ont réussi leur œuvre; s’agit-il d’un chef d’œuvre? Vous pouvez écouter cet album et le réécouter sans jamais vous ennuyer. La richesse de la partition est telle, dans sa simplicité, que vous y découvrirez toujours quelque chose de nouveau. L’exigence dans l’interprétation incite à réécouter.

Félix W. Sportis

Viktorija Gecyte & Julien Coriatt Orchestra
Blue Lake

Blue Lake, Lithuanian Suite : Ten kur sapnai, Lithuanian Suite : Ka gi tu man sakai ?, Lithuanian Suite : Senu draugu daina, Tenderly, Hat and Beard, Lauku daina, My Foolish Heart, Closing, Why Now
Viktorija Gečytė (voc), Julien Coriatt (p, lead), Peter Giron (b), John Betsch (dm), reste du personnel détaillé dans le livret
Enregistré en octobre 2013, Paris
Durée : 48' 56''
Autoproduit (www.juliencoriattorchestra.com)

Le projet de la chanteuse d'origine lituanuienne Viktorija Gečytė et du pianiste et chef d'orchestre Julien Coriatt était ambitieux : un premier album entre jazz, musique classique et musique traditionnelle lituanienne, porté par un grand orchestre (vingt-deux musiciens). Produit grâce à une plateforme en ligne de financement participatif, ce Blue Lakeest essentiellement constitué des compositions du duo Gečytė-Coriatt (hormis trois standards : « Tenderly », « Hat and Beard » et « My Foolish Heart ») et de très bonne facture. Si l'album est à dominante jazz (c'est vrai pour tous les titres en anglais), les trois parties de la « Lithuanian Suite » ainsi que le morceau « Lauku daina », chantés en lituanien, évoquent davantage la comédie musicale. Pour le reste, du titre qui donne son nom à l'album, « Blue Lake », au très ellingtonien « Why Now », qui clôt le disque, on a affaire à du bon jazz de big band, ce qui nous étonne d'autant moins que la rythmique est assurée par deux grands professionnels : Peter Giron et John Betsch, qu'on a pas l'habitude de trouver dans ce type de contexte.
La présence des deux compères ne doit pourtant rien au hasard : Julien Coriatt est un ancien élève de l'American School of Modern Music de Paris où il a reçu l'enseignement de Peter Giron. Une fois terminées ses (longues) études musicales, le pianiste anime des jam-sessions. C'est au cours de l'une d'elle qu'il fait la connaissance de Viktorija Gečytė en 2008. Cette dernière a étudié aux Etats-Unis où elle a rencontré Gene Perla (b) et avec lequel elle effectue plusieurs tournées, y compris après son installation à Paris. Coriatt lui présente alors Giron et Betsch. Les quatre s'entendent comme larrons en foire et se mettent à jouer régulièrement ensemble. Puis, Julien et Viktorija mettent en gestation leur projet d'orchestre, projet dont on devine qu'il a nécessité une détermination certaine en ces temps où l'économie du jazz est si peu favorable aux grands ensembles. Viktorija Gečytė possède un vrai sens du swing qui trouve à s'épanouir avec cet excellent big band. Tandis que les arrangements de Coriatt, d'une grande finesse, habillent joliment l'ensemble.
On souhaite à Viktorija Gečytė et Julien Coriatt tout le succès possible à leur entreprise.

Chris Hopkins & Berndt Lhotzky
Partners in Crime

Tonk, Imagination, Georgia Jubilee, Snowfall, I Got Plenty O' Nuttin', Jingles, Someone to Watch Over Me, Salir a La Luz, Sneakaway, Five 4 Elise, Partners in Crime, Doin' the Voom Voom, Russian Lullaby, I Believe in Miracles, Apanhei-Te Cavaquinho
Chris Hopkins (p), Bernd Lhotzky (p)
Enregistré les 28 et 29 juillet 2012, Kamen (Allemagne)
Durée : 56' 34''
Echoes of Swing Productions 4510 2 (www.echoesofswing.com)

Partners in Crimefait partie des duos que les pianistes enregistrent lorsque la rencontre devient plaisir, relation particulière que l’on ressent dans la musique de chambre où l’intimité de la conversation n’est pas dérangée, parasitée par les étrangers. Ici, seulement deux micros, presque cachés, qui rendent compte de ce dialogue étonnant entre deux superbes Steinway qu’ils font sonner et résonner avec finesse et intelligence.

Christian Peter « Chris » Hopkins a maintenant un peu plus de 40 ans ; plus que l’alto, qu’il pratique également de manière plus démonstrative, le piano relève de son être intérieur fortement romantique (« Someone to Watch Over Me »). Il a trouvé en Bernd Lhotzy, de deux ans son aîné – qui tout comme lui fait également partie du groupe Echoes of Swing ainsi que le trompettiste Colin T. Dawson et le batteur Olivier Mewes –, un complice idéal à l’univers, qui pour être plus classique au plan jazzique (« Sneakaway »), n’en est pas moins original, voire baroque et/ou exotique (« Salir a La Luz », sorte de choro, est une composition personnelle dédicacée à Isabel) quant à ses choix et à ses centres d’intérêt.
Le programme de cet album est composé d’un mélange de pièces d’origines diverses, peu souvent enregistrées, du moins dans cette forme et ce langage. Les œuvres s’étendent sur deux siècles d’histoire musicale occidentale : de la « Lettre à Elise », composée en 1810 par Beethoven, à la plus récente, œuvre originale de Lhotzky, « Salir a La Luz », également dédicacée à son épouse, la pianiste classique Isabel (Späth-Lhotzky) qui joue souvent dans le Valentin Piano Quartet. L’ensemble habilement agencé est largement structuré autour de compositions représentatives des innovations musicales de la première moitié du 20e, dont le jazz en constitue l’ossature majeure. Ainsi ne sommes-nous pas surpris de la surreprésentation de deux auteurs majeurs de cette musique américaine, tant par l’œuvre composée proprement jazz (Duke Ellington) que par le répertoire repris et l’ayant servie (George Gershwin) : Duke Ellington (« Tonk », 1945 et « Doin’ TheVom Vom », 1929) et George Gershwin (« I Got Plenty O’ Nuttin », 1935 et « Someone to Watch Over Me, 1926). Les autres thèmes sont eux-mêmes originaux dans la structuration compositionnelle du jazz comme dans les autres formes musicales d’Amérique. Toutes les origines des tunesde Tin Pan Alley y sont représentées : la germanique (Peter Wendling), la britannique (Fud Livingsyon), la russe (Irving Berlin et George Gershwin). De la même manière, les racines diverses du jazz : les blanches swing (Benny Goodman) ou cool (Claude Thornhill) ; les afro-américaines ethniques (James P. Johnson, Willie « The Lion » Smith, l’Ecole stridede Harlem, matrice de leur propre style pianistique) mais également noires greffées USA (Duke Ellington, Bubber Miley, Billy Strayhorn) en période Harlem Renaissance, dans le Jungle Style des débuts, comme dans une modernité annoncée en 1945, vingt ans avant de Cecil Taylor (« Tonk »). A cela ajouter leur propre relecture du jazz : que ce soit dans « Partners in Crime » (thème bluesy – classique 4/4), subtilité érotique speakeasy, ou « Five 4 Elise » divertissement humoristique américanisant de la plus représentative des œuvres de la musique européenne (la Lettre à Elise de Beethoven, si souvent envoyée et jamais reçue sous les doigts de demoiselles malhabiles ici passée à la moulinette du 5/4 emprunté à Dave Brubeck façon « Take 5 ») ; sans compter les autres « exotismes musicaux » américains (« Salir a la Luz » et « Apanhei-Te Cavaquinho ») réinventés par ces deux pianistes surdoués, capables de transcender, sans en trahir l’esprit, la tradition musicale russe – « Russian Lullaby » à l’exposé aux accents moussorgskiens – dans un stridemagnifique et de bon aloi que n’aurait pas désavoué le facétieux Mr Fats himself !).
Car si la musique afro-américaine est très largement représentée dans cet album en forme de bilan 20_^e, les deux pianistes ne manquent pas de rappeler l’émergence de deux autres musiques occidentales extra-européennes nées et découvertes au siècle dernier dans la zone latine du Nouveau Monde : l’insulaire hispanique cubaine (« Salir a La Luz ») et la continentale lusitano-brésilienne d’Ernesto Julio Nazareth (« Apanhei-Te Cavaquinho », 1915), compositeur ayant marqué l’histoire musicale de son pays.
La première face de l’album, « Tonk », également titré « Pianistically Allied », mérite attention. Cette pièce composée en 1945 par Duke Ellington et Billy Strayhorn, dont nous connaissons cinq versions enregistrées entre le 25 août 1945 et le 20 mai 1964 par eux, relève de la musique contemporaine plus que du jazz. La version en duo, Duke/Sweepea, du 10 janvier 1946 (Victor 27-0145) plus rapide, est traitée de manière rythmique ; le piano y est conçu en tant qu’instrument de percussion par les deux compères, la masse orchestrale recourant à la dissonance en amplifiant la sensation de « sauvagerie ». Celle d’Hopkins & Lhotzky s’apparente plutôt à une interprétation de pianistes classiques, telle qu’auraient pu l’envisager les Frères Kontarsky ou les Sœurs Labèque. Celle enregistrée par Aaron Diehl et Adam Birnbaum au Steinway Hall, bien plus longue, est également plus rythmique mais moins orchestrale que celle des deux maîtres-compositeurs. Il semble que la partition, techniquement difficile et complexe dans la coordination, exige, semble-t-il, une approche plus libre du texte. Il est d’ailleurs intéressant de noter que les pièces de Benny Goodman, « Georgia Jubilee », et de George Gershwin, « I Got Plenty O' Nuttin' », sont également relues par Lhotzky et Hopkins dans une déconstruction façon « Tonk ».
Partners in Crimeest plus qu’un album de musique jouée par deux musiciens de talent et qui, chose rare, respectent l’esprit et la syntaxe des œuvres. C’est une véritable petite histoire illustrée de la musique d’hors-Europe à valeur didactique.

Félix W. Sportis

Quincy Jones
Live in Paris. 5-7-9 mars / 19 avril 1960

CD 1 : Chinese Checkers, Sunday Kind of Love, Air Mail Special, Parisian Thoroughfare, The Phantom's Blues aka Everybody’s Blues, Lester Leaps In, I Remember Clifford, Moanin', Doodlin', The Gypsy, Big Red, Birth of a Band, Walkin', Air Mail Special, I Remember Clifford ; CD 2 : The Preacher, Birth of a Band, My Reverie, Ghana, Cherokee, Pleasingly Plump, Stockholm Sweetening, Tickle Toe, Blues in the Night, Our Love Is Here to Stay, Doodlin’, Ghana alt. take, Whisper not, Birth of a Band, Lester Leaps
Quincy Jones (arr., cond.), Benny Bailey, Roger Guérin, Leonard Johnson, Floyd Standifer (tp), Clark Terry (fgh, tp, voc), Julius Watkins (flh), Jimmy Cleveland, Quentin Jackson, Melba Liston, Ake Persson (tb), Porter Kilbert, Phil Woods (as), Budd Johnson, Jerome Richardson (ts), Sahib Shihab (bs), Les Spann (fl, g), Patti Bown (p), Buddy Catlett (b), Joe Harris (dm)
Enregistré les 5, 7, 9 mars 1960, Paris
Durée : 2h 35' 00''
Frémeaux & Associés 5460 (Socadisc)

Ce disque rend compte des activités musicales de Quincy Jones en tout début des années 1960, période d’articulation particulièrement importante de sa carrière. En 1953, le jeune trompettiste avait apprécié l’accueil de Clifford Brown, Art Farmer et Gigi Gryce, du Lionel Hampton Orchestra, en France. Aussi, ne met-il pas longtemps à retrouver Paris pour parfaire, sa formation musicale auprès de Nadia Boulanger ; pédagogue reconnue, elle avait déjà reçu des compositeurs Américains (Aaron Copland et George Gershwin) dans les années 1920. Il entend travailler l’écriture pour orienter sa carrière vers la composition et l’orchestration pour lesquelles, à ses débuts, il avait déjà manifesté de l’intérêt et des dispositions. Jusqu’à son départ en novembre 1958, il mettra rapidement en pratique ses nouveaux acquis théoriques. Homme sensible à l’air du temps et à la monde, il se lie avec le tout Paris.
Depuis son retour de France début 1959, Quincy Jones dirigeait à New York une grande formation (entre février et décembre 1959) lorsque Harold Arlen, producteur de la revue, Free and Easy lui proposa de roder son spectacle en Europe début 1960. La tournée débuta en France où la situation n’était guère propice : la guerre d’Algérie venait troubler l’ambiance parisienne. A L’Alhambra, le spectacle ne tint pas six semaines ! Le Quincy Jones Orchestra (qui coûtait 4800$ la semaine) dut se rabattre sur la formule « concert » : en France et dans toute Europe. Comme Dizzy Gillespie dix ans avant, Quincy connut les malheurs d’un tourneur indélicat ! Comme Charles Delaunay, dix ans avant, Frank Ténot mit la main à la poche et joua de ses relations pour « traiter la crise ». Les enregistrements de ce coffret sont extraits de deux concerts parisiens produits et enregistrés par Frank Ténot et Daniel Filipacchi les 19 avril 1960 à l’Olympia et les 5, 7 et 9 mars 1960 au Studio Hoche de Barclay.
Contraint par la déconvenue du show bizz, Quincy Jones en revient à ses premières amours. Début 1960, Quincy Jones était toujours musicien de jazz6. Mise à part l’adaptation de la pièce de Claude Debussy, « Rêverie » de 1880 superbement arrangée et interprétée par Melba Liston, ces vingt-sept faces en témoignent ; elles empruntent le répertoire du jazz à la mode, années 1930, 1940 et 1950. Les cinq standards retenus, de même période, n’en représentent qu’une faible part. Le choix des thèmes est très largement orientés modern jazz : Benny Golson, Horace Silver, Ernie Wilkins, Bobby Timmons, Bud Powell et Quincy Jones lui-même ; mais aussi Richard Carpenter, Lester Young, Charlie Christian, Benny Goodman. Les songs, qui ont pour auteurs Billy Reid, George Gershwin, Ray Noble, David Carr Glover, Louis Prima, sont marqués au fer du jazz : « Gypsy », « Our Love Is Here to Stay », « Cherokee ».
Le programme, où l’équilibre entre musiciens est respecté, obéit à un savant dosage. Le leader ne tire pas la couverture à lui ; la formation ne programme que trois de ses compositions (« Birth of a Band », « Pleasingly Plump » et « Stockholm Sweetening ») : ses jeunes collègues (Golson, Silver, Wilkins) ont le vent en poupe ; il choisit leurs succès. Orchestrateur reconnu, il ne joue qu’une dizaine de ses arrangements. Les autres sont de Billy Byers, Nat Pierce, Ernie Wilkins, Al Cohn ; certains sont de membres de l’orchestre : Budd Johnson (« Lester Leaps in ») ou Melba Liston (« The Gypsy » et « My Reverie »). Comme tous les journalistes l’avaient souligné à l’époque dans les revues spécialisées, la formation constituait un ensemble homogène. L’amalgame des anciens (Budd Johnson, Quentin Jackson, Benny Bailey, Clark Terry) et des jeunes (Phil Woods, Patti Bown…) fonctionnait bien.
Toutes ces faces sont de qualité. Elles représentent le jazz de cette époque et illustrent l’évolution de celle des big bands. Les ensembles sont magnifiques (que ce soit le classique « Air Mail Special » ou le moderne « I Remember Clifford » dans un tout autre registre) et les solistes sont parfaits : les trompettes Benny Bailey (« I Remember Clifford », « Tickle Toe », « Blues in the Night », « Phantom’s Blues » écrit par Wilkins en l’honneur de/pour Julius Watkins) et Clark Terry (« Moanin’ », Doodlin’ », « Walkin’ ») sont en grande forme ; parmi les trombones, on ne peut que relever la musicalité superbe de Melba Liston, en des genres aussi différents que « My Reverie » (d’une élégance classique) et « Phantom’s Blues » (très soulful) ; la section de saxes est brillante avec Budd Johnson, Jerome Richardson (« Whisper not », « Lester Leaps in », « Big Red ») et Phil Woods, qui n’est pas en reste, avec son bel hommage à « Bird » sur l’admirable arrangement de « Gypsy » par Melba Liston tout comme dans son formidable chorus sur « Walkin’ » ; Patti Bown est discrète mais lorsqu’elle intervient, c’est avec autorité (« Air Mail Special », « Lester Leaps in », « Walkin’ ») ; Les Spann tient sa partie avec efficacité (« Big Red » fl ou « Lester Leaps in » g) ; Buddy Catlett accompagne sans effort et n’intervient que rarement, avec simplicité et rigueur (« Walkin’ », de l’ancien trompettiste de Count Basie, Richard Carpenter) ; Joe Harris joue un rôle essentiel dans la relance de cette masse sonore pleine de fougue et ses quelques solos sont bien sentis (« Birth of the Band »).
Le texte de Michel Brillie dans le livret donne une bonne information sur les conditions de ces sessions. En revanche, la partie discographique, habituellement si soignée chez Frémeaux & Associés, laisse ici à désirer ; elle comprend plusieurs erreurs. Personnalité du show-business américain, croulant sous les honneurs, Quincy Jones nous laisse avec ce coffret un superbe témoignage de son talent de musicien de jazz.

Félix W. Sportis

L'Ame des Poètes
L'Interview

Pauvre Rutebeuf, Les trompettes de la renommée, Au suivant, J’ai rendez-vous avec vous, Avec le temps, La quête, Les funérailles d’antan, Jaurès, Joli Môme, Les Passantes, Il n’y a pas d’amour heureux, C’est extra, Comme à Ostende, Le temps ne fait rien à l’affaire, La Valse à mille temps
Pierre Vaiana (ss), Fabien Degryse (g), Jean-Louis Rassinfosse (b)
Enregistré juin 2013, Bruxelles
Durée : 56' 10''
Igloo Records 246 (Socadisc)

Avec le temps, mais quand ? 1969 : pour la rencontre mythique Ferré-Brassens-Brel ; 1992 : pour le premier disque du trio « L’Ame des Poètes » ; 2014 : pour leur neuvième album chez Igloo. Comment expliquer cette longévité pour un groupe qui, malgré tout, fait des amalgames plus ou moins tas de propos ? On peut jazzer de tout et nos complices ne s’en privent pas, mais chez ces gens-là, Monsieur, on chante… et en français ! On connaît le sens du swing des chanteurs du Midi : Nougaro, Trenet, Jonasz, Brassens… Il ne suffit toutefois pas de mettre une cabane au fond du jardin pour défigurer les feuilles mortes, eussent-elles de nombreuses portées ! Nos trois jazzmen s’en sortent plutôt bien et les croquants s’en délectent. Est-ce dire que les jazzfans prennent leur pied dans ce tapis ? Pas toujours, Monsieur ! La guitare sèche : c’est bien, mais les passages de frets me chagrinent (« Jaurès ») alors qu’un solo de basse m’illumine (« Avec le temps »). Peut-être se lasse-t-on ou sommes-nous souillés ? A voir : le spectacle éponyme mis en scène par Marie Vaiana et les questions reproduites par Christiane Stefanski. Mais ceci n’est pas une pipe !

Jean-Marie Hacquier

Susanna Lindeborg
Sudden Meeting

Etprim, Etsek, Etters, Etkva, Etkvi, Etsex, Etsep, Etok, Etnon, Etdec, Duprim, Dusek, Duters, Dukva, Dukvi, Dusex, Terprim, Terters, Terkva
Susanna Lindeborg (p, electronics), Ove Johansson (ts, EWI, electronics), Thomas Fanto, Michael Andersson (dm, perc, electronics)
Enregistré le 12 août 2013, Gothenburg
Durée : 53’ 50” + 52’ 34”
LJ Records 5257 (www.lj-records.se)

Susanna Lindeborg / California Connection
Natural Artefact

California Connection, Hadkeu Uekdah, Bay Bridge, Webern Lines, Golden Gate Bridge, New Stream Four, Richmond-San Rafael Bridge, Near The Coast, Dumbarton Bridge, San Mateo-Hayward Bridge, Chasing Webern, Antioch Bridge, Carquinez Bridge
Susanna Lindeborg (p, electronics), Ove Johansson (ts, EWI, electronics), Pers Anders Nilsson (electronics), Gino Robair (perc, electronics), Tim Perkis (electronics) 12-13
Enregistré le 17 février 2014, Berkeley, CA
Durée : 1h 07’ 39”
LJ Records 5258 (www.lj-records.se)

Les récents enregistrements de Susanna Lindeborg, toujours secondée par le bon saxophoniste Ove Johansson, confirment la direction prise par une musique de musiciens pour musiciens, plus de recherche, plus bruitiste que d’atmosphère, plus techniciste que d’expression, phénomène accentué par l’électronique mise en œuvre. Outre que ça n’a rien à voir avec le jazz, ni dans le résultat formel, ni dans les intentions, ni même dans l’inspiration, cette musique s’éloigne d’enregistrements anciens plus aériens et d’atmosphères (Live at Fasching, LJ 5244, par exemple) –du moins c’est ce que nous percevons– et semble à notre sens gratuite, artificielle, privée dans l’ensemble d’un récit perceptible par d’autres que par les seuls auteurs, privé des racines collectives qui irriguent la culture. La dimension improvisation totale systématique prive la musique de Susanna Lindeborg et Ove Johansson d’ouverture par son esprit de système. On laissera les amateurs de ce genre musical très spécialisé, technique, évaluer une musique trop éloignée de nos idées sur l’art, l’expression, sa raison d’être et ses fondements.

Manhattan School of Music Afro-Cuban Jazz Orchestra
¡ Que Viva Harlem !

Mambo Inferno, Feeding the Chickens, Let There Be Swing, Moon Over Cuba, Oclupaca, Royal Garden Blues, Blood Count, Que Viva Harlem
Josh Gawel, Ryan DeWeese, Benny Benack, Kyla Moscovich (tp) St. Clair Simmons, Josh Holcomb, Jesus Viramontes (tb), Santiago Latorre (btb), Patrick Bartley (as, ss, cl, fl), Kevin Bene (as, cl, fl), Xavier Del Castillo (ts, cl, fl), Graeme Norris (ts, cl, fl), Leo Pellegrino (bs, bcl), Saiyid Sharik Hasan (p), Max Calkin (b), Arthur Vint (dm), Takao Heisho (cg), Matthew Gonzalez (bg cenc, bbomba, perc), Oreste Abrantes (bg cenc, bbomba, perc), Bobby Sanabria, (cond, md, trimb, clav, shek, voc)
Enregistré le 28 mars 2013, New York
Durée: 1h 03’ 16’’
Jazzheads 1207 (www.jazzheads.com)

Bobby Sanabria, leader de cette session du Manhattan School of Music Afro-Cuban Jazz Orchestra, passe auprès de certains pour être l’équivalent de Wynton Marsalis : une sorte d’archiviste conservateur de la tradition musicale afro-cubaine. Cet album enregistré dans le studio de la MSM est une assez bonne illustration de ce travail consistant à donner une relecture enracinée dans l’histoire de la musique afro-cubaine. Pour ce faire, le chef ne se contente pas d’emprunter le répertoire classique cubain mais il a recours à plusieurs pièces authentifiées « jazz », et non des moindres, le classique « Royal Garden Blues » et des compositions ellingtoniennes comme « Oclupaca » (Duke), « Moon over Cuba » (J. Tizol) et « Blood Count » (B. Strayhorn).
Au plan de la réalisation musicale, on peut parler de perfection : les orchestrations sont bien écrites, les ensembles homogènes, les solistes de « solides clients », les trompettistes en particulier. L’histoire de la Manhattan School of Music n’est pas étrangère à cette sorte d’aboutissement formel. La vénérable institution a été créée en 1917 par une pianiste américaine classique connue venue faire des études en Europe avec Harold Bauer, Janet D. Schenck. Cette artiste philanthrope, qui avait pour devise « macte nova virtute, sic itur ad astra », fut secondée dans son œuvre d’accueil des immigrants polonais, italiens, russes… par des gloires de la musique classique : son maître, Harold Bauer, mais également le violoncelliste Pablo Casals, le violoniste Fritz Kreisler et plus tard par le pianiste Rudolph Serkin. Elle aida l’intégration des personnes défavorisées par la formation musicale de leurs enfants. C’est ainsi que John Lewis, Max Roach, Donald Byrd, Ron Carter, Yusef Lateef, Phil Woods… étudièrent dans cet établissement, comme Stefon Harris (vib) qui maintenant y enseigne. Ce passé prestigieux et son héritage exceptionnel expliquent la tenue musicale des instrumentistes de cette formation.
Néanmoins, la musique interprétée ne relève pas de l’idiome jazz, qui est, comme le rappelait Jelly Roll Morton, « une façon de jouer la musique ». Or la rythmicité de la musique afro-cubaine présentée dans ce volume n’a rien de commun avec le swing, traitement rythmique qui musicalement constitue le critère indispensable à l’appellation « jazz ». Si les rythmes latins ont pu autrefois être empruntés par les jazzmen, l’usage dans leurs pièces en était ponctuel en tant qu’ornementation d’évocation codifiés à l’occasion d’une introduction, de l’exposition d’un thème, d’une coda – « Caravan », « Night in Tunisia », « Moon Over Cuba », « ‘Round About Midnight »… Encore étaient-ils très adaptés –. Maintenant ils ont presque totalement été substitués à la forme originale du jazz. En sorte que la structure latine forme, rumba ou bossa, est devenue la règle ; le latin jazz, nouvelle appellation, est triomphant et le cha-bada monnaie en voie de raréfaction. Cet excellent disque de « musique typique », selon la classification années 1940-1960, accroit la confusion auprès du public de par la dénomination de la formation.
Car, sauf à considérer que le droit moral de l’auteur est une fiction, il n’est pas souhaitable que, sous prétexte de tendance mode, toutes les œuvres soient adaptées, fût-ce « afro-cubain ». Plusieurs faces du présent album en attestent. Notamment, l’adaptation du « Royal Garden Blues » qui n’ajoute rien à cette pièce : bien au contraire, l’uniformité rythmique l’alourdit beaucoup et lui ôte même la richesse de la diversité que présentait l’opposition des deux thèmes de la composition.
Ceci explique ce qui différencie Bobby Sanabria, musicien artisan consciencieux, et Wynton Marsalis, artiste compositeur et soliste d’exception. Musicien formé à/par l’exigence musicologique de l’interprétation, le trompettiste n’a jamais confondu les genres et la nature des œuvres. Jouer Ellington, Monk, les maîtres et les classiques du jazz en général, exige la même rigueur et le même respect de la musique que pour Vivaldi, Hummel, Hindemith… Pour le jazz, c’est en respecter l’esprit sinon la lettre dans sa signification culturelle et sa position civilisationnelle : les adapter ? Pourquoi pas ? Mais en respecter ce qui fait leur originalité culturelle, leur valeur : le swing ! Cette respiration si originale, si intime et toujours vivante du tempo propre à chacun. Pour être mouvement, les « balancements » ne sont pas les mêmes en tous les points de la terre ; ils peuvent être même très différents dans Harlem !
Cette problématique étant posée, ce CD n’en est pas moins par ailleurs excellent et à découvrir ; il vaut beaucoup mieux que certains ersatz de cubanissimoque l’on voit défiler dans nombre de festivals.

Christian Morin
Blue Indigo

Let's Fall in Love, Jive at Five, Honeysucklerose, Mood Indigo, Pennies From Heaven, Undecided, Moonglow, C Jam Blues, Willow Weep for Me, All of Me, A Smooth One, Topsy, I Can't Give You Anything but Love, When I Fall in Love
Christian Morin (cl), Patrick Bacqueville (tb), Patrice Autier (p), Patricia Lebeugle (b), Michel Denis (dm)
Enregistré les 12, 13 et 14 septembre 2013, Lausanne (Suisse)
Durée : 50' 09''
Naïve 626171 (Naïve)

Hormis ses activités chez Radio Classique, où il œuvre depuis plusieurs années avec un talent certain, Christian Morin reste musicien dans l'âme. Et son attachement à la clarinette, son instrument d'origine fait que, dès que l'occasion s'en présente, il ne manque jamais de s'y adonner avec la fougue et le plaisir renouvelé de remettre sur le métier les thèmes qui illuminèrent ses premiers émois musicaux.
Faute de producteur pour ce type de répertoire, ces faces ont été, à son initiative, gravées au studio Prism de Lausanne en Suisse en 2013 en compagnie de musiciens français talentueux. Car ce répertoire très classique, considéré comme "has been", n'est guère plus exploré par les musiciens en vue dans la mouvance du jazz. Donc pour les nostalgiques d'une période où il était permis de chanter les mélodies sous sa douche, voici 14 evergreen, cuvée de plus d'un demi-siècle d'âge, qui n'ont rien perdu de leur pouvoir de séduction et qui n’en gardent que plus charme. Des standards mais également des classiques du jazz d'Ellington, de Bigard, de Basie, de Goodman, de Durham…
Rien de très révolutionnaire dans ces faces si ce n'est la musique elle-même, qui par bien des aspects l'est bien davantage que celle présentée comme telle actuellement par les "créatifs" en mal de savoir faire musical. Car la jouer le texte dans l'esprit et surtout l'interpréter avec respect n'est pas à la portée de tous.
Christian Morin est un clarinettiste de talent qui fait chanter son instrument avec beaucoup de chaleur pour le plaisir de l'auditeur, fonction essentielle du musicien dans une société "normale". Ses partenaires ne font pas que l'accompagner ; ils participent avec beaucoup d'allant à l'œuvre collective. Autour de Patrice Autier, en ordonnateur coloriste musical, de Patricia Lebeugle, en vigile de l'harmonie, et de Michel Denis maître es-swing, la section rythmique tourne comme une horloge : homogène et cohérente. Je ne peux m'empêcher de signaler les interventions de Patrick Bacqueville, tromboniste trop méconnu, qui illumine certaines de faces de sa présence.
Un disque agréable et bien réalisé qui s'écoute et se réécoute avec beaucoup de plaisir.

Félix W. Sportis

Eric Reed
Groovewise

Eric Reed (p), Seamus Blake (s), Ben Williams (b), Gregory Hutchinson (dm)
Powerful Paul Robeson, Until the Last Cat Has Swung, Mahattan melodies, The Gentle Giant, Ornate, The Shade of the Cedar Tree, Bopward, Una Mujer Elegante, Groovewise (2 parts)
Enregistré les 6 et 7 septembre 2013, New York
Durée : 59' 57''
Smoke Sessions Records 1410 (Distrijazz)

Au Smoke Jazz Club, on aime visiblement John Coltrane si on en juge par cet enregistrement, et il n’y a rien là pour nous déplaire car nous avons ici une formation excellente dirigée par Eric Reed avec lequel vous avez fait amplement connaissance dans notre numéro anniversaire des 80 ans (Jazz Hot n°671).
Vous savez déjà que la spiritualité d’inspiration religieuse est donc un point qu’il partage avec son célèbre aîné saxophoniste. Il est vrai que c’est une donnée répandue dans l’univers musical afro-américain, et Seamus Blake en est un autre exemple, dont la sonorité comme l’univers en général reflètent ces mêmes qualités.
Du swing, du blues, de la spiritualité, un drive magnifique porté par Gregory Hutchinson et Ben Williams, une expression profonde, ce sont les ingrédients d’une magnifique session de ce « Smoke » où le jazz vit si intensément dans toutes ses dimensions, en particulier dans celle d'un jazz enraciné dans ce courant principal ancré dans les valeurs du blues, du swing et de la spiritualité.

Yves Sportis

Roberto Magris Septet
Morgan Rewind : A Tribute to Lee Morgan. Vol. 2

A Bird For Sid, Exotique, Blue Lace, Cunning Lee, The Sixth Sense, Soft Touch, Gary’s Notebook, Speedbaal, Libreville, Get Yo’Self Togetha, A Summer Kiss, Zambia, Helen’s Ritual, Audio Notebook
Hermon Mehari (tp), Jim Hair (ts, ss, fl), Peter Schlamb (vib), Roberto Magris (p), Elisa Pruett (b), Brian Steever (dm), Pablo Sanhueza (cga, perc)
Enregistré le 1_^er novembre 2010, Lexena (Kansas, USA)
Durée : 48' 14'' + 44' 48''
JMood Records 007 (www.jmoodrecords.com)

Le septet de Roberto Magris rend un bel hommage respectueux à Lee Morgan. Une équipe soudée qui reste fidèle à l’écriture des compositions du trompettiste, même si elle n’atteint pas les sommets de son inspirateur. Moins subtile dans son approche mais aussi généreuse et bien vivante, la musique respire le blues et l’intervention de chaque soliste s’inscrit dans une démarche de cohérence et d’efficacité. Hermon Mehani nous parle avec sa trompette, de beaux solos, ponctués, où les respirations donnent toute son importance à l’originalité de son jeu. Roberto Magris ne laisse pas insensible à travers ses solos brillants et un jeu pianistique original ancré dans la tradition du jazz hard bop. Les deux compositions de Roberto Magris, « Libreville » et « A Summer Kiss », s’inscrivent correctement dans l’esprit de la musique de Lee Morgan. On peut regretter un mixage qui manque de finitions et assez moyen (compte tenu de la qualité musicale), l’emploi parfois intempestif du vibraphone au détriment de la trompette, l’utilisation du soprano et le saxophoniste, en retrait sur le deuxième disque, particulièrement lors des solos. De bons musiciens qui ne manquent pas de mettre en valeur les compositions de Lee Morgan et ont le courage et le talent de les interpréter sur un disque où l’on peut enfin entendre du swing et des mélodies, ce qui manque cruellement de nos jours ! Un CD qui peut donner à réfléchir aux auto-proclamés ou proclamés créatifs fonctionnant au gré des subventions et où l’absence de swing est de rigueur. A écouter !

Adrien Varachaud

Michel Pastre
Charlie Christian Project

Wholly Cats, On the Alamo, Shivers, Stardust, Breakfast Feud, Soft Winds, ACDC Current, Memories of You, Seven Come Eleven, Pagin’ The Devil, Solo Flight, Till Tom Special, Gone With ‘What’ Draft
Michel Pastre (ts), Malo Mazurié (tp), David Blenkhorn (g), Sébastien Girardot (b), Guillaume Nouaux (dm)
Enregistré les 20 et 21 janvier 2015
Durée : 53' 33''
Autoproduit MPQ001 (mpastre@sfr.fr)

Charlie Christian Project par le Michel Pastre Quintet est l’association du groupe « La Section Rythmique » (David Blenkhorn, Sébastien Girardot, Guillaume Nouaux) et de Michel Pastre (qu’on ne présente plus) avec Malo Mazurié, à découvrir. Soit treize titres enregistrés au studio Boléro par Christophe Davot, le mastering étant fait par François Biensan : une affaire de famille. Comme le souligne Michel Pastre, Charlie Christian est un choix logique pour lui « avec son swing et ses idées novatrices qui rejoignaient celles de mon héros le grand saxophoniste Lester Young ». Le CD démarre sur les chapeaux de roue par « Wholly Cats » où outre Pastre et Blenkhorn (choix parfait pour ce projet), Malo fait preuve d’un swing aussi implacable que celui de Guillaume Nouaux (Sid Catlett n’est plus qu’un gamin !). En fait c’est le drive de Roy Eldridge que Malo nous évoque souvent (exposé de « Stardust » ; « Breakfast Feud » ; son un peu growlé dans « ACDC Current »). Sébastien Girardot est en valeur dans « Pagin’ The Devil » (mais il est partout un pilier sûr). Eh oui, David Blenkhorn fait merveille même dans « Soft Winds », « Seven Come Eleven », « Solo Flight », « Gone With ‘What’ Draft » toujours dans l’esprit de Charlie Christian avec un jeu détendu, clair, linéaire qui contraste pour le meilleur avec les furieux Girardot et Nouaux (« Shivers », etc). Guillaume Nouaux est quasi insoutenable de précision et d'efficacité (« Till Tom Special » et…partout). Quant au leader, c'est maintenant à Coleman Hawkins qu'il fait souvent penser, avec un son voluptueux, comme dans « On the Alamo » (là, la trompette avec sourdine de Malo retrouve l'élégance d'un Buck Clayton). En pleine maturité artistique, Michel Pastre est un régal de véhémence et d’inspiration pour ne rien dire de son swing qu’il a toujours possédé.

Michel Laplace

George Robert & Kenny Barron
The Good Life

The Good Life, Hymn to Life, Spring Can Really Hang You up the Most, Florence, Japanese Garden, A Time for Love, Billy Strayhorn, Pully Port, Lush Life,Goodbye
George Robert (as), Kenny Barron (p)
Enregistré les 19-20 mai 2014, Genève
Durée: 48' 17"
Somethin’ Cool 1005 (www.georgerobert.com)

George Robert All-Star Quartet
New Life
Blue Ray, Dr. John's Calypso, Florence, Clouseau, Cannonball, Japanese Garden, Hammer's Tones
George Robert (as), Dado moroni (p), Peter Washington (b), Jeff Hamilton (dm)
Enregistré les 20 octobre 2014 au Théâtre Del Gatto, Ascona, _¹ et 25 octobre 2014, Jazz Club Thalwil _^2-7
Durée: 49' 29"
GPR 1008 (www.georgerobert.com)

De Suisse nous est venue la grande nouvelle du retour de George Robert, excellent saxophoniste alto, disparu des écrans du jazz suite à une longue maladie qu’il a surmontée avec un courage et une conviction où le jazz a certainement joué un grand rôle.
Car de cet artiste, dont Jazz Hot a retracé régulièrement le parcours (n°615) et relaté le travail depuis les années 1990, il faut remarquer cette recherche de beauté et cette exigence de perfection qui appartiennent aux artistes de jazz les plus sincères, les plus profonds.
Depuis longtemps, George Robert nous a habitués à l’excellence, privilégiant pour sa production artistique enregistrée les rencontres avec les meilleurs musiciens de jazz de la planète (et parfois au-delà du jazz, comme Ivan Lins, Abre Alas). Il laisse ainsi depuis la fin des années 80 une belle œuvre enregistrée, ponctuée de véritables trésors. Dans ce voyage (c’était le titre de l’article que nous lui avions consacré en 2004), il a côtoyé Tom Harrell, Clark Terry, Dado Moroni (que nous retrouvons ici), Randy Brecker parmi beaucoup d’autres. Il a aussi dialogué avec Phil Woods (Soul Eyes, Mons records), une de ses inspirations évidentes –avec Cannonball Adderley et Charlie Parker– quant au lyrisme et à la sonorité, et Bob Mintzer, qui arrangea la musique de certains enregistrements (Abre Alas). Tous deux rédigent quelques notes de livret pour chacun de ces deux albums, saluant tout à la fois de beaux enregistrements et le retour à la vie et à la création d’un ami-artiste.
George Robert a enfin enregistré avec le grand Kenny Barron (Jazz Hot n°575) à cinq reprises, dont deux fois en duo dont celle-ci (cf. Peace, Jazz Hot n°620); Kenny Barron, l’un des géants du jazz d’aujourd’hui, un artiste d’une rare profondeur, d’une écoute extraordinaire, et donc le partenaire rêvé d’un enregistrement très spécial. Il s’agit d’une véritable renaissance musicale de George Robert, que nous retrouvons ici d’une intensité que seules confèrent les épreuves de la vie, comme le dit d’une autre manière Bob Mintzer.
Il n’est donc pas du tout gratuit que le duo avec Kenny Barron s’intitule The Good Life, pendant que le quartet avec Dado Moroni (Jazz Hot n°642), Peter Washington (Jazz Hot n°581) et Jeff Hamilton (Jazz Hot n°661) ait pour titre New Life.
Le ton des deux albums diffère: le premier, enregistré en studio, est une merveilleuse conversation intime entre deux artistes accomplis qui se retrouvent après une épreuve qui a engagé la vie. George Robert, avec un son très droit, parfois vibrant, y raconte avec intensité le plaisir de retrouver la vie (avec «The Good Life» de Sacha Distel, un émouvant original «Hymn to Life») et d’autres thèmes originaux ou standards, d’une beauté sans pareille («Billy Strayhorn» et «Lush Life», «A Time for Love», «Goodbye»…). Dans cette atmosphère, son lyrisme est partagé, magnifié par un Kenny Barron, un géant dans ce registre intime. Du grand art, souligné par Phil Woods.
Le deuxième enregistrement, en public, est d’une tonalité plus joyeuse, celle de la vie qui a repris son cours, celle d’une rencontre de George Robert avec trois musiciens de haut niveau, une section rythmique hors norme, constituée pour l’occasion, une tournée d’une dizaine de dates, par le judicieux George Robert qui sait donc toujours s’entourer des meilleurs.
Pour commencer la fête, un blues, comme il se doit, dédié à Ray Brown, pour la terminer un autre blues dédié au batteur du groupe, tous les thèmes étant de la veine de George Robert, ajoutant à ses qualités d’expressions, celles de compositeurs.
Le swing est à la fête, nos oreilles et chaque parcelle de notre corps aussi, car le jazz prend une dimension particulière. Dado Moroni possède un drive capable d’entraîner le public, qualité qui est bien entendu une des facettes principales du puissant et fin Jeff Hamilton. Quant à Peter Washington, dans cet environnement, il est, bien sûr et comme toujours, essentiel. George Robert se fait plus exubérant, et c’est un réel plaisir de le savoir si ludique («Dr. John Calypso»).
Ce retour de George Robert, sous ces deux facettes de la renaissance et de la fête, est un moment exceptionnel, pour l’artiste bien sûr qui renaît à la vie, mais aussi pour tout amateur de jazz capable de sentir la profondeur et la diversité des émotions qui traversent ces enregistrements. Welcome back, Mr. George Robert!

Walter Ricci-David Sauzay Quintet
Nice & Easy

Come and Dance With Me, Nice & Easy, Too Close for Comfort, Fly Me to the Moon, On a Clear Day, Fascinating Rythm, I Love You for Sentimental Reasons, You Make Me Feel So Young, Just in Time, Anema e core
Walter Ricci (voc), David Sauzay (ts, fl), Pierre Christophe (p), Michel Rosciglione (b), Bernd Reiter (dm) + Fabien Mary (tp)
Enregistré le 19 novembre 2014, Le Pré St-Gervais (93)
Durée : 44’ 37’’
Jazztime 01 (Wiseband)

A 26 ans, le chanteur napolitain Walter Ricci aligne déjà douze années de carrière professionnelle. Un enfant de la balle qui est né avec le jazz dans l’oreille. Ce disque est d’ailleurs dédié à l’une de ses idoles qu’enfant il cherchait à imiter : Frank Sinatra. Walter n’a pas le coffre de son illustre aîné, mais c’est un crooner plein de charme et qui sait swinguer. Bon scateur (« Just in Time »), il se promène avec aisance sur le répertoire de « Frankie ». Pour autant, c’est le groupe qui l’entoure qui suscite vraiment notre intérêt. Le quintet de David Sauzay est excellent ! Le leader, en premier lieu, tout en suavité, partenaire idoine pour le chanteur, glisse quelques mesures de « Nutty » au détour d’un solo sur « You Make Me Feel So Young ». Et avec le renfort de Fabien Mary (sur « Too Close for Comfort », « On a Clear Day », « Fascinating Rythm »), c’est encore mieux ! Pierre Christophe soutient superbement les solistes, Rosciglione est plein de finesse, Reiter tient les baguettes de façon impeccable. Un régal.

Jérôme Partage

Ben Sidran
Blue Camus

Soso's Dream, Blue Camus, « A » Is for Alligator, The King of Harlem, Rocky's Romance, Wake Me When It's Over, There Used to Be Bees, Dee's Dilemna
Ben Sidran (p, voc), Ricky Peterson (org), Billy Peterson (b), Leo Sidran (dm)
Durée : 45' 08''
Enregistré le 9 novembre 2013, Paris
Durée : 44' 08''
Bonsaï Music 141001 (Harmonia Mundi)

Ben Sidran (Jazz Hot n°597) est une personnalité attachante au CV éblouissant. Vedette de la chanson pop, certes (une trentaine de disques à son actif), mais, surtout, viscéralement attachée aux valeurs du jazz. Il a fait une thèse de littérature anglaise à l'université du Sussex intitulée: Une histoire culturelle de la musique noire en Amérique ; il a animé des émissions sur le jazz, produit sur son propre label des artistes tels Richie Cole, Jon Hendricks ou Tony Williams; il a souvent fait appel à des musiciens de jazz sur ses albums (Peter Erskine, Eddie Gomez, Johnny Griffin), et joué sur scène avec des stars : les frères Brecker, Gil Evans, Dizzy Gillespie ou Bobby Mc Ferrin...

Son dernier CD n'est pas seulement dédié à Albert Camus, comme l'indique le titre, mais aussi à George Orwell, Federico Garcia Lorca, Lewis Carroll, et Jackie Mc Lean…(jazz et littérature, ses deux passions). Si l'anglophone hésitant n'accèdera pas à toute la subtilité des textes, les mélodies élégantes, la voix et la scansion « chantée-parlée » swingantes de Ben Sidran ne manqueront pas de le séduire.

Daniel Chauvet

Manuel Rocheman / Nadine Bellombre
Paris-Maurice

Ene zoli reve, Just Love, La mer la, Can't Hide Love, Mo lé ou, Come Together, Nadine, Ki to lé, Nature boy, The Island, Send in the Clowns
Manuel Rocheman (p), Nadine Bellombre (voc), Kersley Palmyre (b), Maurice Momo Manancourt (dm), Christophe Bertin (dm), Marie-Luce Faron (voc), Patrick Desvaux (g), Olivier Ker Ourio (hca), Samuel Laval (as)
Enregistré du 21 au 24 Juillet 2013, Ile Maurice
Durée 54' 26''
Berlioz Production 1272014/1 (Rue Stendhal)

En tournée à l'île Maurice en 2012, le pianiste Manuel Rocheman (un des rares élèves de Martial Solal puis, un temps, compagnon de route des frères Moutin) fait la connaissance de la fine fleur des musiciens de l'île que lui présente Linley Marthe (le bassiste des dernières années de la carrière de Joe Zawinul). Il s'éprend alors du « Sega » et du « Mayola », les formes traditionnelles de la musique et de la danse, des Seychelles, de Maurice et de la Réunion. Enregistré sur place un an plus tard, ce CD témoigne du fruit de ces rencontres. Curieusement, le jazz y fait assez bon ménage avec les codes rythmiques spécifiques des îles occidentales de l'océan Indien, pas si éloignées, il est vrai des côtes africaines. Chantés en créole par Nadine Bellombre, la plupart des morceaux sont autant d'occasions pour le pianiste de mettre en valeur ses talents de soliste dans le registre purement jazz qu'on lui connait. L'osmose se fait d'autant plus facilement que la chanteuse ne méconnait pas non plus le répertoire du jazz et de la pop en usage sur les deux rives de l'Atlantique (témoins son interprétation très « soul » de « Come Together » et sa version façon « crooneuse » de « Nature Boy »).
Sympathique et de bon aloi, ce disque ravira les amateurs des croisements musicaux, d'autant qu'Olivier Ker Ourio y fait, en quelques mesures (sur un titre seulement, et c'est bien dommage...), des miracles.

Daniel Chauvet

Baptiste Trotignon
Hit

Choral, Abracadabra, Paul, Spleen, Air, Busy Brain, Happy Rosalie, Liquid, Solid, Désillusion, Choral Again.
Baptiste Trotignon (p), Tomas Bramerie (b), Jeff Ballard (dm)
Date et lieu d'enregistrement non communiqués
Durée 51' 01''
Naïve 624471 (Naïve)

Pour réussir ce CD Baptiste Trotignon a mis toutes les chances de son côté en se faisant épauler par deux excellents sidemen : Thomas Bramerie et Jeff Ballard. En effet, sa musique, complexe, savante, mais purement « jazz », échappant à toute tentative de classification, exige des qualités musicales peu communes. Ainsi « assuré » tel un grimpeur, le pianiste peut se lancer dans une aventure néanmoins pleine de risques que l'auditeur tente de suivre sans vraiment pouvoir éviter une certaine forme de vertige. Car rien n'est linéaire dans ce cheminement qui n'évite jamais les voies les plus difficiles. Les changements brusques de rythmes, de climats et de structures, et les fins imprévisibles déstabilisent et fascinent. Un véritable dépoussiérage de « l'art du trio ».

Daniel Chauvet

Curtis Stigers
Hooray For Love

Love Is Here to Stay, Valentine's Day, You Make Me Feel So Young, Hooray For Love, The Way You Look Tonight, Give Your Heart To Me, That's All, A Matter Of Time, If I Were a Bell, You Don't Know What Love Is
Curtis Stigers (voc, ts), John « Scrapper » Sneider (tp, vib), Matt Munisteri (g), Matthew Fries (p), Cliff Schmitt (b), Keith Hall (dm), Cyrille Aimée(voc)
Enregistré les 15, 16, 17 avril 2013, New York
Durée : 39' 29''
Concord Records 0888072344754 (Universal)

Le titre éponyme de cet album, Horray for Love, est une composition originale de Curtis Stigers, qui joue du saxophone et la comédie, qui écrit des chansons et en chante… Au seuil de la cinquantaine, cet artiste complet venu du rock et de la pop music, revient à la musique de ses premières amours, celle de sa solide formation initiale de clarinettiste-saxophoniste à la High School de Boise en Idaho. Il propose dans cet album une direction plus sage et plus respectable à sa carrière et pour ce faire choisit la voie/voix jazz avec une dizaine de morceaux empruntés au répertoire des standards (1936-1955) : de Gershwin à Frank Loesser et même Steve Earle, en passant par Joseph Myrow et Jerome Kern, plus deux originaux personnels dans la veine de celui dédicacé à son mentor, Gene Harris, « Swingin' Down at Tenth and Main ».
Accompagné par des musiciens de qualité, nés comme lui dans les sixties, il fait preuve d’un talent original dans sa façon originale d’aborder un répertoire qu’on ne lui connaissait pas. C’est propre, personnel, ça swingue ! Et, pour ne rien gâcher, c’est simplement fait mais avec beaucoup de professionnalisme. Dans sa manière de chanter et de poser son discours sur le tempo, Curtis évoque le regretté Nino Ferrer, qui eut, avant lui, un parcours similaire.

La section rythmique tourne comme une horloge autour de Matthew Fries (p), accompagnateur averti, Matt Munisteri (g), Cliff Schmitt (b) et Keith Hall (dm). Pour cette séance, il a obtenu le renfort du trompettiste John « Scrapper » Sneider, également producteur de ces enregistrements. Son style évoque Clark Terry et Buck Clayton à la fois ; il apporte à ces faces un réel lyrisme qui complémente bien le caractère un peu « rock » de son style vocal. Cyrille Aimée, qui apporte son concours en duo pour « You Make Me Feel So Young », apporte une touche de grâce à son propos aussi matois qu’incertain. Horray for Love n’est pas un album révolutionnaire ; mais il est bien construit, bien interprété et s’écoute avec plaisir sans lasser.

Félix W. Sportis

René Urtreger
René Urtreger Trio – Yves Torchinsky, Eric Dervieu
All The Things You Are, Con Alma, Gracias Paloma, My Old Flame, Blues for Alice, Valsajane, Un Poco Loco, Bleu Roi*, La Fornarina, Facile à dire, Thème pour un ami, Polka Dots and Moonbeams, Like Someone in Love, The Duke
René Urtreger (p, piano solo*), Yves Torchinsky (b), Eric Dervieu (dm)
Enregistré le 30 avril 2014, Studio de Meudon (92)
Durée: 1h 00’ 27”
Carlyne 23 (Socadisc)

René Urtreger se fait rare en concerts et en festivals, mais reste présent. Les privilégiés parisiens ont eu la possibilité de l’entendre en club au mois de juin 2015 avec ce même trio plus Sylvain Bœuf et Eric Le Lann et en trio en août 2014. Cet album lui vaut le Prix de l’Académie Charles Cros 2014. C’est que le pianiste, qui fait les beaux jours des scènes françaises et européennes depuis les années 1950 ne finit pas de surprendre. Les spectateurs du Dizzy’s Coca-Cola Club au Lincoln Center de New York ont été étonnés de découvrir cet homme de 80 printemps, plein de fougue juvénile, jouer un répertoire avec un esprit aussi authentique, les créateurs ayant presque tous disparu. Le musicien est généreux mais le pianiste est concis, et l’artiste peu bavard: une vingtaine d’albums en leader depuis 1955. Comme s’il se méfiait de l’habitude et de la redite; l’homme aime le trio de Michelot et Humair, avec lesquels à plusieurs reprises, il fit des parcours brefs, à Tochinsky et Dervieu, les fidèles. Ses albums apparaissent le plus souvent sortis de l’improviste et surprennent d’avantage encore par leur ton, par la manière dont le classicisme à chaque fois épuré accouche d’une nouvelle modernité hors de mode.
Ces quatorze plages constituent une sorte d’anthologie de pièces qui ont, dans ce dernier demi-siècle, écrit autant qu’illustré son parcours de pianiste ancré dans le jazz de sa génération, le bop. Au programme quatre standards, composés dans la décennie 1934-1944 (deux de Van Heusen; un de Jerome Kern et de Sam Coslow) que ce style a imprimés de sa ponctuation et de ses gimmicks et quatre classiques de cette école bebop, écrits dans les année 1950 par quatre de ses représentants emblématiques (Gillespie, Parker, Powell et Brubeck). L’ensemble s’articule autour de cinq de ses compositions en forme de commentaires. Au milieu de cet ensemble, une méditation en piano solo sur le blues en fa, «Bleu Roi», dont il dit ne pas vraiment savoir quand il en a commencé l’exploration systématique, structure toujours remise sur le métier. En tout état de cause, ses deux maîtres, ses références, sont Bud et Monk, relus et leur musique recomposée en une seule, budmonkienne, mais différente, tout droit sortie de son imaginaire. C’est aussi beau qu’impressionnant d’aisance, la réinvention urtrégienne.
L'ordonnancement du trio est de forme très classique: une voix principale, le piano accompagné de la contrebasse et de la batterie, jouant dans ses trois variantes et leurs combinaisons: le solo de l’un d’eux (piano dans «All the Things You Are»; batterie dans «Un Poco Loco»; la contrebasse dans «Thème pour un ami») soutenu en retrait; le dialogue à deux voix accompagnées par le troisième («Con Alma», «Gracias Paloma»); enfin le quatre/quatre («Blues for Alice», «La Fornarina»).
Ce trio très équilibré dans le rapport entre instruments –même si la place du piano est dans l’ensemble dominante– swingue magnifiquement. Les trois musiciens conversent et se répondent; parce qu’ils s’écoutent. Torchinsky est parfait: soliste brillant et seconde voix au contrepoint riche («Con Alma», exposition à l’archet lyrique sans pathos!), son accompagnement est rigoureux et sa mise en place parfaite. Dervieu est une révélation dans cet album: il accompagne avec beaucoup de finesse et participe sans écraser l’ensemble; ses solos sont bien construits et répondent à la logique esthétique de la pièce. Quant à René, lui-même, sa manière est surprenante, éblouissante de sérénité; son solo improvisé, superbe de sobriété, met en évidence sa musicalité et la qualité de son toucher pianistique. L’enthousiasme, la spontanéité maîtrisée («Like Someone in Love») et la fougue («Gracias Paloma») couvent toujours sous le pianiste lumineux («Polka Dots and Moonbeams»).
De l’Urtreger à l’état pur: fort et intense! Comme dans les grandes pièces, il y a toujours quelque chose à découvrir. Mais la finesse et la tenue rendent cette musique formidable d’évidence. Elle s’écoute sans difficulté, sans jamais lasser. Comme dans les grandes pièces, il y a toujours quelque chose à découvrir. Urtreger est un très grand interprète qui chante à l’oreille.

Félix W. Sportis

André Villéger / Philippe Milanta
For Duke and Paul
I Let a Song Go Out of My Heart, Day Dream, U.M.M.G, Sentimental Lady, Paul’s Tales, Major, E.S.P., A Flower Is a Lovesome Thing, EKDE, Raincheck, The Shepherd, Serenade to a Bus Seat, Take the A Train, I Got It Bad
André Villéger (as_¹⁴, ss_^4,8, ts, cl_⁹), Philippe Milanta (p)
Enregistré les 29 et 30 juin 2015, Studio de Meudon (92)
Durée : 1h 06’ 46”
Camille Productions MS 062015 (camilleprod@orange.fr)

André Villéger et Philippe Milanta labourent depuis de longues années le fertile univers de Duke Ellington, de son complice Billy Strayhorn, et les rêves de Paul Gonsalves qui en sont un des éléments constitutifs. On se souvient du bel enregistrement, Duke Ellington and Billy Strayhorn’s Sound of Love, effectué à Bayonne pour le label Jazz aux Remparts, lors du festival du même nom, en 1999 (Jazz Hot n°569). Si on ajoute le directeur de séance, François Biensan, on sait avant même d’écouter cet enregistrement que la moisson va être réussie. On s’impatiente donc de découvrir quelles sont les facettes mises en valeur par ces deux musiciens hors pairs, en devinant qu’il en sera de même pour le prochain qu’on espère déjà.
D’abord la formule du duo saxophone-piano laisse beaucoup de liberté à deux grands instrumentistes complices pour faire briller leurs qualités et les extraordinaires compositions de Duke Ellington, Billy Strayhorn, Clark Terry, plus deux originaux dus aux deux auteurs de cet enregistrement.
Ce que révèle chacun des musiciens, au-delà de sa maîtrise technique, est, pour Villéger, un beau son feutré, une douceur souple, une sensualité parfois, qui se concentrent en particulier dans l’exploration des mélodies: c’est un pur bonheur. Milanta, en pleine force de son expression, est de son côté plus aventureux. Il est celui qui étire, développe l’univers ellingtonien. Mais pas de fausses idées, le pianiste n’est pas un «déconstructeur». Il est au contraire celui qui, ayant exploré son Duke jusqu’à la moelle, connaît les ouvertures infinies de cette œuvre, initie à la découverte, et développe avec aisance telle ou telle piste, se risque sur toutes les passerelles lancées par le Duke et son compositeur favori, Billy Strayhorn, sans jamais oublier son point de départ, donc sans jamais se perdre.
La complicité est parfaite, et s’il est bien entendu que le saxophone est la voix de ces mélodies, que le cadre harmonique et rythmique est l’œuvre du piano, il n’y a pas de domaines réservés, d’interdits dans cet enregistrement. André Villéger, tel un Paul autre car il n’y a aucune copie, joue d’un lyrisme sans bavardage, et Philippe Milanta se révèle non seulement un connaisseur de toute les signatures ellingtonniennes mais aussi un grand musicien, un grand du piano jazz, passionnant d’inventivité, digne de ce que cet instrument donne de meilleur aujourd’hui, car on pense évidemment aux George Cables, Kenny Barron, Dado Moroni, Benny Green, Eric Reed, etc. car le jazz propose une extraordinaire tradition de pianistes, des anciens jusqu’à la nouvelle génération.
On ne dira pas que le choix des compositions est parfait, ce qui semble aller de soi pour de tels connaisseurs de l’œuvre, mais on remarquera que les 14 thèmes n’excèdent pas les 7 minutes et se limitent parfois à moins de 4 minutes; ces durées homogènes alliées à la beauté des thèmes garantissant une sorte de concentré de perfection d’expression, de légèreté et une nouvelle vie parfois à des thèmes très écoutés. On dira aussi que les deux compositions originales sont dignes de l’ensemble, un splendide «Paul’s Tales», plein de douceur, un «EKDE» très original avec André Villéger à la clarinette et une belle ligne de basse au piano en contrepoint.
Enfin comment ne pas saluer l’œuvre ellingtonnienne à l’origine d’un si bel enregistrement? Comment ne pas saluer cette idée, apparemment simple mais rarement comprise –pas par l’auteur du livret en tout cas– que c’est dans les plus belles terres du jazz qu’on puise l’inspiration nécessaire à la poursuite de l’excellence du jazz, l’énergie indispensable à toute création, et que le ressourcement est un impératif culturel; en aucun cas un prétexte pour la mise en valeur d’un artiste. L’œuvre d’Ellington parmi d’autres est inépuisable. Sur ce sujet, aucune incompréhension du côté de nos deux magnifiques musiciens: toutes leurs fibres sont constitutives de la grande terre du jazz dont ils tirent le meilleur, en savants et en amoureux de cette musique, pour donner de très beaux fruits.

Aurore Quartet
Live à La Fabrique

Une Blonde en or, Black Trombone, Toi, Le Jazz et la java, Rimes, Plus je t’embrasse, Personne, Johnny fais-moi mal, La Recette de l’amour fou, Requiem pour un con, Après minuit, Alhambra Rock, Le Rififi, Un soir de pluie
Aurore Voilqué (vln, voc), Jerry Edwards (tb), Thomas Ohresser (g) Basie Mouton (b), Julie Saury (dm) + Sacha Vikouloff (voc), Olivier Defaÿs (ts)
Enregistré les 18 et 19 avril 2014, Brie-Comte-Robert (77)
Durée : 1h 15' 55''
Autoproduit (www.aurorequartet.com)

L’Aurore Quartet est un peu comme les Trois Mousquetaires : il y a souvent un peu plus de monde qu’annoncé. En effet, Jerry Edwards est le cinquième laron de la formation à laquelle il amène de belles couleurs. Ajoutons à cela deux invités sur ce soir de « live » – en particulier l’excellent Olivier Defaÿs –, enregistré dans le restaurant La Fabrique, où Miss Voilqué programme du jazz depuis déjà quelques saisons. Jouant à domicile, elle s’est donc fait plaisir, délaissant quelque peu son violon pour donner de la voix sur un répertoire issu de la chanson française jazzophile (Vian, Gainsbourg, Nougaro, etc.). Bien sûr, Aurore n’est pas une chanteuse de jazz. Elle le sait et les gens qui la suivent également. Il n’en reste pas moins qu’elle chante de mieux en mieux et que c’est un réel plaisir d’entendre ces fleurons du patrimoine hexagonal interprété par des jazzmen (and women) de talent (mention spéciale à Thomas Ohresser sur « Black Trombone »). La principale qualité de ce disque étant de rendre la chaleur et la spontanéité d’une chouette soirée de concert, avec ses moments de grâce (le chant russe et mélancolique de Sacha Vikouloff sur une belle composition, « Après minuit »), sa bonne humeur (quelques fous-rires sur « Le Rififi ») et ses invités improbables (voir la plage cachée…).
Un album sympathique mais avant tout destiné aux inconditionnels d’Aurore Voilqué.

Jérôme Partage

Fiorini-Houben Quartet
Bees and Bumblebees

Habanera, Sweet Yellow Jen, Honey, Un serpent dans les framboisiers, Bees and Bumblebees, Keep it tight, Glad !, Middle class blues, Margarita, Yes, I didn’t, Ressaca
Greg Houben (tp), Fabian Fiorini (p), Cédric Raymond (b), Hans Van Oosterhout (dm)
Enregistré en juillet 2013, lieu non précisé
Durée : 1h 03’ 51 ‘’
Igloo Records 249 (Socadisc)

De nos jours les albums concepts fleurissent à toute période de l’année. Dans un siècle où l’image est reine, ce Bees and Bumblebeesnous démontre presque que le jazz pourrait s’apparenter à une programmation, aussi méthodique que celle des abeilles au sein d’une ruche. Tout comme celle des hommes au sein d’une société bien pensée ou plus exactement, bien pensante, et parfois loin des réalités tangibles de l’existence humaine où l’uniformisation est une tendance dominante aujourd’hui.
C’est à cet esprit que les compositions originales de Greg Houben et Fabian Fiorini peuvent nous laisser penser. À la trompette Greg Houben développe un son velouté dans l’esprit Chet Baker, au piano Fabian Fiorini a de belles envolées. Hans Van Oosterhout sait nous faire apprécier la subtilité de sa frappe notamment avec son jeu de balais dans « Sweet Yellow Jen » et à la contrebasse, Cedric Raymond émeut par un toucher précis et un son subtil. Malheureusement la musique n’arrive guère à décoller, sans doute par trop de formalisations. Ce qui pourrait presque la rendre mielleuse sans qu’elle manque pour autant d’élégance ou de charme. On regrette parfois le peu d’audace musicale et une certaine inhibition dans l’écoute collective, une absence de prises de risque, ce qui a tendance à produire une musique légèrement stérile. La jaquette quant à elle est à double tranchant. On peut y voir quelque chose d’amusant, même si l’on ne comprend bien pas ce qu’abeilles et bourdons ont à faire avec le jazz. On peut aussi y déceler, éventuellement, le renvoi aux pages sombres de l’histoire afro-américaine. Un disque malgré tout relativement équanime, auquel manque quand même un souffle de liberté. Il reste agréable à entendre et à écouter et ne manquera pas d’enchanter les amateurs de douceur et de tendresse.

Red Garland Trio
Swigin' on the Korner

Love For Sale, I Wish I Knew, It's Impossible, Billy Boy, Dear Old Stockholm, If I'm Lucky, Blues in BeBop, On Green Dolphin Street, Straight No Chaser, On a Clear Day, The Christmas Song, The Best Things in Life Are Free, Never Let Me Go, Autumn Leaves, Bag's Groove, It's All Right With Me/The ThemeRed Garland (p), Leroy Vinnegar (b), Philly Joe Jones (dm)
Enregistré du 6 au 10 décembre 1977, San Francisco
Durée : 58' 46'' et 1h 10' 38''
Elemental Music 5990426 (Distrijazz)

Produit par Zev Feldman et Todd Barkan, le fondateur du Keystone Korner où ont été enregistrées ces plages (Jazz Hot n°671), voici un extraordinaire trio dans les meilleures conditions de création, dans un club légendaire de la Côte Ouest, tenu par un patron légendaire de 1972 à 1983, réunissant le splendide Red Garland, un monument du piano jazz, magnifiquement entouré par Leroy Vinnegar et l’extraordinaire Philly Joe Jones. Ils sont capables de vous faire passer « Christmas Song » pour un standard essentiel du jazz, car tout ce qu’ils abordent devient de l’or, c’est-à-dire pour les amateurs de jazz, du swing, du blues, de la poésie avec ce sens de la perfection qui appartient aux plus grands trios de l’histoire du jazz. C’est avec ces trios que se sont établis une partie des fondamentaux esthétiques du jazz dans ce qu’il a de meilleur. Ici, la conversation musicale entre trois musiciens d’exception, dans la force de l’âge de leur création (Red Garland est né en 1923, Leroy Vinnegr en 1928 et Philly Joe Jones en 1923), élève le jazz à des sommets et sert de matrice à une riche descendance.
Todd Barkan et Zev Feldman en rééditant ces enregistrements de l’âge d’or du célèbre club de la Côte Ouest sont bien ces passionnés généreux que nous avons découvert dans l’interview du numéro anniversaire de Todd.
En ajoutant un excellent livret de 44 pages à cette production, ils démontrent qu’on peut toujours produire du jazz de la meilleure des façons, du grand jazz, inédit jusqu’à ce jour, en faisant une belle production, en faisant appel aussi à l’activité des amateurs, en leur apportant ce supplément d’informations qui développent la passion du jazz plus que sa simple consommation.
Kenny Washington est ainsi le consultant musical et apporte une longue contribution à propos de Red Garland, et les réflexions d’un musicien savant sont essentielles. Il remarque ainsi que Red Garland, c’est le sing et le feeling d’abord, que Philly Joe, c’est la plus belle synthèse de la batterie jazz de Jo Jones à Max Roach.
Il y a également la reprise d’un texte de Doug Ramsey de 1979 à propos de ce retour musical de Red Garland en 1977, après une interruption de carrière.
Zev Feldman s’entretient également avec Don Schlitten, grand producteur lui-même (Signal, Cobblestone Records avec Joe Fields, etc.) et excellent photographe, et l’introduction est due à l’excellent Benny Green, splendide pianiste et leader de trios, héritier justement de cette tradition, qui raconte sa découverte du Keystone Korner, et l’importance que ce lieu et ce trio ont eu sur son propre itinéraire.
Todd Barkan en introduction nous rappelle que Red Garland s’est produit une demi-douzaine de fois chez lui, entre 1972 et 1980 et quelques-uns des géants du jazz qu’il a côtoyés.
Au total, une belle production, éditée avec des arguments documentaires et sonores (bonne restitution) qui la rende absolument indispensable ! Merci à Todd et à Zev.

Yves Sportis

Scott Hamilton
Live at Small's

Shake It, Don't Break It, Runnin' Wild, Ah Moore, Estate, The Nearness of You, Apple Honey, Sweet Georgia Brown, If I Ever Love Again, Easy Does It
Scott Hamilton (ts), Rossano Sportiello (p), Hassan Shakur (b), Chuck Riggs (dm)
Enregistré les 12-13 février 2013, New York
Durée : 1h 08' 21''
Smalls Live 0040 (www.smallslive.com)

Scott Hamilton dans la tradition des grands ténors du jazz démontre qu’aujourd’hui, le temps passant, on peut synthétiser plusieurs époques du jazz qui réunissent les éléments constitutifs du jazz, que le temps ne fait rien à l’affaire, « quand on est jazz, on est jazz ».
C’est un peu le discours qu’on pouvait lire entre les lignes de l’interview de Rossano Sportiello (Jazz Hot n°671), épris de la grande tradition du piano jazz de toutes les époques, pianiste classé dans le jazz classique mais qui démontre ici qu’il a écouté le jazz de Earl Hines à Kenny Barron, et qu’il est capable de mettre en œuvre toutes ses ressources avec une sonorité qui n’est ni ancienne, ni moderne mais simplement jazz, la sienne.
La session rythmique fait ce qu’elle doit pour permettre un bel enregistrement qui n’apporte sans doute rien de neuf, mais rien de redondant ou de "vieux" : simplement du jazz de belle facture, par des artistes de haut vol. Au répertoire Erroll Garner, Al Cohn, Woody Herman (en fait un « I Got Rhythm »), Sy Oliver, mais aussi un « Estate » peut-être inspiré par l’Italien du groupe, « The Nearness of You » ou « Sweet Georgia Brown », standards joués dans le style lyrique et intemporel du grand ténor, bien soutenu par un bon trio. Le jazz, tout le jazz, rien que le jazz !

Yves Sportis

Ian Hendrickson-Smith
Live at Small's

My Ship, Minor Shift, I Be Blue, Blues for PW, Eddie Harris
Ian Hendrickson-Smith (as), David Hazeltine (p), Mike Karn (b), Joe Strasser (dm)
Enregistré les 17 et 18 janvier 2014, New York
Durée : 47'
Smalls Live 0043 (www.smallslive.com)

Ian Hendrickson-Smith est un passionné : son engagement musical est caractéristique d’une démarche qui ne s’embarrasse pas de grands discours et se contente de plonger dans la matière sonore elle-même. L’enthousiasme palpable du public traduit l’enthousiasme du saxophoniste lui-même qui délivre un set bluesy et chaleureux, rempli de subtilité et de nuances toujours viriles. Originaire de New Orleans, Ian Hendrickson-Smith a toujours fréquenté des musiciens proches du blues (Etta Jones, Dr. Lonnie Smith ; il a même joué dans des cadres soul-funk, avec Fred Wesley, Al Green, Sharon Jones, Amy Winehouse). Son lyrisme à la Sonny Stitt-Cannonball évoque parfois Jesse Davis. Il possède en tout cas la chaleur vibrante nécessaire pour s’exprimer dans ce contexte. Après un « My Ship » medium sensible, « Minor Shift », comme les deux autres compositions de Hazeltine, passe à la vitesse supérieure en termes de tension et d’agressivité mais l’altiste conserve néanmoins toujours une approche mélodique. L’accompagnement de David Hazeltine est dynamique et attentif, comme ses interventions en soliste, toujours très rythmiques. Mike Karn possède une belle présence et Joe Strasser une classe indéniable, avec un drumming à la fois classique et passionnant, aux relances inspirées. Après la ballade touchante « I Be Blue », « Blues for PW » est un morceau parkérien (façon « Blues for Alice ») et le blues funky « Eddie Harris » permet une clôture parfaite du set. De l’entrain, de la fougue et du blues – what’s not to like ?

Jean-Loup Longnon
Just in Time

Istanbounce, Anna Atoll Part 1 and 2, Suan’s Return, Stable Mates, High-Fly, Bo-Bun’s Groove, Round Midnight, Night In Tunisia, Just in Time, Four, Our Love Is Here To Stay, Ta pedia tou pirea, The Speech
Jean-Loup Longnon (tp), Pascal Gaubert (ts), Ludovic Allainmat (p), Fabien Marcoz (b), Frédéric Delestré (dm) + guests détaillés sur le livret
Enregistré à Dreux (28), date non précisée
Durée : 1h 07' 17''
JLLBB 0002011 (www.longnon.com)

La France a toujours pu s’enorgueillir d’avoir donné le jour à d’excellents trompettistes de jazz. Citons dans le passé : Philippe Brun, Aimé Barelli, Christian Bellest, Roger Guérin, Guy Longnon et quelques autres, et parmi une bonne demi douzaine aujourd’hui, le neveu du dernier nommé Jean-Loup Longnon, qui vient de nous offrir ce Just in Time qui sent bon le jazz tel qu’en lui-même l’éternité ne devrait pas le changer.
D’entrée Jean-Loup Longnon nous annonce qu’il ose enfin s’attaquer à la formule du quintet, et il a bien fait tant c’est une réussite. Et bien sûr, comme il le dit, ses vieux démons lui ont fait inviter sur quelques plages des complices de toujours et des sections de cuivre et de cordes. Mais l’essentiel s’exprime en quintet.
Le disque démarre par un étrange et plaisant « Istanbounce » mélangeant alternativement des phrases latino, turques, jazz. Et ça swingue façon Basie avec un long solo de trompette bouchée très fluide sur la rythmique, puis c’est le ténor, le piano. D’entrée c’est gagné, on est accro ! On appréciera l’apparente facilité, la vélocité du trompettiste sur tous les registres et toute la tessiture, la sonorité somptueuse, et l’inspiration dans les impros. Côté écriture ce n’est pas mal non plus, ses propres compos sont riches, et il a su ré-harmoniser, transformer les standards, sans un hiatus entre eux et ses propres compositions. Côté standards « Round Midnight » avec un admirable solo trompette ouverte, et la reprise avec la sourdine sur un autre rythme. Ou encore « Stable Mates » de Golson sur une harmonisation entre Jazz Messengers et Birth of the Cool, et la prestation de Nicolas Folmer, autre trompettiste de premier plan, ce qui permet de comparer les deux styles. Ou encore « Night in Tunisia » décalé avec une pompe de grande classe du bassiste, un solo de batterie ad’hoc, une sonnerie de trompette militaire, un passage genre « Travadja la moukhère » et un final fulgurant. « Anne Atoll » de Longnon nous vaut d’abord un unisson assez bop, et après un solo de piano très volubile, un scat magnifique de Christelle Peirera, avec un batteur flamboyant. Il donne au morceau d’origine grec « Ta pedia tou pirea » (Les Enfants du Pirée) un côté brésilien avec une grande formation, ça devient une véritable bossa. « Four » de Miles Davis nous permet d’apprécier une chanteuse, Sibel Kose, dans le sillage de Mimi Perrin : remarquable, ainsi que le chase : Voix-Batterie-trompette. On retrouve Sibel Kose, belle voix grave et chaude, distillant façon grande époque la ballade « Our Love Is Here to Stay ».
Et pour terminer ce disque en beauté jean-Loup Longon s’empare d’une de se compostions « The Speech » pour un scat étourdissant entre Bobby McFerrin, André Minvielle et Daniel Huck, avec un beau passage en contraste : cordes rubato, scat en swing, puis ça repart swing pour tout le monde. Attention, ne pas arrêter le disque après ce qui semble la fin, car après un silence ça repart.
Du jazz comme on l’aime, des solistes inspirés, une belle écriture personnelle, des arrangements qui mettent en joie, avec une section rythmique qui swingue, et c’est tout. Et c’est beaucoup. C’est tout, effectivement.

Isabella Lundgren
Somehow Life Got in the Way

Procession, Everything Must Change, While We’re Young, Ac-cent-tchu-ate the Positive, If He Walked Into My Life, Somehow Life Got in the Way, Down With Love, That’s Just the Way I Am, Why Was I Born, Eudaimonia, Nobody Knows the Trouble I’ve Seen, A Time for Everything
Isabella Lundgren (voc), Carl Bagge (p), Niklas Fernqvist (b), Daniel Fredriksson (dm) + The Nordic Chamber Orchestra
Date et lieu d’enregistrement non précisés
Durée : 1h 03' 36''
Ladybird 79556835 (www.ladybird.se)

Lecteurs attentifs de Jazz Hot, vous avez déjà entendu parler d’Isabella Lundgren : la première fois dans le compte-rendu du festival de jazz d’Ystad de 2013 et plus récemment dans celui de la fête des 80 ans de notre revue. Inconnue du public parisien, la Suédoise y avait d’ailleurs fait sensation par sa voix claire mais forte et des intonations évoquant par moments Billie Holiday, mais sans volonté d’imitation. Après It Had to Be You, sorti en 2012, la demoiselle nous propose ici son deuxième disque,Somehow Life Got in the Way, un recueil de standards et d’originaux. Outre son quartet habituel (Carl Bagge, Niklas Fernqvist et Daniel Fredriksson, accompagnateurs impeccables), Isabella s’est entourée du Nordic Chamber Orchestra, dirigé par Mats Halling, qui est également l’auteur du morceau éponyme. Un album à cordes donc, mais qui, fort heureusement, évite les étirements sirupeux. Les arrangements sont sobres, entre jazz et comédie musicale (très gershwinien « He Walked Into My Life »), les cuivres apportent du contraste et la rythmique swingue comme il faut.
Passé le court morceau d’introduction (« Procession ») un peu planant (et sans intérêt), Isabella Lundgren capte d’emblée l’attention de l’auditeur avec « Everything Must Change » dont l’ambiance nous rappelle Lady in Satin de Billie Holiday. Ce sont essentiellement de belles ballades dans l’esprit Broadway qui jalonnent ce disque, faisant la part belle aux cordes (comme « While We’re Young » ou « That’s Just the Way I Am »), mais sur lequel s’impose le timbre séduisant d’Isabella. Seul le titre qui clôt le disque (« A Time for Everything ») oublie de swinguer, passant ainsi du côté de la variété (américaine certes). A l’inverse, on retiendra une composition enlevée (« Ac-cent-tchu-ate the Positive ») où s’instaure un bon dialogue avec le tromboniste (Dicken Hedrenius) et, dans la même veine, « Down With Love » et « Why Was I Born » (très Quincy Jones). On retiendra également une interprétation intéressante de « Nobody Knows the Trouble I’ve Seen » qui, malgré un traitement plus comédie musicale que jazz, est une des jolies réussites de cet opus.
Lecteurs attentifs et curieux de Jazz Hot, écoutez avec attention cette jeune femme surprenante que nous espérons revoir bientôt par chez nous. Car c’est sur scène et sur du jazz (du vrai) qu’elle prend toute sa dimension.

Jérôme Partage

Tom McClung
Burning Bright

Terra, Funny Peculiar, Burning Bright, Noctilucent, La Manzana, Fire Waltz, Last of the Wild, There You Go, In the Woods, The Source, Minor Deeds
Tom McClung (p), Mátyás Szandai (b), Mourad Benhammou (dm)
Enregistré le 14 octobre 2013 et le 27 février 2014, Le Pré St Gervais (93)
Durée : 1h 05'
Archie Ball 1502 (Harmonia Mundi)

On connaît bien en France le pianiste de Boston. Accompagnateur régulier d’Archie Shepp, il avait précédemment signé un beau duo avec le saxophoniste ténor Jean-Jacques Elangué (This Is You). Il aborde ici le trio avec assurance, développant une musique affirmée où l’on reconnaît son univers, à la fois énergique, lyrique et sans frontières stylistiques. Il laisse ici libre cours à son penchant pour les couleurs les plus variées, énigmatiques (« Terra »), calypso (« La Manzana »), tynériennes (« Burning Bright »), méditatives (« Noctilucent », « The Source »), free (Into the Woods »), bossa romantique (« There You Go »), ou funky (« Last of the Wild »). La confluence d’influences Mal Waldron-Monk est nette (« Funny Peculiar ») mais sans systématisme ni affectation et l’on apprécie la constante présence du blues sous les doigts malicieux du leader. La superbe « Fire Waltz » de Waldron est du reste magnifiquement interprétée. L’écoute de Mourad Benhammou est sans faille et sa sonorité très aérée est parfaitement adaptée à ce trio. Quant à Mátyás Szandai, il s’exprime avec vigueur dans un style qui n’est pas sans évoquer Avery Sharpe ou Buster Williams. Son beau parcours témoigne de rencontres avec Shepp, David Murray, Herbie Mann, Chico Freeman, Hamid Drake, William Parker, Rob Brown ou Robin Eubanks.
Le morceau final « Minor Deeds » est véritablementburning, par son tempo comme par son inspiration mordante. Il conclue un bel album, qui ne manque ni de caractère ni de maturité, et rend – enfin – justice au talent de Tom McClung.

Jean Szlamowicz

Cécile McLorin Salvant
For One to Love
Fog, Growlin’ Dan, Stepsisters’ Lament, Look at Me, Wives and Lovers, Left Over, The Trolley Song, Monday, What’s the Matter Now?, Le Mal de vivre, Something’s coming, Underling
Cécile McLorin Salvant (voc), Aaron Diehl (p), Paul sikivie (b), Lawrence Leathers (dm)
Enregistré le 23 août 2014, New York
Durée : 52’ 44”
Mack Avenue 1095 (mackavenue.com et cecilemclorinsalvant.com)

On ne présente déjà plus Cécile McLorin Salvant qui fait les beaux jours de toutes les scènes américaines et européennes (ou elle se démultiplie, cf. nos comptes rendus), malgré son âge, et après un envol fulgurant tant son talent est éclatant, évident, jazz sans équivoque, original sans l’ombre d’une écoute.
Elle continue un parcours d’excellence avec ce nouvel enregistrement, une petite merveille car l’exigence et la personnalité de cette chanteuse, hors normes actuelles, vont au-delà de ce qu’on pourrait attendre dans une époque où les grands producteurs ont disparu. Mais voilà, Cécile McLorin Salvant réussit pour l’instant là où beaucoup se perdent par manque d’encadrement jazz. Double miracle donc, celui d’une voix comme le jazz et l’art vocal en a très peu connu sur le plan de la qualité, et celui d’une personne d’une maturité artistique confondante.
Dans ce disque, où elle est magnifiquement entourée par un Aaron Diehl qui confirme lui aussi un talent d’exception au sein d’une bonne section rythmique, la construction du répertoire est une vraie réussite, alternant standards et originaux sans faiblesse, et c’est là, encore, un des talents de cette perle rare: ses compositions et textes sont d’une beauté fulgurante («Fog», «Look at Me», « Monday », «Left Over», «Underling»), et rien ne les distingue de standards confirmés par le temps dont le choix est lui aussi non seulement original (ils sont rares) mais aussi varié; car Cécile McLorin Salvant semble pouvoir, comme Ella Fitzgerald, tout interpréter sans fadeur ni artificialité (de Blanche Calloway à Bacharach); une performance en soi. A noter une bonne version d’une belle chanson française de Barbara («Le Mal de vivre»), traditionnel aparté dans la langue de Molière de la chanteuse franco-américaine, sans accent et avec profondeur.
L’interprétation, magnifiée par une voix splendide aux effets infinis –les growls, les vibratos de toutes natures, l’étendue du registre, témoignent de la virtuosité bien utilisée–, intensifiée par l’authenticité de l’expression, mise en valeur par un accompagnement «aux petits-oignons» d’Aaron Diehl, rend ce disque non seulement attachant mais aussi indispensable au jazz, comme le sont les grands classiques des enregistrements du jazz de toutes les époques. On réécoutera ce disque dans cinquante ans avec toujours autant de plaisir.
Les superlatifs sont de mise quand on rencontre une jeune artiste d’une telle intensité et d’une telle intégrité artistique, d’une telle capacité créative, dans une époque qui en manque singulièrement. En mettant la barre toujours plus haut, sur le plan de l’expression en particulier qui expose l’ensemble de ses qualités, Cécile McLorin Salvant s’impose pour la suite un challenge d’excellence excitant comme on n’en a pas vu dans le jazz vocal depuis les grandes voix de l’âge d’or, et elle contribue à élever le niveau du jazz vocal et du jazz tout court. On doit aussi la remercier pour ça, car c’est une vraie responsabilité, celle toujours prise par les plus grands artistes des générations précédentes, de Louis Armstrong à Wynton Marsalis en passant par ses grandes sœurs Ella et Billie, de ne jamais sombrer dans la complaisance. Elle est de cette trempe!

Yves Sportis

Laurent Mignard Duke Orchestra
Duke Ellington Sacred Concert

CD : Praise God, Tell Me It's The Truth, Come Sunday, In the Beginning God, Almighty/Choral, The Shepherd, Heaven, It's Freedom, Meditation, Every Man Prays, The Lord's Prayer, Praise God and Dance
DVD : Praise God, A Glimpse of God, Something About Believing, Reading the Bible, In the Beginning God, Almighty, Pastor John G. Gensel, The Shepherd, Optimist, Tell Me It's The Truth, Come Sunday, Every Man Prays, The Lord's Prayer, Heaven, It's Freedom, Communication, Meditation, David Danced Before the Lord, Love, Is God a Three Letter Word for Love, Mistakes, Father Forgive, Praise God and Dance
Laurent Mignard Duke Orchestra : Laurent Mignard (lead), Claude Egea, Sylvain Gontard, Jérôme Etchéberry, Richard Blanchet (tp) Fidel Fourneyron, Michaël Ballue, Jerry Edwards (tb), Didier Desbois, Aurélie Tropez (as, cl), Olivier Defaÿs (ts), Carl Schlosser (ts), Philippe Chagne (bs, bcl), Philippe Milanta (p), Bruno Rousselet (b), Julie Saury (dm), Mercedes Ellington (speak), Emmanuel Pi Djob, Nicole Rochelle, Sylvia Howard (voc), Fabien Ruiz (tap dance) + Les Voix en Mouvement, Gospel Attitude Mantes-la-Jolie, White Spirit Viroflay, Chœur de La Celle-Saint-Cloud, Chœur de SAGE
Enregistré le 1_^eroctobre 2014, Paris
Durée : 1h 17' 57'' (CD) + 1h 51' 17'' (DVD)
Juste une Trace AM2015002 (Socadisc)

Dans son autobiographie, Music Is My Mistress, Duke Ellington évoque en un chapitre les pièces habituellement désignées Sacred Concerts de son répertoire. A quarante ans de distance, elles apparaissent évidentes dans l’ensemble esthétique de son œuvre.
La Sacred Music de Duke n’est pas une pièce originale formellement composée ; elle a été élaborée sur trente ans (1945-1973), même si la plus grande partie a été composée entre 1965 et 1973 ; réagencement en trois temps principaux que les collectionneurs désignent sous les titres de trois albums phonographiques : A Concert of Sacred Music (1965), Second Sacred Concert (1968) et Third Sacred Concert(1975) publié après la mort du maestro le 24 mai 1974. Ils sont le résultat de l’opportunité offerte par le révérend John S. Yaryan pour inaugurer la Grace Cathedral de San Francisco.Black Brown and Beige déjà composée en 1943préfigure déjà cette esthétique sacrée dont il est nourri. Et les dix dernières années de sa vie, Ellington a souvent dit que ces concerts étaient les plus importants de sa production.
Comme les Suites, les jazz fan sont longtemps vu dans ces longues compositions de Duke, la manifestation d’une volonté d’imitation de la musique classique européenne blanche, voire une forme de mégalo !
Après avoir exploré sa musique profane, Laurent Mignard s’attaque, dans son approche globale d’Ellington, à sa musique sacrée. Ce coffret comprend CD et DVD. L’enregistrement sonore donne un digest significatif du répertoire ; le DVD, captation du concert donné à La Madeleine le 1_^eroctobre 2014, rend compte, dans une excellente prise de vue, de la nature du concert.
Le Duke Orchestra reprend ici une quinzaine de pièces – composées en 1945 (1), 1963 (1), 1965 (1), 1966 (1), 1968 (6), 1972 (2) et 1973 (1) – sur les trente-six que comptaient les trois albums originaux, dont un inédit, le choral associé à « Almighty God ». La sélection des titres est pertinente en ce qu’elle donne l’essentiel de l’œuvre dans ce langage musical d’Ellington. Elle illustre, avec les récitatifs extraits de l’ouvrage de Duke dits par sa petite fille Mercedes, la foi du compositeur. Ce réagencement donne à cet opus l’unité d’une œuvre composée que chaque album, constitué de pièces de concert et pris individuellement, ne présentait pas de manière si évidente.
Les six ensembles, de plus de cinquante artistes, présentent une belle cohésion. La mise en place est solide. Les partitions exigeaient une certaine assimilation des intentions du compositeur. Le dialogue de l’orchestre et des chœurs est équilibré. Les solistes sont excellents. Les chanteurs assurent. Emmanuel Pi Djob, qui tient la partie de Tony Watkins chez Ellington, possède une belle voix de baryton et est bien dans son sujet (« In the Beginning God »). Nicolle Rochelle, qui reprend les parties autrefois assurées par Alice Babs, vit avec passion (« Praise God and Dance ») et inspiration (« Heaven ») ses interventions. Sylvia Howard, qui chante avec ferveur « Something about Believing », est à la fois émue et émouvante dans « Come Sunday ». Les solistes de l’orchestre, Fidel Fourneyron (tb), Michael Ballue (tb), Olivier Defaÿs (ts), comme Didier Desbois (as), Aurélie Tropez (cl) et Philippe Chagne (bs) ne sont pas en reste ; ils interviennent avec pertinence et sensibilité. Carl Schlosser (ts) a la générosité torturée de Paul Gonsalves ; Jérôme Etchéberry (tp, « The Shepherd »), retrouve l’esprit de Cootie. La section rythmique exceptionnelle tient l’édifice. Bruno Rousselet (b) est rigoureux dans la mise. July Saury maîtrise le langage du jazz et swingue avec une palette de couleurs non étrangère à l’originalité de ce grand orchestre. Musicologue averti d’Ellington, Philippe Milanta respecte les équilibres de cette musique dans ses interventions, parfois assez exceptionnelle (« Meditation »), en tant que pianiste.
La réalisation de cet album magnifique doit aux protagonistes, chanteurs et musiciens d’avoir su respecter l’esprit de l’œuvre. Mais l’énorme travail de préparation et d’organisation de Laurent Mignard et de toute l’équipe y a beaucoup contribué : chef d’orchestre accompli, certes, mais fonction de chef d’entreprise, moins connu de Duke, aussi.
Ecouter cette musique sur le CD évitera de se laisser distraire de ses beautés. Admirer en DVD le spectacle musical magnifique d’un peu moins de deux heures dans le cadre exceptionnel d’un superbe édifice religieux du 18_^esiècle fera appréhender l’indispensable coordination dans la conception de cette belle réalisation.
Bravo ! La musique d’Ellington le mérite.

Félix W. Sportis

Antoinette Montague
World Peace in the Key of Jazz

Ain’t Gonna Let Nobody Turn Me Round, Imagine, If I Had a Hammer, Hard Times, God Bless the Child, How I Got Over, Here’s to Life, Oh What a Beautiful Morning, All This Love Is Waiting, And So It Is, How I Got Over, What the World Needs Now
Antoinette Montague (voc), Jay Hoggard (vib), Solomon Hicks (g), Bill Easley (fl), Danny Mixon (p), Paul Beaudry (b), Winard Harper (dm, perc)
Date et lieu d’enregistrement non précisés
Durée : 54' 48''
Autoproduit (www.antoinettemontague.com)

Originaire de Newark (New Jersey), biberonnée aux disques d’Ella Fitzgerald, de Nat King Cole et de la Motown, protégée d’Etta Jones, Antoinette Montague est une vraie chanteuse de jazz. Le jazz est son expression, naturelle ; elle swingue comme elle respire. Sur cet album autoproduit (les majors sont trop occupées avec Melody Gardot et autres produits marketing pour s’occuper d’elle… et tant mieux !), la diva s’adonne à un exercice délicat : des reprises issues de la musique populaire, de la variété, voire de la pop, réarrangées jazz. Vous me direz que beaucoup de standards ne sont jamais, à l’origine, que des chansons de Broadway. Et en effet, rien n’empêche que le corpus du jazz continue de s’enrichir avec des titres qui ne lui étaient pas a priori destinés. Encore faut-il que ceux-ci s’y prêtent et que l’arrangeur et l’interprète parviennent à s’approprier la mélodie. Evacuons d’emblée le cas des musiciens qui n’ayant pas de culture jazz de naissance prennent ce biais pour faire "leur" jazz. Les plus grands artistes (Basie, Ella, Ray Charles, entre autres) n’ont généralement pas livré dans cette entreprise leurs œuvres les plus intéressantes, même si le résultat pouvait être plaisant.
Pour autant, Antoinette Montague se tire plutôt bien de cette gageure. La reprise la plus surprenante est dans doute « Imagine » de John Lennon. Après les premières mesures de piano rappelant la version d’origine, la chanson est traitée sur un mode latin, très rythmé. Et ça fonctionne ! Autre morceau de bravoure, « If I Had a Hammer » auquel est accolé « We Shall Overcome ». « What the World Needs Now » de Burt Bacharach est abordé avec moins de fantaisie mais Danny Mixon y est impérial, donnant tout son sel à cette bluette qui pouvait filer l’ennui. Winard Harper et Bill Easley sont également des atouts maîtres de ce disque qui ne s’embourbe pas dans la variété jazzy. Quelques titres relèvent tout de même du répertoire jazz ou gospel, comme le très beau « God Bless the Child » où Antoinette Montague donne le meilleur. En somme, voilà une galette qui, bien qu’un peu inégale, s’écoute avec un réel plaisir et offre une occasion de découvrir une grande chanteuse, malheureusement méconnue sous nos cieux.

Jérôme Partage

No Vibrato
Live My Jazz

In the Meanwhile, The Light Shall Come, No Terminus, Sango And Oshun, Blue Flamingo, Ours In Paradise, Rêve sur la terre du milieu
Etienne Richard (p), Fred Delplancq (ts), Bilou Doneux (dm), Chris Mentens (b), Nicola Lancerotti (b) + Jean-Paul Estievenart (tp), Manu Domergue (voc, mellophone)
Enregistré le 10 octobre 2010 et les 21 et 22 février 2014, lieux non précisés
Durée : 56' 51''
Art Plus (www.myspace.com/novibrato)

Etienne Richard a mis trois ans pour publier en autoproduction un quatrième opus comprenant six compositions. Nul n’est prophète auprès des producteurs agréés par le Ministère de sa Région ! Etienne le sait bien, lui qui rencontre plus de succès avec son groupe lors de tournées d’été en France qu’autour et alentour des salles belges subventionnées. Monsieur Richard sait aussi qu’il n’est pas le meilleur pianiste du royaume, mais il est un bon leader ; ses compositions sont bien charpentées, avec beaucoup de respect pour l’héritage. La fidélité de ses excellents solistes (Estievenart, Delplancq) témoigne, si besoin est, de la considération qu’il rencontre à la tête d’un combo qui réfère assez bien aux Messengers d’Horace Silver (« Blue Flamingo »). Manu Domergue, jouant et chantant en invité sur « The Light Shall Come » (sa composition), apporte une touche originale et réjouissante. J’aime la perfect touch de Chris Mentens (« Rêve sur la terre… »), le jeu clair de Nicola Lancerotti (« No Terminus », « Ours in Paradise »), l’inventivité de Jean-Paul Estievenart, l’amplitude du son de Fred Delplancq (« Blue Flamingo », « Rêve sur la terre… ») et ses transgressions coltraniennes (solo sur « Ours In Paradise »). J’aime aussi la spontanéité de Bilou Doneux – même si, avec Chris Mentens il a parfois tendance à presser le tempo (« In the Meanwhile »). No Vibrato est un groupe qu’on aimerait écouter plus souvent en Belgique – et pas seulement au Sounds de Bruxelles. Pourquoi faudrait-il toujours heurter par des exploits harmoniques ? Etienne Richard tient le cap. Il le tient bien !

Jean-Marie Hacquier

Pierrick Pédron
Kubic's Cure

A Forest, In Your House, The Caterpillar, In Between Days, A Reflexion, Killing an Arab, Just Like Heaven & Close to Me, Lullaby, Boys Don’t Cry
Pierrick Pédron (as), Thomas Bramerie (b), Franck Aghulon (dm), Médéric Collignon (p), Thomas de Pourquery (voc), Ghamri Boubaker (Zorna algéroise, algerian flute)
Enregistré le 4 janvier 2014, Paris
Durée : 43' 55''
ACT 9554-2 (Harmonia Mundi)

Reprenant aux Studios Mercredi 9 la formule qu’il avait adoptée pour son précédent album chez ACT, avec Thomas Bramerie (b) et Franck Aghulon (dm), le saxophoniste alto Pierrick Pédron s’est lancé avec ce sixième opus dans l’exploration de la musique d’un groupe britannique qui eut son heure de gloire auprès des collégiens en rupture de ban dans les années 80 et 90, The Cure. Cet album est un exercice de style qui prend pour prétexte neuf morceaux enregistrés par ce groupe depuis la fin des années 1970. Au plan musical et particulièrement jazzique, le résultat s’avère d’une grande pauvreté. La musique de cet album relève du verbiage et de la logorrhée ; le répétitif, qui se donne comme économie esthétique, masque la pauvreté du langage ; l’outrance dans l’expression sans nuance tient lieu d’objet et l’insignifiance de matière exotique. Lorsque la culture existait encore dans notre société, ces productions sans racines étaient classées dans « musique de genre ».
Il convient de s’interroger : pourquoi classer ce type de production dans la catégorie « jazz » ? Surtout, pourquoi certains musiciens de jazz se prêtent-ils à ces opérations et/ou pourquoi éprouvent-ils le besoin d’emprunter le répertoire de la variété ? Si le jazz est une façon de jouer la musique (swing et hot), toutes les musiques ne conviennent pas ou ne supportent pas un traitement jazzique. Certes, les standards de Broadway constituent-ils une part importante du répertoire du jazz. Mais, parce que composés dans la même civilisation, américaine, ils purent y être adaptés ; leur parenté formelle, avec la musique afro-américaine, et leur contenu musical (écrits par de vrais compositeurs) comportaient en eux-mêmes une réelle richesse harmonique et structurelle qui le permettait. La tentation fut forte, dans les années 60 d’aller au plus facile en taquinant les hits du show business ; le Count lui-même ne résista pas à celle de courir après le succès des Beatles. Et si, en son temps, Basie Beatle Bag (Verve, 1966) arrangé par Chico O’Farrill, voireBasie on the Beatles (Waw Times, 1969), eurent-ils quelque succès auprès des yéyés, ces albums ne figurent, en termes de jazz, que comme des curiosités dans son œuvre. La musique anglaise, européenne, ne présente pas les mêmes capacités d’adaptation au swing du jazz, à l'inverse du rock'n'roll américain qui est un héritier de la musique populaire noire (Ray Charles l’a quelques fois traité ainsi).
Après le formidable Kubic’s Monk, nous espérions autre chose de Pierrick Pédron et de ses complices. Donc, attendons les futurs albums de Pierrick, Thomas et Frank ! Et oublions cet essai malheureux. Même au pays du rugby, impossible était la transformation !

Félix W. Sportis

Justin Robinson
Alana's Fantasy

Little Melonae, Eazy E, Alana's Fantasy, Jeremy Isaiah, When We Were One, Eronel, Libra, Answering Service, Just One Of Those Things, For Heaven's Sake
Justin Robinson (as), Michael Rodriguez (tp)  Sullivan Fortner (p), Dwayne Burno (b), Willie Jones III (dm)
Enregistré le 4 novembre 2013, New York
Durée : 1h 03' 29''
Criss Cross Jazz 1371 (www.crisscrossjazz.com)

Connu comme saxophoniste de Roy Hargrove depuis de nombreuses années, Justin Robinson a fait partie des « jeunes lions » qui ont revitalisé le jazz dans les années 90. Depuis la sortie de Justin Time en 1992 (avec Kenny Barron, Lewis Nash, Stephen Scott, Eddie Henderson…), la carrière en leader du new-yorkais a été relativement modeste et il est paradoxalement peu reconnu pour lui-même. Il s’inscrit dans une très belle lignée d’altistes qui démarre avec Jackie McLean, James Spaulding, Gary Bartz, Joe Ford, et se prolonge jusqu’à Kenny Garrett, Antonio Hart ou Tim Green. Cet album correspond à son esthétique : vigoureux et d’un classicisme post-coltranien batailleur. Le lyrisme de Justin Robinson s’appuie sur une sonorité pleine et acerbe, prompte aux dérapages sonores enflammés. On comprend que « Little Melonae » soit le premier morceau du disque : l’entame de solo du leader est d’un mordant acéré qui pose son homme ! L’album se présente comme un hommage au regretté Dwayne Burno, dont la contrebasse assurée se fait effectivement sentir de manière majestueuse car il apporte un ancrage qui n’est pas seulement rythmique mais repose également sur la puissance de sa sonorité et son autorité harmonique. Sullivan Fortner (qui vient de la New Orleans et est lui aussi accompagnateur de Roy Hargrove, comme Willie Jones III) est inspiré par Hancock, Corea, Tyner et s’exprime avec une clarté dont les audaces harmoniques fonctionnent bien avec le style de Robinson. Michael Rodriguez semble porté vers le côté plus poétique de la trompette moderne (Miles, Edddie Henderson, même si le style doit aussi à Hubbard et Woody Shaw). On ne présente plus le grand classique qu’est Willie Jones III dont la classe permanente permet de mettre tout le monde en valeur. L’univers de cet album (dédié au regretté Dwayne Burno) est séduisant, avec des ballades sombres et rares (« When We Were One » de Griffin), un Monk enjoué (« Eronel » où Robinson est plus parkerien), un blues de Sonny Stitt (« Answering Service ») et uniquement deux standards. Un artiste à redécouvrir.

Jean Szlamowicz

Virginie Teychené
Bright and Sweet

Don’t Get Scared, Angel Face, Rat Race, Bless My Soul, The Dry Cleaner From Des Moines, Goodbye Pork Pie Hat, Don’t Explain, Tight, Familiar Dream, Shiny Stockings, Living Room, Pra Que Discutir Com Madame, Midnight Fair, Por Toda a Minha Vida, I’m Gonna Go Fishing, I Don’t Know Enough About You, La Chanson de Maxence
Virginie Teychené (voc), Stéphane Bernard (p), Gérard Maurin (b), Jean-Pierre Arnaud (dm), Eric Le Lann (tp)
Enregistré en février 2012, La Seyne sur Mer (83)
Durée : 1h 18' 45''
Jazz Village 570012 (Harmonia Mundi)

Voici donc Virginie Teychené brillante et douce (Bright and Sweet), et encore plus que cela, profonde jusqu’à l’émotion des larmes, forte de sa litote expressive, avec un groupe de musiciens en parfait accord et d'une belle complicité, jusqu’à l’invité Eric Lelann avec son feeling plongé aux sources du blues : toutes qualités qui propulsent Virginie dans le petit groupe des grandes chanteuses de jazz d’aujourd’hui. Car, oui, malgré l’incommensurable sororité des chanteuses à travers le monde, on ne peut en mettre qu’un nombre infime dans le cénacle des grandes vocalistes de jazz. Dans ce disque, Virginie et ses musiciens, rendent hommage à ces artistes, femmes et hommes, qui ont fait le chant jazz. Je n’en citerai que quelques-uns.
Dès la première introduction, a cappella, les qualités de la chanteuse sont là : la beauté de la voix, le swing, la décontraction, la diction tant en anglais qu’en portugais ou en français, la puissance et la fluidité, et par dessus tout la tenue de la note, même dans le grave ; on peut y ajouter un scat personnel et inspiré. Virginie possède un phrasé de saxophone, c’est flagrant sur « Bless My Soul », démarque de « Parker’s Mood », c’est le phrasé de Bird, c’est le chant de Virginie, en un duo avec la contrebasse qui joue des notes graves, profondes, dans un chant aéré et prenant. Un vrai chef-d’œuvre ! La rythmique colle au chant, le soutient et le propulse : on pense à cette rythmique de Billie Holiday, ou encore celle de Benny Goodman avec le même Teddy Wilson ; d’ailleurs le pianiste est un frère d’aujourd’hui de Teddy. Le batteur est d’un minimaliste et d’un à-propos fulgurants. Le contrebassiste, qui est aussi l’arrangeur d’une précision et d’un aloi admirables, semble toujours coller au souffle de la chanteuse, étant le cœur de la rythmique, en toute simplicité.
L’hommage à Mimi Perrin (disparue en 2010), et aux Double-Six, sur « Rat Race » est époustouflant de virtuosité et de vélocité tranquilles, et la rythmique fuse et fume. Un désespoir de femme amoureuse victime des infidélités de son Amour, mais qui pardonne : N’explique rien, dit-elle, c’est le « Don’t Expain » immortalisé par Billie Holiday. Virginie traduit ces sentiments avec une retenue tragique, et un brin de révolte, qui touchent au cœur : et voilà que s’envole la trompette, en écho au chant. « Shiny Stockings » pris sur un rythme rumba, un des rares textes d’Ella Fitzgerald, chanté dans le médium-grave, nous vaut une merveille de solo de piano, décontracté, qui coule de source. « Por toda a minha vida » de Vinicius de Moraes et Carlos Jobim, l’un des fleurons de la bossa-nova, est chanté avec la parfaite décontraction languissante du genre, suivi d’un long solo lumineux du trompettiste : osmose parfaite entre les deux interprètes. Un bel échange trio-chanteuse sur « I’m Gonna Go Fishing », là encore le pianiste fait merveille. Un autre beau duo teinté blues avec Gérard Maurin à la guitare sur « Familiar Dream » de Wynton Marsalis, avec des paroles écrites par Virginie. Elle a aussi écrit les paroles de « Midnight Fair » sur une musique de Maurin. Le disque se termine par « La Chanson de Maxence » de Jacques Demy et Michel Legrand pour Les Demoiselles de Rochefort, une des plus belles interprétations de cette chanson.
A aucun moment Virginie n’imite, elle interprète à sa façon des thèmes rendus célèbres par ses devanciers, leur rendant ainsi un hommage réjouissant. Ce disque est la preuve qu’on peut encore s’exprimer avec les données de base du jazz sans imiter, sans être dans le musée, en trouvant sa propre voix. Virginie pourrait définir son art en reprenant les paroles de « La Chanson de Maxence » : « Puisque je suis artiste et que l’amour dicte sa loi ». Cet album est dédié à la mémoire du trompettiste François Chassagnite décédé en 2011.

Serge Baudot

The Cookers
Time and Time Again

Sir Galahad, Reneda, Double or Nothing, Farewell Mulgrew, Three Fall, Time and Time Again, Dance of the Invisible Nymph, Dance Eternal Spirits Dance
Billy Harper (ts), David Weiss (tp), Donald Harrison (as), George Cables (p), Cecil McBee (b), Billy Hart (dm)
Enregistré les 5 et 6 mai 2014, New York
Durée : 1h 01' 14''
Motéma 233883 (Harmonia Mundi)

L’esthétique qui est celle des Cookers provient de la somme d’individualités qui partagent un ancrage générationnel dans la musique de John Coltrane et son évolution (Donald Harrison est un peu à part, car il est plus jeune et vient de la Nouvelle-Orléans). C’est une musique sérieuse, âpre, rugueuse et d’une poésie un peu sombre. Intense, elle privilégie le lyrisme et l’engagement au formalisme. La ferveur de Billy Harper, les couleurs d’Eddie Henderson, le punch de David Weiss, les traits de lumière de George Cables et les interventions virulentes de Donald Harrison sont soutenues par un groove très particulier, marqué par les ellipses de Billy Hart et Cecil McBee, leurs accents qui préfèrent les ambiances ambiguës au swing pur. La sonorité de Hart et McBee est en tout cas unique et immédiatement reconnaissable. Ils produisent une rythmicité envoutante, très propices à des atmosphères un peu violentes ou mystérieuses. Mais cette musique comporte aussi une saine part de blues, de valse, un balancement véhément et concentré qui ne peut qu’évoquer le quartet de Coltrane. Il y a là une démarche authentique et d’une grande musicalité qui consiste à donner une forme collective à des individualités instrumentales. Le résultat est en plus surprenant de vitalité pour un enregistrement en studio.

Jean Szlamowicz

Ronald Baker Quintet
Celebrating Nat King Cole

I'm Lost / Five Brothers, That Ain't Right, Walkin' My Baby Back Home / Swingin' My Baby Back Home, L-O-V-E, Suite for Nat, Gee Baby, Ain't I Good to You, Come Along with Me, Quizas, Quizas, Quizas, Straighten up and Fly Right
Ronald Baker (tp, voc, arr), Jean-Jacques Taïb (ts, cl), Alain Mayeras (p, arr), David Salesse (b, arr), Mario Gonzi (dm) +China Moses (voc), Michele Hendricks (voc), Jesse Davis (as) + The Alhambra-Colbert String Orchestra
Enregistré en novembre 2013, Rochefort (17)
Durée : 1' 04' 16''
Cristal Records 224 (Harmonia Mundi)

Depuis plusieurs années, l’univers de Nat King Cole se trouve être l’objet d’une relecture de la part d’artistes et/ou de groupes à l’esthétique très diverse. Dans la continuité classique du pianiste jazzman, on se souvient de l’album très maîtrisé, Hey Nat!, de Stan Laferrière (Djaz Records 537 2 , 2000) et de la non moins fine contribution de Jacques Schneck dans son 3 for Swing Joue et chante Nat King Cole(JS2012, 2012). En 1998, Marcus Roberts avait donné une version modernisée de la tradition avec Cole After Midnight(Columbia 69781). Et plus près de nous, un artiste qu’on n’attendait pas dans un tel registre, David Murray, proposait en 2011, avec son Cuban Ensemble qui tourna dans de nombreux festivals européens, un Plays Nat King Cole en Español(Universal 0602527538709)pour le moins exotique et fort éloigné de ses racines jazz naguère "hotement" revendiquées. Nat a toujours fasciné ses collègues musiciens de jazz ; en un temps où le jazz n’était encore que musique d’une civilisation, voire d’une seule culture, qui n’avait pas encore flirté avec les sirènes du showbiz, ses collègues ont vu dans sa réussite – ambition générale répondant à un problème d’importance majeure dans la société américaine – de chanteur de « variété internationale »une manière de sortir de l’ombre, de la confidentialité culturelle communautaire, de l’undergrounddes adeptes et même des misères de leur ghetto. Par ailleurs, après l’orgie des dissonances contemporaines, l’agressivité harmonique des novations musicales, l’insipidité des fusions diverses et la culture hors-sol des world music, la construction rigoureuse et le lyrisme (le chant s’entend) sans mièvrerie de l’univers jazz bien enraciné, comme très présent dans le répertoire de King Cole, n’ont pas manqué de séduire des artistes parvenus à la maturité ; revenus des éphémères surprises de la nouvelle cuisine, les gouteuses friandises d’oncle Nat, comme le souvenir sonore, madeleine de temps moins incertains, les ravissent ; au moins autant que le public lassé d’essais trop peu souvent aboutis.
Sans complaisance, ce Celebrating King Coles’inscrit par conséquent dans la tendance générale de notre temps à la recherche de fondements plus assurés et les participants – qui ont tous passé la quarantaine et n’ont plus besoin d’en "remontrer" pour exister – de cette session en éprouvent un plaisir évident. Mises à part quelques incursions dans les années 50 ou 60 le répertoire de l’album est essentiellement emprunté à la période américaine des années 1940, celle durant laquelle King Cole continue, bien qu’étant déjà entré en « variété », à se nourrir de sa culture jazz. Il convient de souligner la tenue d’ensemble du Ronald Baker Quintet, ses qualités musicales. Ce groupe joue une musique qu’il maîtrise parfaitement ; c’est du jazz, avec son ingrédient essentiel, le swing, qu’il sert avec intelligence et sensibilité au moyen de tous les outils de cet idiome. Les arrangements sont, tant pour le quintet que pour les cordes, remarquables d’équilibre et de clarté. Ici les musiciens sont sollicités avec subtilité dans leur talent individuel déjà grand et dans leurs ensembles ardus et parfois "tordus" dans la mise en place (« Swingin’ My Baby Back Home ») par de formidables orchestrations, dont le lyrisme, sans glisser dans la guimauve – ce qui n’est pas évident avec des cordes –, n’est jamais absent. Ça swingue toujours.
L’organisation des moments musicaux dans l’album n’est pas étrangère au rendu de chaque pièce en relation avec celles qui l’entourent. Au quatre premières plages enlevées d’un jazz classique festif, qui "balance" de riffs en 4/4, correspondent les quatre dernières au ton plus grave et de rythme moins convenu et plus "incertain" (la mise en place recherchée du tempo enostentinosur « Quizas », comme l’enchaînement de « Smile » vers « For Sentimental Reasons » sur le leitmotiv initial installé par le piano de Mayeras, est d’une grande finesse et superbement amené). Et l’album n’en termine pas moins sur un conseil joyeux, « Straighten up and Fly Right », pour retrouver sa joie comme il se doit dans une évocation de King Cole. Entre ces deux quatrains, la Suite for Nat, construite autour d’un leitmotiv principal "façon destin" servant de liaisons entre les cinq mouvements, est conçue comme unesinfoniettapoétique qui permet à l’auditeur de laisser s’écouler le temps des souvenirs et aux musiciens d’évoquer un King Cole faussement glamour, un musicien moins léger et plus intimiste jusqu’à sa tendresse nostalgique dans ses enregistrements qui eurent, en certains moments lourds de la guerre, auprès d’hommes et de femmes séparés par cet évènement, un rôle affectif plus important qu’il n’y parut à certains.
Au risque de le trahir, il n’était guère possible d’évoquer King Cole sans chanter. Et cet album est entièrement chanté. Pour en casser le risque de la monotonie, Ronald Baker qui s’en donne à cœur joie s’est adjoint deux acolytes femmes, aux caractères sinon opposés du moins bien différents : la musicienne mature pétrie de cette culture, Michele Hendricks, et la nature pétillante toute de spontanéité espiègle de China Moses (« Gee Baby »). L’opposition des styles crée de la variété sur l’ensemble ; et le dosage est assuré avec doigté. Car, chacune dans son registre y apporte sa part de talent et de surprise.
De la même manière, raconter King Cole sans faire appel à un saxophoniste eût été une faute de goût. Nous connaissons ses enregistrements avec Lester Young de 1942, avec Illinois Jacquet et Jack McVea au JATP en 1944. Ayant déjà un ténor dans sa propre formation, Ronald Baker a eu le bon goût de choisir un altiste intervenant en soliste pour mettre de la lumière dans cette musique dont il concevait la tonalité beaucoup moins légère qu’il n’y paraissait. Or King Cole fit appel à douze reprises à un remarquable altiste, aujourd’hui oublié, Willie Smith : la première fois en 1953 dans une grande formation, expérience qu’il eut l’occasion de répéter à plusieurs reprises avec les orchestres de Billy May et Nelson Riddle, mais surtout avec son quartet le 14 septembre 1956, pour enregistrer son formidable album Capitol, Nat « King » Cole and His Trio, After Midnight. Et Jesse Davis remplit son rôle à la perfection ; car, tout en ayant son style très personnel pétri de parkerisme, il en retrouve dans sa relation avec la musique de King Cole les si particulières couleurs chatoyantes dans les thèmes qui balancent (« L-O-V-E ») et les accents tendres (« The Christmas Song), doux/amères, sombres voire douloureux de l’altiste de Jimmie Lunceford (« Smile », « For Sentimental Reasons », « Nature Boy », « I’m Thru With Love »).
L’Alhambra-Colbert String Orchestra dirigé par Arnaud Chataigner tient sa partie de façon parfaite. Le voicing des ensembles est remarquable ; il remplit son rôle avec toute la maestriaqu’on est en droit d’attendre d’une formation de ce type dans un environnement musical de cette sorte. Si les guestsapportent beaucoup à cet album, il serait aussi injuste qu’infondé de passer sous silence la formidable performance des membres du Quintet. Sans jamais écraser ses collègues qu’il soutient et stimule à bon escient, à la batterie Mario Gonzi est omni présent. David Salesse est un accompagnateur irréprochable dans sa mise en place et ses interventions (exposition du thème d’« I’m Thru With Love » ou solo sur « Come Along With Me ») restent aussi équilibrées que justes. Jean-Jacques Taïb fait montre d’une belle maîtrise et d’une spontanéité chaleureuse bienvenue tout au long de cet album ; son chasets/as avec Jesse Davis sur « L-O-V-E » ne manque pas de gueule. Et ses chorusesefficaces sur le blues dans « That Ain’t Right », ou dans « Come Alone With Me », « Swingin’ My Baby » comme sa manière rhythmblueséefaçon David Fathead Newman sur « Straighen up » sont de la meilleure veine.
Restent les deux derniers acolytes, Alain et Ronald, qui se sont partagés la mise en déconstruction malicieuse et pleine de surprises des faces rendues célèbres par le native sonde Montgomery. Mayeras a fait un travail d’orchestration exceptionnel, dans les registres aussi multiples que divers de ce volume. Le pianiste, qui se charge de rendre présent Nat, n’est pas moins brillant. Sa manière d’accompagner, qui laisse respirer les solistes (scat dans Swingin’ My Baby ») n’est pas sans rappeler Ellis Larskin et Jimmy Jones, deux de ses héritiers dans la manière de concevoir le rapport voix/piano. Et pour ne rien gâcher, sa générosité spontanée, dans le dialogue piano/orchestre évoque tour à tour un des maîtres de Nat, Fatha Hines, et un des émules de Nat, Ray Charles, dans la partie R&B de « Straighten up and Fly Right ».
Quant à Baker, il rayonne de tous ses talents sur ces 13 plages ; il est tout simplement prodigieux. Ce sera une véritable révélation pour ceux qui n’ont pas eu l’occasion de l’entendre en concert. Tout simplement formidable, le chanteur fait honneur à celui auquel il rend hommage. Quant au scatter, il lui est évidemment bien supérieur, Nat n’ayant jamais joué dans cette cour. Et comme le trompettiste ne le cède en rien au vocaliste... Ses solos sont extraordinaires de justesse et de feeling. A 47 ans, Ronald a atteint sa pleine maturité musicale ; sa maîtrise instrumentale parfaite et sa musicalité riche – une forme de lyrisme qui convient parfaitement à l’univers colien– le placent parmi les plus grands musiciens aux côtés d’instrumentistes aussi reconnus et prisés que Roy Hargrove par exemple. Cet album fait la preuve que Ronald Baker qu’il est un grand trompettiste que tout amateur de jazz se doit d’entendre et d’écouter.
Celebrating Nat King Coleest mieux qu’une formidable surprise ; c’est tout simplement un grand album, digne de figurer dans toutes les discothèques. On ne s’y ennuie jamais. Et ça swingue d’enfer !

Félix W. Sportis
Jazz Hot n°671, printemps 2015

Stefano Di Battista / Sylvain Luc
Giu' la testa

I Got a Woman, Touch Her Soft Lips and Part, Dingo Rock, Love Theme From Nata, Arrivederci, Giu’ la testa, Sauvage, La Chanson des jumelles, Otto e Mezzo, Fresh
Stefano Di Battista (as), Sylvain Luc (g), Daniele Sorrentino (b), Pierre-François Dufour (dm, cello)
Date et lieu d'enregistrement non précisés
Durée : 55' 09''
Just Looking Productions 09 (Harmonia Mundi)

Avec Giu’ la Testa,Sylvain Luc et Stefano Di Battista, soutenus par une rythmique elle aussi franco-italienne, sont allés puisés dans le répertoire des bandes originales de film pour faire émerger leur expression. Tout commence avec un réarrangement de « I Got a Woman » du divin Ray Charles. La guitare crisse comme si elle devait s’élancer pour une course poursuite avec le saxophone de Di Battista. Ce ravalement de titre détonne mais conserve l’esprit funky créé par Ray Charles, comme en témoigne les nombreuses reprises des combo d’organ trio. « Dingo Rock » reste lui aussi dans un registre enlevé et pour cause, ce titre servît de B.O. au film « Dingo » qui évoque la carrière de Miles Davis. Tout dans l’interprétation du quartet renvoie à l’atmosphère créée par Prince of Darkness à la fin des années 80. « Sauvage » de Sylvain Luc possède justement quelque chose de très urbain dans l’expression, un peu de cet esprit fusion qui donne le ton des morceaux précités. Après avoir revisité « Otto e Mezzo » de Nino Rota, les deux artistes ont aussi mis à leur programme des thèmes plus lents. « Touche Her Lips and Part » est le premier de le sorte avec les arpèges étincelants de Luc sur les notes du saxophone soprano. Ensuite, on bascule dans la musique d’Ennio Morricone, un super créateur en la matière. Après le « Love thème de Nata » et ses tourbillonnants effets à la manière d’un Claude Lelouch, les duettistes abordent « Giu’ la testa » de Sergio Leone. Là encore un dialogue se noue et fait décoller les auditeurs alors que Pierre-François Dufour joue des balais pour ouvrir le chemin. « Arrivederci », de Stefano Di Battista, qui ne pourtant pas l’album, synthétise assez bien les émotions vécues par le guitariste et le saxophoniste. Un thème à la fois doux et tendre où les instruments se transforment en projecteur pour mieux diffuser les notes de lumières en cinémascope et faire rêver un peu plus ceux qui auront franchit le pas de tenter l’aventure « Giu’ la testa », (baisse la tête).

Michel Maestracci
Jazz Hot n°671, printemps 2015

Dr. John
Ske-Date-De-Dat. The Spirit of Satch

What a Wonderful World, Mack the Knife, Tight Like This, I've Got the World on a String, Gut Bucket Blues, Sometimes I Feel Like a Motherless Child, That's My Home, Nobody Knows The Trouble I've Seen, Wrap Your Troubles in Dreams, Dippermouth Blues, Sweet Hunk O' Trash, Memories of You, When You're Smiling
Dr. John (p, voc), Sarah Morrow (tb), Terence Blanchard (tp), Blind Boys of Alabama, Dirty Dozen Brass Band, Anthony Hamilton (voc) Bonnie Raitt (voc), Ledisi (voc) Sremekia Copeland (voc), reste du personnel détaillé dans le livret
Durée : 58' 31''
Enregistré en décembre 2013, lieu non précisé
Proper Records 100 (www.nitetripper.com)

Pianiste, guitariste et surtout chanteur à la voix inimitable, auteur d'une trentaine d'albums, Malcom Rebennack, alias Dr. John, toujours entouré d'une panoplie de "gris-gris" tient une place à part dans le monde musical de New Orleans. Quasi unique star du rock puisant aux racines du zydeco, du blues, du boogie-woogie, du jazz des origines, du gospel et du culte vaudou. Tout aussi respectueux qu'iconoclaste, c'est ici le répertoire vocal de Louis Armstrong qu'il reprend, réinventant et bousculant quelque peu les grands succès de Satchmo. Tout en gardant un fil conducteur tenu par la trompette, il les met au goût du jour (de la grande musique commerciale) avec l'aide de quelques grandes figures du rap, du hip hop ou de la néo-soul d'aujourd'hui. La direction de Sarah Morrow (également co-productrice de l'album) et la présence des trompettistes Terence Blanchard, Nicholas Payton, Arturo Sandoval, Wendell Brunious et James Andrews (rien que ça !) garantissent toutefois un "label jazz" irréfutable. On pourra certes ne pas aimer tous les choix : « What a Wonderful World » commencé en gospel et poursuivi en boogaloo sur nappes de cuivres, « Mack the knife » développé en mode rap , « Tight Like That » (en espagnol) façon ballade cubaine, « Wrap Your Troubles in Dreams » en slow langoureux, ou « While You're Smiling » en cha cha... Mais force est de constater que le résultat est pour le moins surprenant et particulièrement jubilatoire.

Daniel Chauvet
Jazz Hot n°671, printemps 2015

Orrin Evans
Liberation Blues

Devil Eyes, Juanita, A Lil’ DA.B. a Do Ya, A Free Man ? Liberation Blues, Simply Green, Anysha, Meant to Shine, Mumbo Jumbo, How High the Moon, The Theme, The Night Has a Thousand Eyes
Orrin Evans (p), Sean Jones (tp), JD Allen (ts), Luques Curtis (b), Bill Stewart (dm), Joanna Pascale (voc)
Enregistré les 10 et 11 janvier 2014, New York
Durée : 1h 13' 00''
Smoke Session Records 1409 (Distrijazz)

Le pianiste de Philadelphie présente ici un projet cohérent, notamment autour de la mémoire de Dwayne Burno, auteur de deux compositions. Il s’agit de jazz new-yorkais tendu et féroce tel qu’on aime l’entendre sans concession. Il y a une certaine austérité dans cette approche mais le caractère agressif de cette musique est dans la continuité de l’esprit coltranien, comme en témoigne JD Allen (très coltranien sur « Devil Eyes » et « A Lil’ DA.B. a Do Ya »). Comme Sean Jones est largement influencé par le Miles Davis du second quintet (« Juanita », « Simply Green », démarquage de « Blue in Green »), on ne peut que se sentir en terrain connu. Pourtant, c’est évidemment l’engagement personnel qui fait la différence et les couleurs de « Liberation Blues » permettent de trouver des atmosphères plus contemporaines, entre shuffle et boogaloo, avec des effets sonores expressifs de Sean Jones. « A Free Man ? », avec récitatif d’Orrin Evans, s’inscrit dans la poésie jazz. Un certain nombre de morceaux développent des ambiances méditatives délicates (« Anysha », « Juanita »), y compris avec un caractère blues (« Meant to Shine » qui évoque Mulgrew Miller, dont l’ombre plane sur cette musique). Le « Mumbo Jumbo » de Paul Motian relève du free jazz « organisé » et contraste avec « How High the Moon » qui est joué straight, avec un swing continu et « The Night Has a Thousand Eyes », joliment interprété par la vocaliste de Philadelphie Joanna Pascale. Un bon disque, un peu sombre mais qui ne manque pas d’énergie.

Jean Szlamowicz
Jazz Hot n°671, printemps 2015

Javon Jackson
Expression

One by One, Don’t Worry About a Thing, T.J., When I Fall in Love, Think On Me, Mr.Taylor, Where Is the Love, Lelia, Richard’s R.A.P., 88 Strong
Javon Jackson (ts), Orrin Evans (p), Corcoran Holt (b), McClenty Hunter (dm)
Enregistré les 26 et 27 juillet 2013, New York
Durée : 1h 10'
Smoke Session Records 1404 (Distrijazz)

On sait depuis longtemps le styliste colossal qu’est Javon Jackson. Et s’il a pu parfois s’égarer légèrement dans des conceptions un peu trop dans l’air du temps, il est resté un des très solides continuateur de la grande tradition du ténor. Membre des Jazz Messengers d’Art Blakey et de la Jazz Machine d’Elvin Jones, accompagnateur de Cedar Walton ou Freddie Hubbard, il a fait ses classes de manière classieuse et son apprentissage auprès des aînés signifie qu’il est un héritier en ligne directe du patrimoine jazzistique. Il s’inscrit parmi les grands ténors apparut durant les années 90 : Walter Blanding, Willie Williams, Tim Warfield, Theodross Avery, Greg Tardy, James Carter, Eric Alexander… Avec fraîcheur et virilité, il livre un beau set qui comporte uniquement de petites faiblesses de répertoire : le « Don’t Worry About a Thing » de Stevie Wonder, même s’il est bien jazzifié, n’est pas un morceau passionnant et donne un côté pop à la démarche à l’instar de « Where There is Love », comme une concession à l’improbable possibilité qu’une radio grand public s’empare de ces morceaux pour les passer soudain en boucle. Le reste est parfait, notamment le premier morceau, le « One by One » de Wayne Shorter, emblème de Blakey, explosion bluesy mais contrôlée et sans caricature. « T.J. », comme le « Think On Me », de George Cables, montrent un véritable zèle dans la véhémence expressive. Orrin Evans est parfois plus marquant comme sideman que comme leader. C’est le cas ici où il apporte vraiment beaucoup d’engagement dans un style à la foisstraight-ahead et très contemporain. La rythmique est omniprésente, Corcoran Holt et McClenty Hunter possédant à la fois l’énergie et le bon goût qui permet, par exemple, d’aborder un blues monkien comme « Mr. Taylor ». Les amateurs de jazz live apprécieront les nombreux moments où l’élan emporte tout le groupe avec beaucoup de swing.

Jean Szlamowicz
Jazz Hot n°671, printemps 2015

Keith Jarrett / Charlie Haden
Last Dance

My Old Flame, My Ship, 'Round Midnight, Dance of the Infidels, It Might As Well Be Spring, Everything Happens to Me, Where Can I Go Without You, Every Time We Say Goodbye, Goodbye
Keith Jarrett (p), Charlie Haden (b)
Enregistré en mars 2007, Oxford (New Jersey)
Durée : 1h 16' 05''
ECM 2399 3780524 (Universal)

Complément attendu de l'album Jasminepublié en 2010, les neuf morceaux de cet album du duo Keith Jarrett/Charlie Haden ont été enregistrés au cours des mêmes séances. Deux titres : « Where Can I Go » et « Goodbye » (qui prend un autre sens avec la disparition du contrebassiste) figuraient d'ailleurs déjà dans Jasmine et sont ici issus d'une autre prise, toute aussi parfaite. Sur des tempos de ballade (à l'exception de la « Dance of the Infidels » de Bud Powell), et en osmose quasi religieuse avec les « standards » qu'ils jouent, Jarrett et Haden s'écoutent avec un mutuel respect. La complicité est parfaite, chacun est attentif à l'autre. Le bassiste, presque minimaliste, ne prend qu'un seul chorus par morceau, choisit ses notes avec soin, simplifie et aère son jeu, pour ne proposer qu'une sorte d'épure idéale d'accompagnement. Comme en recherche de l'essence même de la mélodie, le pianiste s'écarte peu du thème, renonce aux traits brillants trop démonstratifs, se garde de surcharger les harmonies, et ponctue avec retenue les rares solos de basse. Calme, sérénité, plénitude. Une musique magnifique !

Daniel Chauvet
Jazz Hot n°671, printemps 2015

Louis Mazetier
My Own Stuff

Look out Lion I've Got You, Nicolas, Luxembourg Garden Rag, For Dick, Queen Mary Lou, The Tricky Pioneers, A Delicate Brute, Edward in The Lion's Den, The Ferocious Lamb, Big Filthy, Blues For Ray Bryant, Hello Jelly, In The Depth Of Rouffignac, Marianne, Wilsonizing, A Quiet Waltz, That Good Old Stuff
Enregistré les 13 et 14 juin 2011, Meudon (92)
Durée : 47' 51''
Arbors Records 19442 (www.arborsrecords.com)

My Own Stuff publié par Arbors Records a été produit par Louis Mazetier, lui-même. En sorte que l’enregistrement et le mixage ont été réalisés au Studio de Meudon (France), le label n’intervenant que pour sa fabrication aux Etats-Unis. Pourquoi ce pianiste reconnu et souvent sollicité par les organisateurs et les labels en est-il venu, en 2011, à produire lui-même cet album ?

Au-delà de la morosité économique ambiante en période de crise économique mondiale, la raison tient peut-être au fait que, ne répondant pas à une commande, ce volume a correspondu au seul désir de son auteur : il est entièrement constitué de pièces composées par Mazetier. Et si le pianiste est reconnu le compositeur ne l’est pas encore du public, du moins dans l’esprit de producteurs habitués à moins de risques avec des œuvres plus ou moins connues de James P., Jelly, Fats… et autre Duke, mais auteurs patentés. D’autant que l’essentiel du programme est constitué de pièces originales inédites (11 sur 17). Jusqu’à cet opus, Louis était toujours parvenu à intercaler une, deux, voire trois œuvres personnelles dans ses albums ; surtout lorsqu’il s’agissait de concerts enregistrés. Par conséquent pour oser fallait-il, à la fois, avoir l’assurance en ses capacités – de compositeur et d’interprète –, d’une part, avoir la maîtrise du projet économique, d’autre part. Or, disposant d’un répertoire largement renouvelé, il entendait surtout présenter un ouvrage de sa propre facture et d’une veine originale.En effet, onze de ces compositions n’avaient jamais été enregistrées auparavant par Louis Mazetier ; six l’avaient été au moins une fois, dans un de ses albums précédents. Elles ont été écrites entre 1987 (« For Dick »), la plus ancienne, et 2011 (« A Quiet Waltz »), la plus récente ; mais dix pièces ont été composées entre 2008 et 2010. Ces œuvres présentent donc un nouveau Mazetier, celui de la maturité ; il a, au moment de l’enregistrement, 51 ans.
Dans l’esprit des Children’s Corners (1906 à 1908) de Claude Debussy, qui joua avec les réminiscences de la musique de Philip Sousa entendue à l’Exposition Universelle de 1900 à Paris, Louis ouvre son album sur une pièce à l’espièglerie enfantine en jeu de « cache-cache » avec l’un des ses maîtres, « Le Lion ». Et pour rester dans la gaîté, il le clôt, en revenant comme dans une pièce construite sur le canevas de la ballade, sur un thème évoquant les facéties du premier avec « Ce Bon Vieux Truc » (écrit en 2002), sous-entendu, le bon vieux stridequi swingue et débride : et que ça fait du bien ! Entre ces deux moments, Louis se raconte dans son intimité d’artiste qui reste d’homme dans tous les moments importants de la vie : les maîtres auxquels il doit d’exister musicalement et auxquels il rend hommage dans leur langage reconstruit dans sa relecture aussi originale que personnelle ; le père, ému par ses paternités, qui manifeste sa tendresse, son affection jusqu’à sa gratitude de le maintenir encore vivant pour très longtemps dans un futur incertain (« Nicolas » et « Marianne »).
Mais Louis Mazetier est homme de mémoire ; il a des fidélités musicales anciennes et fortes qu’il perpétue à sa manière dans ses recréations. Ainsi célèbre-t-il, avec une densité nouvelle, la mémoire de Dick Wellstood dans une jolie ballade inspirée de sa musique, « For Dick » écrite en 1987 à la mort du pianiste. Ainsi, reconnaissons-nous ceux qui ont contribué, depuis son adolescence déjà, à construire sa personnalité : Willie « The Lion » Smith déjà évoqué, mais également ses prédécesseurs dans la formation de l’Ecole noire du piano de Harlem, Lucky Roberts (compositeur de « Pork & Beans », 1914, et « Railroad Blues », 1920) Eubie Blake (compositeur de « Ragtime Rag », 1914 et du standard « Memories of You », 1930) dans une évocation synthétisée de leurs styles (« The Tricky Pioneers »). C’est aussi Fats Waller (« Big Filthy ») brossé dans une recomposition inventant la musique suspendue dans le temps. La créolité de Jelly Roll Morton est finement suggérée dans son hispanité néo-orléanaise bien sentie (« Hello Jelly »). L’œuvre de James P. Johnson est restituée dans un portrait tout en subtilité dans « A Delicate Brute ». « Wilsonizing » n’est pas moins représentatif d’une approche tout aussi pertinente que nuancée de celle de Teddy Wilson. Quant à « The Lamb », sa présentation est musicalement plus tendre que féroce, avant que son titre surréaliste (« The Ferocious Lamb »), à double sens comme toujours dans le jive, ne le métamorphose en pianiste démoniaque inaccessible aux jeunes présomptueux.
Au demeurant, Louis ne se cantonne par aux accointances de voisinage. Il commence à la troisième plage en donnant à entendre (« Luxembourg Garden Park ») l’évocation, tout droit sorti de son imaginaire, de la période musicale d’avant 1914 dans un style aussi original et personnel que de l’idée qu’il s’en est fait après une si longue fréquentation. Il y a pareillement ce blues superbe, hommage à Ray Bryant orfèvre en la matière, qui puise aux mêmes sources que le maître et réinvente « son blues de toujours ».
Et puis il y a deux pièces exceptionnelles dans leur conception et dans leur interprétation, dédicaces à deux des plus importants compositeurs de l’histoire du jazz. « Queen Mary Lou », bien sûr en l’honneur de Mary Lou Williams est une prouesse d’intelligence musicale de l’œuvre de cette grande dame. Louis organise l’agencement des périodes de son œuvre, faites de blues, les faisant dialoguer dans l’opposition des tonalités et des rythmes sur le mètre commun, le swing, avant de revenir à sa matrice, le stridedont elle est née. L’interprétation de cette œuvre complexe mais d’une clarté stupéfiante est une pure merveille. Duke et « The Lion » avaient pratiquement le même âge ; bien que n’étant son cadet que deux ans (1899/1897), l’enfant de Washington n’en vouait pas moins une grande admiration à l’ancien combattant interprète invétéré de « La Madelon », qui continua à voir en lui un « jeunot ». Il lui dédicaça une œuvre que les amateurs de jazz connaissent, « The Portrait of the Lion », enregistré par l’orchestre en 1939. Il y eut également « The Second Portrait of the Lion » composé en 1965 et joué en trio de piano (avec Rufus Jones et John Lamb) au Théâtre des Champs Elysées à Paris en mars 1967. Or, malicieusement, Louis Mazetier se propose ni plus ni moins que de placer Duke dans la fosse au Lion ! Entendez par là imaginer la manière dont Ellington aurait pu prolonger l’apport de Smith. Tel est l’objet de la seconde grande composition de cet album, « Edward in the Lion’s Den ». C’est une gageure musicale. Car le jeune Louis ne peut s’empêcher de jouer le dompteur de musique ; jeu de je qui ne manque pas de sel. En fait, si la pièce présente une organisation compositionnelle ellingtonienne avec ses évolutions harmoniques et rythmiques d’après 1956, son univers harmonique reste à dominante impressionniste très léonine d’inspiration debussyste et française (tendance Strayhorn), ne serait-ce que dans son interprétation pianistique plus fluide. En revanche, de par sa conception structurelle, son traitement rythmique autorise le pianiste, d’une part, à cadencer le discours de manière stride(influence Lion), d’autre part, de le ponctuer d’ornementations en forme de ruptures rythmiques et tonales. La pièce apparaît alors plutôt comme le portrait imaginaire de Duke par Le Lion selon Mazetier ! C’est intelligent, fin, et magnifiquement interprété par un pianiste qui brille par le détaché et la clarté du toucher.
Mazetier écrit et joue une musique très personnelle qui, ne retient de celle de ses mentors que le fond et la densité. Empreinte de paix, « In the Depth of Rouffignac » a les couleurs debussystes chères à Billy Strayhorn et « A Quiet Waltz », au ton désuet, a des intonations façon Poulenc. Et c’est dans l’intimité des pièces composées pour ses enfants que Mazetier reste le plus authentique.
Au-delà de la jubilation retenue de souvenirs secrets, « Nicolas » pris sur un tempo de boston (valse lente américaine) présente la sérénité grave d’une méditation de parent sinon inquiet du moins attentif à son devenir. La grâce de « Marianne », au ton apparemment plus léger dans son rythme plus enlevé parfois festif, n’en conserve pas moins, par sa construction – avec exposé en forme de verse et sa coda –, le ton poétique mais mesuré de recommandations paternelles. La naissance des enfants a troublé le créateur dans sa relation au temps. L’art est sa façon de conjurer l’oubli de la mort dans la mémoire des vivants.
Louis Mazetier a composé 43 pièces. Cet album en présente 17, qu’avec beaucoup de distanciation il désigne Ses Propres Trucs ! L’organisation interne de leur enchaînement dans l’album fait qu’on ne voit pas passer les quelques 48 minutes de l’opus. Toutes sont de superbes compositions interprétées avec un talent exceptionnel. Ces faces, au contenu aussi varié que pertinent, qui sollicitent la curiosité et l’intelligence autant que l’oreille, jamais n’agacent ou n’insupportent. Sa pensée musicale est dense dans la clarté. Pour être généreux, Mazetier n’est pas bavard. La sensibilité se dissout dans la logorrhée.
My Own Stuffest un grand disque, l’un des plus beaux que Louis Mazetier ait enregistrés. C’est en tout état de cause le plus fort et le mieux abouti. Le piano étant superbe et l’enregistrement parfait.

Félix W. Sportis
Jazz Hot n°671, printemps 2015

Metismatic & Guests
Bad Safari

Bad Safari, Shapes, Le Printemps d’en Face, Le Funambule somnambule, Digo Sim, Out of Time, Introlude, La Cuenta, Hope, Alma Alta, On ira où ?

Romain Perda (balafon, cavaquinho, métaux), Brice Berda (tu, saxhorn, flugabone) Mathieu Miteran (cello), Alex Belair (perc) + Anissa Bensalah (voc), Amina Mezaache (fl), Michael Havard (ts), Joachim Govin (b), Jonathan Edo (p)
Date et lieu d'enregistrement non précisé
Durée : 51' 51''
Quart de Lune (Musicast)

Les quatre jeunes et talentueux garçons du groupe Metismatic proposent, avec Bad Safari, leur deuxième album (trois ans après la sortie de Metismatic) sur lequel ils se sont entourés de cinq invités. Amateurs de balafon, instruments exotiques et « jazz-world », vous allez être ravis ! Metismatic nous emmène avec eux pour un voyage onirique d’une heure autour du monde, entre Afrique occidentale, mélodies tzigano-manouches, rythmes brésiliens et sud-américains, musique arabo-orientale et spiritualité hindou-zen. On ne peut s’empêcher de penser très fort à Jorane, chanteuse et violoncelliste québécoise, ou à l’univers du duo italien Musica Nuda, constitué de Petra Magoni (voc) et Ferruccxo Spinetti (b), le dépouillement du son en moins, la multitude d’instruments en plus. C’est cette richesse musicale, intéressante et audacieuse, qui séduira les adeptes du genre, avides de joyeux délires. Ce délire pourra facilement se transformer en cacophonie pas toujours cohérente pour les amateurs de jazz qui passeront leur chemin.

Opale Crivello
Jazz Hot n°671, printemps 2015

Lia Pale
My Poet's Love

Chapter I : Heinrich Heine
Dear Heinrich, The Better Ones, Everything Has Already Happened to Me, All Those Tears I Drank, Even If My Song is Simple, One Who for the First Time Loves, The Stowaway, Diamonds & Pearls,
Chapter II : Rainer Maria Rilke
You Don’t have to Understand Existence, Only the Girls, Seven Pages of Loneliness, Earnest Hour, Am I a Falcon a storm or a Great Song ?, Between Day & Dream, Where Begins the Night, Dear Rainer Maria,
Lia Pale (voc, fl), Mathias Rüegg (comp, arr, p, hammond, melodica), Ingrid Oberkanins (perc), Hans Strasser (b) et selon les thème, tp & flh : Juraj Bartos, Dominique Fuss, Richard Köster, Thomas Gansch, Matthieu Michel, Mario Rom
Enregistré en 2014, Zurich et Vienna
Durée : 1h 00’ 50”
EmArcy 00602547134387 (Universal)

Dans son nouvel enregistrement, My Poet’s Love, Lia Pale reste fidèle à l'esprit de son précédent opus – Gone Too Far, Jazz Hot n°666 – réunissant ses amours: le jazz et les grands textes de la littérature et de la poésie européennes pour une savante synthèse dont elle a le secret car les atmosphères, sa voix autant que son phrasé précis et expressif, peignent les contours d’un monde original, porté par une forte personnalité, un vrai plaisir car on ne pense à aucun moment à la comparer à une autre voix du jazz: Lia Pale est déjà simplement Lia Pale, naturelle et sophistiquée, sans maniérisme ou mimétisme, avec ses recherches, sa culture, son talent de musicienne accomplie.
Car musicienne parmi les musiciens, elle a réuni une belle formation de jazz parmi lesquels on retrouve l’indispensable et universel pianiste Mathias Rüegg qui compose et arrange avec subtilité, l’excellent Hans Strasser, la délicate et très musicale Ingrid Oberkanins, parfaite aux percussions, avec également dans cet enregistrement une volonté de marier sa voix à celle de la trompette, peut-être un clin d’œil à la tradition, car la trompette ou le fluglehorn et la voix sont un des plus beaux alliages sonores du jazz, une tradition encore active, depuis Louis Armstrong et Billie Holiday: Lia Pale a ainsi invité selon les thèmes les brillants et virtuoses Juraj Bartos («Diamonds & Pearls», «Where Begins the Night»), Dominique Fuss («Even If My Song Is Simple», «One Who for the First Time Loves» ), Richard Köster («Only the Girls», «You Don’t have to Understand Existence»), Thomas Gansch également intéressant («The Better Ones»), Matthieu Michel («Am I a Falcon a Storm or a Great Song?»), Mario Rom («Seven Pages of Loneliness»), chacun apportant sa personnalité, son timbre et ses couleurs aux poèmes dont la thématique – l’amour, la mort, la vie – empreints de mélancolie, de nostalgie et d’espoir sont magnifiquement mis en valeur par les compositions et arrangements du grand mathias rüegg (il tient à ce que son nom ne commence pas par des capitales), qui réunissent comme souvent les univers du jazz, de la tradition européenne, savante et populaire comme par exemple le beau contre-chant au melodica sur «Between Day & Dream». Sa complicité esthétique avec Lia Pale, l’aboutissement de ce bel objet artistique qu’est cet enregistrement entretient, après Gone Too Far, l’espoir d’une belle œuvre en devenir.
Sont invités dans ce salon de poésie organisée par Lia Pale, des textes de la littérature germanique « romantique » (Heinrich Heine, Rainer Maria Rilke), car l’un comme l’autre, qui appartiennent à des périodes différentes (début du XIX_^e siècle pour Heine, et fin du XIX_^e-début du XX_^e pour Rilke), ont la particularité d’avoir été des artistes vivant leur art comme leur vie, avec passion et romantisme, aux quatre coins de l’Europe (Heine meurt à Paris et Rilke en Suisse), rencontrant pays, arts et artistes, la musique pour Heine, la peinture et la sculpture pour Rilke.  
Lia Pale se voue à son art corps et âme, et ses racines culturelles sont gravées en elle comme le suggère assez directement la couverture de l’album. Sa culture personnelle, musicale, littéraire et artistique, n'hésite pas à se mettre en mouvement, à se confronter à son temps, à affirmer sans détour ce qu’elle est, avec une curiosité fertile, une soif artistique et une authenticité digne de ce que le monde artistique a eu de meilleur en Europe aux siècles de Heine et Rilke, et dans le jazz aux Etats-Unis de l’âge d'or. La fraîcheur de sa voix, naturelle, la précision de la mise en place, la justesse des choix nés de la rencontre avec le jazz et Mathias Rüegg, font de ce disque un moment de plaisir exigeant, qui élève le cœur et l’esprit. La recherche de la beauté existe encore en art, et c'est une bonne nouvelle.

Yves Sportis
Jazz Hot n°671, printemps 2015

Piano Summit - Finale
Stride + Swing

Titres détaillés dans le livret
Paolo Aldeghiri, Ehud Asherie, Chris Hopkins, Bernd Lhotzky, Louis Mazetier, Rossano Sportiello, Stephanie Trick (p), Nicki Parrott (b, voc), Peter Pfister (vln)
Enregistré les 23 et 24 octobre 2010, Alte Kirshe Boswil (Suisse)
Durée : 1h02' 53'' (CD) + 1h 04' 56'' (CD) + 2h 03' 22'' (DVD)
Jazz Connaisseur 1058-0 (www.jazzconnaisseur.ch)

A Boswil, en Suisse, se tenait, depuis 1994, un festival de piano qui devait d’exister à la participation amicale du regretté Ray Bryant. Et donc, chaque année, son initiateur, Jörg Koran, y organisait une manifestation réunissant quelques uns des plus brillants pianistes du jazz qui swingue,de Peter Ecklun à Eric Reed, en passant par Dado Moroni, Claude Bolling, Barry Harris ou Mulgrew Miller. Ces concerts ont déjà fait l’objet d’enregistrements d’instrumentistes y ayant participé ; certains ont été publiés en albums, parmi lesquels ceux de Louis Mazetier, Rossano Sportiello, Paolo Alderighi ou Dick Hyman sous le label Jazz Connaisseur animé par Jörg et son épouse, Doris. Il convenait de replacer ce coffret Stride + Swingdans son contexte. Il comprend deux CDs et un DVD rendant assez largement compte du festival exceptionnel de 2010, qui fut le dernier de seize années d’existence.
Pendantce week-end d’octobre 2010, le Stride + Swing Piano Summitprésenta les huit pianistes plus haut mentionnés auxquels fut, en plusieurs occasions, associée la contrebassiste et chanteuse Nicki Parrott. Le programme, qui comprend des pièces écrites entre 1910 et 2009 – les quelques unes composées par les solistes eux-mêmes –, est pour une large part emprunté aux standards de Tin Pan Alleymais aussi au grand répertoire des maîtres du jazz toutes époques confondues : James P. Johnson, Willie The Lion Smith, Fats Waller, Duke Ellington, Earl Hines, Bix Beiderbecke, Albert Ammons, Django Reinhardt, Thelonious Monk et Hank Jones.
Illustrant la large diffusion du jazz dans le monde depuis l’après Première guerre, ces huit jeunes pianistes (ils n’avaient, à l’époque, pas cinquante ans) nourris de la tradition du Harlemstrideviennent de tous les pays : issus du foyer originel, Chris Hopkins (également saxophoniste alto) et Stephanie Trick, comme la contrebassiste Nicki Parrott, sont américains ; de France, pays qui le premier dans l’histoire reconnut le jazz en tant qu’art, Louis Mazetier est originaire ; Bernd Lhotzky est germano-français ; Ehud Asherie, qui vit depuis de longues années à New York, est israélien ; quant à Paolo Alderighi et Rossano Sportiello, ils s’inscrivent dans cette riche école italienne du jazz qui, dans l’après Seconde guerre, a donné de si nombreux musiciens de grand talent.
Par ailleurs, ces musiciens, qui se répartissent également en deux groupes de quatre, l’un résidant en Europe et l’autre en Amérique, ont reçu une formation très semblable. Mis à part Louis Mazetier (le plus âgé et le moins "professionnel"), qui tient sa culture pianistique d’une auto-formation exclusivement jazzique très personnelle, tous ont acquis leurs compétences musicales en suivant un cursus de haut niveau au sein de conservatoires. Trick, Lhotzky, Hopkins, Alderighi et Sportiello sont d’authentiques concertistes.
Au-delà de leur grande technique et d’un répertoire très largement commun, le détail du choix des pièces par chacun révèle leurs origines éducatives et leurs parcours jazziques propres. Ainsi, Berndt Lhotzky repère la curiosité, « Odeon », tango brésiliend’Ernesto Nazareth, compositeur nourri de musique classique européenne, du début du siècle passé. Chris Hopkins ouvre également la fenêtre sur la part la plus marginale du jazz dans la musique de Bix Beiderbecke, « In a Mist » et « Flashes », comme sur le caractère aussi spécifique qu’exceptionnellement caraïbe (très éloigné du strideharleménite,dont Duke est issu) de la pièce d’Ellington jouée, « Montevideo ». Quant à Rossano Sportiello, son approche du jazz s’inscrit, selon une démarche expressément civilisationnelle, en parallèle de sa formation professionnelle de concertiste de musique classique, dont il possède les codes et les moyens ; en atteste son « Medley »de certaines pièces de Chopin, dont « Nocturne ». Sans entrer dans un long développement, relevons que ce n’est pas la première adaptation de ce morceau ; en 1959, le pianiste Eddie Bernard, qui dans les années 1950 travailla souvent avec Sidney Bechet, avait déjà proposé plusieurs œuvres classiques (de Chopin et Beethoven en particulier), dont celle-ci, dans son albumJazz Arabesques(Pacific). Sans minimiser le talent d’Eddie, qui était grand, le niveau pianistique de Rossano, que l’on peut par ailleurs apprécier sur les autres pièces spécifiquement jazz de cet album, en donne une interprétation pianistiquement remarquable d’une lecture moins superficielle et plus aboutie.
Parallèlement, le second élément intervenant dans ces programmes concerne la relation propre du musicien à la musique, la façon dont il est « entré en jazz ». Ainsi, qu’ils soient Américains ou Européens, les musiciens de formation académique germanique (Bernd ou Chris qui vécut longtemps en Allemagne) ajoutent à leur lecture du strideun « exotisme » particulier déjà signalé, ne serait-ce que par le choix de pièces atypiques, d’une part, et de celles estampillées jazz authentique de par leur compositeur ou de leur interprète historique (James P. Johnson, Willie The Lion Smith, Duke Ellington, Coleman Hawkins sur le DVD), d’autre part. En revanche, tous les autres musiciens, entretenant une relation directe ancienne avec le jazz – et même unique comme chez Mazetier ou Asherie – ont, par voie de conséquence, un accès « plus libre » aux thèmes empruntés au répertoire du stride– standards comme à celui des maîtres du jazz, voire même dans des compositions personnelles répondant aux critères fondamentaux de l’idiome (« Blues for Alfie », « Blues for Joerg », « Ferocious Lamb ») qu’il se sont approprié.
Ces considérations musicologiques indispensables étant posées, il convient d’entrer dans le contenu stricto sensude ces quarante huit faces d’une tenue musicale remarquable, certaines relevant de l’exceptionnel. Pour la qualité d’interprétation, le « Bix Medley » de Chris Hopkins, comme « Odeon » de Bernd Lhotzky méritent une écoute attentive ; au-delà de la perfection pianistique, on ne peut manquer d’y relever une réelle finesse chez Chris et une rigueur intelligente dans la respiration de la pièce chez Bernd. Dans l’excellence, sont à retenir : le solo de Stephanie Trick sur un thème peu souvent joué d’Ellington, « Jubilee Stomp » ; « Echoes of Spring » par Chris Hopkins ; la composition jubilatoire du regretté Hank Jones, « Vignette », jouée par Ehud Ashérie et Nicki Parrott ; le « Medley Vernon Duke » traité tout en nuances par Louis Mazetier ; « Ruby My Dear » par Ehud Asherie et Nicki Parrott. Les duos ne sont pas moins remarquables : ceux de Bernd et Louis, sur « I’m Sorry I Made You Cry » et « I Wish I Were Twins » sont directs ; celui du même Bernd et Roassano sur « I’ll See You in My Dreams » est du plus parfait équilibre. Quant à celui de Paolo et de Bernd sur « Who’s Sorry Now », il manifeste toute la fraicheur de deux musiciens en communion.
Il y eut également de l’exceptionnel : dans le respect de la tradition et de son esprit sur « Rippling Waters » ou « Ferocious Lamb » de Louis Mazetier ; la reconstruction de la composition de Monk, « 52nd Street », par Ehud Asherie est exemplaire. Paolo Alderighi est magistral sur « King Porter Stomp » dont il respecte l’économie originale de la pièce ; quant au traitement en forme d’habanera tout en nuances délicatement swinguée – d’esprit ravélien – de la composition de Django, « Manoir de mes rêves », sa perfection rare en fait, peut-être, LA référence. Rossano Sportiello est pianistiquement et musicalement très impressionnant ; sa légèreté et sa souplesse de swing évoquent Jimmie Lunceford, son art du piano Teddy Wilson et sa maîtrise instrumentale le grand Art Tatum. Toutes ses apparitions sont majestueuses et grandissimes : tout est à écouter en tous ses registres d’expression, de sa subtile et tendre composition « Why Did You Tell Me Ilove You » à son extraordinaire version de « Just One Those Things » (qui supporte la comparaison avec celle fameuse de Tatum avec Jo Jones et Red Callender (27 janvier 1956). Et comment ne pas se régaler des reunionsfabuleuses : Mazetier et Asherie, deux authentiques pianistes de jazz (« Drop Me off in Harlem » et « The Mule Walk »), Louis et Paolo ne sont pas mal non plus dans « Stricke up the Band » ; le jeu sur les tonalités de Rossano et Ehud à propos de « Tea for Two » est rempli de finesses et de complicités musicales. A ne pas manquer le grand duo de Rossano et Louis sur la composition de Leon « Chu » Berry, « Christopher Columbus », feu d’artifice musical extraordinaire.
Outre les prestations des musiciens, le DVD nous permet d’assister aux ultimes instants de la manifestation ; il y eut l’émotion du dernier concert et plus encore celle d’un groupe de personnes, dont les musiciens, conscients de la fin d’un cycle festivalier qui tint une grande place dans leur vie.
La chronique de cet album exceptionnel serait incomplète sans mention du livret qui retrace, en mots et en images, l’histoire de cette manifestation originale. Néanmoins, comme nous avons déjà eu l’occasion de le signaler pour certains autres, on peut regretter que ce coffret omette les noms des compositeurs des pièces jouées. En sorte qu’elles ne peuvent être identifiées autrement que par leurs titres bien insuffisants à les resituer pour ceux qui ne sont pas du sérail. Or c’est bien le renouvellement et le rajeunissement du public qu’il convient d’obtenir avec ce type de publication ; l’aspect didactique n’est à négliger. Que ces légers inconvénients – auxquels la présente chronique a tenté de remédier – ne vous découragent pas. Découvrez ces enregistrements superbes de huit pianistes de talent. Ce Piano Summit – Finaleest magnifique ; il justifie de son intitulé : Stride + Swing !

Félix W. Sportis
Jazz Hot n°671, printemps 2015

Nicola Sabato
Cruisin' With the Nicola Sabato Quartet

Meatball Serenade, Wabash, I Didn't Know What Time It Was, The Way We Were, Broadway, Too Marvelous for Words, My One and Only Love, Leo Walks in, Lullaby of Birdland, From This Moment On, Willow Weep for Me
Nicola Sabato (b, arr), Dano Haider (g), Florent Gac (p), Sylvain Glevarec (dm), Benjamin Henocq (dm)
Enregistré le 23 novembre 2013, Pré-St-Gervais (93)
Durée : 1h 05' 59''
Spirit of Jazz NSM003 (www.nicolasabatojazz.com)

C’est au studio de Bopcity qu’en ce samedi de novembre 2013, Nicola Sabato et ses partenaires entrèrent pour enregistrer ce Cruisin’ With the Nicola Sabato Quarteten mémoire de Patrick Saussois et Ted Curson, « deux personnes et musiciens formidables qui ont toujours eu une grande influence sur [sa] vie et [sa] musique ». L’hommage est beau. Il aurait plu à ses dédicataires. Ils auraient été fiers de la tenue musicale de l’œuvre.

AprèsOn a Clear Day, enregistré en 2003 (DJAZ Records 559) et Lined With a Groove, gravé avec Jeff Hamilton (DJAZ records 738-2) en 2006, Crisin’ With the Nicola Sabato Quartetest donc, sept ans après, le troisième album de Nicola Sabato en tant que leader de séance. Au regard des dix années professionnelles par ailleurs bien remplies, c’est peu. Le contrebassiste n’est pas un boulimique du sillon ; il produit peu mais de qualité.
Le programme de ce volume comprend deux compositions originales du leader écrites en 2013 (« Meatball Serenade » et « Leo Walks in ») et neuf autres pièces : deux classiques du jazz – « Wabash » (Cannonbal Adderley, enregistré la première fois par son auteur à Chicago en 1959) et la belle mélodie de George Shearing, « Lullaby of Birdland » (1952) – et sept standards de compositeurs célébrissimes – de Cole Porter et Richard Rodgers à Henri Woode ou Ann Ronell) – de Tin Pan Alleycomposés entre 1932 (« Willow Weep for Me ») et 1973 (« Nuestro Anos Felices » habituellement titré « The Way We Were », du nom du film de Sidney Pollack tourné avec Barbara Streisand en 1973). Le choix des thèmes est aussi judicieux que parfaitement équilibré, les morceaux récents s’accordant totalement avec l’esthétique globale du reste de l’album. Ce quartet nous mène en une croisière aux escales improbables. Les moments sculptent cet album de sensations ténues. Les impromptus rendent la promenade musicale pleine de surprises ; les ensembles simples et intelligemment orchestrés, par la scansion de solos aussi libres que structurés, conservent légèreté et souplesse à une musique aérienne.
Les participants de la session maîtrisent la matière et donnent la pleine mesure de leur talent. Le style coloré (jeu de cymbale) et libre de Benjamin Hénocq convient particulièrement bien à l’esprit de la composition de Richard Rodgers, « I Didn’t Know What Time It Was », ou celle de Cole Porter, « From This Moment on », comme au traitement délibérément atypique choisi pour interpréter la berceuse du pays aux oiseaux. Le drive plus dense et structuré de Sylvain Glevarec confère, par sa force d’impact, une puissance très appréciable à l’interprétation (« Wabash », « Broadway ») comme une rigueur très efficace (« Too Marvelous » ou « Willow Weep ») dans les autres faces au ton plus classique. Dano Heider s’inscrit dans la tradition d’Oscar Moore et d’Irving Ashby : c’est une seconde voix ajoutée à celle du piano (« Too Marvelous ») en même temps qu’un élément essentiel à la ponctuation du discours musical. Ses solos sont fins et bien amenés. Dans le livret, « Beethoven » a fort justement souligné que Nicola ne commet jamais la faute de « sur-jouer », bien qu’étant leader de séance. Ses interventions (expositions de thèmes – « My One and Only Love » ou « Wabash » et ses choruses– « Willow Weep » ou « My One and Only One Love ») restent toujours mesurées. En fait, comme ses maîtres Ray Brown et Paul Chambers, Sabato fait dans cet album, comme dans les précédents, étalage de son grand talent d’accompagnateur présent mais discret : sur tempo classique (« Broadway », « Willow », rapide « From This Moment On » et même très lent particulièrement délicat « Lullaby ») ou sur rythmes plus baroques (« I Didn't Know What Time It Was »).
Dans ce trio bien équilibré, le rôle du pianiste est primordial ; il est le catalyseur en même temps que la voix principale parce que la plus audible. Et de ce point de vue, le travail de Laurent Gac est assez exceptionnel. Il parvient à fédérer toutes les parties tout en faisant entendre sa grande originalité en contrepoint du chant général. Et pour être brillante, sa formidable technique ne parasite jamais son discours judicieux : en toutes circonstances et dans toutes les plages de ce volume, Laurent Gac œuvre dans l’excellence. Bravo !
Cet album est superbe. Embarquez avec Cruisin’ With the…Le Nicola Sabato Quartet est un bâtiment de grande croisière. Vous ne le regretterez pas.

Félix W. Sportis
Jazz Hot n°671, printemps 2015

XY Quartet
05

Titres détaillés sur le livret
Nicola Fazzini (as), Saverio Tasca (vib), Alessandro Fedrigo (b), Luca Colussi (dm)
Enregistré le 17 octobre 2013, San Biagio Di Callalta (Italie)
Durée : 50' 34''
Nusica.org 352 (www.nusica.org)

Voici le deuxième disque de cet excellent XY Quartet, après Idea F, dont nous avions dit les qualités et notre admiration. Ce deuxième opus ne le cède en rien au premier ; on constate une évolution plus mélodique avec une plus grande place laissée au vibraphone, et des arrangements à quatre voix très bien ficelés, comme par exemple « Spazio Angusto» qui ouvre le disque, avec un beau mariage vibraphone/sax. « H2O » est emblématique du style de ce quartette : intro sur une note sax, une note vibraphone, une de la basse, une ponctuation batterie, puis ça se répond d’une façon lancinante, l’échange s’accélère, se développe, s’enrichit ; arrivent les solos, sax, vibraphone aéré sur ponctuation de la basse : du miel mille fleurs. Nicola Fazzini est une sorte de Steve Lacy au sax alto. « Jon Futura nous vaut une belle intervention de la basse entremêlée dans le trio. « Doppio Sogno » démarre assez jazz classique avec un petit clin d’œil au père des vibraphonistes, Lionel Hampton. Salverio Tasca s’inscrit dans la grande tradition des vibraphonistes, pour preuve son solo sur « Futuritmi », suivi en beauté par la basse. En plus de la pulse le batteur assure un tapis foisonnant sur lequel baigne le quartette, ou bien il joue en contrepoint avec toujours la même pulse.
XY quartet est un groupe original qui joue le plaisir et la beauté sur des compositions originales de Nicola Fazzini et Alessandro Fedrigo. Les fruits ont passé la promesse des fleurs de Idea F.

Serge Baudot
Jazz Hot n°671, printemps 2015

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Champian Fulton After Dark

Count Basie Live in Paris. 1957-1962

Jeb Patton Shades and Tones

Antonio Adolfo Tema

European Jazz Sextet Live at the International Jazzfest in Viersen

Frank Sinatra Live in Paris. 5/7 juin 1962

Bossa Nova in USA 1961-1962

Sarah Thorpe Never Leave Me

Mack Avenue SuperBand Live From the Detroit Jazz Festival 2014

Ran Blake / Ghost Tones Portraits of George Russell

Ran Blake / Christine Correa The Road Keeps Winding: Tribute to Abbey Lincoln Volume Two

Aaron Diehl Space, Time, Continuum

Jeff Hackworth Soul to Go!

Samy Thiébault A Feast of Friends

On Air & Fabrizio Bosso Michel on Air

PG Project Back From N.O.

Chico Freeman 4-tet Spoken Into Existence

Chico Freeman / Heiri Känzig The Arrival

Claude Luter / Barney Bigard The Paris Session

Dee Dee Bridgewater / Irvin Mayfield / The New Orleans Jazz Orchestra Dee Dee's Feather

Fred Hersch Solo

La Section Rythmique La Section Rythmique

David Sanborn Time and the River

Aaron Goldberg The Now

Stan Gtetz The Quintessence. Volume 2

Merlaud / Rebillard / Braud Bear on a Tightrope

Miguel Zenón Identities Are Changeable

Hetty Kate Dim All the Lights

Gordon Webster / Hetty Kate Gordon Webster Meets Hetty Kate

Frederic Borey Wink

Lucy Dixon Lulu's Back in Town

Frank Catalano / Jimmy Chamberlin Love Supreme Collective

Frank Catalano / Jimmy Chamberlin God's Gonna Cut You Dawn

Andy Emler MegaOctet Obsession 3

Christian Brazier Quartet Septième vague

Pierre de Bethmann Essais / Volume 1

Kassap / Touéry / Duscombs 8 Détours

Lisa Hilton Kaleidoscope

Rich Halley 4 The Wisdom of Rocks

Paris-Calvi Big Band R comme René

Fabien Mary Three Horns Two Rhythm

Ramona Horvath Trio XS Bird

B.F.G. Now or Never

Phil Haynes No Fast Food. In Concert

Christophe Laborde Wings of Waves

Philippe Crettien Quartet November Dusk

Nicola Fazzini Minimum Sax Vol. 1 : Random 2

Reggie Washington Rainbow Shadow

Rémi Abram Kimpa Vita

Claudio Fasoli The Brooklyn Option

European Cool Jazz 1951-1959

Act Big Band & Guests Extrêmes

The Pete McGuinness Jazz Orchestra Strength in Numbers

Larry Fuller Larry Fuller

Jazz Accordéon The New Wave

Richard Galliano / Jean-Charles Capon Blues sur Seine

Richard Manetti Groove Story

Popa Chubby I'm Feelin' Lucky

The Duke Robillard Band Calling All Blues !

Mark Elf Returns 2014

Fred Chapellier Electric Communion

Tom Chang Tongue & Groove

Delfeayo Marsalis The Last Southern Gentlemen

Prince H. Lawsha & Frédérique Brun Melodies & Memories

Frédéric Loiseau Smile

Monty Alexander Harlem-Kingston Express Vol. 2 : The River Rolls On

Lucky Peterson The Son of a Bluesman

Abdullah Ibrahim The Song Is My Story

Paris Jazz Big Band Source(s)

Manu Katché Live in Concert

Belmondo Family Sextet Mediterranean Sound

Kevin Norwood Quartet Reborn

Jean-Marc Montaut Quartet Drive In

Cyrille Aimée
Let's Get Lost

Champian Fulton
Change Partners

Champian Fulton
After Dark

Count Basie
Live in Paris. 1957-1962

Jeb Patton
Shades and Tones

Antonio Adolfo
Tema

European Jazz Sextet
Live at the International Jazzfest in Viersen

Frank Sinatra
Live in Paris. 5/7 juin 1962

Bossa Nova in USA
1961-1962

Sarah Thorpe
Never Leave Me

Mack Avenue SuperBand
Live From the Detroit Jazz Festival 2014

Ran Blake / Ghost Tones
Portraits of George Russell

Ran Blake / Christine Correa
The Road Keeps Winding: Tribute to Abbey Lincoln Volume Two

Aaron Diehl
Space, Time, Continuum

Jeff Hackworth
Soul to Go!

Samy Thiébault
A Feast of Friends

On Air & Fabrizio Bosso
Michel on Air

PG Project
Back From N.O.

Chico Freeman 4-tet
Spoken Into Existence

Chico Freeman / Heiri Känzig
The Arrival

Claude Luter / Barney Bigard
The Paris Session

Dee Dee Bridgewater / Irvin Mayfield / The New Orleans Jazz Orchestra
Dee Dee's Feather

Fred Hersch
Solo

La Section Rythmique
La Section Rythmique

David Sanborn
Time and the River

Aaron Goldberg
The Now

Stan Gtetz
The Quintessence. Volume 2

Merlaud / Rebillard / Braud
Bear on a Tightrope

Miguel Zenón
Identities Are Changeable

Hetty Kate
Dim All the Lights

Gordon Webster / Hetty Kate
Gordon Webster Meets Hetty Kate

Frederic Borey
Wink

Lucy Dixon
Lulu's Back in Town

Frank Catalano / Jimmy Chamberlin
Love Supreme Collective

Frank Catalano / Jimmy Chamberlin
God's Gonna Cut You Dawn

Andy Emler MegaOctet
Obsession 3

Christian Brazier Quartet
Septième vague

Pierre de Bethmann
Essais / Volume 1

Kassap / Touéry / Duscombs
8 Détours

Lisa Hilton
Kaleidoscope

Rich Halley 4
The Wisdom of Rocks

Paris-Calvi Big Band
R comme René

Fabien Mary
Three Horns Two Rhythm

Ramona Horvath Trio
XS Bird

B.F.G.
Now or Never

Phil Haynes
No Fast Food. In Concert

Christophe Laborde
Wings of Waves

Philippe Crettien Quartet
November Dusk

Nicola Fazzini
Minimum Sax Vol. 1 : Random 2

Reggie Washington
Rainbow Shadow

Rémi Abram
Kimpa Vita

Claudio Fasoli
The Brooklyn Option

European Cool Jazz
1951-1959

Act Big Band & Guests
Extrêmes

The Pete McGuinness Jazz Orchestra
Strength in Numbers

Larry Fuller
Larry Fuller

Jazz Accordéon
The New Wave

Richard Galliano / Jean-Charles Capon
Blues sur Seine

Richard Manetti
Groove Story

Popa Chubby
I'm Feelin' Lucky

The Duke Robillard Band
Calling All Blues !

Mark Elf
Returns 2014

Fred Chapellier
Electric Communion

Tom Chang
Tongue & Groove

Delfeayo Marsalis
The Last Southern Gentlemen

Prince H. Lawsha & Frédérique Brun
Melodies & Memories

Frédéric Loiseau
Smile

Monty Alexander
Harlem-Kingston Express Vol. 2 : The River Rolls On

Lucky Peterson
The Son of a Bluesman

Abdullah Ibrahim
The Song Is My Story

Paris Jazz Big Band
Source(s)

Manu Katché
Live in Concert

Belmondo Family Sextet
Mediterranean Sound

Kevin Norwood Quartet
Reborn

Jean-Marc Montaut Quartet
Drive In