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JAZZ RECORDS

• Chroniques de disques en cours •

Ces chroniques de disques sont parues exclusivement sur internet de 2010 (n°651) à aujourd’hui. Elles sont en libre accès.

3 choix possibles: Chroniques en cours (2019), Jazz Records/alphabétique (2010 à 2018 sur internet), Jazz Records/chronologiques (2010 à 2018 sur internet).

En cliquant sur le nom du musicien leader dans le programme des chroniques proposées, on accède directement à la chronique.

Toutes les autres chroniques sont parues dans les éditions papier de 1935 (n°1) à février 2013 (n°662).

On peut les lire dans les éditions papier disponibles à la vente depuis 1935 dans notre boutique.

Elles sont classées par ordre alphabétique, ici, ou chronologique.
A propos des distinctions, elle ne résument que la chronique, pour sacrifier à la tradition déjà ancienne des notations et à la mauvaise habitude moderne d'aller vite, nous avons choisi d'ajouter, en 2019, un niveau (les curiosités) pour donner plus de nuances, car tous les lecteurs ne lisent pas toujours les chroniques en entier. Nous pouvons résumer l'esprit de ces niveaux d'appréciation par un raccourci qualitatif (Indispensables=enregistrement de référence, historique; Sélection=excellent; Découverte= excellent par un(e) artiste pas très connu(e) jusque-là; Curiosité=à écouter; Sans distinction=pas essentiel pour le jazz selon nous). Cela dit, rien ne remplace la lecture de chroniques nuancées et détaillées. C'est dans ces chroniques de disques, quand elles sont sincères, c'est le cas pour Jazz Hot, que les amateurs ont toujours enrichi leur savoir.

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Des extraits de certains de ces disques sont parfois disponibles sur Internet. Pour les écouter, il vous suffit de cliquer sur les pochettes signalées par une info-bulle.

© Jazz Hot 2019

John Coltrane
Blue World

Naima (Take 1), Village Blues (Take 2), Blue World, Village Blues (Take 1), Village Blues (Take 3), Like Sonny, Traneing In, Naima (Take 2)
John Coltrane (ts), McCoy Tyner (p), Jimmy Garrison (b), Elvin Jones (dm)
Enregistré le 24 juin 1964, Englewood Cliffs, NJ
Durée: 36’ 34”
Impulse! 00602577626524 (Universal)

Enregistrement de courte durée, indispensable, qui prend place en juin 1964, entre le spirituel Crescent (Impulse! AS66) d’avril 1964 et le preach A Love Supreme (Impuse! AS77) de décembre 1964, cette musique se place dans la veine blues and spiritual qui illumine cette période du John Coltrane Quartet, si marquée de l’atmosphère du temps, la conquête des Droits civils et les événements tragiques ou épiques qui s’y rattachent. Cette séance, imprévue, trouve son origine dans la demande d’un cinéaste canadien (Québec), Gilles Groulx, en vue de la bande-son d’un film en noir & blanc Le Chat dans le sac qui sortira en août 1964, et remportera le grand prix du long métrage canadien au Festival de Montréal en 1964.
Cela dit pour l’histoire, car la musique de John Coltrane, qu’il accepta d’enregistrer avec bienveillance grâce à l’entremise de Jimmy Garrison, vole à 10000 mètres au-dessus d’un film dans l’esprit de la nouvelle vague française, c’est-à-dire superficiel, sur fond de préoccupation nombriliste et identitaire (la situation de la minorité québecoise francophone dans le grand ensemble anglophone canadien et les états d’âme d’un couple immature). Gilles Groulx, s’imaginant d’avant-garde et revendicatif, devait penser que John Coltrane était un musicien d’avant-garde (la mode se pensait d’avant-garde), et a imaginé une analogie entre les situations afro-américaine et québécoise. C’est pour le moins confondant de naïveté et d'inculture; le film est très pauvre: l’habituel malentendu de l’époque, l’Europe et la France (le Canada français par imitation) en particulier ont connu les mêmes approximations-analogies abusives entre luttes afro-américaines et décolonisation, mouvements estudiantins et adolescents qui feront le bonheur de la société de consommation, de la musique commerciale, pop, folk ou de variété.
John Coltrane a, lui, les deux pieds dans la glaise de sa culture, dans la réalité tragique du moment, et son art, tout aussi original soit-il et grâce à ça justement, est l’émanation, l’expression dans sa forme de ce que vit dans le réel la communauté afro-américaine. Il y a chez John Coltrane, et dans tout le jazz de toutes les époques d’ailleurs depuis Louis Armstrong, une maturité, une profondeur, en rapport avec la dureté de la condition des Afro-Américains, qui contrastent totalement avec le caractère artificiel et superficiel des luttes adolescentes de l’Europe, perceptibles ici dans ce film québécois: des «révoltes» comme le dit un héros qui hésite à se qualifier de «révolutionnaire» dans son petit confort bourgeois, bien loin des réalités tragiques de la condition afro-américaine et des luttes pour en sortir. De fait, la musique est peu (une dizaine de minutes) et mal utilisée dans le film, géante sur fond de dialogues creux, insignifiants. Quelques images «esthétisantes», «photographiques», de mode, car en noir & blanc, confirment ce malentendu total. Le noir & blanc des images du jazz n'a aucun point commun avec celui de la nouvelle vague.
Cela dit, il reste la bande-son, une sorte de miracle né d'un malentendu, et elle nous revient intacte dans sa profondeur car John Coltrane a demandé au fidèle Rudy Van Gelder d’enregistrer la séance. Le quartet est à l’apogée, les musiciens sont tout entiers investis dans un son d’ensemble en rapport avec l’expression déterminée par le leader. Jimmy Garrison, au son très mat, intense; McCoy Tyner, la digne alternative mélodique du leader, distillant les éclairs brillants de cette musique qui augmentent le contraste avec son caractère sombre; Elvin Jones a inventé une nouvelle manière de faire swinguer la batterie, avec ses nappes de cymbales, de frottements de peaux, accentuant le caractère «stellaire» de la sonorité du groupe; John Coltrane profond, puissant, spiritual, preacher traçant la route comme un autre Martin Luther King, Jr.
Si on avait choisi un film en symbiose avec sa musique, comme pour Mahalia Jackson, il aurait fallu prendre un film sur la grande lutte des Droits civils. On espère que ça viendra un jour, c’est la musique de ce temps tout autant que celle de Louis, de Mahalia, de Duke, de Billie, d’Ella, de Ray ou de B.B. King. Ces musiques, ces artistes essentiels, ont besoin de films, d’histoires à leur mesure, bien réelles même quand elles évoquent le vaudou ou la transe, bien humaines, enracinées, tragiques ou heureuses (cf. notre article «La longue marche vers l’égalité»). Le cinéma italien a parfois réussi la rencontre de la profondeur de la musique et des images.
La base du répertoire de ce Blue World est constitué de blues, et quand le blues prend cette dimension, cette puissance, cette profondeur, il devient de fait du spiritual, pas du gospel mais bien du spiritual. Ecouter deux versions de «Naima», «Traneing In», «Blue World», «Village Blue», dans cette période du John Coltrane Quartet est un vrai cadeau de Noël de 36 minutes. Le label Impulse!, parfois galvaudé depuis quelques années, n’a pas connu pareille fête depuis des lustres, comme un retour à la source de ce qu'il fut.

Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

Carol Sudhalter Quartet
Live at Saint Peter's Church

On a Misty Night, Park Avenue Petite, Time Remembered, Colin Blues*, Valse Hot, Fun in the Alley, Gee Baby Ain't Good to You, Luiza
Carol Sudhalter (bar, ts, fl, voc*), Patrick Poladian (p), Kevin Halley (b), Mike Campenni (dm)
Enregistré le 7 mars 2018, New York
Durée: 48' 07''
Alpha Project 194 (https://sudhalter.com)

C'est une personnalité attachante et singulière de la scène du jazz new-yorkais qui vient de produire son dixième album en concert à la célèbre Saint Peter's Church sur Lexington Avenue à New York. Carol Sudhalter est une pionnière dans son genre, une musicienne et pédagogue pour qui le jazz est une leçon de vie au quotidien. Née en 1943 à Newton (Massachusetts), elle est issue d'une famille de musiciens. Son père joue de l'alto dans les formations d'Eddy Duchin (p) et Bobby Hackett (tp), et ses frères, Richard et James, sont également musiciens de jazz. Elle débute dans les années 1960 à la flûte et étudie la théorie de la musique duthird stream avec Ran Blake (p) et Phil Wilson (tb) au New England Conservatory of Music avant d'orienter sa carrière vers l'enseignement et le journalisme, quittant sa ville de Boston pour New York en 1978. C'est à cette époque qu'elle rejoint le premier groupe féminin de latin jazz «Latin Fever» et fonde en 1986 le big band Astoria dont les membres, issus du quartier du Queens, travaillent des œuvres originales mais aussi le répertoire de Mary Lou Williams afin de diffuser le jazz auprès d'un public plus large. Son travail de sidewoman auprès d'Etta Jones, Chico Freeman, Duffy Jackson, Jimmy Cobb, Henry Butler ou Jimmy McGriff démontre une ouverture d'esprit ainsi qu'une connaissance approfondie du jazz. Elle est également à l'initiative de plusieurs projets, tels les Jazz Mondays à l'Atens Square Park de 1989 à 2001 ou plus récemment les Monthly Jazz Jam au FlushingTown Hall, ouverts aux étudiants, musiciens professionnels et enseignants ou simples spectateurs autour d''une thématique (comme la musique de Louis Armstrong en septembre dernier).
C'est au saxophone baryton et à la flûte qu'elle s’exprime sur cet album live en compagnie de son quartet habituel. On sent d'emblée, la cohésion du groupe dans la mise en place avec une thématique straight ahead faisant la part belle à Tadd Dameron, Sonny Rollins, Benny Golson, Bill Evans, Hank Mobley ou Tom Jobim. Dès le premier morceau «On a Misty Night», on découvre le jeu tout en fluidité et la sonorité acérée doublée d'une attaque robuste et franche au baryton de Carol Sudhalter. On notera également une forme de légèreté dans son approche de l'instrument, qu'on retrouve sur sa version enlevée de «Valse Hot». A la flûte, elle s'illustre magistralement sur «Time Remembered» ou «Luiza» avec beaucoup de délicatesse et un amour pour l'aspect mélodique évoquant la maîtrise d'un Herbie Mann. Le trio est un écrin pour le leader comme sur la superbe ballade «Park Avenue Petite» démontrant une belle musicalité toujours proche de la mélodie. On peut regretter la prise de son sur «Colin Blues» ainsi qu'une prestation vocale non convaincante sur ce même titre. Un bémol qui n'affectera pas cette heureuse découverte d'une musicienne ne manquant pas d'authenticité.

David Bouzaclou

© Jazz Hot 2019

Michele Hendricks
A Little Bit of Ella (Now and Then)

Sweet Georgia Brown (short version), How High the Moon*, Love for Sale, It Don’t Mean a Thing, Things Ain’t What They Used to Be, Oh Lady Be Good, Our Love Is Here to Stay, A Little Bit of Ella (Now and Then), Airmail Special, Every Time We Say Goodbye, Sweet Georgia Brown (extended version)
Michele Hendricks (voc), Tommy Flanagan (p), Peter Washington (b), Lewis Nash (dm) + selon les titres, Brian Lynch (tp), Robin Eubanks (tb), David Fathead Newman (ts), Jon Hendricks (voc)*
Enregistré les 7 et 8 janvier 1998, New York
Durée: 1h 03’ 23’’
Cristal Records 237 (Sony Music)

Michele Hendricks
Another Side

Cannonball Blues, Fulu’s Paradise, The Saga of Moby Dick, Trivia Madness, Ask Inside, Mama You Told Me, Regulatecha!, Flight of Foos, Why Did You Have to Go?, Honk if Ya Want It, Don’t Give Your Soul Away, Chicken Scratch, Il y a des cons partout
Michele Hendricks (voc), Olivier Temime (ts), Arnaud Mattei (p), Bruno Rousselet (b), Philippe Soirat (dm)
Enregistré en novembre 2018, Rochefort (17)
Durée: 58’ 55’
Cristal Records 290 (Sony Music)

Enfant de la balle, Michele Hendricks, née en 1953, a toujours su faire entendre sa voix tout en s’inscrivant dans son «lourd» héritage familial et culturel, celui de son père, le grand Jon Hendricks (1921-2018). Il y a vingt-huit ans déjà, elle expliquait à Jazz Hot (n°484, 1991) sa proximité avec lui, avec une certaine tradition jazzique, de même que sa volonté d’affirmer un style original. Un héritage qu’elle fait vivre et prospérer à Paris, où elle vit, chante et enseigne depuis de longues années.
Alors qu’elle sort, en cette fin 2019, un album de compositions originales ou récentes, Another Side, nous revenons d’abord sur son précédent disque, A Little Bit of Ella, a contrario constitué de standards, et qui ne nous était pas parvenu à sa sortie, début 2016. Il n’est jamais trop tard pour parler d’un bon disque, d’autant que celui-ci a été enregistré en… 1998! Dans le livret, Michele nous expose le contexte de ces deux sessions new-yorkaises de janvier 1998: souhaitant rendre hommage à son idole Ella Fitzgerald (1917-1996, voir notre dossier), la chanteuse contacte Tommy Flanagan (1930-2001), l’un de ses accompagnateurs emblématiques, qui, sollicité de toutes parts pour la même raison, a décidé de tout refuser en bloc. Pourtant, il se ravise un mois plus tard, et il rappelle Michele Hendricks. Elle passe ainsi en studio pour graver quelques-unes des plus belles chansons d’Ella, et un inédit de sa main, accompagnée d’un trio de haut-vol –Tommy Flanagan, Peter Washington, Lewis Nash– et d’invités de marque, dont Jon Hendricks. D’emblée, Michele, qui est l’auteur de tous les arrangements, affirme sa personnalité avec un «Sweet Georgia Brown» funky, dont une version longue est livrée en fin d’album. Plus surprenant encore, «How High the Moon» débute en reggae puis part sur un scat endiablé où la fille et le père se donnent la réplique de façon vertigineuse. Loin de toute imitation, c’est par sa technique vocale hors pair que Michele Hendricks rappelle Ella (et son géniteur), jouant du scat avec une grande dextérité, notamment sur «Oh Lady Be Good» et «Airmail Special» avec, et sur le second, deux beaux solos virevoltants de Tommy Flanagan et Fathead Newman. Du fait de la dimension des intervenants, un véritable all stars, tout est excellent, de l’évocation du duo Ella-Ellington («It Don’t Mean a Thing», «Things Ain’t What They Used to Be») au bon original de Michele, «A Little Bit of Ella» avec des paroles bourrées de références aux grands succès d’Ella Fitzgerald.
Vingt ans après, on retrouve Michele Hendricks dans un autre contexte. Certains des jazz giants qui l’entouraient sur A Little Bit of Ella ne sont plus de ce monde: Tommy Flanagan, David Newman et bien-sûr Jon… Elle reste cependant solidement accompagnée sur Another Side, en particulier par le maître rythmicien Philippe Soirat, qu’on a plaisir à entendre sur un répertoire de compositions récentes de jazzmen de l'hexagone –hormis «Flight of Foos» («Flight of the Foo Birds» de Neal Hefti)– sur lesquelles elle a posé des paroles, ou bien des titres dont elle est entièrement l’auteur. La qualité des mélodies et des orchestrations offre un beau terrain d’expression à la chanteuse, dont le scat est toujours étourdissant, voire exubérant (le bien nommé «Trivia Madness», paroles et musique de Michele Hendricks). Les plus notables réussites de cet album sont, à notre avis, l’énergique «Cannonball Blues» (Hervé Meschinet), avec un Olivier Temime à son affaire dans le rôle principal, «Fulu’s Paradise» (Vincent Magnier) aux rythmes latins chaloupés, un autre bon blues, «Mama You Told Me» (Michele Hendricks) et bien évidemment «Flight of Foos», au swing tenu d'une main ferme par la section rythmique. Cet Another Side, qui nous présente effectivement une autre facette du travail de Michele Hendricks s’achève de façon humoristique avec un original de la chanteuse, «Il y a des cons partout», qui évoque l’ancrage français de Michele Hendricks.
Une bonne chanteuse en pleine possession de ses moyens dont on regrette la relative discrétion sur les scènes françaises.

Jérôme Partage

© Jazz Hot 2019

Tom Pierson Orchestra
Last Works

CD1: Abandonned, Chandra Lowery's Samba, By the Marty's Decree, Time Remembered, Winter's End, Dark Story, The Pharaoh's Serpent
CD2: Elipsis, Sultry, 45/8, In God's Name, Two Becoming 3, Among Strangers
Tom Pierson (p, lead, arr), Blue Lou Marini (ts,as), Mark Vinci (s), Shu Enomoto (s), Neil Johnson (s), Michael Lutzeier (s), Dominic Derasse (tp), Mike Ponella (tp), Tim Leopold (tp), Lew Soloff (tp), Ben Herrington (tb), Robinson Khoury (tb), Dan Levine (tb), Jeff Nelson (tb), Kanoa Mendenhall (b), Pheeroan Aklaff (dm)
Enregistré du 19 au 23 janvier 2015, New York
Durée: 1h 05' 50'' + 57' 42''
Ratspack Records (https://tompierson.bandcamp.com)

C'est une pièce gigantesque que nous propose le pianiste, chef d'orchestre, arrangeur et compositeur Tom Pierson avec ses Last Works. Un projet qui représente quarante ans de travail autour d’une formation tout-terrain qui a été choisie par l'institut Smithsonian pour son évocation d'une histoire rétrospective du big band jazz intitulé «Big band Renaissance». L'occasion de découvrir celui qui est «le meilleur compositeur inconnu que je connaisse» d'après Gil Evans. Un compliment qui n'est pas dénué de sens tant l'œuvre de Gil Evans est un point de départ pour Tom Pierson dans son approche contemporaine du big band, tout comme le travail de compositeur et d'arrangeur de Bob Brookmeyer. Il se dégage un effet de masse, parfois de dissonance, comme sur «45/8», avec par moments des passages au swing intense, comme sur «Abandoned», avec un jeu minimaliste et bluesy du leader, suivit d'un chorus plein de détermination de Robinson Khoury (tb) très expressif, rappelant, en véritable maître du growl, Wycliffe Gordon. Les changements de rythmes à l'intérieur de cette thématique originale, au sens large, dépassent le cadre du jazz pour s'aventurer sur une création compacte, où l'écriture laisse une place non négligeable à d'excellents solistes, tel le brillant Lew Soloff (tp) dont c'était le dernier enregistrement. Il est d’ailleurs magistral sur «Times Remembered» avec ses longues phrases doublé d'une sonorité brillante nous ramenant également à son travail avec Gil Evans au Sweet Basil au milieu des années 1980.
Quelques mots sur le leader, Thomas Pierson, qui est né en 1948 à Ashland, Wisconsin. Un musicien au talent précoce puisqu'il est soliste à l'âge de 13 ans au Houston Symphony. Il fait ses études à la fameuse Juilliard School afin de devenir pianiste classique, mais il choisit finalement le jazz bien que travaillant pour le Métropolitan Orchestra l'œuvre de Leonard Bernstein, les musiques de films dontManhattan de Woody Allen. Il s'installe au Japon au début des années 1990 et dirige son propre orchestre dont les musiciens sont pour la plupart des vétérans de la scène jazz new-yorkaise, mais aussi quelques musiciens de studio de haut-vol. Last Works met en exergue le surprenant Blue Lou Marini plus connu dans l'univers du rhythm and blues, qui, dans ce contexte, se révèle tant à l'alto qu'au ténor un soliste passionnant avec un jeu puissant au léger vibrato. Sur«Chandra Lowery's Samba», la cohésion de la rythmique est à l'honneur, tout comme le jeu coltranien de Lou Marini. Dans le livret, Tom Pierson évoque son goût pour l'improvisation sur des pièces plus étendues, un moyen d'échapper à une forme de répétition. La complexité de l'écriture du leader laisse souvent la place à une évolution permanente des climats au sein même de chaque thème. Shu Enomato (ts) nous gratifie d'un superbe chorus sinueux et lyrique sur le thème modal «By the Martyr's». Au final, Last Works représente à merveille la riche personnalité d'un musicien singulier du jazz contemporain.

David Bouzaclou

© Jazz Hot 2019

Vincent Bourgeyx
Cosmic Dream

Antoine's Song, I Fall in Love too Easily, Lost Garden, Middle of Nowhere, Cosmic Dream for Blue Shoes, Dong, It's a Girl, One for the Trouds, Too Much Love, I Love Paris, Nervous Yoyo, Eternal Beginning, Lush Life, End of Nowhere, Peace
Vincent Bourgeyx (p), David Prez (ts), Matt Penman (b), Obed Calvaire (dm)
Enregistré les 21 et 22 septembre 2017, Meudon (78)
Durée: 1h 06' 42''
Paris Jazz Underground 019 (L'Autre Distribution)

Le pianiste Vincent Bourgeyx sort le sixième album sous son nom, et c'est celui de la confirmation du talent d'un artiste mais aussi d'un quartet qui avait déjà enregistré l'excellent Short Trip (Fresh Sound New Talent, 2016) avec en invité la voix de Sara Lazarus. La formation atteint aujourd'hui une forme de sérénité tant dans l'approche des standards que dans l'écriture d'une thématique d'une grande fraîcheur. Un jazz qu'il puise dans une approche post bop du piano jazz dont les fondations remontent à sa solide formation au Berklee College de Boston au début des années 1990. Un jazz que le Bordelais, né en 1972, explore à New York, son diplôme en poche, avec une tournée de plus de deux ans auprès du légendaire Al Grey (tb) avec Bobby Durham aux baguettes. Il partage également durant près de cinq ans l'univers particulier de Jane Ira Bloom (ss), avec des musiciens tels que Mark Dresser (b) ou Bobby Previte (dm). De ses expériences et rencontres, il restera un profond goût pour un jazz fait de richesses harmoniques et rythmiques avec toujours en ligne de mire une notion de swing.
C'est avec son ancien complice de Boston, le contrebassiste Matt Penneman qu'il fonde sa rythmique. Le batteur de Miami, Obed Calvaire, qui a déjà une solide expérience au sein du Mingus Big Band, du trio du pianiste David Kikoski en passant par Wynton Marsalis, complète la formule. Un classicisme revendiqué sur la pièce en trio dans l'esprit de l'école de Detroit sur «I Fall in Love too Easily» succédant à l'excellent «Antoine's Song» rappelant le Hancock des années Blue Note avec un jeu dynamique et délicat à la fois. Le leader possède cet art de revisiter de manière singulière l'univers des standards en leur donnant une nouvelle dimension, sur les traces de diverses époques (Ahmad Jamal, Martial Solal…) ou du Jacky Terrasson des années 1990. Malgré tout, ce sont ses compositions qui retiennent l'attention avec une forme de tension permanente ou l'aspect mélodique laisse la place à une liberté contrôlée, malgré un équilibre parfait du quartet. David Prez au ténor se fond à merveille dans ce collectif, avec un léger vibrato et un lyrisme exacerbé par une sonorité solidement enracinée dans un univers moderne évoquant parfois Wayne Shorter comme sur «Lost Garden». Une réussite pour ce disque qui marque une étape dans la carrière de ce pianiste qui affirme un peu plus sa personnalité à l'image d'une génération de musiciens tels Laurent Coq, Mark Turner ou David Binney qui sont à la croisée entre modernisme et tradition.

David Bouzaclou

© Jazz Hot 2019

Miles Davis
Rubberland

Rubberband of Life, This Is It, Paradise, So Emotional, Give It Up, Maze, Carnival Time, I Love What We Make Together, See I See, Echoes in Time/The Wrinkle, Rubberban
Miles Davis (tp, synth, kb, arr), Randy Hall (g), Attala Zane Giles (dm, perc, synth), divers musiciens variant selon les plages détaillés dans le livret
Enregistré d’octobre 1985 à janvier 1986, dans différents lieux selon les voix et les musiciens enregistrés
Durée: 1h 01’ 42”
Rhino/Warner Records R2 599464/603497850785 (Warner Bros.)

Miles Davis est une icône, autant pour la communauté afro-américaine où il incarne la réussite artistique et économique (deux données inséparables aux Etats-Unis) d’un de leurs membres dans un monde globalement hostile; au même titre que Nat King Cole, Quincy Jones, Michael Jackson, et bien d’autres et dans tous les domaines. Miles est aussi une idole pour les publics européens de grande consommation et/ou simplement sensibles aux phénomènes de mode. Miles est enfin un monument pour les amateurs de jazz parce que sa carrière a épousé la deuxième partie du XX_^e siècle, pour le meilleur (Charlie Parker, Sonny Rollins, Cannonball Adderley, John Coltrane et beaucoup d’autres, ses formations des années 1950-1960). Miles Davis a aussi épousé ce temps pour le pire (le pire pour Miles, pour être précis, quand on sait qu’il est capable du meilleur), et cette production de caoutchouc appartient au pire de ce qu’il produisit et représenta: une musique complaisante épousant l’air du temps (des Etats-Unis), de mode, une injure à son œuvre par ailleurs, malgré sa sonorité cuivrée qui surnage comme un cliché stéréotypé dans un océan de médiocrité.
De jazz, malgré l’appellation dans les renseignements numériques du disque, il n’en est pas question. Il est aux oubliettes: pas un gramme de blues, de swing ou d’expression. De la musique d’ascenseur, de ceux qui nous font préférer monter les escaliers. Miles n’est ni le premier, ni le seul à avoir sacrifié à la pacotille et à la mode, c’est-à-dire au prêt à consommer, à jeter. Cela a existé à toutes les époques du jazz, mais assez rarement. On ne peut même pas parler d’esthétique dans un univers dépourvu de la moindre beauté. Miles n’a peut-être pas souhaité la publication de son vivant, donc on ne peut pas l’accuser exclusivement de ce naufrage phonographique. Alors, personne ne critiquera Miles, ni dans sa communauté, ni parmi les amateurs de jazz. Les autres n’ont pas vocation à critiquer. Quand on aime le jazz, on peut éviter sans remord cette mauvaise soupe de grande distribution, pas populaire pour un sou, et se concentrer sur tout ce que Miles a fait de respectable par ailleurs, c'est déjà monumental.

Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

Dal Sasso Big Band
The Palmer Suite

L'Avant Palmer, La Jeune Veuve et le Général, Le Plus Grand des Domaines, La Décadence, Une Transition Douloureuse, La Saga des Frères Pereire, Les Vignes en Danger, La Décennie Terrible, Le Vin Blanc Secret, Le Renouveau, Palmer Aujourd'hui
Christophe Dal Sasso (fl), Julien Alour, Joël Chausse, Quentin Ghomari (tp, flh), Denis Leloup, Jerry Edwards (tb), Bastien Stil (tu), Dominique Mandin (as, fl), Sophie Alour (ts, cl, fl), David El-Malek (ts), Thomas Savy (ts, bcl), Pierre de Bethmann (p), Manuel Marchès (b), Karl Jannuska (dm)
Enregistré les 2 et 3 juin 2018, Villetaneuse (93)
Durée: 52' 53''
Jazz & People 819006 (www.jazzandpeople.com)

Leader d'une grande formation évoquant parfois celle du Gil Evans Orchestra, le flûtiste, compositeur et chef d'orchestre Christophe Dal Sasso nous propose une œuvre riche et colorée retraçant en musique deux siècles d'histoire d'un prestigieux vignoble de Bordeaux, le fameux Château Palmer. Onze fresques où l'écriture côtoie la liberté des superbes solistes composant ce singulier big band. Depuis neuf ans, le Château Palmer, qui représente une forme d'excellence dans l'appellation Margaux, est le théâtre d'un concert de jazz lors de la présentation de son nouveau millésime. Ainsi, on a vu défiler, il y a peu de temps, quelques musiciens confirmés tels Jacky Terrasson, Daniel Humair ou Archie Shepp. En 2014, on fêtait le bicentenaire de l'acquisition du domaine par le général anglais Charles Palmer à Marie de Gascq. C'est lors de cette édition que son directeur actuel, Thomas Duroux, commanda une œuvre orchestrale à la hauteur gustative de ce grand vin à l'un des arrangeurs et compositeurs les plus talentueux de la scène jazz contemporaine. Christophe Dal Sasso a été un élève d'Ivan Jullien, et il a fait des débuts remarqués en obtenant dès 1992 le prix d'orchestre lors d'un concours à La Villette qui l'amena à diriger plus tard un big band qui se fit remarquer dans les clubs de la capitale. Il collabora également avec Dave Liebman sur l'album Explorationet orchestra pour ce dernier quelques pièces de l'Ensemble Inter-Contemporain. On retiendra aussi ses projets avec les frères Belmondo surHymnes au Soleil et Influence avec Yusef Lateef ou Milton Nascimento.
Après un bel hommage à Coltrane sur son arrangement de A Love Supreme (2014), puis un disque de compositions originales, Les Nébuleuses (2016), il surprend encore l'auditeur avec The Palmer Suite. La qualité des solistes se fait remarquer sur l'ensemble de l'œuvre dès l'ouverture de «L'Avant Palmer» avec la sonorité voilée du ténor de Sophie Alour dotée d’un léger vibrato doublé d'un phrasé élégant. Les climats sont pluriels dans cette œuvre où un certain classicisme s'installe suivant les thèmes comme «La Jeune Veuve et le Général» sorte de ballade ellingtonienne ou le swinguant «Le Plus Grand des Domaines» laissant la place à Pierre de Bethmann, dans un registre post bop non dénué de virtuosité, et à la belle sonorité de Julien Alour dans un chorus plein d'autorité. Le jeu linéaire et coltranien de David El Malek s'illustre sur le modal «Transition Douloureuse» tout comme la clarinette basse de Thomas Savy dans un souffle dolphien sur «La Saga des Frères Pereire». «Le Renouveau» marquant une écriture plus ancrée dans une tradition du big band rappelant Thad Jones & Mel Lewis, avec un superbe chorus de Denis Leloup à la sonorité droite et expressive ainsi que le final de Manuel Marchès dans un registre organique et plein de swing.
The Palmer Suite est à déguster évidemment autour d'un verre de Bordeaux, sans modération.

David Bouzaclou

© Jazz Hot 2019

T.K. Blue
The Rhythms Continue

Kasbah, The Wise One Speaks, Going to the East, Night in Medina, Kucheza Blues, Insomnia, The Last Day, At the Crossroads of Touba, A Gathering of Elders, Where, Hi Fly, Ifrane, Reverence for Those Who Came Before, Just Waiting: A Sister's Lament, Faith For Those Who Come After, Dinner Chez Gladys, Uncle Nemo, A Solo Journey to Paradise, World 3:The Last Goodbye
T.K. Blue (comp, as, ss, fl, perc), Alex Blake (b,eb, 1,3,5,11,16), Vince Ector (dm, 1,3,5,11,16), Chief Baba Neil Clarke (perc, 2,3,5,8,9,11,13,15,16), Billy Harper (ts, 5,11), Min Xiao Fen (chinese pipa, 19), Sharp Radway (p,1,3,5,16,19), Mike King (p, 11), Keith Brown (p, 11), Kelly Green (p, 6,14)
Enregistré le 24 février 2019, Union City, NJ
Durée: 1h 00’ 06”
JAJA Records 005 (tkblue@comcast.net)

The Rhythms continue restera sans doute comme le plus émouvant hommage musical au grand Randy Weston disparu le 1_^er septembre 2018, parce qu’il y a dans cette réunion de la famille spirituelle de «Baba Randy», du 24 février 2019 enregistrée en studio autour de son enfant le plus emblématique T.K. Blue (aka Talib Kibwe), une véritable cérémonie en mémoire mêlant ce que le jazz a de plus essentiel: une relecture inventive du patrimoine même le plus lointain utilisant les codes du jazz (blues, swing, expression hot), avec les couleurs, les inspirations que Randy Weston a magnifié dans sa musique, du continent américain mais aussi des grands espaces africains rêvés et interprétés par son imagination et son humanisme. Alex Blake, Vince Ector, Chief Baba Neil Clarke, Billy Harper, sont les autres compagnons, disciples, frères, enfants de Randy Weston, de cette galaxie si particulière d’un jazz pourtant si new-yorkais car originaire de Brooklyn. La dernière pièce de Talib Kibwe, «World 3: The Last Goodbye», étend les couleurs jusqu’à la Chine avec la présence de Min Xiao Fen. L'album comprend dix-neuf pièces, parfois très courtes, qui, mises en perspective, restituent toute la beauté et la complexité de l’univers du pianiste, porté ici par un T.K. Blue qu’on a rarement entendu aussi inspiré, puissant, «sonore», profond («Kasbah», «The Last Day», «Night in Medina»), comme si, en disparaissant, Randy Weston avait libéré chez son héritier une force supplémentaire, après l’avoir accompagné depuis 40 ans dans l’élaboration d’une voix déjà passionnante de leader. La musique possède ici une énergie, une profondeur, une intensité, une sombre beauté parfois («Insomnia»), qui font penser que Randy Weston est toujours présent, au-delà de sa disparition, parce qu’il habite véritablement les musiciens qui ont participé à cet enregistrement, particulièrement son fils en musique, T.K. Blue.
Le répertoire est constitué de onze originaux de T.K. Blue, de sept thèmes de Randy Weston, de deux thèmes de Melba Liston, l’arrangeuse de prédilection de Randy Weston (et pas seulement). C’est une longue suite de couleurs, d’atmosphères, un grand voyage dans le monde de celui à qui est dédié ce disque, mais plus largement de cette fratrie autour de T.K. Blue qui demeure pour perpétuer le message musical, esthétique et philosophique de Randy Weston.
Alex Blake est, comme il l’était avec Randy, indissociable de cet univers, virtuose et expressif, un son mat à la Mingus et un fredonnement à la Slam Stewart. Les percussions très nombreuses, d’inspiration africaine ou caribéenne, jouent un rôle essentiel dans la couleur musicale d’un ensemble qui ne quitte jamais les rails du jazz («Kucheza Blues»), le «parfumant» des couleurs du monde. Tous les musiciens sont en phase, sincères, engagés pour faire de ce disque un hommage in the spirit («Hi Fly»). Les parties en soliste, en duos alternent avec des pièces en quartet, quintet, sextet, octet pendant une heure qui passe comme un bel éclair de musique de jazz.

Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

Louis Armstrong
Live in Europe

Attitude manouche, Troublant Roméo, Late Train, Lovely Wife, Laugh with Charlie, Around Toots , Balkanic Dance, Nocturne, Schindler's List, Tsigane Fantasy, Viens chez Django
Sansom Shmitt (g), Pierre Blanchard (vln), Ludovic Beier (acc), Philippe Doudou Cuillerier (g, voc), Antonio Licusati (b)
Enregistré en juillet 2017, New York
Durée: 54’ 17”
Label Ouest 304 046-2 (L’Autre Distribution)

Après une tournée américaine, voici la tradition de Django brillamment représentée par des musiciens qui incarnent, individuellement et collectivement, la virtuosité au service de l’expression. Il y a Pierre Blanchard, l’un des plus émouvants héritiers de la tradition du violon. Il y a l’excellent et sensible Samson Schmitt qui porte en son for intérieur l’histoire d’une des grandes familles de la tradition de Django, dont le chef de file, Dorado, a si généreusement transmis l’âme. Il y a encore un Ludovic Beier au sommet de son art, et les solides Doudou Cuillerier (au chant aussi) et Antonio Licusati qui baignent dans cette tradition depuis de longues années. Cette formule renouvelée du quintette de la filiation Django, avec trois solistes, guitare, accordéon et violon, est lyrique, un caractère accentué par le jeu tendre de violon de Pierre Blanchard. C’est donc une heure de musique chantante, expressive qui rejoint, avec originalité (tous les thèmes sont écrits par les musiciens du quintette, à l’exception de «Schindler’s List» de John Williams), l’esprit d’Alma Sinti du regretté Patrick Saussois par le caractère mélodique des versions, Patrick Saussois étant plus parisien par son inspiration et cet ensemble étant plus inspiré par l'Europe centrale. Cette musique, accessible à toutes les oreilles sans préjugés, devrait plaire à la terre entière, et le seul mystère, en dehors de celui qui présida à l’apparition de Django Reinhardt, reste pour nous que cette musique ne supplante pas dans le cœur des publics, la médiocre musique commerciale, les sous-cultures de tous les horizons qui polluent les ondes.
On doit ce quintette et ce disque à une productrice américaine, Pat Phillips, qui œuvre outre-Atlantique à la promotion de la tradition de Django Reinhardt, à travers notamment le Django Reinhardt New York Festival, une institution aujourd’hui. Le lien entre la France et les jazz, et l’histoire transatlantique se poursuivent donc entre Django et le jazz…

Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

Woody Herman
The Quintessence

Titres et personnels communiqués sur le livret
Enregistré: entre le 12 avril 1939 et le 20 décembre 1962
Durée: 2h 26' 57''
Frémeaux & Associés 3070 (Socadisc)

L'orchestre de Woody Herman, qui survit à son chef, a fait preuve d'une grande longévité et fait mentir le cliché de la fin des big bands après ladite Swing Era. Dans cette période 1939-1962, l’œuvre de Duke Ellington et Count Basie, ainsi que la virgule aussi dynamique que créative du big band de Dizzy Gillespie en 1946-49, nous semblent plus indispensables que celle de Woody Herman (avis non partagé par feu Leonard Feather). L'orchestre n'a d'ailleurs pas un «son» personnel comme ceux signalés et celui de Jimmie Lunceford si l'on excepte la couleur trois sax ténor+1 baryton à partir de 1947. Le clarinettiste Woody Herman, pas ridicule, n'a pas la virtuosité de Benny Goodman et d'Artie Shaw ni l'étrange créativité de Pee Wee Russell. Mais aujourd'hui, où d'infiniment plus virtuoses que ces Herds qui sont pourtant, à leur époque, avec les éléments de Stan Kenton parmi les maîtres de la technique, sont incapables d'émettre un phrasé balancé, ces faces deviennent indispensables. On pourrait chipoter le choix des enregistrements ici proposés comme «quintessence». On passe de 1939 et son incontournable «At the Woodchopper's Ball» de Joe Bishop (pionnier de l'utilisation du bugle en jazz) –qui influença même George Lewis–, à 1945, ce qui nous prive de la chanteuse-trompettiste Billie Rogers (une des premières femmes instrumentistes dans un orchestre majeur de mâles, 1942, «We'll Meet Again», Decca 18314) et de la présence en 1944 d'artistes comme Cappy Lewis, Ben Webster, Budd Johnson, Ernie Caceres, Georgie Auld, Ray Nance, Juan Tizol, Johnny Hodges pour ne citer qu'eux. On insiste sur ce que l'on croit être «moderne»; sans influence bop pas de salut, le monde attendait le bop! On ne saurait nier le swing d'«Apple Honey» avec en soliste Flip Phillips (ts, sous-estimé), la tête de turc de Boris Vian, Bill Harris (tb), la dame Marjorie Hyams (vib) et le chef, sur le drumming superlatif de Dave Tough (bonne entente performante avec Billy Bauer, g, Chubby Jackson, b). Notez aussi le punch de Pete Candoli qui «drive» la section de cuivres (auteur de la folle coda dans l'aigu). Woody Herman est un chanteur acceptable pour ce «hit» de 1945, «Caldonia», qu'il partage avec Louis Jordan et l'oublié Erskine Hawkins: des précurseurs du rock and roll. Certes, Flip Phillips est bon, mais le passage écrit pour la section de trompette est rendu sans bavure (Pete Candoli, Carl Warwick, Ray Wetzel, Charlie Frankhauser, Sonny Berman!). Le «Northwest Passage» n'est pas sans évoquer la couleur de son du Gramercy Five d'Artie Shaw (Hyams, vib, Phillips, ts). Le chef n'est pas mal dans «Blowin' Up a Storm» (Don Lamond, dm). Deux titres arrangés par Neal Hefti viennent du concert à Carnegie Hall en mars 1946 (Conrad Gozzo, lead tp). Red Norvo (vib) est dans «Wildroot». En Nonet, à Chicago, en mai 1946, Woody Herman évoque Barney Bigard dans «Steps» arrangé par Shorty Rogers (bons solos de Flip Phillips, Jimmy Rowles).
Le Herd de 1947, le mieux connu, avec Herbie Stewart, Stan Getz, Zoot Sims et Serge Chaloff, est bien sûr très représenté (Bernie Glow, lead tp, Ernie Royal, screamer): «Four Brothers» de Jimmy Giuffre appartient à l'histoire. L’alto chantant de Woody Herman intervient dans «Summer Sequence», de manière très louable, mais on retiendra sans doute le solo de Stan Getz et le passage en section de sax (Ralph Burns, arr). Terry Gibbs (vib) est en vedette dans «That's Right» (alternative bop entre Red Rodney et Ernie Royal). L'opportunisme bop marque «Lemon Drop» (trio vocal Chubby Jackson-Terry Gibbs-Shorty Rogers, ce dernier tp solo). «Early Autumn» est aussi célèbre que «Four Brothers» pour son travail en section de sax (Al Cohn remplace Stewart, 1948). Le passage d'alto du chef s'inspirant de Johnny Hodges est bien, mais on n'a retenu que le solo de Getz. En 1949, Gene Ammons (ts) est soliste dans «More Moon» (Al Porcino, lead tp, Shelly Manne, dm). L'orgue de Nat Pierce dans «Men From Mars» (1953) est une belle trouvaille notamment derrière le solo de Dick Hafer (ts): Carl Fontana imite un peu Bill Harris; bon solo de Don Fagerquist (tp). Jimmy Giuffre a conçu une réplique à «Four Brothers» confiée aux trombones titrée «Four Others» (Frank Rehak, Urbie Green, Vernon Friley, Kai Winding). Mais on revient en 1954 à la marque du Herd pour 3 sax ténors et 1 baryton, sur laquelle le chef pose de l'alto («Misty Morning», 1954: Bill Perkins plus getzien que le modèle, en solo). Influence de Basie sur «Autobahn Blues» (Nat Pierce, p). Alternative entre Bill Perkins et Dick Hafer dans «Wild Apple Honey» (Cy Touff, btp, Dick Collins et Charlie Walp, tp, Al Porcino, screamer). Manny Alban est l'auteur de «Captain Ahab» (up tempo) qui aligne des alternatives: Cy Touff (btp)-Dick Kenney (tb), Richie Kamuca-Dick Hafer (ts), Charlie Walp-Dick Collins (tp) (juin 1955). En décembre 1955, Woody Herman enregistre d'intéressantes faces en Octet arrangées par John Coppola (tp) qui font la part belle à Richie Kamuca, Cy Touff et Dick Collins («9:20 Special», «Jumpin' at the Woodside», «The Theme» et non pas «The Boot» comme indiqué). Bob Brookmeyer (vtb) se fait entendre dans «It's Coolin' Time» d'Al Cohn (1958). Les trois titres Jazzland de l'été 1959 offre un espace à l'excellent Nat Adderley (cnt). Le filon de la section de sax marche toujours: «Lullaby of Birdland» (1958, Gene Roland, arr, Willie Dennis, tb) et «Skoobeedoobee» (Monterey, 1959, Zoot Sims, ts, Urbie Green, tb). Don Lanphere (ts) est soliste dans les deux titres pour Crown (1960). En 1962, disciple de Paul Gonsalves, Sal Nestico (ts) anime «Sister Sadie» (1962), tandis que Phil Wilson (tb) et surtout Paul Gonsalves lui-même, notamment en alternative avec Woody Herman (cl) font vivre «Freud's and Alice's» de Gene Roland. De quoi réhabiliter Woody Herman!

Michel Laplace

© Jazz Hot 2019

Hugo Lippi
Comfort Zone

Manoir de mes rêves, Letter to J, Choices, Humty Dimpty, Clementine, God Bless the Child, Here’s That Rainy Day, Just in Time, Freedom Jazz Dance, Comfort Zone, While We’re Young, 12th
Hugo Lippi (g), Fred Nardin (p), Ben Wolfe (b), Donald Edwards (dm)
Enregistré le 19 avril 2018, New York
Durée: 49’ 41’’
Gaya Music Production 048 (L’Autre Distribution)

Né en Angleterre en 1977 où il a vécu ses deux premières années, Hugo Lippi a grandi au Havre où il a connu sa formation initiale, entre cours particuliers et orchestres de bal. A 21 ans, il s'installe à Paris afin de poursuivre une carrière de musicien professionnel. Du Petit Opportun à Autour de Midi… et Minuit, il se mêle aux jeunes boppers de sa génération: Xavier Richardeau, Mourad Benhammou, Fabien Mary, Esaie Cid, entre autres. Ses qualités d’accompagnateur lui ont permis de multiplier les expériences, avec les grands aînés (Marcel Azzola, Marc Fosset, Michel Legrand, Alain Jean-Marie, Christian Escoudé…) comme avec les musiciens de son âge (Pierrick Pédron, Samy Thiébault, Brisa Roché…); il a par ailleurs été membre du Vintage Orchestra.

Comfort Zone est son quatrième album en leader. Il y présente, sur une tonalité plutôt intimiste, un répertoire comprenant cinq originaux et des standards. Il est bien entouré par le solide Fred Nardin (Cécile McLorin-Salvant, Wayne Escoffery…) ainsi que par deux grands sidemen qu’on a notamment vus aux côtés de Wynton et Branford Marsalis: Ben Wolfe (égalementcontrebassiste de Marcus Roberts et Mary Stallings) et Donald Edwards (batteur pour le Mingus Big Band, Tom Harrell, Dave Holland). Côté standards, le disque s’ouvre avec «Manoir de mes rêves» joliment arrangé, la touche Django, le dialogue délicat avec Fred Nardin restituant la dimension poétique de ce titre. C’est avec une même finesse qu’Hugo aborde «God Bless the Child» immortalisé par Billie Holiday, à l’unisson du raffiné jeu de balais de Donald Edwards. Sur tempo rapide («Justin Time»), il fait preuve d’une virtuosité jamais démonstrative laissant la part belle à ses excellents complices. Par ailleurs, la présence du «Humpty Dumpty» de Chick Corea et de «Freedom Jazz Dance» d'Eddie Harris marque la diversité des univers jazz abordés, assimilés avec cohérence. Les originaux («Choices», «Clementine», «Comfort Zone», «12th») des ballades, mettent en valeur la sensibilité et le swing du leader, en particulier le réussi «Letter to J» hispanisant (le mystère n’est pas levé dans le livret). Le disque réussi d'un musicien-artisan qui s'exprime sans artifice.

Jérôme Partage

© Jazz Hot 2019

Hono Winterstein
Horizon

Lolita, Dreamer*, I Remember April, Lune de Miel 2020°, Yesterdays*, Fascinating Rhythm, Pique-Nique°, So in Love°, A little Love a Little Kiss, Dewis, Jingle, Notre Histoire°
Hono Winterstein, Brady Winterstein (g), Jean-Yves Jung (p), Diego Imbert (b), Sara Lazarus*, Claudio Favari (voc)°
Enregistré en 2019, Malakoff (92)
Durée: 48'56''
Trebim Music 057 (L’Autre Distribution)

Les complices de Biréli Lagrène que sont Jean-Yves Jung, Diego Imbert et Hono Winterstein se retrouvent ici sous la houlette de ce dernier que l'on découvre compositeur («Lolita», «Lune de Miel 2020») et responsable du casting, ayant sollicité son neveu Brady et des cordes vocales dans six titres sur douze. Hono Winterstein, originaire de Forbach, en Lorraine, que l'on a pu voir dans le film Django aux côté de Reda Kateb (2007) et dans les festivals comme celui de Marciac, est une référence comme rythmicien du style dit manouche. Outre Biréli Lagrène, il a joué avec Dorado Schmitt, Stochelo Rosenberg, Tal Farlow.
Dès le premier titre, «Lolita», une réussite musicale, sa pompe fait merveille et la «couleur» de l'album est donnée avec la présence, rare dans le genre, d'un piano sobre et efficace et d'une guitare solo dont la volubilité vient en droite ligne de Django. Jean-Yves Jung et Brady Winterstein se conjuguent parfaitement et sont avec l'accompagnement d'Hono et de Diego Imbert l'atout de l'album. Nous sommes moins convaincus par les titres chantés. Ce n'est certes pas mauvais. L'introduction de «Dreamer» ne nous enthousiasme pas, tandis que la suite bénéficie d'une interprétation illuminée par de très bons solos de Jean-Yves Jung et Brady Winterstein. Après une courte introduction de guitare à «Yesterdays», Sara Lazarus phrase bien et le solo de piano est excellent. On sait que Jean Sablon s'est fait accompagner par Django. Pas d'hérésie donc. Mais cette «Lune de Miel 2020» (dont on a les paroles dans le livret), sur tempo lent, chanté par l'auteur, Claudio Favari, ne retient notre attention que grâce au solo de grande classe et «chantant» de Brady. Mieux, pour nous, est «Pique-nique» où le texte est délivré à l'unisson avec la guitare qui prend dans la foulée un bon solo suivi de celui de piano et d'un scat sur le pont (très bien). Puis, c'est la conclusion du texte chanté de façon virtuose avec la guitare. Chanté en anglais «So in Love» est une jolie version de cette chanson d'amour. Jean-Yves Jung y délivre un solo d'une remarquable musicalité et d'une sobriété bien venues. On écoute ensuite les contrechants de Brady et l'accompagnement d'Hono avec un vif intérêt. Bonne introduction à deux guitares dans la valse «Notre Histoire» (paroles de Claudio Favari). Deux guitares se répondent dans le solo sur la pompe d'accompagnement (re-recording de Brady, plus que possible car c'est le même style et son). Les instrumentaux remportent notre adhésion. Sur tempo très vif, «Fascinating Rhythm» s'impose dès l'introduction grâce à la pompe d'Hono puis c'est le feu d'artifice d'un solo de guitare magistral. Diego Imbert y donne un bon solo avec l'archet et le toucher très clair de Jung au piano est à goûter sans réserve. «I Remember April» alterne piano et guitare solo de belle façon soutenant ainsi notre intérêt. «A Little Love, a Little Kiss (un peu d'amour)» de Lao Silesu (1883-1953) a été enregistré en solo par Eddie Lang, puis en 1937 par la Quintette du HCF. Pas de piano ici, cette belle version est entièrement consacrée à la guitare de Brady Winterstein, 25 ans, qui pratique l'instrument depuis l'âge de 11 ans lorsqu'il est tombé sous le charme de Django dont il rend aujourd'hui fort bien la flamboyance. Influence classique dans l'introduction. Il est aussi l'auteur de «Dewis», thème introduit par le piano. Puis, la guitare chante le thème de cette superbe ballade. Bon solo pizzicato de Diego Imbert. Enfin «Jingle», thème-riff énoncé à l'unisson piano-guitare, est l'hommage, en rien incompatible, à Wes Montgomery. Swing des cordes pincées et frappées! Grande complicité de Jean-Yves Jung et Brady Winterstein sur la pompe infaillible d'Hono Winterstein.
Un bon disque.

Michel Laplace

© Jazz Hot 2019

Julian Costello Quartet
Transitions

Waves, Ducks, Corners, A Manic Episode, Tongue in Cheeck, Patience, Earworm, Buraki Ziemniaki, Mirage (intro), Mirage, Panettone, Walking Through the Jungle, Corners Reprise
Julian Costello (ts, ss), Maciek Pysz (eg, g), Yuri Gouloubev (b), Adam Teixeira (dm)
Enregistré du 6 au 8 avril 2017, Cavalicco (Italie)
Durée: 1h 00’ 13’’
33 Jazz Records 268 (www.33jazz.com)

Originaire du quartier de Chelsea, à Londres, Julian Costello est de cette génération d’adolescents britanniques marqués par le rock punk de la fin des années 1970. D’abord batteur amateur, il s’intéresse à Jimi Hendrix et à John Coltrane et finit par passer à la pratique du saxophone. Il engage par la suite des études musicales qui le mèneront à intégrer le big band universitaire de Bobby Lamb (tb). Au milieu des années 1990, après avoir sorti un premier album sous son nom, il se met en retrait de la scène pour se consacrer à l’enseignement. Il y reviendra quelques années plus tard.
Influencé par l’esthétique ECM (il a effectué cet enregistrement dans les studios du label Artesuono, dans la province d’Udine, qui se situe dans un esprit similaire), Julian Costello a formé en 2016 son quartet dont les membres viennent d’horizons divers: le guitariste Maciek Pysz est polonais, le contrebassiste Yuri Gouloubev russe et le batteur Adam Teixeira canadien. Si le disque s’ouvre avec un long solo crépusculaire de ténor («Waves»), pouvant évoquer l’une des influences majeures de Julian Costello, Jan Garbarek, la suite a heureusement plus de relief. Parmi les compositions du leader, certaines sortent du lot, comme «Earworm» où l’on peut apprécier son beau son de soprano, de même que le duo très réussi avec Maciek Pysz dont les interventions sont très poétiques. Le tout avec un soutien impeccable de la rythmique. Autre titre rompant avec la tonalité très intimiste du disque, un peu trop linéaire, «Walking Through the Jungle», où le swing se fait le plus ressentir et qui bénéficie lui aussi des développements Maciek Pysz, cette fois à la guitare électrique.Une formation intéressante et qui tourne régulièrement en France. A découvrir.

Jérôme Partage

© Jazz Hot 2019

Steeve Laffont Trio
Night in Corsica

Swing for Jess, I've Got Rhythm, Minute, Made in Perpignan, For Didier, Caravan, Over the Rainbow, Les Fenêtres de Moscou, Joseph Joseph, Yo se te voy a amar, Tchoumia Catalunya, Night in Corsica
Steeve Laffont (g), Rudy Rabuffetti (g), Costel Nitescu (vln), Guillaume Bouthié (b)
Enregistré à Perpignan, date non communiquée (prob. 2018)
Durée: 44’ 24”
Cristal Records 272 (Sony Music)

Steeve Laffont est du Midi (Perpignan), donc catalan avec une ascendance piémontaise et tzigane, et c’est un habitué des scènes du Sud-Ouest où il entretient avec simplicité, talent et conviction la tradition de Django. Il invite ici un bon violoniste, Costel Nitescu, avec lequel il a continué de partager la scène en 2019. Costel est un vrai virtuose de son instrument («Joseph Joseph»). Le disque rend d’ailleurs un hommage à Didier Lockwood, un autre virtuose disparu en 2018 avec un thème composé par Costel Nitescu. Le répertoire est bien équilibré entre quatre originaux et standards du jazz plus un thème de Vinicius de Moraes joliment tourné. On retrouve ce qui fait le charme de la tradition de Django, une musique sincère, populaire et chantante fondée sur les traditions conjuguées du jazz et des musiques tziganes. On entend évidemment cette fameuse pulsation swing entretenue par la guitare rythmique et ces envolées virtuoses des solistes, guitariste et violoniste dialoguant à leur aise sur la bonne assise rythmique fournie par Guillaume Bouthié et Rudy Rabuffetti, par ailleurs luthier à Pamiers (Ariège) et préparateur des guitares du groupe.
Un disque dans la tradition qui offre une petite heure de musique sans autre prétention que de participer à la grande histoire de la musique de Django, et c’est déjà beaucoup car ces musiciens en ont l’esprit. Steeve Laffont possède les codes de cette musique et propose un enregistrement qui en témoigne, par son jeu de guitare et par la complicité de cette formation.

Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

Stéphane Huchard Cultisons Trio
Off-Off Broadway

Without a Song, Just in Time, My Heart Belongs to Daddy, You Go to My Head, If I Should Lose You, It Could Happen to You, I Love You, Every Time We Say Goodbye, The Way You Look Tonight, So in Love, Darn That Dream, How Long Has This Been Going On, I Concentrate on You, My Foolish Heart
Stéphane Huchard (dm), Stéphane Guillaume (ts, as, ss), Thomas Bramerie (b)
Enregistré les 9 et 10 juin 2017, Renaison (42)
Durée: 1h 00’ 37’’
Jazz Eleven 11003 (www.jazzeleven.com)

On connaît bien l’excellent batteur Stéphane Huchard (55 ans), installé depuis longtemps dans le paysage jazz hexagonal. Passé par l’école de Dante Agostini, il a participé à de très nombreuses aventures, particulièrement dans la sphère du jazz dit «créatif» –de l’ONJ au Big Band Lumière de Laurent Cugny, de François Jeanneau à Andy Emler, de Stefano Di Battista à David Linx– mais aussi aux côtés de Romane, Stochelo Rosenberg ou Tana Maria. Quelques albums en leader, dont les deux premiers chez Blue Note (avec Pierre de Bethmann et Stéphane Guillaume), il y a déjà vingt ans, ont assis son caractère éclectique revendiqué, bien que toujours appuyé sur un groove très jazz. Déjà auteur, il y a plus de dix ans, d’un hommage intéressant à Art Blakey, mêlant percussions africaines et hard bop, il livre ici un disque de standards, Off-Off Broadway, soit un répertoire issu des grands compositeurs de la comédie musicale et de la musique populaire américaines (Cole Porter, George Gershwin, Jerome Kern…). Stéphane Huchard aborde ainsi le Great American Songbook de façon très personnelle, avec un trio sax-contrebasse-batterie où le lyrisme de Stéphane Guillaume répond à la volubilité rythmique du leader. Au demeurant, les standards, s’ils sont abordés de façon différente qu’ils le seraient par des musiciens de style middle jazz, sont traités avec respect, sans ironie. Stéphane Guillaume est ainsi étonnant au soprano sur «Without a Song», très néo-orléanais dans l’esprit, tout comme Stéphane Huchard qui développe ici un jeu très coloré. Suivent un bop nerveux avec «Just in Time» et une belle version de «My Heart Belongs to Daddy», servie par un ténor coltranien. Le reste est à l’avenant, oscillant entre free, bop et swing et porté par une rythmique ciselée.
Outre ses qualités proprement musicales, ce disque a de plus le mérite de rappeler qu’un musicien de jazz n’aime pas, à juste titre, être enfermé dans une esthétique précise qui le couperait de ses racines.

Jérôme Partage

© Jazz Hot 2019

Pat Thomas - Barbara Long
Jazz Patterns + Soul

Titres communiqués dans le livret
1-11: Pat Thomas (voc), Booker Little (tp), Curtis Fuller (tb), Roland Alexander (ts, fl), Teddy Charles (vib), Tommy Flanagan (p), Reggie Workman (b), Charli Persip (dm)
12-23: Barbara Long (voc), Billy Howell (tp, arr), Booker Ervin (ts), Nat Phipps (p), George Tucker (b), Al Harewood (dm)
Enregistré fin 1960, New York et 5-10 janvier 1961, Newark, NJ
Durée: 1h 08' 22''
Fresh Sound Records V114 (Socadisc)

Honi Gordon - Sue Childs
Sings + Introducing

Titres communiqués dans le livret
1-9: Honi Gordon (voc), Ken McIntyre (as, fl), Jaki Byard (p), Wally Richardson (g), George Duvivier (b), Ed Shaughnessy (dm)
10-19: Sue Childs (voc), Sherman Mitchell (tb), Tony Sotos (ts, bs, fl, ld), J.R. Montrose (ts-10, 14), Bill Pasquale (g), Bruce Anderson (b), Gaetan Caviola (dm), Gerry LaFurn (tp, arr)
Enregistré: 23 mars 1962, Englewood Cliffs, NJ, et 1964, Rock Island, IL
Durée: 1h 04' 38''
Fresh Sound Records V113 (Socadisc)

Fresh Sound a lancé une série, déjà riche, «The best voices time forgot» où l'on trouve quelques noms restés en mémoire (Mae Barnes, Barbara Long, Jane Harvey,...) et beaucoup d'oubliées. D'où vient ce cruel tri du temps? Chez les jazzfans du XX_^e siècle, le prénom suffisait à l'évocation: Bessie, Ella, Billie, Sarah, Dinah, Nina. Elles ont en commun une dimension expressive hors norme mais aussi une vraie personnalité qui les rendaient identifiables dès la première mesure. La règle vaut pour tous les genres: Edith Piaf est un exemple. Une œuvre pouvait même évoquer une interprète unique comme l'air «Casta Diva» de Norma (Bellini) qui impose le nom de Maria Callas... chez les gens ayant une culture musicale minimale. Bref, cette dimension, les chanteuses de ces rééditions ne l'ont pas. Ce qui ne veut pas dire que leurs disques ne valent rien.
Nous avons ici la réédition, y compris des textes de pochette, des albums Jazz Patterns de Pat Thomas (Strand SL 1015), Soul de Barbara Long (Savoy MG12161), Honi Gordon Sings (Prestige 7230) et Introducing Sue Childs (Studio 4 SS-200). Pat Thomas (1938-1992) a une sœur chanteuse, Mildred (pour Norman Simmons), et un frère, Earl Teddy, batteur (pour Dakota Staton et Carmen McRae). Si Ella Fitzgerald est la préférée de Pat, c'est l'influence de Sarah Vaughan que l'on entend ici («It Could Happen to You», «Star Eyes», «Sometimes I'm Happy»). Son album témoigne d'une certaine recherche en mettant en vedette un instrumentiste différent par titre: Roland Alexander au ténor («Mean to Me») et à la flûte («Blue Room»), Curtis Fuller («It Could Happen to You» et «Sometimes I'm Happy» pour le solo tandis que Booker Little, avec sourdine, y donne sa seule contribution pour l'énoncé du thème et un contrechant), Teddy Charles («Almost Like Being in Love», «Star Eyes», le court «Stella by Starlight»). Elle multiplie les formules comme «My One and Only Love» en duo avec Kenny Burrell, ou au sein d'un titre tel «I Didn't Know What Time It Was» des passages en duo (avec Reggie Workman, puis avec Tommy Flanagan) et en trio (avec Flanagan et Burrell). Ce qui rend cette lecture des standards très agréable. Il n'y a que dans «Strike Up the Band» où est mis en valeur Charli Persip, un grand batteur que révéla le big band de Dizzy Gillespie.
Barbara Long (1932) débute son album en up tempo sur «The Trolley Song» qui révèle le plus oublié encore Billy Howell et confirme le solide Booker Ervin resté un nom familier. Elle se calme avec «Gee Baby» où elle fait preuve d'expressivité qui, de plus, ne doit rien à Billie ou Sarah (la partie de basse de George Tucker et les balais d'Al Harewood, qui nous sont familiers, sont parfaits). Au plus, une vague influence de Sarah Vaughan se remarque à la tournure d'une phrase dans «Serenade». Outre une personnalité de style, Barbara Long sait swinguer comme dans «When You're Smiling» (solos de Billy Howell qui fait le complexe Clifford Brown et d'un Booker Ervin digne de sa collaboration avec Charlie Mingus). Les arrangements de Billy Howell sont convenus mais bons («Call Me Darling»). Le toucher de Nat Phipps (1931) fait merveille notamment dans «Where Is Lonesome» (contrechants d'Howell avec sourdine dignes de Brownie). Au total un album très plaisant qui fait aussi découvrir un disciple de Clifford Brown, Billy Howell qui est ici plus en vedette que Booker Ervin («Green Dolphin' Street», «You Don't Know What Love Is»).
Honi Gordon bénéficie du travail de son père, George Gordon, qui lui a écrit des passages qui simulent l'improvisation («Strollin'», «My Kokomo»). Mais dès les premières notes chantées par Honi Gordon sur «Strollin'» de Mingus, on est en présence d'une imitatrice de Sarah Vaughan. L'intérêt vient alors du remarquable solo de Jaki Byard qui s'appuie sur les superbes lignes de basse de George Duvivier et sur le travail efficace d'Ed Shaughnessy et de Wally Richardson (qui enregistrera chez Prestige pour Willis Jackson, Illinois Jacquet). Wally Richardson prend un bon solo dans «My Kokomo» et «Love Affair». Ken McIntyre qui n'intervient pas dans tous les titres prend un solo d'alto dans «Walkin' Out the Door» de Mary Lou Williams qui balance bien, sinon il joue de la flûte (solos dans «I’ll Wind» et «Love Affair»). Jaki Byard est en valeur dans «Why Try to Change Me Now?» et dans des introductions comme pour «Why».
Sue Childs originaire de Flint, nous présente une vedette locale Sherman Mitchell (1930-2013), tromboniste qui a joué pour Dizzy Gillespie et J.C. Heard. Certaines chanteuses euro-américaines, comme Mildred Bailey, Lee Wiley, June Christy, Julie London, etc. n'ont évité l'oubli que grâce à une originalité expressive (les rangs étant encombrés, aujourd'hui encore). Sue Childs ne manque pas de personnalité. On ne trouve aucune trace de Sarah, tout au plus un peu d'Ella («Out of Nowhere»). Elle bénéficie d'arrangements originaux signés Gerry LaFurn qui a travaillé pour Stan Kenton, Woody Herman et Buddy Rich. «Honeysuckle Rose» débute par «Scrapple From the Apple» et offre de bons solos de Tony Sotos (ts, connu dans le rock’n’roll), Mitchell (virtuose) et, à la trompette, non signalé nulle part, Gerry LaFurn (que l'on retrouve sur cet instrument dans «All or Nothing at All», «You'd Be So Nice», «You Make Me Feel So Young», «Lonesome Road»). Sotos intervient au baryton dans «You'll Never Know», «You Make Me Feel So Young» et en alternance avec J.R. Montrose dans «You'd Be So Nice». Montrose intervient aussi, sans solo, dans «All or Nothing at All». «Lollipops n' Roses» est un duo voix-guitare. Une découverte pour beaucoup.

Michel Laplace

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Thomas Bramerie Trio
Side Stories

Pichot Bebei, Played Twice, Here*, Yeinou? Now**, Side Stories**, All Alone*, Un jour tu verras°, Chantez, Emile, Work Song, Salut D'amour, Troç De Vida°, Avec le temps
Thomas Bramerie (b), Carl-Henri Morisset (p), Elie-Martin Charrière (dm) + Eric Legnini (elp)*, Jacky Terrasson (p)**, Stéphane Belmondo (tp, flh)°
Enregistré du 8 au 14 janvier 2018, Pompignan (82)
Durée: 56' 30''
Jazz Eleven 11002 (www.jazzeleven.com)

Voilà le beau projet d'un musicien qui arrive à maturité artistique après une carrière de sideman commencé à la fin des années 1980. Un premier album en leader pour Thomas Bramerie démontrant la personnalité singulière de ce contrebassiste qui a toujours su mettre en valeur les solistes qu'il a accompagnés. Né en 1965 à Bergerac, Thomas Bramerie est un enfant de la rade, lui qui a étudié avec le guitariste Tony Petrucciani, et fréquente la scène de Toulon comme les frères Belmondo. En parallèle, il débute une carrière de sideman en participant à des tournées de prestigieux solistes tels Peter King, Ted Nash, Bobby Porcelli ou des concerts auprès de Chet Baker, Johnny Griffin, Barney Wilen et Steve Grossman. En 1992, il forme la célèbre rythmique du club de la capitale, au club La Villa, avec son ami pianiste Olivier Hutman et les batteurs Sangoma Everett et George Brown. Une véritable école qui lui fait partager la scène avec une part de la mémoire du jazz, celle qui se transmet sur scène par les aînés qu'il côtoie à l'image de Frank Wess, Benny Golson, James Moody, Clifford Jordan ou Tom Harrell. Une expérience de vie qui lui permettra de se forger une personnalité riche tout en cultivant son rôle de musicien pour musicien un peu comme son aîné Riccardo Del Fra. Les années qui suivent sont celles de la confirmation de son talent. Il devient membre de diverses formations, comme le trio de Laurent de Wilde ou de la chanteuse Michelle Hendricks, tout en prolongeant ses rencontres d'un soir avec des leaders d'exception. On se souvient de ses concerts avec Tommy Flanagan, Clark Terry ou de celui enregistré à La Villa en compagnie de Teddy Edwards en 1993 avec Alain Jean-Marie et Christian Escoudé. Son long séjour à New York à la fin des années 1990 est pour lui l'occasion d'assoir un peu plus son rôle de sideman en s'imprégnant de ses rencontres multiples.
Pour son premier opus, il revisite une formule du trio qu'il connaît bien avec deux jeunes musiciens prometteurs sortis du CNSM: le pianiste Carl-Henri Morisset et le batteur Elie-Martin Charrière. D'emblée, sur «Pichot Bebei», il exécute une superbe walking bass pleine de maîtrise avec une sonorité ronde, puissante et boisée dans l'esprit de l’école Ray Brown. «Played Twice» prolonge la pièce précédente dans un bop monkien débordant de swing. La contrebasse, bien qu'étant au premier plan lors des nombreux échanges, ne tire pas la couverture à elle et s'inscrit dans un projet global tout en insistant sur l’aspect mélodique et rythmique de l'instrument. Les invités sont mis en lumière notamment le piano de Jacky Terrasson véritable sculpteur d'espace évoquant le meilleur d'Ahmad Jamal ou le lyrisme et la belle sonorité de Stéphane Belmondo sur «Side Story» le titre de l'album. Le trompettiste est toujours un amoureux de la mélodie et nous le démontre sur «Un jour tu verras», immortalisé par Mouloudji. L'autre invité est Eric Legnini au Fender Rhodes sur «All Alone», sorte de marche funky au groove léger et swinguant. Ce premier album est une réussite sur le plan musical et sur celui des mots associés aux notes de pochettes car chaque thème s'accompagne d'un texte qui présente la vision du jazz du leader et une réflexion sur la société contemporaine.

David Bouzaclou

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Leroy Lee Lovett
Jazz Dance Party / Lee+3

Titres communiqués dans le livret
Leroy Lee Lovett (p, arr), Bob Brown (ts, as, bs), Sam Reed, Kent Pope (as, cl), Al Hall (b), Butch Ballard (dm)
Enregistré en 1959, Philadelphie, PA
Durée: 1h 00' 05''
Fresh Sound Records 981 (Socadisc)

Fresh Sound réédite les oubliés de l'histoire (du jazz) comme Bill Jennings, J.C. Heard, Lorez Alexandria, etc. Nous ne nous en plaignons pas, car nous estimons que cette histoire a été mal traitée, et les lauriers distribués avec approximation (à une poignée d'incontournables près). Mais qui achètera une réédition de Leroy Lovett en 2019? Le pianiste-compositeur-arrangeur Leroy Lovett (1919-2013) n'a publié que deux albums sous son nom, Jazz Dance Party (Wynne WYB37) et Lee+3(Wynne WYB44) que voici. Il y a aussi un EP Atlantic 1058 réalisé à New York le 15 mars 1955 qui n'aurait pas été de trop pour compléter ce travail. L'indispensabilité vaut pour Bob Brown qui intervient en soliste dans 8 titres en big band et 4 de ceux en combo. Ce Bob Brown avait éveillé notre intérêt dans le LP In Atlantic City (face B, RCA 730702) de Johnny Hodges-Wild Bill Davis avec Lawrence Brown (1966) au point que son souvenir l’a écarté de l’oubli dans un cerveau vieillissant. De très loin, il est ici le soliste le plus intéressant. Lovett né à Germantown, Pennsylvanie, a formé son propre orchestre à Philadelphie. Il a aidé Cat Anderson, Mercer Ellington et Johnny Hodges à monter des orchestres avant de se lancer dans l'édition musicale (1952).
Vers 1958, il est retourné à Philadelphie pour former ce big band de 13 musiciens qui a réalisé le premier album (tous les titres sauf deux sont des compostions de Lovett). La Jazz Discographyde Walter Bruyninckx n'est d'aucun secours pour l'identité des trois trompettes, deux trombones et le tuba. Nous sont bien connus Al Hall (1915-1988), bassiste pour Teddy Wilson et Mary Lou Williams, et Butch Ballard (1918-2011), batteur pour Count Basie et Duke Ellington. Leroy Lovett est un compositeur efficace parce qu'il ne cherche pas la complication. «Bright Feeling» est un thème simple exposé par les sax avec réponse de cuivres. Le clarinette solo (Kent Pope) a un son droit sans vibrato (il prend tous les solos de clarinette dans cette séance). Bob Brown frappe par l'épaisseur de sa sonorité. Caractéristique confirmée dans «Blob's Burning» l'inscrivant dans les suiveurs de Coleman Hawkins. Ce morceau est introduit en trio rythmique par Lovett à la manière de Duke Ellington (ce qui est aussi le cas pour «True Blues From Philly»). Les solos de trompette (mauvaise sonorité) et trombone sont moyens (d'où l'anonymat?). C'est Bob Brown qui joue au ténor la ballade, «Brown in Blue», avec lyrisme et un son digne de Sam «The Man» Taylor. Très bon. Il est un hargneux au swing intense dans «Relax-A-Tradition» où on entend aussi un alto (Sam Reed qui passera 12 ans dans l'Uptown Theater du Nord de Philadelphie), le même trompette (phrasé bop) et des breaks de Ballard. Alternative pas mal entre Sam Reed et Bob Brown dans «What's Buzzin'». Nous pensons que c'est Bob Brown l'alto solo (entre Johnny Hodges et Marshall Royal) vedette de «You Are too Beautiful» (il joue aussi le lead alto pour le passage en section de sax). Après une introduction de Lovett à la Duke, l'orchestre joue «I Like Dat» dans le style Basie (solos d'un autre trompette plus classique, de Pope, cl, et Bob Brown, ts). Le dialogue entre piano et orchestre dans la ballade «I've Grown Accustomed to Your Face» est un peu à l'eau de rose. Enfin on retrouve Bob Brown, en trompettiste médiocre, et des breaks de Butch Ballard dans «True Blues from Philly». On passe ensuite à l'album en combo où Ballard est plus en évidence. Bob Brown joue de l'alto (influence Hodges) dans «Angel Eyes», mais aussi de façon bien différente dans «A.B.C. Hop» dont il est l'auteur: beaucoup plus parkérien avec un passage accompagné par basse-batterie sans piano (le solo avec block chords de Lovett n'est pas mal). Contrairement à ce qui est indiqué, Bob Brown ne joue pas de l'alto dans «My Funny Valentine» mais du ténor. Certes l'exposé du thème (avec léger vibrato) dans l'aigu peut tromper (belle technique!) mais il retrouve ensuite la nature du ténor. Son déboulé au ténor dans «Plum Street» est impressionnant. Il prend un solo (une fois encore sans piano) très intense et sa virile coda est digne d'un Arnett Cobb. Un crooner intervient dans «Judaline» en hommage sans doute à Nat King Cole. Les autres titres sont du piano bar qui ne ferait pas de mal à une mouche (de la belle variété, paisible). Vive Bob Brown!

Michel Laplace

© Jazz Hot 2019

Riccardo Del Fra
Moving People

Moving People, Ressac, The Sea Behind, Children Walking (Through a Minefield), Around the Fire, Ephemeral Refractions, Wind on an Open Book II, Street Scenes, Moving People – Epilogue, Cieli Sereni, Let's Call This Evidence (+ titre bonus, uniquement en digital)
Riccardo Del Fra (b), Kurt Rosenwinkel (g), Jan Prax (as, ss), Tomasz Dabrowski (tp), Rémi Fox (ss, bs), Carl-Henri Morisset (p), Jason Brown (dm)
Enregistré en mai, juin et juillet 2018, Pernes-Les-Fontaines (84)
Durée: 52' 52''
Cristal Records 276 (Sony Music)

Moving People est un projet ambitieux autour des peuples en mouvement, d'une géopolitique incertaine et vulnérable. Un véritable manifeste pour une prise de conscience autour d'une dizaine de compositions du contrebassiste italien Riccardo Del Fra. Né à Rome en 1956, cet amoureux de la belle note est associé à sa rencontre avec Chet Baker en 1979 qui sera déterminant dans son approche de la musique et qu’il célèbre dans trois de ses disques précédents: A Slip of Your Touch, Chet My Song et Chet Visions. Une collaboration qui dura neuf ans mais qui ne l'empêcha pas de travailler dans différents contextes, d'Art Farmer à Paul Motian, en passant par Dave Liebman et Bob Brookmeyer. Une activité de sideman prolongée par la création d'une superbe rythmique pour le club de jazz parisien Le Dreher avec le regretté Al Levitt (dm), accompagnant les solistes de passages tels Sonny Stitt, Clifford Jordan ou Horace Parlan. Son apport dans les quartet de Barney Willen et Johnny Griffin dans les années 1980 et 1990 n'est pasnon plus négligeable tant ses lignes de basse d'une grande clarté, toujours équilibrés, et son sens raffiné du swing en font un partenaire recherché.
Pour ce Moving People, il s'est entouré d'un septet international où l'on retrouve le guitariste américain Kurt Rozenwinkel dans un registre qu'on lui connaît avec une complexité harmonique doublée d’une grande musicalité. Les thèmes évoquent l'actualité des migrants cherchant une nouvelle vie tout en laissant derrière eux une part d'eux-mêmes, entre espoir et résignation face à l'indifférence. «Ressac» est tout aussi explicite dans son approche violente rappelant cet enfant mort sur une plage où «Children Walking (Through a Minefield)» sorte de musique joyeuse et dynamique qui finit sur une explosion de violence prolongée par une citation du 3_^e mouvement de la 6_^e Symphonie de Beethoven telle une interrogation faite à l'Europe. Toutes les émotions sont retranscrites dans les compositions de Riccardo Del Fra, le tout avec une grande cohésion des musiciens avec des effets de masse pour les pièces en septet. L'écriture est toujours d'une grande musicalité sans virtuosité gratuite. Les climats varient à l'intérieur même de chaque thème, tant sur le plan rythmique qu'harmonique. Une façon de surprendre l'auditeur au détour d'une phrase avec toujours cette élégance dans ses chorus et cet art de prolonger la note avec lyrisme. On retiendra l'excellente assise rythmique amenée par la justesse de Jason Brown et les interventions du leader. De la belle musique dont le jazz n'est qu'un élément parmi d'autres.

David Bouzaclou

© Jazz Hot 2019

Lyn Stanley
The Moonlight Sessions. Volume One

All or Nothing at All**, Willow Weep fo Me°, Moonlight Serenade**, My Funny Valentine*, Embreceable You°, Why Don’t You Do Right?, Girl Talk*, Crazy*, Close Your Eyes*, How Intensive°, Break It to Me Gently*, In the Wee Small Hours

Lyn Stanley (voc), Chuck Findley (tp), John Chiodini (g), Mike Garson*, Christian Jacob**, Tamir Hendelman° (p), Chuck Berghofer (b), Luis Conte, (perc), reste du personnel détaillé dans le livret

Enregistré en 2017, Hollywood, CA

Durée: 50’ 56’’

A.T. Music LLC 3105 (lynstanley.com)

Lyn Stanley
The Moonlight Sessions. Volume Two

Makin’ Whoopie, The Very Thought of You**°°, That Old Feeling*°°, The Summer Knows**°°, Over the Rainbow**°°, How Deep Is the Ocean? *°°, Angel Eyes*°°, At Seventeen*°°, You’ve Changed*°°, Smile**°°, How Insensitive°, Love Me or Leave Me**, Since I Fell for You*°°, I’ll Be Seing You°°

Lyn Stanley (voc), Chuck Findley (tp), John Chiodini (g), Mike Garson*, Christian Jacob**, Tamir Hendelman° (p), Chuck Berghofer (b), Luis Conte, (perc) + Budapest Scoring Symphonic Orchestra (strings)°°, reste du personnel détaillé dans le livret
Enregistré entre février et mai 2017, Hollywood, CA

Durée: 58’ 17’’

A.T. Music LLC 3106 (lynstanley.com)

Lyn Stanley
London Calling. A Toast to Julie London

Durée: 58’ 17’’

A.T. Music LLC 3107 (lynstanley.com)

Lyn Stanley
London With a Twist. Live at Bernie's

Route 66, Pink Cadillac, Lover Man, Blue Moon, Let There Be You, You Never Can Tell, Goody Goody, Love Letters, Bye Bye Blackbird, I’ve Got You Under My Skin, Body and Soul, In the Still of the Night

Lyn Stanley (voc), John Chiodini (g), Otmaro Ruiz, Mike Lang (p), Chuck Berghofer (b), Aaron Serfaty (dm), Luis Conte (perc)

Enregistré les 19 et 20 janvier 2019, Hollywood, CA

Durée: 44’ 19’’

A.T. Music LLC 3108 (lynstanley.com)

Originaire de Tacoma (près de Seattle, WA) mais active dans la région de Los Angeles, la chanteuse Lyn Stanley évoque assez le style de son modèle, Julie London (à laquelle sont consacrés deux des disques traités ici). Elle a débuté son parcours musical tardivement, à l’issue d’une carrière dans la publicité et le marketing durant laquelle elle a, à l’évidence, acquis des compétences dont elle sait user pour se promouvoir, ainsi que des moyens non négligeables vu la bonne réalisation de ces autoproductions (nombre élevé de musiciens sur chaque disque, présentation des livrets, etc.). Réalisant un rêve de jeunesse, Lyn Stanley a ainsi commencé à prendre des cours de chant en 2010. Semble-t-il à la même période, elle est repérée par Paul Smith (1922-2013), connu pour avoir été le pianiste d’Ella Fitzgerald. Il devient son mentor et, quelques mois seulement après leur rencontre, la fait monter sur scène avec son trio. Lancée dans sa nouvelle vie, Lyn Stanley sort en 2013 un premier disque, Lost in Romance, qu’elle produit avec son propre label, A.T. Music, et auquel participe un batteur qui n’est pas des moindres: Jeff Hamilton. Les albums depuis s’enchaînent (Potions, 2014, Interludes, 2015), avec succès, jusqu’aux quatre derniers que nous découvrons ici, gravés entre 2017 et 2019.

The Moonlight Sessions, volumes 1 et 2, ont très probablement été conçus en même temps ou à la suite, les mêmes musiciens étant présents (une quinzaine, dont trois pianistes et trois batteurs!) sur les deux disques. Au programme, de beaux standards bien interprétés. Lyn Stanley possède un joli timbre clair et chaleureux, doté d’une sensualité certaine. L’accompagnement est impeccable. On regrette simplement que le livret, pour le Volume 1, ne précise pas la formation sur chacun des morceaux (on a toutefois le détail des pianistes si on lit le CD sur un ordinateur). Mais puisqu’il n’y a qu’un trompettiste, on sait que c’est Chuck Findley qui introduit et conclut «All or Nothing at All» en citant la Rhapsodie in Blue de George Gershwin. A signaler en particulier, un beau duo piano-voix sur «My Funny Valentine» avec Mike Garson, tout en sobriété, une version très swing de «Why Don’t You Do Right?» adroitement soutenue par le guitariste John Chiodini et le bassiste Chuck Berghofer, (présents sur les quatre albums) ou encore «Crazy» enluminé tant par le jeu ici très blues de Mike Garson que par les couleurs des cuivres. S’il y avait un disque de Lyn Stanley à distinguer dans les quatre de cette chronique, ce devrait être celui-là.

The Moonlight Sessions. Volume Two, malgré un personnel identique (ici détaillé dans le livret) est plus «hollywoodien» avec l’ajout d’un ensemble de cordes, le Budapest Scoring Symphonic Orchestra (présent sur presque tous les titres), d’ailleurs spécialisé dans l’enregistrement de musiques de film et de séries télévisées. Le résultat reste de bonne facture et plaisant à l’écoute, notamment «How Deep Is the Ocean?» avec encore un bon accompagnement de Mike Garson. Trois titres se passent des cordes: «Makin’ Whoopie» (réussi, avec harmonica et guitare), «Love Me or Leave Me» (très jazz) et «How Intensive» (dont l’ordre des plages est inversé sur le CD et le livret avec «Love Me or Leave Me»). Ce dernier est un standard d’Antonio Carlos Jobim, adapté du «Prélude Op. 28 n°4» de Frédéric Chopin, longuement introduit (1’52’’) en piano solo par Tamir Hendelman, suivi de la guitare de John Chiodini, dans une expression relevant de la musique classique, avant de glisser progressivement vers la bossa nova en compagnie de Lyn Stanley.

Sur London Calling. A Toast to Julie London, l’orchestre est une petite formation; on retrouve les principaux acteurs des deux premiers opus, notamment les excellents John Chiodini (accompagnateur et musicien de studio expérimenté), Mike Garson (1945, une double carrière jazz et rock auprès de David Bowie, Anne Peacock, Stanley Clarke…) et Chuck Berghofer (1937) qui fut membre du trio de Bobby Troup (p), mari de Julie London, et accompagna donc l’idole de Lyn Stanley. Cet hommage, sobre et de bon goût (subtilité des arrangements), renoue avec les qualités de The Moonlight Sessions. Volume One. Sur un livret de 20 pages (richement illustré de photos «glamour» de Mrs. Stanley), l’histoire de chacune des chansons choisies est précisée, dont son rapport avec Julie London. Les titres les plus réussis sont «Goody Goody» (où John Chiodini et Mike Garson sont swingissimes), «Bye Bye Blackbird» (dans un duo feutré avec Chuck Berghofer) et deux belles versions de «Summertime»: l’une en sextet, bien chaloupée, l’autre, en duo avec Mike Garson, plus intimiste.

L’évocation de Julie London se poursuit avec London With a Twist. Live at Bernie’s. Le livret insiste sur la méthode d’enregistrement de ce CD «direct to disc» censée donner un rendu brut de la performance live, sans les applaudissements… On reste sur la lancée du précédent disque, avec les fidèles John Chiodini et Chuck Berghofer mais deux nouveaux pianistes: Otmaro Ruiz et Mike Lang (dont la présence n’est pas toujours signalée). Dans ce quatrième album, on trouve plaisir à écouter un bon «Route 66» (composition que l’on doit à Bobby Troup «mais que Julie London n’aurait jamais chantée») de même que «I’ve Got You Under My Skin» à retenir au moins pour le solo de John Chiodini. Lyn Staney donne un travail très soigné et élaboré ne manquant pas d'âme, marquée par un goût évident pour la manière de Julie London et le song book américain. C'est un pan entier de la culture américaine, dont les Bing Crosby, Frank Sinatra, Julie London sont les grands jalons, une grande et bonne variété américaine durablement marquée par le jazz.

Jérôme Partage

© Jazz Hot 2019

David & Danino Weiss Quartett
Violets for Your Furs

Why, Bavaria on Mind of Brazil, Dancing in the Dark, Ready Know That You Are, Violets for Your Furs, Elia, My Special Moment in Emotion, Chez moi, You're Mine You, Without Words
David Weiss (acc), Danino Weiss (p), Alexander Haas (b), Guido May (dm) + Giovanni Weiss (g), Jeffrey Weiss (b), Bernd Reiter (dm), Biboul Darouiche (perc)
Date et lieu d’enregistrement non précisés
Durée: 44'54''
GLM/Edition Collage 582-2 (www.glm.de)

Le label GLM de Munich sort le premier album sous leur nom de David et Danino Weiss, neveux de Traubell Weiss, guitariste, chef d'orchestre et leur initiateur. Ceux qui connaissent et aiment les accordéonistes Art Van Damme et Frédéric Schlick trouveront sans doute plaisir à l'écoute de ce disque. Danino Weiss est un pianiste au son clair qui charge un peu en notes comme le «Why» de Michel Petrucciani (bizarrement orthographié sur le livret) nous le présente d'emblée alors qu'à l'inverse le jeu de David Weiss est plus sobre. «Bavaria in Mind of Brazil» signé Danino Weiss est de l'agréable musique de variété où David Weiss prend un bon solo plus dynamique que dans le titre d'ouverture. Le swing intervient, mais pas grâce à Guido May, dans «Dancing in the Dark» où Danino Weiss imite Erroll Garner (les lignes de basse et le solo d'Alexander Haas ne sont pas mal). Le solo de David Weiss est hélas un peu brouillon. On est loin des Gus Viseur, Tony Murena et même Gorni Kramer. Giovanni Weiss, disciple de Django, anime «Ready Know That You Are» où Danino swingue, mais son propos n'est pas clair. Il ne manque pas de virtuosité comme l'indique l'introduction à «Violets For Your Furs», mais ça n'a rien à voir avec la cohérence de l'improvisation. Dans cette ballade, David Weiss parvient à un sommet de lourdeur. Danino Weiss est l'auteur d'«Elia», jolie musique sur rythmes latins; le solo de guitare de Giovanni Weiss (né à Hambourg, 1980) y est d'un bon niveau. C'est dans son propre thème «My Special Moment in Emotion» que David Weiss est le plus convaincant, sous l'ombre non comparable de Richard Galliano. Le «Chez Moi» de Paul Misraki fut popularisé par Lucienne Boyer: les quatre Weiss s'en sortent bien, surtout le guitariste. Chet Baker avait donné une version en duo avec Kenny Burrell de «You're Mine, You», pour ne rien dire de celle de Sarah Vaughan avec Quincy Jones (1962). On pouvait craindre la comparaison, mais les quatre Weiss s'en sortent dans cette ballade qui exige surtout du feeling (qu'ils confondent un peu avec de la «sentimentalité»). Bernd Reiter remplace Guido May dans «Without Words» qui ne gagne pas en légèreté. Ceci étant dit, les Weiss peuvent faire passer un bon moment en Off d'un festival et les auditeurs achèteront ce CD en souvenir.

Michel Laplace

© Jazz Hot 2019

Olinka Mitroshina / Georges Guy
Gershwin's Bues

Backwater Blues, Fascinating Rhythm, Good Morning Blues Remix°, My Man’s Gone Now, Blues Stay Away From Me, Bessie’s Mood**, I Got Rhythm, Somebody Loves Me, Green River Song°, I Got Rhythm ver.2*, But Not for Me, Nice Work if You Can Get It, It Ain’t Necessary So, Bess You Is My Woman Now, Hear Me Talkin’ to Ya
Olinka Mitroshina (p, voc), Georges Guy (g), Serge Hessler (tp), Marine Thibault (fl, voc, electronics)°, Pascal Pitone (p)*, Thescam (electronics)**
Date et lieu d’enregistrement non précisés
Durée: 1h 10’ 27’’
Disques Dom 1257 (Disques Dom)

Olinka Mitroshina se produit chaque semaine, en solo, dans des bistrots du Quartier Latin et de Montmartre. On peut aussi l’entendre régulièrement en club (Marcounet, Café Laurent…) en duo avec le contrebassiste Alexei Derevitsky. La pianiste-chanteuse est originaire de Lettonie (de culture russe), où elle a reçu une solide éducation musicale classique. Arrivée en France en 1999, elle vit à Paris depuis 2012. Qu’elle consacre son premier album (sorti il y a déjà quelques temps) à l’œuvre de George Gershwin (Jazz Hot Spécial 99’) –dont la famille était originaire de Saint-Pétersbourg– fait donc sens. Le «Nouveau Monde» musical, original, qu’il a fait naître étant forcément inspirant pour une musicienne avec le parcours d’Olinka Mitroshina. En outre, la jeune femme aborde Gershwin avec une dimension blues, très personnelle, qui donne tout son intérêt à sa démarche, également ouverte sur d’autres univers esthétiques (pour le meilleur mais parfois aussi au risque d’une dispersion qui lui fait perdre un peu de sa profondeur).
Enregistré avec un complice de longue date, le guitariste alsacien Georges Guy (la plupart des titres sont en duo), ce Gershwin’s Blues capte l’attention dès le premier morceau: «Backwater Blues» de Bessie Smith, où l’on est saisi par le timbre blues d’Olinka, dont la voix semble surgir des plaines du Mississippi, bien éloignées pourtant des rives de la mer Baltique! L’accompagnement au piano témoigne lui-aussi d’un langage jazz-blues assimilé. Et de la même façon, la guitare très blues de Georges Guy fonctionne à merveille sur «Fascinating Rhythm». La plupart des autres morceaux, dans le même esprit, se savourent avec un plaisir comparable. Au registre des curiosités, notons deux versions de «I Got Rhythm», avec des traitements très différents: la première sur tempo lent en duo avec la guitare bluesy, la seconde valant pour les beaux arrangements de piano de Pascal Pistone qui donne de superbes variations entre musique classique et ragtime. Deux titres, «Good Morning Blues Remix» et «Bessie’s Mood», sont moins convaincants.
Olinka Mitroshina est une personnalité à découvrir.

Jérôme Partage

© Jazz Hot 2019

Pierre Christophe / Joel Frahm / Joe Martin
Live at Smalls

Just Rollin’ Along, D.D.L.J., Valparaiso, Aluminum Baby, African Beauty, Flirtibird, Softly, William, Softly

Pierre Christophe (p), Joel Frahm (ts), Joe Martin (b)

Enregistré le 22 août 2018, New York

Durée: 56’ 23”

Camille Productions 062019 (Socadisc)

Retour à New York pour Pierre Christophe sur les traces du Maître avec lequel il a approfondi l’univers du jazz, Jaki Byard, dont trois compositions sont reprises ici, notamment celle qui ouvre le disque, un blues-spiritual. C’est un enregistrement en live, dans le bon club new-yorkais, le Smalls, dirigé par le pianiste Spike Wilner. L’absence de texte (liner notes) nous empêche de connaître, dans le détail, les circonstances de cette bonne rencontre sans batteur, en août 2018 à New York, entre trois musiciens déjà confirmés. La musique fait plus penser en effet à une rencontre qu’à un trio avec leader, même si la promotion du disque évoque davantage Pierre Christophe que ses compagnons du jour. Mais le disque lui-même fait des trois musiciens les coleaders de cet enregistrement, dans sa présentation autant que dans la musique enregistrée. Chacun des musiciens a beaucoup de place pour s’exprimer, et si l’on retrouve tout le brillant du jeu de Pierre Christophe, proche souvent de Jaki Byard («D.D.L.J.»), ainsi que deux de ses thèmes, Joel Frahm et Joe Martin sont plus que des sidemen de circonstance, apportant à l’ensemble leurs couleurs et leurs inspirations.
C’est un disque en live, avec cette qualité d’énergie qui distingue les rencontres avec le public, très proche ici.
On présente Joel Frahm, pas très connu en France: il est né en 1969 dans le Wisconsin, à Racine, où il commence à étudier le ténor avant que sa famille migre dans le Connecticut. A la High School, il croise la route de Brad Mehldau avec qui il partage quelques concerts localement. Il poursuit ses études à Rutgers University et à la Manhattan School of Music, intégrant le Betty Carter’s Jazz Ahead Workshop. Il liste dans ses influences John Coltrane, Stan Getz et Chris Potter, et nous entendons sur ce disque un ténor bop assez classique et de bon niveau. Le bassiste, Joe Martin, est né en 1970 à Kansas City, a construit une belle discographie en sideman et trois albums en leader. Il a accompagné Andy Bey, Bill Charlap, Billy Drummond, Art Farmer, Aaron Goldberg, Brad Mehldau, Mark Turner et d’autres artistes confirmés de la scène du jazz, ce qui atteste autant de ses qualités que de sa capacité d'adaptation à des contextes variés. Il a beaucoup de facilité sur son instrument comme en témoigne les nombreux chorus qu’il prend ici, avec un son rond et précis.
On connaît mieux en France Pierre Christophe, et s’il fait preuve de ses belles fulgurances transmises par Jaki Byard, sa culture jazz très étendue lui permet de faire de cette rencontre un moment de jazz dans un registre moins personnel qu'à l'ordinaire, mais plus étendu sur le plan stylistique, car il a l’intelligence de tenir compte de ses compagnons, et de les suivre y compris en dehors de ses sentiers habituels. Un bon enregistrement en live.

Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

Raul De Souza
Blue Voyage

Vila Mariana, St. Martin, Blue Voyage, Primavera Em Paris, Chegada, Bolero à Chamonix, To My Brother Sonny, Night in Bangalore
Raul De Souza (btb, ts), Leo Montana* (p, 1-4,7,8), Alex Correa (p, 5,6), Glauco Sölter (eb), Mauro Martins (dm)
Enregistré du 20 au 23 mars 2017, Chamonix (74)
Durée: 43’ 49”
Selo Sesc 0119/18 (www.sescsp.org.br)

Nous avons raconté le beau concert qu’a donné Raul De Souza, un excellent tromboniste (trombone basse) lors de son passage à Jazz in Langourla en cet été 2019. C’est sensiblement avec la même formation qu’il a enregistré cet opus en 2017 à la Maison des Artistes de Chamonix, à savoir les bons Leo Montana, Glauco Sölter et Mauro Martins, plus un invité sur deux thèmes, Alex Correa. Il fêtait à l’occasion de ce disque 60 ans d’une belle carrière qui l’a vu côtoyer le jazz américain en Amérique, Sonny Rollins en particulier dont il resté un ami et à qui il dédicace un thème ici (il a enregistré en 1975 pour Sonny Rollins sur Nucleus, Milestone), mais aussi Ron Carter, Cal Tjader (Amazonas), Airto Moreira, George Duke, Gonzalo Rubalcaba, Azar Lawrence (Solstice)… Sous son nom, il a enregistré une vingtaine de disques dont Colors (avec Cannonball Adderley, Sahib Shihab, Oscar Brashear, Richard Davis, Jack DeJohnette…), Sweet Lucy (avec Freddie Hubbard, Airto Moreira…). Raul De Souza a aussi fait le tour du monde, de la France, une autre patrie pour lui, jusqu’en Chine en 2019, pour porter sa synthèse du jazz marquée par une belle musicalité toute brésilienne, faisant chanter et danser son gros trombone avec la légèreté et la suavité de l’accent brésilien. Dans son pays, il est évidemment la légende vivante de son instrument, et s’il a beaucoup voyagé, il n’a jamais vraiment quitté son pays dans lequel il séjourne une partie de l’année.
Toutes les compositions sont de Raul, très mélodiques, elles mêmes imprégnées de cette âme du grand pays d’Amérique du Sud («Chegada»), pleine d’une douceur poétique et d’une forme de nostalgie («To My Brother Sonny»), alternant avec des rythmes riches pleins de joie, bien que dans leur développement et dans l’esprit (l’improvisation), elles appartiennent aussi au jazz. C’est très savant, et le beau son de ce grand-père brésilien, octogénaire toujours plein d’énergie, au trombone basse mais aussi au saxophone ténor, est un vrai régal en live, et cela reste perceptible sur cet enregistrement. Raul est brillamment soutenu par trois musiciens de haut niveau: Leo Montana, très lyrique, Glauco Sölter, un bassiste dansant et énergisant, et un batteur virtuose dont le Brésil a le secret car il possède des qualités de musicalité et de polyrythmie hors normes. Ces musiciens sont aussi des amis, et la musique traduit cette complicité.Le grand Raul De Souza, né en 1934, sorti de ses pantoufles pour monter sur scène à Langourla, étonna et subjugua l’assistance par la vitalité de sa musique, sa puissance, son lyrisme: LE concert du festival! Cet indispensable est là pour distinguer autant la musique de Raul dans ce disque que saluer le long parcours d’un musicien aussi brillant que généreux et humain.

Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

Leïla Olivesi Nonet
Suite andamane

I Forgot August, Cafe Central Zam, Distant Friends, Frequie Flyers, Horizon, O.P., Spinning Wheel, Joe, Home Light
Ernie Watts (ts), Christof Saenger (p), Rudi Engel (b), Heinrich Koebberling (dm)
Enregistré les 11 et 12 décembre 2017, Cologne (Allemagne)
Durée: 1h 07’ 58’’
Flying Dolphin Records 1012 (www.erniewatts.com)

A 73 ans, le saxophoniste ténor Ernie Watts est un vétéran de la Côte Ouest qui aura abordé une multitude de styles, diluant ainsi son talent d’instrumentiste dans un éparpillement aux marges du jazz, surtout dans son activité de leader. Il eut pourtant le privilège de partager quelques notes avec Count Basie, dès le collège, avant d’intégrer la fameuse école Berklee de Boston. Ce lecteur hors pair fit les beaux jours du big band de Buddy Rich avant d’entamer une carrière de musicien de studio touchant aussi bien l’univers de la pop, de la fusion que celui des musiques de films. Il resta toutefois proche du jazz en croisant la route de Cannonball Adderley, Monk, Oliver Nelson ainsi que des grandes formations de Gerald Wilson ou de Dave Grusin. C’est toutefois au sein du Liberation Music Orchestra de Charlie Haden, et plus tard avec son fameux Quartet West, qu’il laissa ses plus belles traces d’enregistrement en tant que sideman. Avec son épouse, il a créé le label Flying Dolphin pour une série d’albums dans un prolongement post bop de qualité.
Son nouvel opus est une excellente occasion de redécouvrir ce musicien attachant et talentueux à la virtuosité non dénuée de musicalité et à la sonorité incisive évoquant parfois Coltrane. Autour de lui, un solide trio d’Outre-Rhin avec qui il collabore depuis une quinzaine d’années amené par l’excellent pianiste Christof Saenger. Home Light est une production qui a du sens dans un jazz de culture bien défini et qui débute par un superbe «I Forgot August» sur les harmonies du classique «I Remember April». Le pianiste s’exprime dans un langage bop se gardant de tout effet, dans un souci permanent de swinguer, entouré d’une superbe rythmique au service d’une musicalité d’exception. «Cafe Central Zam» du batteur Heinrich Koebberling est bluesy à souhait, mettant en exergue la sonorité mince et parfois lisse doublée d’un léger vibrato du leader évoquant les productions acoustiques de Michael Brecker. «O.P.» (composition de Sam Jones en hommage à Oscar Pettiford) est un grand moment du disque avec des passages ténor et contrebasse à l’unisson avec un excellent chorus de Rudi Engel, tout comme «Joe», composition du trompettiste Brad Goode, avec lequel Ernie Watts a déjà travaillé, et qui est un bel hommage latin jazz à Joe Henderson où le leader double son discours au ténor et au soprano. Cet album est une réussite qui comptera dans la riche et éclectique discographie du saxophoniste.

David Bouzaclou

© Jazz Hot 2019

Pablo Campos
People Will Say

Nobody Else But Me, Golden Earrings*, Beautiful Moons Ago*, At Long Last Love, Spring Can Really Hang You Up the Most*, 60 East 12th Street*, No More, People Will Say We’re in Love, Washington Heights, Thou Swell, I Got in His Arms*, By Myself
Pablo Campos (p, voc), Peter Washington (b), Kenny Washington (dm) + Dave Blenkhorn (g)*
Enregistré à New York, date non précisée
Durée: 58’ 03’’
Jazztime Records 196102 (UVM Distribution)

Cela fait déjà quelques années que nous croisons régulièrement dans les clubs parisiens le pianiste et chanteur Pablo Campos, tout juste 30 ans cette année. D’origine argentine et basque, le jeune homme a la particularité d’être un musicien autodidacte et d’avoir choisi le jazz après avoir été diplômé de Sciences-Po’ Bordeaux. Il n’en a pas moins été exposé à l’enseignement de plusieurs maîtres, de Barry Harris à Marc Thomas. On l’a d’abord connu au sein du Swingin’ Bayonne de Patrick Quillart (b) et Jean Duverdier (dm, également talentueux dessinateur de presse, notamment pour Jazz Hot). A Paris, c’est son aîné Nicola Sabato (b) qui l’a pris sous son aile, en trio avec un autre «jeune lion», Germain Cornet (dm). Accompagnateur apprécié (notamment pour Cecil L. Recchia), participant volontiers à de multiples projets (le Zoot Collectif, groupe vocal Shades, West Side Story avec l’Amazing Keystone Big Band…), Pablo Campos soigne également sa carrière de leader et possède un groupe régulier constitué de Viktor Nyberg (b), Philip Maniez (dm) et Dave Blenkhorn.
On retrouve d’ailleurs –invité sur cinq titres– le guitariste australien (que l’on apprécie notamment pour son travail au sein de La Section Rythmique, cf. notre chronique) sur cet album enregistré à Brooklyn avec une rythmique de rêve: Peter et Kenny Washington. Rappelons que s’ils ne sont pas de la même famille, mais simplement homonymes, Kenny est le frère du contrebassiste Reggie Washington, basé en Belgique. Friand de la compagnie des musiciens plus expérimentés et de ce qu’ils ont à transmettre sur le plan musical et humain, Pablo Campos, pour ce premier disque sous son seul nom, s’est fait plaisir. Peter et Kenny Washington ont un curriculum vitae des plus prestigieux (Art Blakey, Tommy Flanagan, George Cables pour le premier, Dizzy Gillespie, Houston Person, Lee Konitz pour le second; ils sont en outre tous deux membres du trio de Bill Charlap parmi d’autres encore), et on imagine que Pablo a dû se régaler pendant cette séance de leurs histoires. Ainsi luxueusement accompagné, il a choisi de s’attaquer au Great American Songbook à la manière de Nat King Cole, son inspiration, même si vocalement il se rapprocherait davantage du timbre d’un Harry Connick Jr. Deux très bonnes compositions originales du leader viennent compléter le répertoire: «60 East 12th Street» et «Washington Heights», morceau instrumental qui permet de savourer tout particulièrement le swing du trio et les qualités rythmiques du pianiste Pablo Campos, car sur son instrument Pablo Campos est étonnant! Sa bonne culture jazz et son goût de la transmission nous offre un album fort réussi et qui doit beaucoup évidemment à l’excellence de ses compagnons musiciens.

Jérôme Partage

© Jazz Hot 2019

Christian McBride
New Jawn

Walkin' Funny, Ke-Kelli Sketch, Ballad of Ernie Washington, The Middle Man, Pier One Import, Kush*, Seek the Source, John Day*, Sightseeing
Christian McBride (b), Josh Evans (tp), Marcus Strickland (ts, bcl*), Nasheet Waits (dm)
Enregistré les 25-27 mai et 20 septembre 2017, St Louis, New York
Durée: 57'43''
Mack Avenue 1133 (www.mackavenue.com)

On a vraiment changé d'époque car il n'y a aucun texte de pochette, mais une liste de pas moins de sept personnes concernées par la production de ce disque… Pour autant, la musique relève d'un autre temps. Dès les premières notes de «Walkin' Funny», on se dit que ce n'est guère différent de Out to Lunch! d'Eric Dolphy (1964). Et que le drumming (ou plutôt la partie de percussion) dans le déroulement free de «Ke-Kelli Sketch» reste en deçà de la contribution de Sonny (Sunny) Murray du Ghosts d'Albert Ayler (1964 encore). Quant à la formule sans piano, cela nous est familier de Gerry Mulligan à Ornette Coleman. Les titres, sauf «Sightseeing» de Wayne Shorter, sont signés par les membres de ce quartet. Christian McBride (né en 1972) n'est plus à présenter. Sa technique est superlative avec une sonorité remarquable comme on peut en juger dans ses solos sur «Seek the Source» et «John Day», ainsi que dans ses lignes de basse derrière les souffleurs (par exemple: «Sightseeing», up tempo). Il manie l'archet comme Charlie Mingus («Ke-Kelli Sketch») et avec maîtrise pour donner une couleur, couplé à la clarinette basse («Kush»). A peine plus âgé, Nasheet Waits (né en 1971), fils du percussionniste Freddie Waits, fut tenu en estime par Ed Thigpen et Max Roach. Il passe du up tempo bop aux effets libres de percussion avec classe. On n'a pas ici abusé de ses solos (coda de «Seek the Source»). Mais on peut apprécier la diversité de son accompagnement. Les souffleurs sont plus jeunes mais à l'unisson pour le langage musical. Marcus Strickland (né en 1979), remarqué dès 1997, est un sax ténor lyrique. Son solo à la clarinette basse dans «John Day» est dans la veine d'Eric Dolphy. Il serait tellement intéressant de l'entendre plus sur cet instrument, il y a tellement de sax ténor dans son style. Josh Evans (né en 1985) fut marqué, très jeune, par Jackie McLean et Rashied Ali. Il joue de la trompette depuis l'âge de dix ans et a donc développé une solide technique. Il s’exprime avec un son large même pour un discours véloce bop («Sightseeing»), certainement grâce à l'emploi d'une embouchure large (contrepartie, il n'abuse pas du suraigu). Il est dans la lignée de Freddie Hubbard («The Middle Man», up tempo) sans ignorer Don Cherry avec plus de technique comme il se doit aujourd'hui («Kush»). Il ne manque pas de musicalité comme les deux ballades, points forts du disque, en témoignent: «Kush» et surtout «Ballad of Ernie Washington» qu'il a écrit. Un disque qui se veut moderne même si le résultat évoque des contributions d'il y a cinquante-cinq ans et même plus. De ce fait, des lecteurs y trouveront leurs repères.

Michel Laplace

© Jazz Hot 2019

Chucho Valdés
Jazz Batá 2

Obatalá, Son XXI, Luces, Ochún*, Chucho’s Mood, 100 Años De Bebo*, El GüIje, The Clown
Chucho Valdés (p)Yelsi Heredia (b), Dreiser Durruthy Bombalé (batás, voc), Yaroldi Abreu Robles (perc), Regina Carter (vln)*
Enregistré en 2018, South Orange, NJ
Durée: 56’ 17”
Mack Avenue 1146 (mackavenue.com)

Retour aux sources du tambour sacré batá pour Chucho Valdés, après le Jazz Bata original qui en 1972 le révélait, avant la création de son groupe Irakere. Un ressourcement qui n’en conserve pas moins son attachement au jazz pour une synthèse dont il a été coutumier. Son aisance instrumentale et son enracinement toujours réactivé ont toujours permis à ce pianiste une grande liberté, car la musique –élaborée, savante et populaire– est son monde, sans frontière, comme on l’entend sur un premier thème où il évolue au milieu des rythmes cubains tout en proposant un langage très libre, proche par instant de la musique contemporaine («Obatalá», «Son XXI»), sur un fond vocal en relation directe avec les chants traditionnels et les rythmiques de la tradition cubaine. Une alchimie savante qui pourrait relever de la magie, si on y est sensible, ou, pour les sceptiques, du grand savoir de ce musicien accompli pétri de culture populaire au sein d'une famille qui vit dans la musique cubaine depuis plusieurs générations. Au milieu de ce répertoire, il peut glisser vers le répertoire le plus «spiritual» qui soit, au sens nord-américain («Ochún»), avec une invité de marque, Regina Carter, puis s’orienter vers la couleur afro-cubaine de Dizzy Gillespie et Chano Pozo («Chucho’s Mood»), non sans de nombreuses citations de Duke Ellington, dans une veine pianistique très brillante, car il est phénoménal sur son instrument. Sur le thème suivant, «100 Años De Bebo», pour un hommage à Bebo, son pianiste de père, qui jouait encore il y a peu de temps sur les scènes du monde, et pour le centenaire de sa naissance, il invite à nouveau Regina Carter dans une veine cubaine traditionnelle empruntant autant au rythme chaloupé qu’à la musique classique, pour une musique empreinte de nostalgie, pour son père c’est certain, mais aussi pour toute une époque musicale pleine de poésie. Les trois musiciens qui l’accompagnent ici apportent le complément parfait, notamment dans les parties ou pièces les plus traditionnelles («El GüIje»). La sophistication des percussionnistes et des rythmes cubains n’est plus à vanter. Chucho Valdés conclut ce bel opus par un thème qui évoque la musique française classique de la fin du XIX_^e et du début du XX_^e siècle, de Debussy et Satie à Ravel dans une pièce, «The Clown», en piano solo, où il glisse sa félinité rythmique sans perdre aucunement ce qui fait la légèreté, la poésie et l’esprit de la musique de cette époque. Un grand moment du disque et de virtuosité au service d’une musique qui fait rêver.
Malgré sa relation forte au jazz, Chucho Valdés est inclassable, comme quelques rares avant lui (Django Reinhardt); il a su produire une synthèse musicale personnelle sans renoncer à son amour pour le jazz, la musique traditionnelle cubaine, la musique classique, l’art pianistique. Il le fait avec naturel, sans ostentation, en malaxant la matière pour en faire son langage, construire un univers original.

Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

John Lewis / Sacha Distel
Afternoon in Paris

I Cover the Waterfront°, Dear Old Stockholm°, Afternoon in Paris°, All the Things You Are*, Bag’s Groove*, Willow Weep for Me*
John Lewis (p), Sacha Distel (g), Barney Wilen (ts), Percy Heath*, Pierre Michelot° (b), Kenny Clarke*, Connie Kay° (dm)
Enregistré le 4* et le 7° décembre 1956, Paris
Durée: 43’ 06’’
Decca/Jazz in Paris 572902-9 (Universal)

Universal réédite sobrement, via sa collection «Jazz in Paris», le fameux duo parisien entre John Lewis et Sacha Distel. Le court texte du livret rappelle brièvement le contexte de cette session que la lecture des numéros de Jazz Hot de l’époque permet d’éclairer davantage: en novembre 1956, le Modern Jazz Quartet participe à la tournée européenne «Birdland ‘56» qui aligne une affiche de rêve: Miles Davis, Lester Young et Bud Powell, et traverse les Pays-Bas, la Belgique, l’Allemagne de l’Ouest, la Suède, le Danemark, la Suisse et l’Italie pour s’achever en France où elle avait démarrée le 2 novembre, à la Salle Pleyel (compte-rendu enthousiaste de ce «Birdland Show» dans Jazz Hot n°116, décembre 1956). Le Club Saint-Germain où Lester Young vient de faire un tabac et dans lequel Jazz Hot voit un nouveau Birdland de la Rive Gauche, saisit l’opportunité de cette présence et programme le MJQ pour deux semaines du 26 novembre au 9 décembre 1956. C’est en outre l’occasion de retrouvailles amicales entre John Lewis et Sacha Distel qui avaient sympathisé deux ans plus tôt lors du précédent séjour à Paris du pianiste. On imagine que le club de la rue Saint-Benoît en a été le théâtre, puisqu’à la même période le guitariste y assurait les matinées des samedi et dimanche (16h30-19h30) accompagné du tout jeune Barney Wilen (ts, 19 ans), René Urtreger (p), Bibi Rovère (b) et Al Levitt (dm). Sacha Distel saisit lui aussi l’opportunité. Travaillant auprès de son oncle, Ray Ventura, qui a recentré ses activités sur le cinéma, la production phonographique et a récemment créé le label Versailles, il souhaite enregistrer avec le MJQ ce qu’Atlantic Records (exclusivité) ne permet pas, nous dit le livret. D’où l’absence de Milt Jackson sur cette session qui s’effectue sous le seul nom de John Lewis, mais avec la participation de Percy Heath et Connie Kay. On peut s’étonner de cette version car Atlantic et Versailles sont alors partenaires, le label de Ray Ventura venant de sortir l’édition française de l’album Fontessa du MJQ. De même, Atlantic commercialisa (avec succès) l’édition américaine d’Afternoon in Paris, et celle d’autres disques de musiciens français produits par Versailles, ce qu’annonce Sacha Distel en mars 1958 (Jazz Hot n°130). Toujours est-il que c’est une double rythmique qui officie: Percy Heath et Kenny Clarke (membre fondateur du MJQ et qui retrouve ainsi ses anciens compagnons) le 4 décembre (face B du LP); Pierre Michelot et Connie Kay le 7 (face A). Le jeune prodige du ténor, Barney Wilen, est également de la partie, sur les deux séances. Les qualités d’expression de chacun des protagonistes font de cet enregistrement un témoignage édifiant du niveau de la scène parisienne de l’époque, fertilisée par la présence américaine. Face à la stature d'un John Lewis, magnifique d’élégance et de swing, et du talent étonnant du rollinsien Barney Wilen, Sacha Distel, 23 ans –consacré par le referendum Jazz Hot de janvier 1956 (n°106) et bientôt de janvier 1957 (n°117)– apparaît comme un digne représentant de l'école Jimmy Raney.

On connaît la suite de l’histoire: le guitariste de jazz s’effacera devant le succès du chanteur de charme, et ne reviendra qu'épisodiquement à son art premier; c'est le «Distel’s Dilemma»… Du bebop au Third Steam, John Lewis laissera en revanche une œuvre de pianiste, de compositeur et d’arrangeur exceptionnelle (cf. Jazz Hot n°486, Spécial 2001 et 580), tenant une place à part dans l'histoire du jazz de la seconde moitié du XX_^e siècle. Un parcours également marqué par sa relation étroite avec la France et la fidélité aux amitiés qu’il y a nouées; il enregistrera, une vingtaine d’année plus tard un nouvel Afternoon in Paris chez Dreyfus Records. Parmi ses amitiés: Sacha Distel, il prénommera d'ailleurs son fils «Sasha», mais aussi Charles Delaunay, dont il préfacera l’autobiographie portant le titre de la célèbre composition («Delaunay Dilemma») qu’il dédia au fondateur de Jazz Hot, rencontré en 1948, lors du concert du Dizzy Gillespie Big Band à Paris, celui-là même qui fit entrer en jazz le jeune Distel.
Notons que Sam Records a réédité de son côté le LP Versailles MEDX 12005 d’origine en fac-simile, avec la belle photo de couverture de Jean-Claude Bernath, qui donne une dimension quasi cinématographique à cette histoire humaine et artistique.

Jérôme Partage

© Jazz Hot 2019

Barney Wilen Quartet
Live in Tokyo '91

CD1: Introduction, Beautiful Love, L'Âme des poètes, Mon blouson (c'est ma maison), Que reste-t-il de nos amours?, Besame Mucho
CD2: How Deep Is the Ocean, Little Lu, Old Folks, Latin Alley, Bass Blues, No Problem (From Liaisons Dangereuses), Goodbye, Doxy (Encore)
Barney Wilen (ts), Olivier Hutman (p), Gilles Naturel (b), Peter Gritz (dm)
Enregistré le 11 février 1991, Keystone Korner, Tokyo (Japon)
Durée: 1h 00’ 20” + 1h 15’ 54”
Elemental Music 5990434 (Distrijazz)

Barney Wilen, c’est la légende, même de son vivant, car le personnage est lui-même atypique, un artiste à l’américaine, avec cette dose d’irrationalité apparente et de liberté sans limites qui alimente la légende. Né en 1937 à Nice, il est de père américain et de mère française, et après un séjour américain pendant la guerre (1940-46), il débarque dans le jazz en France un beau jour de 1953 à 16-17 ans après un apprentissage en autodidacte –Gilles Naturel le dit dans l’interview qui vient de paraître, comme beaucoup d’autres. Mais selon nous, son apprentissage pourrait avoir été plus solide à l’écoute de ce qu’a produit Barney Wilen qui est d’une sophistication rare, notamment dans son feeling du jazz.
Barney Wilen suscite tout de suite un engouement rarement vu dans une époque ou le jazz américain est au cœur du jazz en France, et où peu de musiciens de l’Hexagone sont en mesure de suivre une évolution du jazz qui est très rapide outre-Atlantique. Pas de problème pour Barney, à 20 ans ou moins, il accompagne sans complexe Henri Renaud, Jimmy Gourley, Bobby Jaspar, puis Roy Haynes et enfin Miles Davis, Bud Powell, John Lewis, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, ramassant prix et concours avec la même facilité que son adaptation aux musiciens de jazz les plus confirmés qu’il rencontre, imposé jusqu’à l’excès il est vrai par l’actif Marcel Romano, qui s’est institué son agent et son impresario pour le cinéma, non sans quelques frictions, comme le rappelle le gentil René Urtreger, sur le livret de ces deux CDs que nous devons à Patrick Wilen, le fils de Barney.
Les années 1960 et 1970 le verront emporté comme la plume au vent par tous les courants, les curiosités et expérimentations qui traversent ces périodes, avec de multiples absences-disparitions, alimentant la légende, sans doute sans le vouloir car l’homme est simplement marginal et curieux de tout, qu’il est jeune, et que l’époque est vivante. Le free jazz, la musique indienne, le jazz-rock, le retour en Afrique… Après ces années de maturation, sa deuxième moitié des années 1980 voit son retour, et celui de la confirmation, de la maturation d’une expression qui faisait déjà sa légende dans les années 1950, le hard bop, dans une tradition pas très éloignée de Sonny Rollins, il en a les moyens et le talent, mais avec une sonorité différente, moins grave et profonde, plus douce et aérienne, tout aussi belle. Toujours la même conviction, la même originalité, et cet inédit au Keystone Korner de Tokyo vient nous rappeler le meilleur de ce beau saxophoniste, dans un Japon devenu la deuxième patrie du jazz en ces années, un pays où il est une véritable légende, alliant le jazz à l’américaine avec la touche française qui plaît tant alors aux amateurs du Soleil Levant.
Il est entouré de jeunes musiciens, Gilles Naturel (31 ans), Olivier Hutman (37 ans), Peter Gritz (la trentaine également), qu’il entraîne avec sa fougue et son art comme déjà un grand ancien. Le répertoire ressemble à Barney Wilen, jazz et poésie, Charles Trenet, les standards, les belles compositions du jazz, et ses jeunes accompagnateurs sont excellents, tous dans l’esprit de cette musique où le leader donne tout ce qu’il a sans calcul.
On a dit que Barney Wilen était paranoïaque; le livret l’évoque, parce qu’il n’appréciait pas les petites magouilles et mesquineries du milieu du jazz, et on peut en comprendre les raisons. Car ce bel enregistrement me rappelle l’irruption de Barney Wilen dans les bureaux de Jazz Hot en fin 1989; j’étais le nouveau venu de la rédaction d’une revue, Jazz Hot (l’équipe De Chocqueuse alors). Barney était très en colère, verbalement, après une chronique (n°467) où l’auteur terminait son texte très négatif sur la musique de Barney par «le feeling finit par prendre la tangente» dans une époque où le jazz se devait d’être non seulement «français» mais aussi «créatif et inouï» et surtout pas enraciné pour avoir bonne presse et subventions. On comprend, avec le recul, le ridicule de ce discours daté, de l’esprit de système qui apparaît dans cette chronique (les années Lang du «jazz français» subventionné où un bon musicien américain était forcément mort ou vieux, où le jazz traditionnel, mainstream ou bop était «ringard» à cause du blues et du swing, où Archie Shepp et David Murray jouaient, selon les mêmes, faux parce qu'ils jouaient free), et plus largement dans une atmosphère de clientélisme franchouillard qui expliquait une réaction de Barney Wilen qui devait tout à la réalité des faits et rien à la paranoïa.
La colère de Barney Wilen, plus instinctive que réfléchie sur l’état du jazz d’alors en France, parce qu’elle partait de sa conviction musicale, de son œuvre pour le jazz, scandalisa la corporation et le petit milieu, un milieu qui existe encore même si son discours de langue de bois a évolué en fonction du vent de ses intérêts publics-privés et de sa faiblesse théorique. Aujourd’hui, tout le monde est beau et gentil à condition d’être dans le réseau de quelques fortunes qui se font plaisir, les oligarques du jazz (forcément plus modestes sur le plan des fortunes). Les mêmes qui, il y a 30 ans, vouaient Barney à la paranoïa, ont sans doute tressé des lauriers à cette sortie de 2019, maintenant que Barney Wilen n’est plus là. Rares étaient en ce temps et sont les musiciens à réagir et à se souvenir. Barney Wilen était de ces rares, il avait raison, et son emportement correspond à la conviction, au feeling qu’il mettait dans sa musique, il n’y a nul paranoïa dans cette colère, mais l’indignation légitime, la conviction face à un discours de système d’une époque. Il aurait fallu d’autres Barney Wilen, avec ce courage, pour défendre alors le jazz, comme il en faudrait aujourd’hui. Cet opus témoigne de son art en ce temps, sans concession, naturel et libre. Il n’est pas sûr que beaucoup aient le feeling pour apprécier cette musique. Merci à Patrick Wilen pour cet inédit.

Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

Patrice Galas Trio
Nuits ensoleillées

Ute, The Key, Nuits ensoleillées, Elizondo, Doudeaublues, Karena’s Tune, Danny Boy, Mister Fofo, Blackbird, Si demain, Song for Anaïs, Sylive
Patrice Galas (p), Alune Wade (eb), Conti Bilong (dm)
Enregistré en 2017, lieu non précisé
Durée: 44’ 27’’
JMS 012019 (www.jazz-music-shop.com)

Musicien discret aux collaborations prestigieuses (Marc Fosset, Kenny Clarke, Johnny Griffin, Dizzy Gillespie, Max Roach, Stan Getz, Dexter Gordon, Benny Golson, Scott Hamilton, Marcel Azzola… voir le détail dans Jazz Hot n°561), Patrice Galas est une mémoire vivante des clubs parisiens où il sert le jazz avec talent et modestie depuis cinquante ans, du Gill’s Club de Gérard Terronès au Caveau de La Huchette de Dany Doriz, lequel en a fait le pianiste titulaire de son big band. On le connaît aussi bien sûr pour sa longue association avec Gilda Solve (voc) et son engagement militant dans l’enseignement du jazz (il est l’auteur d’une méthode pédagogique et a fait partie de la première équipe de professeurs du CIM, Centre d’Informations Musicales, créé en 1976, à une époque où ce type d'école manquait de moyens mais pas de conviction).
Moins de dix albums en leader documentent la carrière personnelle de Patrice Galas (dont un disque en duo avec le regretté Georges Arvanitas), le dernier, A Time for Jazz Trios, étant sorti en 2004. Sur ces Nuits ensoleillées le pianiste a choisi de s’exprimer de façon originale et intime, à travers ses propres compositions, pour l’essentiel. Plus étonnant, il est ici accompagné d’une rythmique africaine –Alune Wade (eb) et Conti Bilong (dm)– plutôt orientée jazz-rock. Il en résulte un enregistrement inattendu, inégal parfois, mais non sans qualités, d’où émergent plusieurs bons titres, notamment «Ute», dans un esthétique proche de la fusion, «Elizondo», au tempérament latin, «Doudeaublues», une ballade bluesy bien troussée, mais aussi «The Key», «Si demain» et «Sylive» où l’on retrouve le Patrice Galas swinguant qu’on a l’habitude d’apprécier.

Jérôme Partage

© Jazz Hot 2019

J.C. Heard & Bill Perkins Quintet, feat. Joe Pass
Live at the Lighthouse 1964

Bob's Blues, Passion Flower, Don't Stand Up, Blues in Hoss' Flat, There Will Never Be Another You (Incomplete), Cute (Incomplete), J.C.'s Tune, Sometime Ago, Mambo Bop
J.C. Heard (dm), Bill Perkins (ts, bar), Joe Pass (g), Frank Strazzeri (p), Jim Hughart (b)
Enregistré en février 1964, Hermosa Beach, CA
Durée: 56’ 55”
Fresh Sound Records 976 (Socadisc)

Voici un inédit, et c’est une des raisons de l’indispensable, enregistré en live au fameux club Lighthouse d’Hermosa Beach, 30 Pier avenue, dans l’aire métropolitaine de Los Angeles, CA. Le club fut acheté après guerre par John Levine, sur la recommandation d’Howard Rumsey, contrebassiste et membre de l’orchestre de Stan Kenton en 1941, qui le dirigea pendant vingt ans, en devint copropriétaire, et où il proposa du jazz à partir du printemps de 1949. The Lighthouse fut une véritable vitrine du jazz de la Côte Ouest, Howard Rumsey y installant en particulier son Lighthouse All Stars de 1951 à 1960 (Jimmy Giuffre, Shorty Rodgers, Max Roach, Stan Levey…).
A partir de 1960, le groupe laissa la place à de nombreuses autres formations, dont celle présente sur ce disque, dont Bill Perkins est semble-t-il le vrai leader de session car il est véritablement chez lui en Californie et dans ce club. Il est né à San Francisco en 1924, et est décédé en 2003 toujours en Californie. Il a, en 1964, déjà plusieurs enregistrements à son actif depuis 1956 avec ce qui se fait de mieux localement: Carl Fontana, Bud Shank, Red Mitchell, Mel Lewis, Richie Kamuca (ils font un beau duo de ténors, cf. Tenors Head-On, Blue Note, 1956), Stan Levey, Art Pepper, Hampton Hawes, Jimmy Rowles et Frank Strazzeri, présent également sur cet enregistrement. Il a même enregistré avec John Lewis, Percy Heath, Jim Hall et Chico Hamilton (Grand Encounter, Vogue/Jazztone, 1956). Bill Perkins (ts, bar, fl) est sur le plan esthétique installé dans un bebop qui swingue de manière très mainstream ici, avec un beau son, avec moins d’intensité que la Côte Est si on évoque Charlie Parker et Bud Powell. Il a fait partie des orchestres de Woody Herman, Maynard Ferguson, Stan Kenton, puis plus tard fera partie de ceux d’Oliver Nelson, Benny Carter et Lew Tabackin, et sera présent à la Grande Parade du jazz de Nice en 1985. Non loin par le son de Stan Getz, son jeu ne manque pas d’énergie ni de qualités expressives («Bob's Blues»).
Le pianiste Frank Strazzeri est un compagnon au long cours de Bill Perkins; il enregistrera encore un duo avec lui en 1991. Son talent d’accompagnateur en font un pianiste recherché: Oliver Nelson, Kai Winding, Art Pepper, Cal Tjader, Zoot Sims, Chet Baker (il participe au film Let’s Get Lost de Bruce Weber consacré au trompettiste), Frank Rosolino, Joe Pass, sont quelques-unes de ses très nombreuses collaborations. Il est très élégant dans son jeu, assez classique et excellent soutien comme un Hank Jones.
Jim Hughart (1936, Minneapolis, MN), accompagna trois ans Ella Fitzgerald sur la recommandation de Ray Brown, avant de s’installer en 1964 sur la Côte Ouest, et de faire une très riche carrière (plus de 200 enregistrements), dans le jazz (Joe Pass, Oscar Peterson, Zoot Sims…) mais surtout dans la pop (Frank Sinatra, Tom Waits, Joni Mitchell, Joan Baez, Diana Ross, Peggy Lee…).
La surprise de cette session est Joe Pass, déjà invité de luxe car il démontre non seulement des qualités de swing et de virtuosité exceptionnelle (vélocité incroyable sur «Don’t Stand Up», «Cute») mais aussi, dès cette époque un feeling particulier sur les ballades toutes en douceurs induites par un Brésil qui vient de colorer le jazz («Sometine Ago»). Ce sera sa marque de fabrique tout au long d’un brillantissime parcours sur lequel on ne revient pas (Oscar Peterson, Ella Fitzgerald, et beaucoup d'autres, c’est sans fin).
Enfin, et on le gardait pour la fin, il y a dans cette séance un exceptionnel batteur qui a fait le bonheur du jazz, gratifié à ce titre du rôle de coleader par Jordi Pujol, le producteur de ce disque pour le bon label Fresh Sound, et peut-être par Bill Perkins qui a dû en faire un invité de marque ce soir de février 1964.
Né à Dayton, Ohio, le 8 octobre 1917 (décédé en 1988), il est un exceptionnel percussionniste («Bob’s Blues», «Mambo-Bop»), un de ces batteurs dont la carrière et les enregistrements démontrent que ses pairs musiciens ont perçu chez lui un talent hors norme, mais dont le nom ne reste malheureusement pas parmi les pères de l’instrument qu’il est sans aucun doute. L’écouter sur ce disque en particulier donne une petite idée de tout ce que lui doivent tous les batteurs du monde, car il est l’égal sur son instrument des Art Blakey, Max Roach, Jo Jones (son inspiration), Philly Joe Jones: c’est un monument de l’instrument. Son soutien est propulsif et ses chorus sont brillants, d’une exceptionnelle musicalité et virtuosité: il partage avec Art Blakey le privilège de pouvoir faire durer un chorus à l’infini sans longueurs, créant une tension qu’il module à sa volonté jusqu’à la transe. Il a cette qualité de drive, de shuffle qui ont inspiré toute l’histoire du jazz, mais aussi cette souplesse féline, ce sens de l’accompagnement luxuriant et aéré qui lui ont permis d’être génial dans tous les contextes. Ses collaborations, témoins de son talent, sont innombrables et toujours de haut niveau: Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Etta Jones, Ethel Waters, Sarah Vaughan, Helen Humes, Sidney Bechet, Cab Calloway, Count Basie, Benny Goodman, Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins, Johnny Hodges, Lester Young, Gene Ammons, Roland Kirk, Doc Cheatham, Sammy Price, Teddy Wilson (avec qui il débute son parcours), Charlie Parker, Ike Quebec, Rex Stewart… Là encore, plus encore que pour Joe Pass, la liste est sans fin.
En 1964, J.C. Heard fait un détour à l’Ouest, par Las Vegas avec Red Norvo, et par Los Angeles, ici avec Bill Perkins. C’est donc lui, l’invité de marque, le leader par respect du musicien Bill Perkins envers l’un des grands batteurs de l’histoire du jazz, sans doute enfin parce qu’il est pour beaucoup dans le caractère particulièrement hot de la session. Le répertoire lui-même semble avoir été décidé par J.C Heard, avec au programme Oliver Nelson, Billy Strayhorn, Frank Foster, Neal Hefti, un standard et deux originaux de J.C. Heard.
Les «vieux» inédits, comme cet enregistrement, sont intéressants quand ils proposent quelques musiciens exceptionnels, pas tous très (re)connus, et c’est pourquoi nous sommes revenus sur leur parcours. En petite formation, comme ici, on les apprécie d’autant plus qu’ils ont davantage de place pour exprimer l’étendue de leur talent: c’est vrai pour J.C. Heard, mais aussi pour Bill Perkins, très hot sur ce disque, en dépit de l’étiquette cool qui lui colle aux basques; c’est vrai pour Joe Pass, qui montre dans un environnement au drive incandescent qu’il est tout à fait capable de chauffer l’atmosphère. Bonne découverte!

Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

Ramona Horvath
Lotus Blossom

Strange Hats, Black Butterfly, Lotus Blossom, Place Dauphine, All the Things You Are, Micutul Valse, In A Flat, They Say It’s Wonderful, I Love You, I’m Old Fashioned
Ramona Horvath (p), André Villéger (ts), Nicolas Rageau (b), Philippe Soirat (dm)
Enregistré les 10, 11, 12 décembre 2017, Paris
Durée: 59’ 29’’
Black & Blue 858-2 (Socadisc)

Ramona Horvath & Nicolas Rageau
Le Sucrier Velours

Le Sucrier Velours, Drop Me Off in Harlem, Esmeralda, Hot House, Le Contre-bossu de Notre-Dame, Pennies From Heaven, Procrastination Blues, Upper Manhattan Medical Group, Calea Victoriei, My Romance
Enregistré les 11 juillet et 15 octobre 2018, Paris
Durée: 47’ 32’’
Black & Blue 1076-2 (Socadisc)

Vous pouvez découvrir la personnalité et le chemin de Ramona Horvath, venue d'un grand pays de musique, la Roumanie, dans l'interview qu'elle a accordée à Jazz Hot. De culture classique mais autodidacte dans son abord du jazz avant d’approfondir au côté de Jancy Körössy, l'un des chefs de file du piano jazz en Roumanie, Ramona Horvath propose un jeu marqué par l'influence d’Oscar Peterson, comme remarqué dans la chronique de son premier album en leader (cf. Jazz Hot n°674), mais aussi par le goût du beau piano jazz de la riche tradition bebop des années 1950-60, de Kenny Drew, Phineas Newborn à Tadd Dameron, Tommy Flanagan, Hank Jones, Kenny Barron, et beaucoup d'autres, parvenue jusqu'à nous par de grands survivants ou héritiers comme Benny Green, etc., et si on va au fond de ses influences, par un amour certain de la comédie musicale américaine dont on retrouve les traces dans les standards et dans ses exposés. Le caractère très détaché de ses notes, la clarté d'émission personnalisent son jeu à travers la mémoire acquise de sa bonne technique classique. Son emphase presque déclamatoire des thèmes dans les exposés, son toucher du clavier reprennent également les techniques d'expression et de doigtés venues du classique, intelligemment mises au service d'un jazz qui swingue avec beaucoup de brio pour personnaliser son jeu. Les deux disques témoignent de ses qualités pianistiques. Ils proposent un répertoire essentiellement constitué de standards, de compositions du jazz, avec un accent sur le répertoire ellingtonien qui se retrouve dans le choix des titres de ces deux albums.On retrouve sur ces deux disques l'excellent Nicolas Rageau, dont la carrière est marquée par de prestigieuses collaborations, de Johnny Griffin à Benny Golson en passant par Alain Jean-Marie, et qui fait un beau parcours dans le jazz avec cette constance et cette application qui font la particularité des grands devanciers de l'instrument.
Lotus Blossom, enregistré en quartet, avec une rythmique de haut-niveau complétée par l’excellent Philippe Soirat (Jazz Hot n°686), toujours aussi délicat aux balais et présent pour relancer dans la parties plus enlevées, offre un invité de marque, le grand André Villéger, incarnant une mémoire du jazz tout autant qu’un beau lignage du ténor, non loin ici de la sonorité de Lester Young en un peu moins lazy. Tout est passionnant: la finesse de Philippe Soirat, véritable gardien du tempo avec un Nicolas Rageau qui prend beaucoup de libertés sans abandonner son rôle de base. Ils installent une écrin rythmique où s’épanouissent les interventions élégantes et éclatantes de Ramona Horvath et d'un André Villéger aérien. On atteint des sommets de sensibilité dans cette conversation à quatre pour «Black Butterfly» et le «Lotus Blossom» de Billy Strayhorn. Ramona Horvath interprète avec autant d'éclat que de poésie et de romantisme, pendant qu’André Villéger apporte sa contribution avec l'excellence qu'on lui connaît, toujours respectueux du texte sans jamais perdre sa capacité d'invention et ses qualités de son. «All the Things You Are», d’abord exposé avec une délicatesse méticuleuse par la pianiste, est habillé par le saxophoniste de sa sonorité chaleureuse et veloutée. L’écoute des compositions personnelles de Ramona Horvath («Stange Hats», «Place Dauphine», «In A Flat», font apprécier son talent de compositrice; le dynamique «In a Flat» met en avant le swing et la dynamique du quartet. «Micutul Valse» est une belle composition de Nicolas Rageau en trio.
Le Sucrier Velours, est un vrai prolongement du premier enregistrement dans un cadre plus intimiste, se réduisant au duo très complice que forment la pianiste et le contrebassiste, déjà deviné dans le premier opus («They Say It’s Wonderful», «I Love You», «I’m Old Fashioned»). L’osmose entre les deux complices et le traitement plus épuré servent admirablement la clarté des deux techniciens, la sophistication du langage et une expression à la fois élégante, romantique, poétique, et un répertoire de thèmes du jazz ou de standards («Hot House» de Tadd Dameron, «Pennies From Heaven» de Johnston & Burke, «My Romance» de Richard Rodgers), avec toujours cette attirance pour les compositions de l'univers Duke Ellington («Le Sucrier Velours», «Drop Me Off in Harlem», «UMMG»). Là encore, quelques originaux personnalisent le répertoire: «Calea Victoriei» (le chemin de la victoire), «Esmeralda» de Ramona Horvath et «Contre-Bossu de Notre-Dame», «Procrastination Blues» de Nicolas Rageau font apprécier les qualités de composition, d'invention de la pianiste et du contrebassiste, autant que la mise en place, et sont, par l'esprit, parfaitement intégrés à l'univers général de l'enregistrement.
Ramona Horvath est une artiste que les amateurs de jazz et de piano auront plaisir à découvrir en duo avec Nicolas Rageau comme en quartet avec d'aussi bons musiciens qu’André Villéger et Philippe Soirat.

Jérôme Partage & Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

Bill Jennings
The Complete Bill Jennings on Prestige 1959-1960

Enough Said!: Enough Said, Tough Gain, Volare (a.k.a Nel Blu, Dipinto Di Blu), Dark Eyes, It Could Happen to You, Blue Jams, Dig Uncle Will
Guitar Soul: It's Alvin Again
Glide On: Glide On, Alexandria Virginia, Billin’ and Bluin’, There’ll Never Be Another You, Azure/Te (Paris Blues), Fiddlin’, Cole Slaw, Hey Mrs. Jones
Bill Jennings (g), Jack McDuff (org), Albert Jennings (vib, g), Wendell Marshall (b), Alvin Johnson (dm)
Enregistrés les 21 août 1959 (Enought Said!) et 12 janvier 1960 (Glide On), Englewood Cliffs, NJ
Durée: 1h 19’ 38”
Fresh Sound Records 973 (Socadisc)

On fêterait tout juste juste le centenaire de Bill Jennings, guitariste né le 12 septembre 1919 à Indianapolis, s’il n’était décédé sans laisser de souvenirs aux amateurs de jazz le 29 novembre 1978 dans l’hôpital des Vétérans (anciens combattants) de sa ville de naissance, car il a servi dans la Navy. Et surtout, si la notoriété de celui qui fut baptisé «l’architecte du soul jazz» n’avait pas été confinée à l’anonymat par la critique de jazz plus avide de nouveautés que de la glaise du jazz. Sa synthèse entre le blues, le jazz et le son church-soul, son amour des petites formations avec orgue (comme l’atteste ses collaborations), lui avait valu ce surnom qui ne lui a guère servi à se faire davantage connaître. Pourtant, B. B. King en personne en fit l’une de ses principales inspirations, et son itinéraire auprès des Louis Jordan, King Curtis, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Willis Gator Jackson (de nombreux enregistrements sous le nom du saxophoniste avec Bill Jennings), Brother Jack McDuff, Leo Parker, Bill Doggett, etc., auraient pu également le garder dans nos mémoires oublieuses. Les dictionnaires du jazz l’ont tous oublié également, et il faut aller retrouver celui d’Hugues Panassié et Madeleine Gautier, si partiel par ailleurs sur certains pans entiers du jazz, pour avoir mention de ce guitariste qui n’est pas sans qualités comme nous le montrent ces enregistrements et en particulier «Dig Uncle Will», «It's Alvin Again», «Alexandria, Virginia», «Billin’ and Bluin’» dans le registre du blues où l’on comprend ce qu’ont voulu signifier B.B. King, et d'autres qui ont apprécié Bill Jennings.
Prestige, un label de premier plan à cette époque, lui fit même la proposition d’enregistrer deux albums, qui sont repris ici: Enough Said! et Glide On de la fin 1959 au début de l’année 1960, et c’est cette matière que le sagace Jordi Pujol a repris sur son éminent label Fresh Sound pour nous raviver la mémoire sur ce guitariste de la single note, amoureux du mariage guitare-orgue, si prolifique et essentiel dans le jazz, blues & spiritual. Précisons qu’un thème, en bonus track, «It's Alvin Again», est issu du disque Guitar Soul paru sous le nom de Kenny Burrell, Bill Jennings et Tiny Grimes (Status/New Jazz 8318).
Dernière curiosité, et non des moindres pour les guitaristes, Bill Jennings partage avec le regretté Patrick Saussois la particularité de jouer de la main gauche (sa main droite sur le manche), et de ne pas inverser les cordes (les graves en bas, et donc la guitare totalement à l’envers).
Bill Jennings sera donc une découverte pour la plupart des amateurs de jazz, de swing, de blues, de soul, de petits combos guitare-orgue, et même vibraphone, car Al Jennings, le frère, participe à Glide On, avec des unissons guitare-vibraphone maîtrisés par la proximité des deux frères.

Notons enfin que Glide On (1960) fut le dernier album en leader de ce guitariste dont l’œuvre enregistrée se continua essentiellement aux côtés du saxophoniste Willis Jackson. Il y eut des enregistrements en leader au cours des années 1950 pour les labels King et Audio Lab déjà repris par le label Fresh Sound. Il faut en effet féliciter Jordi Pujol de ne pas lâcher le morceau, toujours à l’affût d’une perle égarée, et qui complète ainsi avec cette intégrale Bill Jennings on Prestige le précédent CD du guitariste en leader: Bill Jennings: The Architect of Soul Jazz-The Complete Early Recordings 1951-57(Fresh Sound 816-2), déjà paru.
Quand on ajoute que les légendaires Brother Jack Mc Duff à l’orgue, et Wendell Marshall à la contrebasse plus l’excellent Alvin Johnson à la batterie complètent la formation, on sait déjà que Wild Bill Jennings est de ces illustres inconnus qui font la pâte authentique et si diversifiée du jazz.

Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

Reggie Washington
Vintage New Acoustic

Always Moving, Fall, Eleanor Rigby, Half Position Woody, Afro Blue*, E.S.P, Thoughts Of Buckshot, Footprints, Moanin’, B3 Blues 4 Leroy, Always Moving (alt. take)
Reggie Washington (b), Bobby Sparks (p, org, key), Fabrice Alleman (ts, ss), E.J. Strickland (dm), Ulrich Yul Edorh (dm)*
Enregistré du 12 au 14 mai 2018, Marseille (13)
Durée: 59' 12''
Jammin' Colors Records 18-007-2 (www.jammincolors.com)

On connaissait Reggie Washington à travers sa collaboration au mouvement Mbase de Steve Coleman et de ses expériences dans l’univers du jazz fusion avec les guitaristes David Gilmore ou Jef Lee Johnson d’où cette surprise que de découvrir ce Vintage New Acoustic où il délaisse sa basse électrique pour la contrebasse. Un projet qui est né en fait du désir d’explorer un peu plus son côté acoustique qu’il a pratiqué auprès d’Archie Shepp, Chico Hamilton ou Regina Carter. C’est le festival Like a Jazz Machine Festival, à Dudelange au Luxembourg, qui lui a donné l’opportunité de lancer ce projet et d’enchaîner par trois jours intenses d’enregistrement en studio. Pour ce faire, il s’entoure de musiciens partageant le même parcours tels le claviériste Bobby Sparks révélé au sein du RH Factor de Roy Hargrove et du batteur E.J. Strickland qui lui aussi avec son frère Marcus au ténor a exploré une forme de jazz fusion électrique contemporaine. L’ensemble est complété par le lyrisme «shorterien» de Fabrice Alleman qui s’inscrit à merveille dans ce Vintage New Acoustic Quartet. Après une courte introduction («Always Moving»), le groupe se lance dans une évocation du Miles Davis électrique des années 1980, période Tutu, sur «Fall» de Wayne Shorter. L’album décolle véritablement avec l’original «Half Position Woody» au swing omniprésent, où le chaseentre le ténor et la batterie élève le débat. Fabrice Alleman oscille entre le Coltrane des années Miles et Wayne Shorter avec un recours aux phrases longues et un lyrisme exacerbé. Le jeu de Reggie Washington se veut percussif, massif avec une sonorité large et boisée. Son sens du tempo semble infaillible notamment sur «ESP» de Wayne Shorter et mélodique à la fois comme sur son duo avec Ulrich Yul Eldorth sur «Afro Blue». Bobby Spark est un véritable pianiste de jazz avec un jeu modal à la MCoy Tyner doublé d’une sonorité brillante et d’un réel sens du swing à l’image de son chorus sur «Footprints». La version de «Moanin’» de Bobby Timmons en solo à la basse électrique ne manque pas de groove avec sa reprise du chorus de Lee Morgan note pour note. Un thèmechurchy amenant un blues classique «B3 Blues 4 Leroy» en forme d’hommage à Jimmy Smith vient clôturer un bel album.

David Bouzaclou

© Jazz Hot 2019

Lia Pale
The Brahms Song Book

Faith in Love, Melancholy, That I Would No More See You, Sleeping Beauty*, A Song , Little Red Rose, Tell Me My Sweet Sheperdess, The Cool of Night, Resonance, The Little Sandman, Red Evening Clouds, My Only Light, Echoes, No House No Home, Night of the Moon
Lia Pale (voc, fl, bfl), Mathias Rüegg (p, melodica, arr), Joris Roelofs (cl, bcl), Hans Strasser (b), Ingrid Oberkanins (perc), Anna Bux (whistle*)
Enregistré du 20 au 22 décembre 2018, Mitteretzbach, Autriche
Durée: 47’ 58”
Lotus Records 19052 (www.lotusrecords.at)

Lia Pale continue l’enregistrement des Song Books consacrés pour l’essentiel à la musique mais aussi à la poésie romantiques du cœur de l’Europe (allemande, autrichienne…), en l’occurrence celle de Brahms après avoir abordé Schubert, Schumann et pour les textes Heinrich Heine, Rainer Maria Rilke, Johann Wolfgang von Goethe, Joseph von Eichendorff, pour ne citer que les plus connus. Pour réaliser cette œuvre au long cours, maintenant commencée depuis une petite dizaine d’années, elle conserve une fidèle équipe autour de Maître Mathias Rüegg, arrangeur de talent mais aussi déterminant pour la couleur très particulière empruntant à la musique classique autant qu’au jazz, pour un résultat n’étant ni l’un ni l’autre, ou peut-être –c’est notre avis– appartenant pleinement au prolongement naturel d’une musique classique, la tradition européenne de la musique savante, qui n’exclut pas le caractère populaire, qui ouvrirait ses oreilles à d’autres influences, celle du jazz en particulier. C’était le cas au début du XX_^e siècle, et personne ne s’en est plaint. La percussionniste Ingrid Oberkanins, le bassiste Hans Strasser sont toujours présents, et Lia Pale varie les invitations selon les albums: ici le clarinettiste Joris Roelofs est mis en avant sur beaucoup de thèmes, et Anna Bux nous rappelle que siffler peut être une belle expression, un vrai instrument. La méthode n’a pas changé pour cette relecture des années 2000 d’un patrimoine culturel ancien de près de deux siècles: Lia Pale chante les textes en anglais. Sa voix est d’une précision de mise en place et d’une justesse très instrumentale, avec quelques inflexions jazz, des effets, des modulations, et quelques claquements de doigts, de mains, qui humanisent et personnalisent son interprétation. Mathias Rüegg et l’orchestre alternent et mixent les manières classiques et jazz, alternant cadences classiques et blocks chords, variant autant dans le phrasé que pour le toucher.
Dans cet enregistrement, Lia Pale aborde le compositeur Johannes Brahms, avec des textes de différents écrivains dont Goethe, Eichendorff, les plus connus d’entre eux. Brahms (1833-1897) a fait le principal de sa vie musicale à Vienne (de 1862 à sa mort), c’est peut-être l’une des raisons de ce choix, dans la seconde partie du XIX_^e siècle. Né dans une famille impliquée dans la musique, il est très vite devenu un virtuose du clavier, écumant les cabarets et tavernes où il se produit encore jeune dans un registre populaire, côtoyant au hasard de ses rencontres (le violoniste hongrois Eduard Reményi) la musique tzigane qui sera une de ses inspirations. Il rencontre alors Liszt puis le violoniste Joseph Joachim qui le recommandent à Schumann qui en fait une célébrité à 20 ans… Robert et Clara deviennent très proches, jusqu’à la passion entre Clara et Johannes. C’est à Vienne que Brahms compose l’essentiel de son œuvre arrivée jusqu’à nous, car il en a détruit lui-même une partie qu’il jugeait insatisfaisante. Il est enterré comme Beethoven et Schubert au cimetière de Vienne. Une querelle esthétique occupa cette partie du siècle entre Brahms (le réputé conservateur parce qu’il revendiquait dans ses inspirations la musique baroque, Palestrina, Bach et Beethoven) et Wagner (le réputé novateur avec sa musique du futur), avec la participation des musiciens (Hans von Bülow…) et de la critique musicale d’alors (Eduard Hanslick…) pour faire pencher à Vienne la balance vers Brahms. Alors que ses compositions orchestrales voient le jour principalement à partir de la quarantaine, Brahms composa tout au long de sa vie environ 300 lieder (chansons) au caractère souvent populaire mais avec la manière très achevée du compositeur académique. Quelques-uns ont un caractère plus fouillés autour de thèmes ou de cycles (plusieurs chansons sur un thème), sorte de poèmes musicaux. Ici, Lia Pale reprend quelques lieder éparpillés, dont certains font partie de suites («A Song»). Brahms en matière de lieder est donc une source inépuisable…
Revenons au projet de Lia Pale: on se reportera utilement aux chroniques dans Jazz Hot sur les précédents épisodes de ce work in progress, pour ne pas répéter les mêmes mots, mais aussi pour mieux apprécier la cohérence d’ensemble (Gone too Far/A Winter’s Journey, n°663; My Poet Love, °671; The Schumann Song Book, n°682). Cela peut surprendre l’amateur du déjà célèbre Mathias Rüegg ou de jazz de culture (le blues n’a aucune place dans ces enregistrements de Lia Pale si ce n’est comme couleur), mais mieux, cela pourrait titiller la curiosité, la réflexion car cette démarche, outre son originalité et son intégrité artistique, sa beauté formelle, est une réflexion traduite en actes sur ce qu’il est possible de (bien) produire en matière artistique quand on n’est pas né-es avec le patrimoine culturel africain et l’héritage encore perceptible de plusieurs siècles d’esclavage. Il n’est pas forcément utile de contrefaire, par jeu, par mode ou avec plus ou moins d’arrogance, sans jamais parvenir à la profondeur de l’authentique car on ne peut vraiment produire que ce qu’on est. Le patrimoine européen, musical, poétique et artistique, peut aussi, en toute liberté comme ici, prétendre à être de la musique savante originale, et rester populaire, sans pour autant se cantonner aux conservatoires, aux scènes et au formalisme académique des musiques classiques et contemporaines, voire aux scènes commerciales de l’événementiel de toute nature. Il existe aussi en Europe de profondes racines artistiques et populaires pour laisser entrevoir un futur créatif autre que de mode, fait de milliers d’expériences aussi variées que l’est encore cette Europe dans ses composantes. Django est l’exemple génial au XX_^e siècle d’une tradition, métamorphisée par le jazz et le génie d’un artiste, et le parallèle existe dans la chanson populaire (la chanson française). Ce projet se place, bizarrement et selon nous, même si ce n’est sans doute pas la raison à la source de la création de Lia Pale et de Mathias Rüegg, dans le processus de métabolisation du patrimoine indispensable à la création artistique, libre de toute contrainte académique-étatique-commerciale, dont le jazz de culture (d’essence afro-américaine) est l’exemple à suivre, à ce jour et pour longtemps, le plus accompli de l’histoire de l’art. L’appellation «Song Book» en référence à Ella Fitzgerald y fait penser. Lia Pale et Mathias Rüegg, une histoire en devenir, une recherche en actes, une réflexion à poursuivre…

Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

Philippe LeJeune Trio
Cleveland Gateway

I’m Just a Lucky So and So, Boogie Mix, Cleveland Getaway, Please Send Me Someone to Love, Cow Cow Blues, Summertime, One Mint Julep, Lil Darlin’, Broadway, Blues for the Nightowl, White Bluff Bound, Cantabile, I Wish I Knew How It Would Feel to Be Free, Way Back Home
Philippe LeJeune (p), George Lee (b), Sunceray Tabler (dm)
Enregistré le 2 septembre 2018, Cleveland, OH
Durée: 1h 06’ 34’’
Black & Blue 1074.2 (Socadisc)

Des artistes tels que Philippe LeJeune entretiennent la flamme du jazz avec conviction, dans le respect d’une tradition pianistique dont les références sont Sammy Price, LLoyd Glenn, Junior Mance, Ray Bryant ou Memphis Slim. Une forme de (re)connaissance qui lui permet de s’exprimer dans un langage que la presse américaine a qualifié de «blues oriented jazz» car, ne nous y trompons pas, Philippe LeJeune est avant tout un pianiste de blues et de boogie qui s’éloigne de l’école hexagonale, longtemps représentée par Jean-Paul Amouroux ou Jean-Pierre Bertrand, pour créer une sorte d’équilibre, un peu à l’image d’un Jay McShann contemporain. Cet art de faire swinguer le blues, il le partage depuis toujours sur les scènes américaines du club Blue Moon (Houston, TX) en passant par Chicago avec Eddie Johnson (ts) un leader de territory bands des années 1930 et 1940 ou dans un studio de San Francisco sur le piano de Charles Brown.
Pour son nouvel album, enregistré à Cleveland, OH, il s’entoure d’une superbe rythmique locale dont George Lee qui a travaillé avec divers leaders dont Joe Henderson et de Sunceray Tabler (dm). Une écoute permanente et un soutien à la fois sobre et léger, toujours au service du swing caractérisent ces sidemen avec lesquels il a déjà partagé la scène des clubs de la capitale de l’Ohio. La thématique est solidement ancrée dans cette tradition du piano dont se revendique le leader avec, pour débuter, une belle version bluesy du classique d’Ellington «I’m Just a Lucky So and So» en passant par le style barrelhouse avec un jeu plus percussif sur «Cow Cow Blues» dont l’auteur Charles Davenport a d’ailleurs terminé sa carrière à Cleveland. De Ray Charles à Percy Mayfield, le répertoire oscille entre blues, boogie, rhythm and blues dans une approche jazz de la formule du trio. On retiendra la magnifique composition «Cleveland Getaway», blues aux accents boogie avec un shuffle léger de Sunceray Tabler, mais aussi la trilogie gospélisante à souhait des derniers thèmes de l’album à commencer par une version du «Cantabile» de Michel Petrucciani, où l'aspect mélodique prédomine, suivi du superbe «I Wish I Knew How It Would Feel to Be Free» du pianiste Billy Taylor et du «Way Back Home» des Crusaders pour un final au cœur de l’église.

David Bouzaclou

© Jazz Hot 2019

Jon Batiste
Hollywood Africans

Kenner Boogie, What a Wonderful World, Chopinesque, Saint James Infirmary Blues, Nocturne N°1 in Do Minor, The Very Thought of You, Green Hill Zone, Mr. Buddy, Is It Over, Smile, Don’t Stop
Jon Batiste (p, voc), reste du personnel détaillé dans le livret
Enregistré à New Orleans, LO, date non précisée
Durée: 41’ 39’’
Verve 00602567875208 (Universal)

Artiste plus que doué, issu d’une lignée de musiciens de New Orleans, Jon Batiste (né en 1986) possède parfaitement le langage du jazz de même qu’une brillante technique pianistique classique. Il nous rappelle à ce titre ces illustres aînés, Marcus Roberts et Wynton Marsalis. Le second ne s’y est d’ailleurs pas trompé en l’invitant commeprincipal soliste du magnifique hommage qu’avait rendu le Jazz at Lincoln Center Orchestra à John Lewis (voir notre chronique). Malheureusement, Jon Batiste nous rappelle aussi son camarade Trombone Shorty (du même âge), autre prodige de Crescent City, mais ayant fait le choix d’être une vedette de la pop avant d’être un musicien de jazz. Ces contradictions sont résumées dès les deux premiers titres de l’album Hollywood Africans: en ouverture, une bonne composition convoquant ses racines, «Kenner Boogie» (du nom de son quartier de naissance); auquel répond une insipide version de «What a Wonderful World» vidée de sa substance. Le reste du disque cultive cette ambivalence, comme nous l’avions déjà noté dans le compte-rendu du concert que le pianiste avait donné en octobre 2018 à la Cathédrale américaine de Paris (Jazz Hot n°685). Le «en même temps» ne fonctionne pas non plus en musique...

Jérôme Partage

© Jazz Hot 2019

Samuel Martinelli
Crossing Paths

Samba Echoes, Talking About Spring, Bob's Blues, St. Thomas, A Gift For You, Birks' Works, Whispering Loud, Song For Carina
Samuel Martinelli (dm), Claudio Roditi (tp, flh), Tomoko Ohno (p), Marcus McLaurine (b)
Enregistré en juillet 2017, Clifton, New Jersey
Durée: 50’ 40”
Autoproduit (www.samuelmatinelli.com)

Excellent enregistrement d’un batteur qui pour être brésilien n’en joue pas moins un jazz post bop des plus rigoureux dans l’esprit, sans tirer nullement la couverture à lui, ce qui est une qualité supplémentaire. Il s’est intelligemment entouré pour Crossing Paths, son premier enregistrement en leader, de musiciens confirmés dont il est ordinairement le sideman, qu’il connaît donc très bien: le trompettiste Claudio Roditi, un aîné venu comme lui du Brésil, mais en 1970 (Rio de Janeiro, 1946), et qui a une carrière et une discographie impressionnantes dans le jazz auprès d’Herbie Mann, Dizzy Gillespie, Charlie Rouse, Paquito D’Rivera, McCoy Tyner, Kenny Barron, Horace Silver, Jimmy Heath, etc., tout en ayant mené quelques projets en référence à ses racines (Symphonic Bossa Nova, 1995, pour lequel il a reçu un grammy Award).
A la contrebasse, Samuel Martinelli a choisi Marcus McLaurine (1952, Omaha, NE), autre musicien de haut-niveau, qui a commencé un parcours original avec Horace Tapscott dans les années 1970 sur la Côte Ouest, avant de se fixer sur la Côte Est avec Clark Terry dans les années 1980 puis d’accompagner Abdullah Ibrahim dans les années 1990. C’est seulement dans les années 2000 que Marcus McLaurine enregistre ses trois albums en leader (Rough Jazz, 2006), Soul Step (2011) et One Mind (2012). La pianiste Tomoko Ohno, née à Tokyo, n’est plus une inconnue: elle a commencé à enregistrer dès 1997 (Powder Blue), suivi ensuite par des enregistrements réguliers (Affirmation, 1999, Natural Woman, 2000, Shadows of Spring, 2005, In Buenos Aires, 2007, puis From Tokio to Buenos Airesavec le guitariste argentin Ricardo Lew (2011), Tres Sabores (2016), avant un duo avec Jay Leonart, Don’t You Wish, 2018. On le voit, c’est un groupe particulièrement relevé qui entoure les débuts en leader de Samuel Martinelli, au demeurant un fort élégant batteur, tout entier tourné vers la musicalité, vers le jazz et qui nous donne ainsi un bel enregistrement avec un répertoire intéressant, principalement d’originaux bien dans l’esprit post bop («Talking About Spring », «Bob's Blues», «A Gift For You», «Whispering Loud», «Song for Carina»), non sans quelques références aux origines («Samba Echoes»), mais aussi avec deux belles compositions jazz («Birk’s Works» de Dizzy Gillespie et «St. Thomas» de Sonny Rollins, dont le traitement est particulier).
Samuel Martinelli, qui a étudié avec Dennis Mackrel (Count Basie Big Band) est arrivé à New York en 2014, et il a fait de sérieuses études académiques, en dehors de sa participation à la scène de New York où il réside et où il donne aujourd’hui des cours. Un bon premier album pour un batteur qui n’est pas un débutant, et a donc déjà une réelle assurance et solidité en matière de jazz. A découvrir.

Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

Michel Petrucciani
Colours

CD 1: Colors, Looking Up, Rachid*, Hidden Joy, September Second, Brazilian Like, Home, Love Letter, Guadeloupe
Michel Petrucciani (p), Flavio Boltro (tp), Bob Brookmeyer (tb), Stefano Di Battista (as), Eddy Louiss (org)* Anthony Jackson (b), Steve Gadd (dm)
CD 2: Cantabile, Little Peace in C For U**, Trilogy in Blois, Charlie Brown°, Petite Louise*, She Did It Again, Even Mice Dance°, Romantic But Not Blue, Montélimar
Michel Petrucciani (p, org), Stefano Di Battista (as)*, Stéphane Grappelli (vln)**, Anthony Jackson, Dave Holland (b)°, Steve Gadd , Tony Williams (dm)°
Enregistré en 1994 et 1995, Paris, en 1997, Tokyo (Japon), Frankfort (Allemagne), New York
Durée: 52’ 36’’ + 44’ 08’’
Dreyfus Jazz 538459420 (BMG)

A la suite de la parution d’un coffret comprenant l’intégralité des enregistrements de Michel Petrucciani, Complete Recordings (12 CDs + 3 DVDs), que nous avons récemment chroniqué, Dreyfus Jazz a fait paraître un livre-disque d’une ampleur plus modeste, Colours(2 CDs pour 18 titres), prolongeant la commémoration des 20 ans de la disparition du pianiste. Il reste difficile de mesurer l’importance de l’œuvre qu’a laissée Michel Petrucciani tant sa personnalité plurielle a dépassé la seule sphère jazzistique. Si les années OWL sont celles de la mise en place du phénomène avec un jazz authentique, sans fioritures, dont la collaboration avec Lee Konitz sur Toot Sweet et le superbe duo avec Ron McClure (b) sur Cool Blues en sont la quintessence, son arrivée chez Blue Note marqua le développement d’un artiste brûlant la vie par les deux bouts cherchant à séduire un large public tout en étant exigeant artistiquement; l’ensemble demandant un équilibre toujours fragile. C’est dans ce contexte que les projets les plus aboutis se sont révélés, du Power trio avec Jim Hall et Wayne Shorter aux deux trios amenés par les batteurs d’exception que sont Al Foster et Roy Haynes, sur Michel Plays Petrucciani, en passant par les marges du jazz, avec le très beau Music, appartenant à l’univers de la fusion.
La présente compilation s'intéresse tout d’abord au compositeur (il ne s’agit que d’originaux) amoureux de la mélodie qu’était Michel Petrucciani à travers sa dernière période prolifique chez Dreyfus jazz. Une musique organique dominée par un lyrisme exacerbé sans tomber dans le sentimentalisme à l’image de son «Romantic But Not Blue». Et un pianiste à la main gauche incroyable, dont on reconnaissait la signature dès les premières notes, avec une attaque franche et puissante, des fulgurances dont il avait le secret ainsi qu’un jeu rythmique doublé d’un toucher à la fois subtil et plein d’autorité. Coloursmet ainsi en exergue le sens mélodique du Petrucciani-compositeur, de «Cantabile» à «Rachid» en passant par «Charlie Brown» ou «September Second» devenus presque des standards. Les formations à géométrie variable laissent la place à la rythmique Anthony Jackson et Steve Gadd qui lui permet d’évoluer dans un large spectre musical. On retiendra une superbe «Trilogie in Blois» en piano solo, où il démontre toutes les facettes de sa personnalité avec un lyrisme à fleur de peau, doublé d’un swing permanent. L’intérêt d’une telle compilation peut être d’éveiller la curiosité de l’auditeur afin qu’il puise dans la discographie de Michel Petrucciani, que ce soit dans son travail de sideman, comme avec Joe Lovano sur From the Soul (Blue Note: très belle version de «Body and Soul» en duo) ou dans ses enregistrements en solo, telle que sa «Promenade With Duke» (Blue Note) où il revenait sur ses amours ellingtoniens de sa jeunesse. La partie livre de cette compilation contient le témoignage de 40 musiciens actuels à propos de l’influence et des rapports qu’ils entretenaient avec le pianiste.

David Bouzaclou

© Jazz Hot 2019

Louis Hayes/Junior Cook Quintet (featuring Woody Shaw)
At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1976

CD1: All the Things You Are, When Sunny Gets Blue, Moontrane
CD2: Pannonica, Ichi-Ban, Moment to Moment, Four for Nothing
Louis Hayes (dm), Junior Cook (ts), Woody Shaw (tp),
Enregistré le 11 mars 1976, Hambourg (Allemagne)
Durée: 54’ 29” + 1h 00’ 31
NDR Info/Jazzline PÖ N77062 (Socadisc)

James Booker
At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1976

Roberta/Tell Me How You Feel, Every Day I Have the Blues, Classified, One Hell of a Nerve, Keep on Gwine, Rockin' Pneumonia and the Boogie Woogie Flu, Please Send Me Someone to Love, All By Myself, Ain't Nobody's Business, Something You've Got, My Bonnie, Live, Junco Partner, Let's Make a Better Work, Lonely Avenue & Stormy MondayJames Booker (p, voc)
Enregistré le 27 octobre 1976, Hambourg (Allemagne)
Durée: 1h 11’ 28”
NDR Info/Jazzline PÖ N77061 (Socadisc)

Louisiana Red
At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1977

CD1: Announcement, The Whole World, I Wonder Who Is Loving You Tonight, Midnight Rambler, When My Mama Was Living, Red's Dream # 2, Red's Boogie, Crime Emotion, Good God Woman, Alabama Train, Soon One Morning, Travelling Boogie, Death of Ealase
CD2: Sweet Blood Call, Goin 'Down to Lousiana, Rock Me, Too Poor to Die, Who's Been Foolin You, Louise, Recreation Blues, Honky Tonk Slide, Can't Get no Sleep at Night Louisiana Red (g, voc)
Enregistré le 14 juin 977, Hambourg (Allemagne)
Durée: 47’ 03” + 42’ 28”
NDR Info/Jazzline PÖ N77064 (Socadisc)

Timeless Allstars
At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1982

Tokudo, My Foolish Heart, Clockwise, Mapenzi
Curtis Fuller (tb), Harold land (ts), Cedar Walton (p), Bobby Hutcherson (vib),
Buster Williams (b), Billy Higgins (dm)
Enregistré le 5 avril 1982, Hambourg (Allemagne)
Durée: 1h 15’ 20”
NDR Info/Jazzline PÖ N77063 (Socadisc)

Retour, par l’édition phonographique de quatre albums, sur une belle histoire du jazz en Europe à l’initiative d’amateurs de jazz, Bernd Cordua et Peter Marxen qui avaient précédemment monté le Jazzhouse, sur Brandstwiete, une rue de la haute-ville d’Hambourg: l’aventure d’Onkel Po’s Carnegie Hall, familièrement appelé Onkel Pö, un lieu consacré au jazz, s’étendit du 1_^er octobre 1970 au 1_^erjanvier 1986, et connut plusieurs acteurs et plusieurs implantations dans la ville d’Hambourg. A l’origine sur Mittelweg, une rue dans le quartier Pöseldorf (d’où le nom Onkel Pö), le club déménagea rapidement à Eppendorf, un autre quartier de la ville et devint un des lieux du New Jazz Festival d’Hambourg, sous la seule direction de Peter Marxen jusqu’à 1979, où le club connut une nouvelle direction avec Holger Jass qui en fit un lieu de jazz et de rock, aidé par Andreas Kiel pour la programmation. Au cours de cette quinzaine d’années, le lieu a présenté sur sa scène les meilleurs groupes de jazz, dont on distinguera, parce qu’il est difficile d’en faire une liste complète: Chet Baker, Art Blakey, Michael Brecker, Dollar Brand, Don Cherry, Chick Corea, Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Louis Hayes, Joe Henderson, Bobby Hutcherson, Woody Shaw, Archie Shepp, Horace Silver, et beaucoup d’autres encore. En fait, c’est une suite ininterrompue de all stars pour une programmation en club qui fait rêver et rappelle qu’à Hambourg, comme à Paris et à Londres mais aussi dans d’autres villes moins importantes comme Marseille voire plus petites encore, ces all stars pouvaient alors se produire en club ou en salle.
La couleur était jazz et n’oubliait pas le blues comme nous le rappelle cette sortie de quatre albums avec le Quintet de Louis Hayes/Junior Cook, le Timeless All-Stars (Bobby Hutcherson/Harold Land/Curtis Fuller/Cedar Walton/Buster Williams/Billy Higgins) produits par le très actif, en ces temps, tourneur et producteur Wim Wigt (Timeless Records), mais aussi Louisiana Red et James Booker deux authentiques bluesmen. La musique jazz-blues et hotavait donc la vie plutôt belle en ces années, parce que les coûts étaient suffisamment raisonnables pour permettre à des indépendants de telles affiches (sans parler du bureaucratisme et du parasitisme institutionnels qui ont tué les initiatives d’indépendants après), et qu’un public très branché jazz de culture était encore assez savant et nombreux pour remplir des salles, des clubs et des festivals aux tailles conformes à l’esprit du jazz, un public spécialisé pas encore dégoûté par les dérives d’une programmation mercantile, pas encore un public de mode ou lobotomisé par la normalisation consumériste.
Onkel Pö's © photo X, image extraite du livret des disques

Onkel Pö's © photo X, image extraite du livret des disques

Dans ce qui a été considéré comme un creux, après le trou d’air des années 1960 et du début 1970, c’est ainsi que le jazz a pu redémarrer avec des indépendants pointus en matière de jazz, aussi bien du côté des labels (Timeless, Black & Blue, Muse et d’autres) que des programmateurs de festivals, de clubs et de concerts. C’est dans ce renouveau qu’a pu s’inscrire la génération Marsalis qui dure encore et plus largement toutes les bonnes formations all stars, post bop en particulier, qui ont enrichi les programmes des quarante dernières années. Ce sont, encore ici comme dans les années 1940-1950, les indépendants qui ont redonné au jazz un nouveau souffle, avant que les majors, la grande distribution, les institutions étatiques (en France en particulier à partir de 1981 et Jack Lang) et la société de consommation de masse mondialisée ne laminent tout sur leur passage, et surtout l’indépendance, la liberté artistique et des esprits.Cela dit pour restituer l’atmosphère de l’époque d’Onkel PÖ's, qui a eu quelques équivalents un peu partout en Europe, déjà oubliée par les amateurs, et comme la réécriture en est déjà faite par les acteurs actuels de la normalisation, aussi bien dans le cadre institutionnel (universitaire) que dans le cadre médiatique, autant laisser, à l’occasion de ces chroniques quelques traces d’une histoire alternative pour ceux qui ont envie d’aller plus loin que la consommation et la normalisation.
Sur le plan musical, ce qui réunit ces 4 enregistrements (6 disques), c’est l’intégrité et l’authenticité des artistes, jazz, blues, blues jazz, comme on voudra, dans une démarche artistique exigeante pour un public avide de cette fraîcheur.Si on s’arrête sur chacun des enregistrements, on ne manquera pas de noter l’excellence des deux all stars post bop, avec une majorité de musiciens qui ont aujourd’hui disparu: Woody Shaw, Junior Cook, Ronnie Mathews, pour le Quintet de Louis Hayes, il nous reste Louis Hayes (cf. Jazz Hot n°685, 2018), Stafford James, et pour le Timeless All Stars ont disparu Bobby Hutcherson, Harold Land, Cedar Walton, Billy Higgins, mais il reste Curtis Fuller et Buster Williams. Le temps passe. Ces deux enregistrements offrent de belles atmosphères, avec des thèmes qui s’étendent au-delà des 10 minutes, parfois même des 20 minutes, pour permettre l’expression de chaque instrumentiste, et quand le niveau est aussi relevé, on comprend l’intérêt de ces enregistrements, car, comme disait Louis Hayes, en matière de jazz, s’il y a un leader de séance, tous sont responsables de la musique au même degré.
Les deux enregistrements de blues sont deux solos: le pianiste et chanteur néo-orléanais, James Booker, disparu en 1983. Il porte son origine néo-orléanaise dans son expression, et c’est un pur plaisir de l’écouter en solo. Le second enregistrement remet en mémoire le grand Louisiana Red. Son imposante et belle discographie retrace un parcours artistique d’une richesse étonnante. Il a aussi disparu en 2012, à Hanovre en Allemagne, non loin d’Hambourg. Ses deux disques sont aussi un vrai régal de naturel de l’expression. Le blues dans ce qu’il a d’essentiel.
Ces albums sont donc non seulement indispensables, pris un par un par le talent extraordinaire au service d’une expression authentique qui y est gravée, mais aussi parce qu’ils réactivent la mémoire d’une aventure humaine, celle d’un club, d’une époque qui, loin de l’événementiel obscène actuel, a installé les conditions d’un renouveau du jazz, un héritage en péril sur lequel les amateurs et les artistes de jazz sincères vivent encore. Signalons que, dans cette série At Onkel Pö, il existe bien d’autres enregistrements que nous n’avons pas reçus: Elvin Jones, Freddie Hubbard, Albert Collins, Esther Phillips, Chet Baker, Johnny Guitar Watson, Johnny Griffin, Woody Shaw, Dizzy Gillespie… Une vraie mine de jazz!

Yves Sportis

© Jazz Hot 2019

Martial Solal
And His Orchestra 1956-1962

Titres communiqués sur le livret
Roger Guérin (tp, cnt, flh), Fred Gérard, Robert Fassin, Maurice Thomas, Georges Gay, Bernard Hulin, Fernand Verstraete, Christian Bellest, Jean Garrec, Pierre Sellin (tp), André Paquinet, Raymond Katarzynski, Billy Byers, Benny Vasseur, Charles Verstraete, Nat Peck, Guy Destanque, Luis Fuentes, Bill Tamper, Gaby Vilain (tb), André Fournier (frh), Pierre Gossez (ss, bar, bs), Hubert Rostaing (as, cl), Jo Hrasko (as, ss), Teddy Hameline, Jean Aldegon, René Nicolas (as), Georges Grenu (as, ts), Lucky Thompson, Jacques Ferrier, Barney Wilen, Jean-Louis Chautemps (ts), Armand Migiani (ts, bs), William Boucaya, Michel Cassez (bs), Martial Solal (p, harpsichord), Pierre Cullaz (g), Benoît Quersin, Pierre Michelot, Guy Pedersen (b), Christian Garros, Kenny Clarke, Daniel Humair (dm)
Enregistré: le 30 mai 1956, 13 juillet 1957, 1958, 2 mars 1962, Paris
Durée: 45’ 03’’
Fresh Sound Records 980 (Socadisc)

C'est la réédition du LP Martial Solal et son Grand Orchestre (Swing LDM 30.099), des 45 tours Quelle heure est-il (Vogue EPL 7259) et Mister Solal (Columbia ESDF 1412). Comme nous l'avons dit à propos de Guy Lafitte, les firmes de disques n'hésitaient pas, en ce temps-là, à enregistrer copieusement la fine fleur française. Le caractère indispensable vaut ici pour Martial Solal, certes, mais aussi pour Roger Guérin, présent dans les cinq séances (c'est dire!) et pour l'époque qui constitue un sommet culturel notamment en musique, pas seulement de jazz. Ce sont ici des grands orchestres de studio. On sait qu'à partir de 1981, Solal a monté un big band régulier, mais même s'il y a toujours Roger Guérin, les générations d'artistes d'alors, certes d'un niveau technique hors norme, n'ont plus l'élan ternaire naturel des générations actives dans les années 1950 et la première moitié des années 1960. Un feeling perdu, un art de la mise en place contesté au profit d'une «binarisation» anti-swing (bien que rythmique comme les marches militaires). C'est pour cela que nous avons cités tous les intervenants dans cette réédition. Ces mêmes artistes passaient de Bolling à Solal sans problème. Martial Solal est présenté aujourd'hui comme le maître d'œuvre d'un modernisme à la française, avec André Hodeir. Avec le recul, on voit ce qui reste de chacun à l'avantage de Solal. Il est juste de dire, pour avoir connu certains de ces musiciens, que leur enthousiasme à jouer ces œuvres pouvait être modéré (sauf chez Guérin). Mais, Solal, très bon instrumentiste, apte au swing, remportait respect et une meilleure adhésion.
Toutes les compositions et les arrangements sont de Solal. La séance de 1956, autour du temps, propose quatre titres qui sont des pièces pour piano solo et orchestre. Martial Solal, seul soliste, joue avec sobriété et swing. Les orchestrations sont fouillées et intriquées («Midi 1/4»). L'écriture pour section de sax est bien balancée parfois mêlée à une trompette (Guérin, «Horloge parlante»). Dans tous ces titres le piano alterne avec l'orchestre, parfois brièvement («Dernière minute»: 1’59’’). Solal impose un jeu musclé à la section de trompettes («Au quatrième top») menée par Fred Gérard (les aigus précis) et Robert Fassin. Ce 45 tours a reçu le Grand Prix du Disque 1957 de l'Académie Charles Cros pour le «Jazz Français» qui a une couleur West Coast (mode du moment). Dans la même esthétique, Martial Solal propose 3 titres en 1957. L'écriture est encore plus complexe. Le son orchestral est massif avec une palette de registre très grande du suraigu de Fred Gérard à la profondeur caverneuse de Pierre Gossez au sax-basse («Fantasque»). Pierre Michelot et Kenny Clarke sont parfaits derrière le solo de Solal dans «Blouse Bleue» (Clarke a droit à un break!). Enfin, Roger Guérin est soliste dans «Alhambra» en dialogue avec la section de sax (écriture digne de Benny Carter). Les trois titres suivants sont toujours conçus pour piano et orchestre (plus réduit avec Roger Guérin qui assure le lead). Comme Shorty Rogers, Solal utilise discrètement la couleur du cor (André Fournier de l'Orchestre National). Le passage écrit de 1’47’’ à 2’06’’ dans «Tourmenté» est un motif qui sera repris en quartet dans la Suite en ré bémol l'année suivante. Le drumming de Kenny Clarke est de classe dans «Special Club» et «Middle Jazz». La même année 1958, Solal réalise trois autres titres pour huit cuivres (Fred Gérard et Robert Fassin, lead tp) et trio (Solal, Michelot et Kenny Clarke). Il travaille les couleurs orchestrales car le principe reste l'alternance entre masse sonore et piano. On appréciera le travail de Pierre Michelot et Kenny Clarke derrière le piano dans «Yes or No». Le travail est exigeant pour les cuivres notamment dans «In the Moon» où Kenny Clarke a droit à des breaks. En 1962, Solal reste fidèle à ses brisures de tempo qui sont sa signature, mais il développe les alliages de son. Roger Guérin au cornet avec sourdine harmon et Pierre Gossez au soprano sont très présents (le bugle que dans «Petite poupée»). On remarque le passage écrit pour cornet/soprano/guitare dans «Basie-Likes». L'écriture pour section de sax est à signaler dans «18+1» (c'est à dire l'orchestre+Solal qui est tatumien dans son solo). Jean-Louis Chautemps (ts) a droit à de très courts solos («Basie-Likes», «Mystère Solal» –notez le clavecin en intro). Enfin, c'est Georges Gay qui est lead et assure le suraigu dans «A titre indicatif» qui est bref (0’45’’!). La concision de ce travail orchestral savant (le morceau le plus long fait 3’08’’) est une leçon pour les «créateurs» d'aujourd'hui qui devraient aussi retenir du Solal de cette époque que la recherche est compatible avec le swing. A réécouter.

Michel Laplace

© Jazz Hot 2019

Marco Trabucco
Meraki

A Woman Is Sometime Thing, Moonlight in Vermont, Blues in the Night, Old Devil Moon, Born to Be Blue, A Tisket, a Tasket, It Ain’t Necessarily So, Stompin’ at the Savoy, Bess’ Cat
Bastien Ballaz (tb), Jon Bouteiller (ts), David Enhco (tp), Frédéric Nardin (p), Patrick Maradan (b), Romain Sarron (dm), Cécila Kaméni (voc), reste du personnel détaillé dans le livret
Enregistré en 2018, Paris
Durée: 35’ 40’’
Nome 013 (L’Autre Distribution)

The Amazing Keystone Big Band
La Voix d'Ella

Titres et personnel détaillé dans le livret
Date et lieu d’enregistrement non précisés
Durée: 39’ 35’’
Nome/Gautier-Languereau (L’Autre Distribution)

Après avoir célébré Django, The Amazing Keystone Big Band a rendu hommage à Ella Fitzgerald dans la foulée de l’année de son centenaire. Pièce maîtresse de cette évocation, l’excellente Célia Kaméni (née en 1991) est originaire de Lyon, comme toute une partie de l’orchestre. La chanteuse, qui a fait ses études musicales entre 2010 et 2015 a participé à divers projets autour du jazz (avec des dominantes parfois soul ou hip-hop) et participe à l’aventure du Keystone depuis l’origine (2010); toujours basée dans la région lyonnaise, on la retrouve régulièrement auprès des pianistes Alfio Origlio et Vincent Périer (voir notre récente chronique). Célia Kaméni porte ainsi haut les couleurs du jazz vocal et donc de sa représentante la plus exceptionnelle, sans chercher à s’en rapprocher. Le choix des titres, se rapportant à de célébrissimes versions («Moonlight in Vermont», etc.) que chacun a en tête, suffit. Célia Kaméni a une belle personnalité musicale, pleine de caractère, passant avec aisance du blues («Blues in the Night») à la suavité d’une ballade («Born to Be Blue»). Quant à l’orchestre, impeccable, il sert la musique et sa vocaliste avec un grand professionnalisme. Les beaux arrangements, que l’on doit conjointement aux quatre fondateurs et directeurs musicaux du big band (Bastien Ballaz, Jon Bouteiller, David Enhco et Fred Nardin) sont également à la hauteur du répertoire (réjouissante version new orleans de «A Tisket, a Tasket»). Le seul instrumental du disque, «Stompin’ at the Savoy», introduit avec swing et élégance par Fred Nardin, permet d’ailleurs d’apprécier les qualités de cet ensemble dont les membres ont, pour la plupart, une trentaine d’années. A noter également un bon original, «Bess’ Scat».
Décliné en conte musical avec La Voix d’Ella (dont nous n’avons eu connaissance que de la version CD), l’enregistrement se trouve agrémenté de plages narratives assurées par le comédien Vincent Dedienne. L’histoire (écrite par Philippe Lechermeier) –mettant en scène la jeune Bess, orpheline afro-américaine vivant dans l’Alabama des années 50 et qui rêve de chanter comme Ella Fitzgerald– est l’occasion de quelques points didactiques bienvenus à l’attention du jeune public. Dans la très inégale production des disques-livres-spectacles jazz pour enfants, La Voix d’Ella tire sans difficulté son épingle du jeu.
The Amazing Keystone Big Band et Cécila Kaméni seront encore sur les scènes des festivals cet été: à aller écouter en famille, cela plaira aux amateurs comme aux non-initiés.

Jérôme Partage

Grant Green
Funk in France: From Paris to Antibes (1969-1970)

CD1: I Don't Want Nobody to Give Me Nothing (Open Up the Door I'll Get It Myself), Oleo, How Insensitive (Insensatez), Untitled Blues, Sonnymoon For Two, I Wish You Love*, Upshot
Grant Green (g), Larry Ridley (b), Don Lamond (dm), Barney Kessel (g)*
CD2: Hurt So Bad, Upshot, Hi-Heel Sneakers
Grant Green (g), Claude Bartee (ts), Clarence Palmer (org), Billy Wilson (dm)
Enregistré les 26 octobre 1969, Paris et les 18 et 20 juillet 1970, Antibes-Juan-les-Pins (06)
Durée: 56’ 36” + 1h 01’ 37”
Resonance Records 2033 (Bertus France)

Grant Green
Slik! Live at Oil Can Harry's

Now's The Time, How Insensitive (Insensatez), Medley (Vulcan Princess, Skin Tight, Woman's Gotta Have It, Boogie on Reggae Woman, For the Love of Money)
Grant Green (g), Emmanuel Riggins (p), Ronnie Ware (b), Greg Vibrations Williams (dm), Gerald Izzard (perc)
Enregistré le 5 septembre 1975, Vancouver (Canada)
Durée: 1h 07’ 05”
Resonance Records 2034 (Bertus France)

Grant Green, c’est une icône du jazz, du label Blue Note en particulier, dont il fut l’un des piliers de la grande époque du début des années soixante, en leader et en sideman de l’une des très nombreuses séances où il côtoie Lou Donaldson, Hank Mobley, Horace Parlan, Ike Quebec, Jimmy Smith, Herbie Hancock, Joe Henderson, Big John Patton, Don Wilkerson, Bobby Hutcherson, Lee Morgan, Stanley Turrentine, Baby Face Willette, Jack McDuff, Larry Young, etc. Il fait donc partie de la grande histoire. Grant Green, c’est le blues, la mélodie, la beauté, la single note chargée d’expression, c’est la recherche de l’épure même si ses moyens lui ont permis de se faire plus démonstratif dans sa deuxième manière (illustrée dans ces productions à partir de 1970). Grant Green, C’est aussi un beau numéro de Jazz Hot (n°570), avec une discographie détaillée et illustrée pour retracer un parcours raconté par son fils, entre autres.
Et justement, voici deux éditions et trois disques (un double et un simple) groupant plusieurs sessions inédites en live –un événement jazzique donc– pour compléter la discographie que nous avons publiée, et la connaissance de son œuvre.
La première session fut enregistrée en France, au studio 104 de la Maison de la Radio, à l’ORTF (la radio-télévision française de l’époque), en public, le 26 octobre 1969. C’est une version assez classique de Grant Green, dans la lignée de la production Blue Note, avec des thèmes n’excédant pas les 8 minutes, même en concert. Dans ce même coffret, figurent, sur le second disque et pour des raisons de place, en dernier thème du premier disque, les deux concerts des 18 et 20 juillet 1970 au Festival international de Jazz d’Antibes-Juan-les-Pins, restituée ici grâce à l’Ina (institut national de l’Audiovisuel). Pour l’occasion, les thèmes se sont considérablement allongés, comme c’était dans l’air de ce temps (de 14 à 27 minutes, selon le cas), et ce qui nous vaut le titre de «Funk in France», la matière s’est faite moins épurée, même si le blues reste l’inspiration principale. Grant Green sur le plan stylistique y fait plus étalage de sa virtuosité et la musique perd en musicalité ce qu’elle gagne en longueur. Cette seconde manière de Grant Green va accompagner sa seconde partie de carrière, avec des moments très nettement à vocation commerciale.
Le disque de 1975 propose un enregistrement effectué dans un club de Vancouver, au Canada, le Oil Can Harry's. C’est la dernière session en live connue à ce jour, puisque les trois autres disques postérieurs (1976 et 1978) seront enregistrés en studio. Dans le cadre club, on a droit aux deux manières de Grant Green: de longs thème, avec tout d’abord une thématique jazz («Now’s Time»), dans une version assez classique, un très long (26’) mais classique et épuré «How Insensitive», avant de revenir à sa manière funk sur un medley de plus d’une demi-heure.Le matériel restitué ici est conforme à ce qu’on sait du parcours du grand guitariste, avec cette élégance, cette beauté mélodique et cette sonorité raffinée, ces accents du blues derrière chaque note, avec quelques originalités comme l’apparition de Barney Kessel au studio 104, ou certaines recherches comme le concert d’Antibes et le medley du second disque, Slick!, à Vancouver, où Grant Green démontre que pour avoir fondé un style à nul autre pareil, il n’en a pas moins été sensible aux évolutions du jazz de son temps, aux sirènes de la musique commerciale parfois, et à titre personnel, votre serviteur préfère la première manière de Grant Green.
Grant Green, né à St. Louis le 6 juillet 1931, devait décéder le 31 janvier 1979 à 48 ans, et sa mort prématurée nous a privés de beaucoup de belle musique. Ces sorties sont d’autant plus bienvenues. Signalons l’excellente production qui accompagne ces deux sorties: des livrets consistants avec des interventions de Michael Cuscuna, A. Scott Galloway, des interviews par Zev Feldman, le producteur, de Greg Green (Grant Green Jr.), de Clarence Palmer, d’Emmanuel Riggins (qui ont accompagné Grant Green), d’Eric Krasno (sur l’évolution du style de Grant Green) et d’autres intervenants comme Gary Barclay, un DJ canadien, car la musique de Grant Green est l’une des plus réutilisées par les DJ dans le monde, comme celles des organistes du label Blue Note en général, de Lou Donaldson, Donald Byrd et quelques autres.
Il y a donc beaucoup de contenus et pas seulement musicaux, mais aussi savants, dans cette excellente production.

Yves Sportis

Maurice Frank
Mad Romance and Love

Dream Dancing, How Littel We Know (How Little It Matters), Slow Hot Wind, Don't Worry 'Bout Me, Day Dream, Save Your Love For Me, Yesterdays, Yellow Days, Baubles Bangles and Beads, She's Funny That Way, In My Life, On The Street Where You Live
Maurice Frank (voc), Eric Alexander (ts), Aaron Heick (ss, cl, fl), Paul Meyers (g), John Di Martino (p, arr), Luques Curtis (b), Obed Calvaire (dm), Samuel Torres (perc)
Enregistré en 2018, Paramus (New Jersey)
Durée: 49' 33''
Jumo Music 1007 (www.mauricefrank.com)

Voici une bien belle découverte que ce chanteur originaire de New York, ayant grandi dans le quartier de Park Hill de Yonkers à l'est de South Broadway. Il y passe sa jeunesse à écouter Ray Charles, Nat King Cole, Tony Bennett ou Mel Tormé avant d’étudier le saxophone ténor et la batterie. Il s’oriente peu à peu exclusivement vers le chant, s’imprégnant des vocalistes des années 50 et 60, se produisant localement dans des formations amateurs avant de se consacrer exclusivement à sa famille. Maurice Frank est un artiste à part dans l’univers du jazz: ce chanteur d’exception vient de sortir son premier album après une parenthèse de trente-sept ans autour d'un heureux mariage qui ne lui laissa pas l'opportunité de vivre sa passion pour la musique. Son arrivée tardive sur la scène séduit Benny Green (p) –expert en la matière–, lui qui a accompagné Betty Carter et Etta Jones.
Pour cet opus, Maurice Frank s’est entouré de solides musiciens de la scène new-yorkaise dont le pianiste et arrangeur John Di Martino ou le saxophoniste ténor Eric Alexander. Un répertoire de standards revisités avec brio et originalité. «Slow Hot Wind» d’Henry Mancini aux couleurs latines avec un beau chorus d’alto flute d’Aaron Heick annonce le très relax «Don’t Worry’Bout Me». Il y a chez «Moe» (surnom de Maurice Frank dans le milieu du jazz), une sorte de relâchement et cette façon de laisser traîner la note à la Sinatra avec un sens du swing remarquable, notamment sur sa version de «Day Dream» prise sur un tempo plus rapide qu’à l’accoutumée. Il y a du Kurt Elling également dans cette façon d’appréhender un standard avec un lyrisme exacerbé tel un instrumentiste loin de toute virtuosité facile. Un style qu’il revendique lorsqu’il affirme que «la meilleure façon de démontrer comment certains des grands musiciens et chanteurs de jazz m’ont inspiré et leur témoigner du respect, est de toujours avoir conscience de leur influence constante lors de mes interprétations. Cela m’aide à garder de la fluidité et de la fraîcheur. Pour rendre justice à un thème, vous devez comprendre le groove lyrique ainsi que l’aspect mélodique». Le sommet du disque étant ce superbe duo avec la contrebasse de Luques Curtis sur «How Little We Know» où «Moe» donne au texte une nouvelle dimension avec un swing omniprésent.
On est proche de l’indispensable.

David Bouzaclou

Mike Bogle Trio
Dr. B!

Cherokee, Ralph's Piano Waltz, Splanky-Route 66 (Medley), On the Street Where You Live, Walkin'
Mike Bogle (org, voc), Rich McLure (g), Ivan Torres (dm)
Date et lieu d'enregistrement non précisés
Durée: 33’ 28”
Autoproduit (www.mikebogle.com)

Disque autoproduit, on ne découvre pas grand-chose sur le livret qui nous permette de situer l’auteur de cet enregistrement de courte durée mais de bon niveau sur le plan technique. Sur son site, le long curriculum vitae nous apprend que Mike Bogle est diplômé de North Texas University et qu’il a bien œuvré pour l’arrangement, la pédagogie et les institutions musicales de son pays, avec quelques récompenses. Il a écrit aussi sur la musique, et doit avoir la quarantaine.
Ici à l’orgue Hammond B3, il propose en trio, avec un batteur et un guitariste, une musique s’inscrivant «techniquement» dans le jazz et la tradition de l’orgue Hammond, avec sans doute la volonté de mieux se faire connaître comme professionnel de ce type de musique. Il est sans aucun doute un bon professionnel de la musique, capable de faire dans le jazz, mais il devrait, c’est un conseil, orienter sa réflexion, son abord du jazz et sa présentation différemment, car le jazz n’est pas un métier ni un genre, mais une expression artistique avec une histoire. Le disque n’est donc pas un produit promotionnel de ce qu’on «sait faire» mais le résultat d’un choix de vie à un instant précis déterminant une expression. On part donc de loin et l’université du North Texas a dû oublier quelques enseignements dans son cursus.

Yves Sportis

Philippe Petit Trio
A Beautiful Friendship

Une nuit au violon, Django, Minor Swing, Round Midnight, Bowing Bowing, C Jam Blues,
Yesterday, Lady Be Good, Donna a Fiori, You'se a Viper, Pent up House
Bastien Ribot (vln), Mathias Levy (vln), Emile Melenchon (g), Maxime Berton (ts, ss), Laurent Coulondre (org), Gautier Garrigue (dm)
Enregistré en janvier 2018, Villetaneuse (93)
Durée: 55’ 21”
Frémeaux et Associés 8556 (Socadisc)

Un disque décevant dans la tradition de Django, c’est rare mais ça arrive, et sans doute est-ce un problème de jeunesse et d’état d’esprit plus que de capacité technique. La présence d’Emile Melenchon sur trois pièces relève la qualité d’expression, et Laurent Coulondre est lui-même bon organiste comme Gautier Garrigue est bon batteur. Mais à trop vouloir montrer, on ne démontre pas grand-chose malgré les stickers de récompenses qui encombrent le visuel, et malgré une sélection de beaux thèmes qui aurait dû valoir un bon disque et qu’on n’a pas le droit de mal traiter de cette façon. Question d’âme. On sauvera de l’ensemble «Django» pour Emile Melenchon et «Pent Up House» pour le duo bien enlevé à deux violons avec Mathias Levy.

Yves Sportis

Scott Reeves Jazz Orchestra
Without a Trace

Speak Low, Without a Trace, All or Nothing at All, Incandescence, Juju, Shapeshifter, Something for Tadd
Scott Reeves (dir, tb, aflh, arr), tp: Seneca Black, Nathan Eklund, Chris Roger 1-4, Bill Mobley 5-6, Andy Gravish; tb: Tim Sessions, Matt McDonald, Matt Haviland, Max Siegel (btb); Steve Wilson (as,ss,fl), Vito Chavuzzo (as, fl), Rob Middleton (ts, cl), Tim Armacost (ts), Terry Goss (bar) 1-4, Jay Brandford (bar) 5-7, Carolyn Leonhart (voc) 2
Enregistré en janvier 2015 et janvier 2017, New York
Durée: 51’ 50”
Origin Records 82752 (www.originarts.com)

Excellent enregistrement d’un big band new-yorkais sous la baguette de Scott Reeves, auteur d’arrangements originaux d’une facture moderne se plaçant dans le prolongement des orchestrations de Gil Evans, Bob Brokmeyer, autrement dit des arrangement savants, même si le dernier thème en hommage à Thad Jones est arrangé de manière plus conforme à l’esprit du Thad Jones-Mel Lewis Big Band, comme «All or Nothing at All». Jim McNeely est salué par Scott Reeves comme inspirateur des compositions. Le leader tire également sa révérence à Duke Ellington, et sa bonne utilisation des qualités particulières des instrumentistes peut y faire penser, même si le répertoire et l’esprit sont plus loin de cet ensemble. Si l’écriture est sophistiquée, précise, elle laisse beaucoup de place aux solistes comme Steve Wilson, Jim Ridl, Scott Reeves lui-même au trombone, etc. Le big band respire le travail d’une mise en place aboutie et une grande liberté d’expression. Le disque est donc une parfaite réussite par un musicien exigeant. La liste des participants à ce big band ne laisse planer aucun doute sur le professionnalisme de Scott Reeves, avec dans les différentes sections des musiciens aussi pointus que Steve Wilson, Bill Mobley, Seneca Black, Jim Ridl…
Ce qui s’explique car Scott Reeves a non seulement étudié de manière approfondie mais est lui-même enseignant de jazz et il publie des arrangements. Originaire de Chicago, il a fréquenté l’Indiana University où il a obtenu ses diplômes pour le trombone et ses études de jazz. Il a étudié l'improvisation avec David Baker, Woody Shaw et Kenny Werner, l’arrangement avec Manny Albam, Mike Abene, Jim McNeely, Mike Holober et le trombone avec Thomas Beversdorf, Lewis Van Haney et Dennis Smith. Scott Reeves enseigne depuis 1976 le jazz au niveau universitaire et actuellement au City College de New York. Il a précédemment occupé des postes à la Juilliard School, à l'Université du sud du Maine, à la Virginia Commonwealth University, à la Memphis State University et à la Western Washington University. Scott Reeves présente fréquemment des ateliers et des concerts aux Etats-Unis, au Canada, au Japon, en Italie, et il participe au BMI Jazz Composers Workshop à New York en tant que compositeur.
En dehors de cet excellent Without a Trace, signalons la sortie en 2016 de Portraits and Places par le même big band de Scott Reeves. Scott Reeves ne se limite pas au big band, il a enregistré en quintet (Shape Shifter), Congressional Roll Call (Bill Mobley, James Williams et Kenny Werner), Tribute (quatre trombones, les Manhattan Bones). En sideman, on le retrouve avec Dave Liebman et Bill Mobley. Un bel enregistrement.

Yves Sportis

Wynton Marsalis Septet
United We Swing

The Last Time, It Takes a Lot to Laugh It Takes a Train to Cry, I’m Gonna Move to the Outskirts of Town, I’m not Rough, Creole Love Call, Milk Cow Blues, I’m Gonna Find Another You, My Baby Don’t Tolerate, The Worst Thing, Please Baby Don’t, Mean Old Man, Are You Gonna Go My Way, Fool’s Paradise, Empty Bed Blues*, I Wish I Knew How It Would Feel to Be Free, What Have You Done?**
Wynton Marsalis (tp, p*, voc**) et selon les morceaux Wycliffe Gordon, Ronald Westray (tb), Wess Anderson, Fab Dupont (as), Victor Goines (ts, cl), Doug Wamble, Mac McAnally (g), Dan Nimmer, Eric Lewis, Richard Johnson, Jon Batiste (p), Carlos Henriquez, Reginald Veal (b), Herlin Riley (dm), Robert Greenidge (steel drums) + divers invités précisés dans le livret
Enregistré le 2 juin 2003, le 7 juin 2004, le 6 juin 2005, le 5 juin 2006 et le 14 mai 2007, New York
Durée: 1h 10’ 39’’
Blue Engine Records 011 (www.jazz.org/blueengine)

Depuis 2015, le programme Jazz at Lincoln Center possède son propre label, Blue Engine Records, lequel s’est donné pour objectif essentiel de mettre à disposition des amateurs des enregistrements live du Jazz at Lincoln Center Orchestra et d’autres formations autour de Wynton Marsalis. On imagine, en plus de trente ans d’activité, les trésors qui doivent sommeiller dans les archives de JALC dont la qualité et la densité de programmation font rêver. Blue Engine Records est ainsi aujourd’hui à la tête d’un catalogue d’une bonne dizaine de références (qu’on peut désormais se procurer directement sur sa boutique en ligne) dont on attend qu’il continue de s’enrichir de belles sessions, en particulier de celles revêtant un caractère historique (comme le concert de Betty Carter de 1992 édité par le label en début d’année).
Avec United We Swing, Blue Engine Records propose son premier «best of», lequel se heurte aux limites inhérentes à ce type de production. Il s’agit d’un florilège portant sur cinq soirées de concert sous l’égide du Wynton Marsalis Septet (les quatre premières captées à l’Appolo Theater, la dernière au Lincoln Center). Si le livret (qui malheureusement se contente de renseigner le détail des différents orchestres) ne redonne pas le contexte de ces cinq soirées, dont les extraits sont livrés dans le désordre, on comprend que chacune d’elle a réuni plusieurs «special guests» autour du septet. Par exemple, on retrouve, sur le même concert du 2 juin 2003, Ray Charles (p, voc, titre 3: «I’m Gonna Move to the Outskirts of Town»), Eric Clapton (eg, voc, titre 4: «I’m not Rough»), Audra McDonald (voc, titre 5: «Creole Love Call»), Willie Nelson (eg, voc, titre 5: «Milk Cow Blues») et Carrie Smith (voc, titre 14: «Empty Bed Blues»); on conclut ainsi à la thématique plutôt blues de cette soirée (le blues étant la dominante forte de l’album). Par ailleurs, la présence d’invités «hors jazz», dont certains à forte notoriété, comme Bob Dylan ou Lenny Kravitz, peut laisser à penser que cette compilation est aussi un produit marketing, avec un potentiel de ventes plus élevé, de même qu’un outil promotionnel pour le JALC auprès du grand public. Pour autant, compte tenu du niveau des solistes du septet et du répertoire proposé, cet album reste un disque de jazz et même globalement un bon disque de jazz, malgré quelques faiblesses selon la nature des guests.
Evidemment, c’est bien meilleur quand le septet de Wynton Marsalis donne la réplique à un artiste de la dimension de Ray Charles qui nous livre ici un blues intense. On peut en dire autant de la chanteuse Carrie Smith (1925-2012), laquelle n’interprète pas le blues, mais le parle tout simplement. Sa voix chaude est excellemment soutenue par Wynton Marsalis, ici au piano, et nourrie du dialogue avec le trombone (et sourdine) de Ronald Westray, qui chante comme une seconde voix. On a également droit à une superbe version de «Creole Love Call» par la comédienne et chanteuse Audra McDonald (née en 1970) qui mêle les qualités techniques d’une grande voix d’opéra et l’expressivité afro-américaine. Le groupe vocal Blind Boys of Alabama (Clarence Fountain, Jimmy Carter, Eric McKinnie, Joey Williams, Bobby Butler) qui intervient sur le spiritual «The Last Time» (magnifique) étant le dernier interlocuteur pleinement ancré dans la musique de culture. Quant au titre qui conclut l’album, «What Have You Done?», un remarquable original de Wynton Marsalis, il est le seul à ne pas comporter d’invités. Pour la peine, le septet se mue en octet (Wess Anderson, Victor Goines, Wycliffe Gordon, Doug Wamble, Dan Nimmer, Reginald Veal, Herlin Riley). La partie chantée, avec appels et réponses, assurée de façon collégiale, évoque le vaudou et les chants des Black Indians de New Orleans, tandis que le riff de guitare puise aux sources de la musique cajun et zydeco.
Les autres invités appartiennent plus ou moins à la sphère rock-folk-country et il s’agit essentiellement de guitaristes-chanteurs (ici avec ou sans guitare): Bob Dylan (voc, hca), Lenny Kravitz, Eric Clapton, Willie Nelson, John Mayer, Lyle Lovett (eg, voc), Nathalie Merchant, James Taylor, Jimmy Buffett, Susan Tedeschi (voc) et Derek Trucks (eg). La communication avec l’orchestre de Wynton Marsalis s’établit donc assez naturellement sur le terrain commun du blues. On passe encore de très bons moments mais on les doit d’abord à l’immense talent des musiciens du septet. On retiendra en particulier la réjouissante introduction new orleans (Victor Goines, ici à la clarinette, est impérial) sur «I’m not Rough» avec Eric Clapton, tandis que la version blues-jazz du tube de Lenny Kravitz, «Are You Gonna Go My Way», si elle est bien exécutée, demeure artificielle. Quant aux prestations vocales de James Taylor et Jimmy Buffett, elles apparaissent dénuée d’intérêt, à la différence de celle de Susan Tedeschi qui donne une jolie couleur soul au beau gospel de Billy Taylor et Richard Carroll, «I Wish I Knew How It Would Feel to Be Free».
Ce United We Swing illustre ainsi la politique pratiquée par Wynton Marsalis visant à placer le jazz et le blues au centre de la musique populaire américaine en créant des ponts avec des branchages plus lointains. (c’est d’ailleurs le sens du titre de l’album). Du fait de son parcours et de son habileté, il se sort mieux de cet exercice d’«ouverture» que beaucoup d’autres, mais le résultat reste quand même moins intéressant que lorsqu’il se maintient pleinement sur le terrain du jazz de culture. Les plages quelque peu inégales de ce disque le démontrent.

Jérôme Partage

Vincent Périer
Elle est pas belle, la vie?

You'll Never Walk Alone (From «Carousel»), Just As I Am, Without One Plea, Lord Don't Move the Mountain, It's a Highway to Heaven, The Lord's Prayer, Tell It, Sing It, Shout It, The Rosary, My Faith Looks Up to Thee, Come on Children Let's Sing, Somebody Bigger Than You and I, I Believe, My Lord and I, My Father Watches Over Me, I Asked the Lord, Joshua Fit the Battle of Jericho, God Will Take Care of You, Didn't It Rain, Throw Out the Life Line, Down by the River Side, Hallelujah, 'Tis Done!, By His Word

Mahalia Jackson
Complete Mahalia Jackson: Intégrale vol. 15. 1961

Mahalia Jackson
Complete Mahalia Jackson: Intégrale vol. 16. 1961

Michel Laplace

Bobby Sanabria Multiverse Big Band
West Side Story Reimagined

Prologue, Jet Song, America, Gee Officer Krupke, Tonight, Gym Scene–Blues/Mambo, Gym Scene–Cha Cha Cha, Maria, Cool, The Rumble, One Hand One Heart, Somewhere, Epilogue/Finale, Outro
Bobby Sanabria (musical director, dm, voc), Kevin Bryan (tp), Shareef Clayton (tp), Max Darché (tp), Andrew Neesley (tp), David Dejesus (as, ss, fl), Andrew Gould (as, fl), Peter Brainin (ts, fl), Yaacov Mayman (ts, cl, fl) Danny Rivera (bar), Dave Miller (tb), Tim Session (tb), Armando Vergara (tb), Chris Washburne (tb), Gabrielle Garo (fl, picc), Ben Sutin (evln), Darwin Noguera (p), Leo Traversa (b), Oreste Abrantes (cgas), Matthew Gonzalez (bgo/cencerro, voc), Takao Heisho (perc)
Enregistré le 19 novembre 2017, New York
Durée: 1h 43’ 19’’ + 36’ 19’’
Jazzheads 1231 (www.jazzheads.com)

Bobby Sanabria entretient une relation particulière avec la comédie musicale West Side Story, donnée pour la première fois à Broadway le 26 septembre 1957, soit quelques mois à peine après sa naissance. En effet, son adaptation cinématographique (Robert Wise, 1961) a marqué le jeune garçon né dans cette communauté portoricaine de New York laquelle devenait ainsi, de façon inédite, protagoniste de l’un des chefs-d’œuvre de la culture populaire américaine. Avec ce West Side Story Reimagined, Bobby Sanabria rend à la fois hommage à sa communauté (dont il explique la contribution dans le jazz –insuffisamment reconnue– dans son interview: Jazz Hot n°686) et à Leonard Bernstein dont on célébrait le centenaire en 2018. Lui même fils d’immigrés juifs ukrainiens, le compositeur n’a pas mis en musique cette histoire-là par hasard. Au-delà de ses seules origines, son activisme politique (rappelé dans notre compte-rendu «Bernstein on Broadway», Jazz Hot n°685) était en cohérence avec sa production artistique.
Enregistrée live au Dizzy’s Club du Lincoln Center, cette version très personnelle de l’œuvre de Bernstein, «réimaginée» par Bobby Sanabria, offre une relecture latin jazz d’une grande intensité où les rythmiques afro-cubaines se substituent à l’ampleur symphonique de l’original. Le Multiverse Big Band, belle mécanique de vingt-et-une pièces, interprète avec ferveur des thèmes iconiques, dont les arrangements sont issus de différents auteurs, d’où une grande variété stylistique: le «Prologue» hypnotique de la version originale –qui introduit l’antagonisme entre les «Jets», euro-américains, et les «Sharks», portoricains–, utilise les percussions pour exprimer la tension entre les bandes rivales. L’illustration musicale demeure intacte, mais les outils employés sont différents. «America», pris sur un tempo plus lent, intègre des éléments rythmiques vénézuéliens (le joropo) en contrepoint du solo coltranien d’Andrew Gold (as). Sur «Tonight», le lyrisme qui dépeignait la passion amoureuse contrariée laisse place à une succession d’emprunts aux traditions cubaines (boléro), brésilienne (samba) et dominicaine (merengue) comme pour décrire les nuances de l’état émotionnel des amants. Un collage quelque peu déroutant dont Bobby Sanabria est coutumier. De façon générale, cette diversité de couleurs fait la richesse de cette adaptation, tout en préservant la cohérence de l’ensemble, et en restant, avant tout, au service d’un jazz enraciné dans la couleurs latines qui naissait quelques années auparavant avec les Mario Bauza, Dizzy Gillespie, Chano Pozzo et quelques autres encore. Car ce disque swingue de bout en bout, avec quelques beaux morceaux de bravoure, comme la première version blues-mambo de «Gym Scene», dans la lignée du big band de Dizzy Gillespie, aux côtés duquel Bobby Sanabria a joué.
Un travail (bien servi par un livret détaillé) qui fait honneur à Leonard Bernstein, à la culture musicale portoricaine et au jazz. A noter qu'une partie des recettes de ce CD –qui vient d'être désigné «album de l'année» par la Jazz Journalists Association– ira à la Jazz Foundation of America (cf. Jazz Hot n°668).

Jérôme Partage

La Section Rythmique
+2

You'n' Me, In the Still of the Night, Birth of the Blues, Say Dream, Wes' Tune, One for Duke, Blues Up and Down, New Orleans, Step Right Up, I Don't Stand a Ghost of a Chance With You
David Blenkhorn (g), Sébastien Girardot (b), Guillaume Nouaux (dm) + Harry Allen (ts), Luigi Grasso (as)
Enregistré le 18 janvier 2018, Créon (33)
Durée: 50' 54''
Frémeaux & Associés 8564 (Socadisc)

Voici le deuxième album de La Section Rythmique sous son nom. Nous avions déjà signalé l'excellence de la formation à l'occasion de leur précédent disque pour le même label (FA 8514, 2015). Ce trio remporte un succès considérable. Tout le monde le veut en concert (Leroy Jones, Leon Brown, Scott Hamilton, Ken Peplowski, Evan Christopher, Jason Marsalis, etc.) et en studio (Brad Child, 2017; Evan Arntzen, 2017; Patrick Artero, 2019). C'est le même principe, le même talent à s'adapter et le même niveau artistique que le Trio Georges Arvanitas (1966-1993) qui a accompagné les instrumentistes les plus variés en style de Buddy Tate à Robin Kenyatta. On souhaite à La Section Rythmique la même longévité, mais l'époque n'est pas la même. Et de l'amateur éclairé (qui ne faisait pas foule) on est passé, plus qu'à l'époque de Jean-Paul Sartre, au niveau du consommateur inculte pour le «fun». La célèbre formule du philosophe: «Le jazz, c'est comme les bananes, ça se consomme sur place!» prend aujourd'hui tout son sens. Et on aura beau varier les présentations (banane nature, banana split, banane en salade de fuit, etc.), gloutonner le même plat trop fréquemment présente un risque. Nous n'en sommes pas encore là, et pour notre bonheur, le trio montre présentement son versant mainstream-bop en compagnie de deux invités saxophonistes de luxe. Harry Allen est un des meilleurs ténors actuels. En juin 2004, Harry Allen fit une prestation éblouissante avec le Tuxedo Big Band (Marciac) ainsi que des étincelles à Ascona en combos divers avec notamment Warren Vaché ou Ed Polcer. Luigi Grasso au style parkerien volubile est aussi un favori des festivals. Le programme est bien choisi et met ces stars en valeur. Il débute sur tempo vif avec «You'n' Me» d'Al Cohn qui vaut notamment pour l'alternative entre les saxophonistes et le batteur, parfaitement à l'aise dans ce contexte (on le savait). La ballade «In the Still of the Night» d'Hoagy Carmichael démontre la complicité et la compatibilité instaurées entre les deux souffleurs. Leur qualité de son se marie bien. Dans la lignée du grand Wes Montgomery, David Blenkhorn lance «Birth of the Blues» sur lequel déboulent le ténor (à la sonorité légère presque d'alto) puis l'altiste avec virtuosité et inspiration. Le solo de Blenkhorn n'est pas moins remarquable (drumming bop de Guillaume Nouaux: accompagnement parfait et solo concis). L'exposé de «Day Dream» par Luigi Grasso est superbement «chanté» (délicat jeu de balais de Nouaux et sobriété des accords de Blenkhorn, des tenues d'Allen). Et le côté Ben Webster d'Harry Allen intervient ensuite pour combler le connaisseur. Belle alternative entre Blenkhorn et Nouaux dans «Wes' Tune». Magnifique sonorité de Sébastien Girardot au début de «One for Duke» et en solo! Ce beau thème de Johnny Hodges a été enregistré en 1960 par son sextet avec Ben Webster (il y a ici un clin d'œil à Herb Ellis chez David Blenkhorn). En 1950, Gene Ammons et Sonny Stitt avaient réalisé pour le label Prestige un solide «Blues Up and Down» qu'il est plaisant de retrouver-là (léger growl chez Harry Allen). C'est Sébastien Girardot qui expose le thème «New Orleans» (sur un drumming néo-orléanais) avant le développement alterné puis intriqué d'Allen et Grasso (drumming «conventionnel» sur tempo médium, à la cymbale). Excellent solo à la Wes Montgomery de David Blenkhorn dans «Step Right Up» d'Oliver Nelson. Le CD se termine par une ballade magnifique, «Ghost of a Chance» si magistralement jouée autrefois par Clifford Brown... mais c'est bien aussi pour l'alto (virevoltant) et le ténor (sensuel) pour ne rien dire de la guitare (sur tapis de balais et de discrètes rondeurs de basse). Un disque qui intéressera les fans de La Section Rythmique et les amateurs de saxophone.

Michel Laplace

Isabelle Seleskovitch
About a Date

Mem' Ory
Ragtim' Ory

Chrysanthemum, The Entertainer, The Suffragette, Bis Scott Rag, Le Petit Nègre, Chicken Reel, La Marseillaise, Solace, Le P'tit Quinquin*, Rubber Plant Rag, A Real Slow Drag*°, Sensation, Tiger Rag
Michel Bonnet (tp, fl, ld), Patrick Bacqueville (tb, voc*), Guy Bonne (cl), Jacques Schneck (p), Christophe Davot (g, voc°), Enzo Mucci (b), Michel Sénamaud (dm)
Enregistré les 5, 6 & 7 mars 2018, Draveil (91)
Durée: 52’ 21’’
Frémeaux & Associés 8563 (Socadisc)

Ces musiciens sont bien connus chez nous dans la mouvance jazz traditionnel et mainstream. Ensemble, sous la direction de Michel Bonnet, ils ont trouvé un "son" d'orchestre en s'inspirant des formations du tromboniste Kid Ory. Cette fois, l'idée est d'appliquer cette sonorité collective à des morceaux non enregistrés par Kid Ory (si on oublie «Tiger Rag»). La tendance ici est au rag (ragtime jazzifié). Certes James Scott (1885-1938) n'aurait pas été satisfait, lui qui a écrit «Don't Jazz Me-Rag (I'm Music)» (1921). James Scott est d'ailleurs l'auteur de cette jolie valse, «The Suffragette», jouée en collective assez près du texte donc avec respect (belle musique). On remarquera en passant au thème suivant, «Bis Scott Rag», combien le 3/4 est moins enclin au swing que le 4/4 sur tempo médium. Ce thème de Claude Bolling est un bon tremplin à d'excellents solos. Michel Bonnet cherche le vibrato à la Mutt Carey dans la citation de coda. Patrick Bacqueville ici comme dans tous ses solos a totalement retrouvé le style de Kid Ory avec sourdine et une belle puissance. Scott Joplin est à l'honneur avec «Chrysanthemim» (1904), «A Real Slow Drag» (tiré de l'opéra Treemonisha, 1911), «Solace (A Mexican Serenade)» (1909) et «The Entertainer» (1902). Dans «The Entertainer» qui fut enregistré en 1947 par Mutt Carey et par Bunk Johnson, nous trouvons que Michel Bonnet est près de la version de Bunk dans les ensembles, tandis que son solo avec sourdine harmon à tube est plus jazz (pas de solo de trombone!). «Solace» est très bien exposé en duo par Davot et Bonnet (sourdine clear tone), rejoints par le piano, la clarinette puis tout d'orchestre. De la belle musique, de la jolie trompette et un bon arrangement. «Le Petit Nègre» de Debussy (1909) est exposé en piano solo avec respect, puis nous avons un excellent arrangement orchestral et d'excellents solos de Bacqueville et Christophe Davot. La batterie lance une version swing du «P'tit Quinquin» (1853). Elle lance aussi «La Marseillaise» qui nous surprend moins puisque George Lewis l'a plusieurs enregistrée. Patrick Bacqueville joue en solo (paraphrase) dans le plus parfait style Ory. Le tempo médium est parfait dans «Sensation» (Lamb & Joplin, 1908). Quand Michel Bonnet joue dans le derby, il nous fait penser à Ken Colyer lui-même disciple de Mutt Carey. Signalons que tous les choix de tempos sont parfaits; c'était aussi un point fort de Kid Ory. Enfin, «Rubber Plant Rag (Moulin à café)» de George Cobb (1909) met très bien en valeur Guy Bonne, mais aussi Bacqueville et Enzo Mucci. Un disque qui vous aidera à vivre.

Michel Laplace

Bex-Catherine-Romano
La Belle vie

Elsa M., La Belle vie pour Maurice, Tropisme, Dans la forêt, Il piacere, Letter From My Mother, December, Twice a Weel, Tompkins Square
Emmanuel Bex (org), Philip Catherine (g), Aldo Romano (dm)
Enregistré en 2018, Paris
Durée: 59’ 18’’
Sunset Records 025 (L’Autre Distribution)

Trois musiciens européens, et non des moindres, réunis dans la forme du trio classique, orgue, guitare, batterie, voilà de quoi allécher. Ce trio fut constitué une première fois au Sunset dans les années 1990, mais il n’avait jamais enregistré. Tous les morceaux, sauf deux partiellement en médium, sont pris sur tempo lent: là, pas de tricheries possibles, pas de notes enfilées à la vitesse du son; il y faut du feeling, de l’imagination mélodique, et harmonique. Un beau mariage lyrique, guitare orgue, sur «Il piacere» cette belle mélodie de Romano, l’orgue en avant, qui se démarque des façons habituelles de traiter l’orgue Hammond. Une valse lente «Letter from My Mother», de Catherine,jouée avec une grande émotion par le guitariste, en one notes, en octaves ou en trémolos, en contraste avec les attaques tranchantes de l’orgue, ou bien avec des sons orgue d’église. Aldo Romano est ici un modèle de discrétion efficace, et qui renoue avec ce bon vieux chabada si oublié aujourd’hui au profit de figures colorantes ainsi par exemple sur «December», derrière un magnifique solo d’orgue. Les morceaux sont composés alternativement par chacun des musiciens, et tous sont en relation particulière avec leur auteur.
Un trio qui joue avant tout, simplement, dans le plaisir du partage. Un disque de grande sérénité peuplée du plaisir d’un jazz à cœur ouvert, et qui repose aussi sur de belles subtilités harmoniques. A notre époque où la vitesse et l’impatience priment sur tout, il faut prendre le temps d’écouter et de savourer ce disque beau comme de merveilleux nuages, dirait Baudelaire.

Serge Baudot

Olivier Anthony Theurillat Jazz Quartet
1_^st Set

When It's Sleepy Time Down South, Hotter Than That, The Very Thought of You, It Don't Mean a Thing, My Foolish Heart, Take the ‘A’ Train, The Seductress, Yardbird Suite, I Remember Maurice André
Olivier Anthony Theurillat (tp), Gérald Bringolf (p), Bernard Fedi (b), Denis Vonlanthen (dm)
Enregistré les 2 et 3 juillet 2017, La Chaux-de-Fonds (Suisse)
Durée: 51’ 27’’
Indesens 118 (www.indesens.fr)

Olivier Anthony Theurillat est, après Roland Hug, le second trompettiste notoire que La Chaux-de-Fonds a donné. Hug, récemment décédé, fut d’ailleurs un fan de son quartet. Trompettiste de formation classique, Theurillat a été attiré par l'univers jazz. Par chance, pour lui comme pour nous, il a pu rencontrer Wynton Marsalis (Lausanne, 2012) ce qui lui donne une dimension culturelle qui manque, aujourd'hui, à tant de produits des «école de jazz». Aux conseils d'interprétation de Wynton, Theurillat a eu l'humilité d'ajouter l'apprentissage auprès de plus vieux que lui. Ainsi, il n'a pas loupé en 2013 l'occasion de jouer à La Chaux-de-Fonds avec le Middle Jazz Trio... qui est devenu cet Olivier Anthony Theurillat Jazz Quartet! Il y a le pianiste Gérald Bringolf, 78 ans au moment du disque, qui a joué avec Mezz Mezzrow, et le contrebassiste Bernard Fedi de deux ans son cadet, qui a eu l'occasion d'accompagner Bill Coleman, Clark Terry, Albert Nicholas et Ernie Wilkins. Plus jeune, le batteur Denis Vonlanthen a eu une solide expérience en big band. Ce Jazz Quartet joue aussi avec des invités, comme la chanteuse américaine Sandy Patton. En dehors de ce «I Remember Maurice André» (inspiré de la Toot Suitede Bolling), le groupe revisite des standards en alternant les tempi. Tout commence par l'hommage à Louis Armstrong. Pas de la copie, mais bien de la musique d'aujourd'hui, cependant avec un swing extériorisé appréciable. «When It's Sleepy Time Down South» est exposé avec sensibilité et musicalité. Changement de tempo pour l'improvisation (en sourdine). Bringolf n'est pas en reste pour le swing distingué sur l'excellent jeu de balais de Vonlanthen et les rondeurs de la ligne de basse de Fedi (qui prend un bon solo). Certes, me direz-vous, l'influence de Wynton Marsalis est perceptible. C'est inévitable lorsqu'on a étudié auprès de ce maître de la fin du XXe siècle et c'est générationnel (même marque sur Fabrizio Bosso, Renaud Gensane, Nicolas Gardel...). L'arrangement de «Hotter Than That» qu'Armstrong a rendu célèbre est dans la mouvance «parade» du New Orleans d'aujourd'hui, joué en trio avec un très bon concours de Fedi et de Vonlanthen qui a pigé le drumming de là-bas. On se calme avec la superbe ballade «The Very Thought of You» (très jolie cadence en coda). Là, comme dans «My Foolish Heart» (mystérieuse introduction de Bringolf) et l'exigeante «The Seductress» (en duo avec piano, morceau tiré de l'album Standard Time vol.3 de Wynton Marsalis), Olivier Theurillat a une sonorité superbe et un excellent sens du phrasé (à cette époque il jouait une trompette Adams). Nous aimons sa maîtrise du vibrato, élément expressif négligé ou absent chez d'autres aujourd'hui. Theurillat qui aime les sourdines, se rend digne de la profession de foi ellingtonienne, «It Don't Mean a Thing if Ain't Got That Swing» (1931). Denis Vonlanthen y est bien mis en valeur. L'autre référence au Duke est le «Take the ‘A’ Train» de Billy Strayhorn (1941); introduction créative de Denis qui m'évoque un autre citoyen suisse, Daniel Humair. Le groupe n'oublie pas un clin d'œil, élégant et mélodique, à Charlie Parker avec «Yardbird Suite» (1946); le trio rythmique balance bien. Un disque qui devrait satisfaire les amoureux de belle trompette... Une programmation en festival serait la bienvenue.

Michel Laplace

Olivier Collette
Phi

Seagull’s Flight, Sweet, Simple and Beautiful, Goldmine, Introspection, Between a Tear and a Smile, Hepta, Twisted Minor Blues, Brazilian Sunflowers
Olivier Collette (p, arr), Bert Joris (tp, flh), Peter Hertmans (g), Victor Foulon (b), Daniel Jonkers (dm)

Enregistré les 26 et 27 juin 2018, Ittre (Belgique)

Durée: 1h
Hypnote Records 010 (hypnoterecords.com)

Olivier Colette explique sa démarche dans les notes de pochette de l’album: «avant tout, l’objectif était que la musique soit mélodieuse, harmonieuse, agréable à écouter». Une réussite! Car le leader n’est pas qu’un architecte des sons, il possède aussi une âme habitée par la grâce. On est charmé par les songs: «Introspection», «Sweet, Simple and Beautiful»; on pense à Toots Thielemans à l’écoute de «Between a Tear and a Smile»: une mélodie et un rythme chaloupés qui l’auraient séduit. Compositeur et pianiste élégant, sur tous les morceaux, Olivier Collette a choisi ses accompagnateurs avec soin. Peter Hertmans s’illustre avec «Seagull’s Flight», «Hepta» et plus encore sur «Twisted Minor Blues»; son tempo et l’accompagnement en accords sur les tournesols du Brésil sont en strass et paillettes. Quant à Bert Joris c’est incontestablement la plus belle sonorité de cuivres qu’on puisse trouver en Belgique. Alors pourquoi se priver («Introspection», «Sweet, Simple and Beautiful» et «Between a Tear…» au bugle)? On épinglera aussi les thèmes de «Goldmine» et «Brazilian Sunflowers» exposés en alternance: guitare/piano pour le premier, guitare/trompette pour le second. On apprécie Daniel Jonkers pour le jeu aux balais sur «Sweet, Simple and Beautiful»; le drive et les breaks sur le néo-bop «Hepta». Victor Foulon est efficace, juste et particulièrement intéressant en solo sur «Seagull’s Flight», «Twisted Minor Blues» et «Brazilian Sunflowers». Olivier Collette n’a pas besoin d’arracher ou de distorsionner; il compose riche, il joue naturel. Une détente et un régal.

Jean-Marie Hacquier

Jason Marsalis with The 21_^st Century Trad Band
Melody Reimagined: Book 1

Ratio Man Strikes Again, Off the Rails, Just as Cool as the Other Side of the Pillow, Soot Sprites, A Peaceful Silence, Bourbon Street Ain't Mardi Gras, Passionate Dancer, Never Forget the 23_^rd Letter, 80*

Jason Marsalis (vib), Austin Johnson (p), Will Goble (b), Dave Potter (dm) + Delfeayo Marsalis (tb*), Ellis Marsalis (p*)

Enregistré: le 21 décembre 2016, New Orleans

Durée: 58'50''
Basin Street Records 0305-2 (basinstreetrecords.com)

Cet album très plaisant est dédié, a posteriori, à la mémoire de sa mère, Dolores Ferdinand Marsalis, décédée en juillet 2017 presque un an après cette séance. Jason Marsalis, désormais bien intégré au paysage jazziste comme batteur et aussi vibraphoniste, a déjà utilisé le nom de 21_^st Century Trad Band (2014). C'est faire beaucoup d'honneur au présent siècle qui, à ce jour, n'a strictement rien offert de musicalement neuf ou essentiel. D'ailleurs, Jason reprend ici un vieux procédé qui consiste à imaginer une nouvelle mélodie sur la trame harmonique d'un standard...du XX_^e siècle! A titre de rappel, Bennie Harris et Charlie Parker ont construit «Ornithology» en 1946 sur la grille harmonique de «How High the Moon» composé par Nancy Hamilton et Morgan Lewis. A l'origine, c'était pour détourner les droits vers les improvisateurs qui jusque-là enrichissaient les compositeurs de Tin Pan Alley, etc. Par «Trad», Jason entend post-bop. Au vibraphone, Jason Marsalis a l'élégance de Milt Jackson dans «A Peaceful Silence», l'un des meilleurs titres de l'album, fondé sur «Peace» d'Horace Silver et «Silence» de Charlie Haden. Le plus souvent son jeu perlé rappelle celui de Bobby Hutcherson (par exemple dans «Soot Sprites» construit sur «Seven Steps to Heaven» de Victor Feldman et enregistré par Miles Davis). Ce style hutchersonien donne au disque un climat Blue Note de la seconde partie des années 1960. D'autant plus qu'Austin Johnson n'est pas sans évoquer McCoy Tyner («Ratio Man Strikes Again» construit sur «Traneing In» de John Coltrane) et Dave Potter prolonge plus la voie tracée par Elvin Jones et Tony Williams que celle de Connie Kay. Malgré l'instrumentation, on n'entend pas de parenté avec le MJQ. Dave Potter, formé à la Florida State University, actuellement fixé à Atlanta a déjà un CV bien rempli (Marcus Roberts, Eric Reed, Marcus Belgrave, etc…). Il est mis en valeur dans «Never Forget the 23_^rd Letter», titre qui ne ressemble pas au «Avalon» dont il tire ses harmonies. Originaire de Caroline du Nord, Will Goble (né en 1983) a une sonorité et une approche solistique qui s'apparentent au style de Charlie Haden («Off the Rails» tiré de «You've Stepped Out of a Dream»). Il introduit «Just as Cool as the Other Side of the Pillow» dérivé de «Willow Weep for Me» et «Sportscenter», puis il joue un ostinato sur lequel Jason Marsalis improvise. Il y a des changements de tempo et surtout un bon solo de contrebasse. Jason Marsalis est partout excellent en musicalité. Ses improvisations se nourrissent parfois de citations (exemple: quelques mesures du «Sir Duke» de Steve Wonder dans son solo sur «Bourbon Street Ain't Mardi Gras» tiré du célèbre «Bourbon Street Parade» de Paul Barbarin). L'album se termine par «80» qui, pour le signataire, est le meilleur titre du CD (référence à un anniversaire d'Ellis Marsalis). C'est fondé sur la progression harmonique de «The Very Thought of You», revue par Hank Jones et qu'Ellis Marsalis interprète en introduction. Delfeayo Marsalis joue ensuite en wa-wa, suivi d'un solo de même émotion par Jason (le jeu de balais de Dave Potter est pertinent). On apprécie aussi les rondeurs de la contrebasse de Will Goble derrière le solo d'Ellis Marsalis. Sans effet wa-wa, Delfeayo conclut avec une belle sonorité et un phrasé admirable. Si c'est ça le XXI_^e siècle, grand merci au XX_^e!

Michel Laplace

Sophie Bourgeois
This Is New

This Is New, Just One of Those Things, I’m Through With Love, Ces petits riens, Oblivion, All of You, Mack the Knife, I’ve Got the World on a String, One Hand One Heart
William Lecomte (p, arr), Nolwenn Leizour (b), Samuel Lecomte (dm)
Enregistré en octobre 2015, Paris
Durée: 43'34''
Autoproduit (sophiebourgeoisjazz.wordpress.com)

Bien qu'ayant fréquenté Claude Bolling, étudié avec Michelle Hendricks, et Christiane Legrand, et souvent joué dans les festivals de Périgueux, Montségur, Arcachon ou Bordeaux, la chanteuse Sophie Bourgeois ne profite pas encore d'une notoriété digne de son talent. Lorsqu'elle était enfant, son grand-père vendait (et collectionnait) des disques de jazz à Marmande et son père l'emmenait écouter les divas du jazz en concert à Bordeaux (ce qui lui a donné une solide culture et forgé un goût très sûr pour les grands standards). Quelques années plus tard, lui est venue l'envie de reprendre en les faisant siennes quelques-unes de ces mélodies intemporelles, quitte à les rudoyer un peu.
Pour ce premier CD (fortement marqué par son actuelle proximité avec David Linx, son mentor), elle est entourée d'un trio mené par le pianiste et arrangeur William Lecomte (élève de Bernard Maury et pianiste régulier de Jean-Luc Ponty), avec également Samuel Lecomte, son frère, à la batterie (formé à l'école Dante Agostini de Paris) et la contrebassiste Nolwenn Leizour, élève de Hein Van De Gein et de Jean-François Jenny-Clark. Reprendre «Mack the Knife» en tempo de samba hyper lente, «Just One of This Things» en afro cubain, «Ces petits riens» (de Serge Gainsbourg) façon tango, ou, «Oblivion» (d'Astor Piazzola sur les paroles en français de David McNeil),scatter sur «This Is New» de Kurt Weil, «All of You» de Cole Porter «One Hand, One Heart» de Leonard Bernstein, ou «I've Got the World on a String» d'Harold Arlen, n'est pas à la portée de la première vocaliste venue... Mais Sophie Bourgeois se joue de toutes ces difficultés avec aplomb et élégance. Elle est, il est vrai magnifiquement soutenue, par une section rythmique très homogène et qui nous offre aussi quelques moments d'improvisation très convaincants.

Daniel Chauvet

Odidrep
Bean Soup

Hanid, Odidrep, Mop Mop, Bean Soup, My Ideal, Rifftide, Kerry, Stuffy, The Nearness of You, Bean and the Boys, Riffin' and Jivin', Spotlite, Get Set, Disorder at the Border, Vignette

Michel Bonnet (tp), Michel Bescont (ts), Jacques Schneck (p), Leigh Barker (b), Stéphane Roger (dm)

Enregistré les 11-12-13 juin et 5-6 septembre 2018, Davreil (91)

Durée: 1h 02' 17''

Camille Productions 012019 (Socadisc)

Rendre hommage à Coleman Hawkins, le Bean, n'est pas de refus! Surtout par une équipe comme celle-ci qui maîtrise le vocabulaire mainstream et la syntaxe swing. On comprend bien par le choix des thèmes qu'on veut souligner le fait qu'Hawkins fréquenta «les modernes» comme le sous-estimé Howard McGhee en 1945 («Mop Mop», «Stuffy», «Rifftide», «Bean Soup»). C'est un alibi à offrir un bon programme qui sort un peu des sentiers trop fréquentés. Il n'y a rien de bop ici (des exposés à l'unisson ne résument pas le genre). Stéphane Roger est plus dans la lignée de Zutty Singleton et Sid Catlett (qui ont certes joué pour Diz et Bird) que de Max Roach et Art Blakey qui ont respectivement gravé «Bean and the Boys» (1946) et «Disorder at the Border» (1952) avec Hawk. Michel Bascont, tout à fait excellent, n'évoque que rarement le pape du ténor (un peu dans «Kerry») mais plutôt Gene Sedric («Odidrep» pour «Perdido»). Ceci dit, c'est sans importance car tout le disque est de l'excellent jazz. Chacun des souffleurs propose une belle ballade: Michel Bascont dans un style personnel, loin de la version du Bean, interprète «My Ideal» (notons le solo avec archet, autour du thème, de Leigh Barker), et Michel Bonnet avec un son de cornet donne un beau «The Nearness of You». Le CD débute par «Hanid» (pour «Dinah») que Hawk a enregistré en 1958 avec Roy Eldridge et Hank Jones, deux influences que l'on remarque dans ce disque. Tout le monde intervient en soliste (ou alternative pour le batteur) dans ce titre. C'est Roy Eldridge qu'évoque surtout, dans ce contexte, Michel Bonnet qui joue avec beaucoup de tempérament («Mop Mop», «Bean Soup»). On admire son drive («Rifftide»). Cette source commune explique une convergence expressive avec Jérôme Etcheberry («Kerry», «Stuffy»). Il y a en plus, chez Michel Bonnet, l'influence du cornet, sensible dans «Spotlite» où il donne une touche Rex Stewart à l'excellente alternative avec Michel Bescont. Enfin, Michel Bonnet aime et connaît les sourdines. Leur emploi enrichit le son de l'orchestre. Leigh Barker manipule l'archet avec talent («Disorder at the Border», version conclue dans l'aigu par Michel Bonnet). Les exposés à deux voix sont un délice («Vignette», etc.), le son plein de Michel Bescont, le métier du trompettiste et le swing de la rythmique sont les points forts de ce disque mieux qu'agréable.

Michel Laplace

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John Coltrane Blue World

Carol Sudhalter Quartet Live at Saint Peter's Church

Michele Hendricks A Little Bit of Ella (Now and Then)

Michele Hendricks Another Side

Tom Pierson Orchestra Last Works

Vincent Bourgeyx Cosmic Dream

Miles Davis Rubberland

Dal Sasso Big Band The Palmer Suite

T.K. Blue The Rhythms Continue

Louis Armstrong Live in Europe

Michel Herr Positive

Guillaume Nouaux & The Clarinet Kings

Ray Blue Work

Evan Christopher / Fapy Lafertin A Summit in Paris

Paul Bley / Gary Peacock / Paul Motian When Will the Blues Leave

Tcha Limberger Trio Live in Foix

Jeff Williams Bloom

Fabrizio Sciacca Quartet Gettin' It There

Billy Butler / Al Casey / Jackie Williams Guitar Odyssey

Django AllStars New York Sessions

Woody Herman The Quintessence

Hugo Lippi Comfort Zone

Hono Winterstein Horizon

Julian Costello Quartet Transitions

Steeve Laffont Trio Night in Corsica

Stéphane Huchard Cultisons Trio Off-Off Broadway

Pat Thomas - Barbara Long Jazz Patterns + Soul

Honi Gordon - Sue Childs Sings + Introducing

Thomas Bramerie Trio Side Stories

Leroy Lee Lovett Jazz Dance Party / Lee+3

Riccardo Del Fra Moving People

Lyn Stanley The Moonlight Sessions. Volume One

Lyn Stanley The Moonlight Sessions. Volume Two

Lyn Stanley London Calling. A Toast to Julie London

Lyn Stanley London With a Twist. Live at Bernie's

David & Danino Weiss Quartett Violets for Your Furs

Olinka Mitroshina / Georges Guy Gershwin's Bues

Pierre Christophe / Joel Frahm / Joe Martin Live at Smalls

Raul De Souza Blue Voyage

Ben Webster Valentine's Day 1964 Live!

Bobby Jaspar Early Years: From "Bop" to "Cool", 1947-1951

Valerio Pontrandolfo Out of This World

Roberto Magris Sextet Sun Stone

Wolfgang Lackerschmid and Chet Baker Ballads for Two

Jeanne Lee / Ran Blake The Newest Sound You Never Heard

Goldberg(s) Family Business

Ran Blake / Claire Ritter Eclipse Orange

Lorez Alexandria On King 1957-1959 - Plus Her 1954-1956 - Blue Lake & Chess Recordings

Ignasi Terraza Trio High Up on the Terraza

Leïla Olivesi Nonet Suite andamane

Eric Dolphy Musical Prophet

The Gil Evans Orchestra Hidden Treasures. Volume One: Monday Nights

Maurice Vander Piano Jazz. Trio Sessions

Rossitza Milevska Steps

Billy Byers and Martial Solal Jazz on the Left Bank + Réunion à Paris

Ernie Watts Quartet Home Light

Pablo Campos People Will Say

Christian McBride New Jawn

Chucho Valdés Jazz Batá 2

John Lewis / Sacha Distel Afternoon in Paris

Barney Wilen Quartet Live in Tokyo '91

Patrice Galas Trio Nuits ensoleillées

J.C. Heard & Bill Perkins Quintet, feat. Joe Pass Live at the Lighthouse 1964

Ramona Horvath Lotus Blossom

Ramona Horvath & Nicolas Rageau Le Sucrier Velours

Bill Jennings The Complete Bill Jennings on Prestige 1959-1960

Reggie Washington Vintage New Acoustic

Lia Pale The Brahms Song Book

Philippe LeJeune Trio Cleveland Gateway

Jon Batiste Hollywood Africans

Samuel Martinelli Crossing Paths

Michel Petrucciani Colours

Louis Hayes/Junior Cook Quintet (featuring Woody Shaw) At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1976

James Booker At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1976

Louisiana Red At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1977

Timeless Allstars At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1982

Martial Solal And His Orchestra 1956-1962

Marco Trabucco Meraki

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Carol Sudhalter Quartet
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At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1976

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At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1976

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At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1977

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At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1982

Martial Solal
And His Orchestra 1956-1962

Marco Trabucco
Meraki

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C'est magnifique

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Le Monde de Fats