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JAZZ RECORDS
• Chroniques de disques en cours •



Ces chroniques de disques sont parues exclusivement sur internet de 2010 (n°651) à aujourd’hui. Elles sont en libre accès.
3 choix possibles: Chroniques en cours (2019), Jazz Records/alphabétique (2010 à 2018 sur internet), Jazz Records/chronologiques (2010 à 2018 sur internet).
En cliquant sur le nom du musicien leader dans le programme des chroniques proposées, on accède directement à la chronique.
Toutes les autres chroniques sont parues dans les éditions papier de 1935 (n°1) à février 2013 (n°662). 
On peut les lire dans les éditions papier disponibles à la vente depuis 1935 dans notre boutique.
Elles sont classées par ordre alphabétique, ici, ou chronologique.




Au programme des chroniques
A Lorez Alexandria Patrick Artero At Barloyd's Pauline Atlan Teodross Avery B Gilles Barikosky Basin Street Records Recording Artists Jon Batiste Bex-Catherine-Romano Ran Blake/Christine Correa Ran Blake/Claire Ritter Mike Bogle James Booker Sophie BourgeoisMilt Buckner & Jo Jones Billy Byers/Martial Solal C Gwen Cahue Pablo Campos Cédric Chauveau Pierre Christophe/Joel Frahm/Joe Martin Esaie Cid Olivier Collette Gustavo Cortiñas Davell Crawford D Raul De Souza Joey DeFrancesco Jean-Pierre Derouard Jordon DixonEric Dolphy Philippe Duchemin E Christian Escoudé Gil Evans Orchestra FMarianne Feder Laurent Fickelson Maurice Frank G Patrice Galas Jared Gold Goldberg(s) Grant Green H Erik Thormod Halvorsen Connie Han Jan Harbeck Louis Hayes/Junior Cook J.C. Heard & Bill Perkins Billy Hitz Christopher Hollyday Ramona Horvath McClenty Hunter Jr.J Mahalia Jackson Bobby Jaspar Alain Jean-Marie/Patrice Caratini/Roger Raspail Bill Jennings K Snorre Kirk Joachim Kühn L L'Affaire Enzo La Section Rythmique Guy LafitteWolfgang Lackerschmid/Chet Baker Jeanne Lee/Ran Blake Philippe LeJeune Les OignonsJohn Lewis/Sacha Distel Bo Lindenstrand M Christian McBride Greig McRitchie Roberto Magris Jason Marsalis Wynton Marsalis Samuel Martinelli Xavier MathiaudFaby Médina Mem' Ory Rossitza Milevska N Fred NardinOOdidrep Leïla Olivesi Oracasse P Lia Pale Vincent Périer Philippe Petit Michel Petrucciani (Complete Recordings) Michel Petrucciani (Colours)Valerio Pontrandolfo Q Alvin Queen R Rodolphe Raffalli & Renée Garlène Louisiana Red Scott Reeves Bastien RibotHerlin Riley Bob RogersS Nicola Sabato Bobby Sanabria Christian Sands Dorado Schmitt Isabelle Seleskovitch Philippe Soirat Martial Solal (Histoires improvisées) Martial Solal (And His Orchestra) Swing Vibrations TIgnasi Terraza Ignasi Terraza/Luigi Grasso The Amazing Keystone Big Band Olivier Anthony Theurillat Three Blind Mice Timeless Allstars Claude TissendierMarco Trabucco Sam Trippe U René UrtregerV Chucho ValdésMaurice Vander Jacques Vidal Romain Vuillemin W Reggie WashingtonErnie Watts Ben Webster Barney Wilen

Des extraits de certains de ces disques sont parfois disponibles sur Internet. Pour les écouter, il vous suffit de cliquer sur les pochettes signalées par une info-bulle.


© Jazz Hot 2019


Pierre Christophe / Joel Frahm / Joe Martin
Live at Smalls

Just Rollin’ Along, D.D.L.J., Valparaiso, Aluminum Baby, African Beauty, Flirtibird, Softly, William, Softly
Pierre Christophe (p), Joel Frahm (ts), Joe Martin (b)
Enregistré le 22 août 2018, New York
Durée: 56’ 23”
Camille Productions MS 062019 (Socadisc)

Retour à New York pour Pierre Christophe sur les traces du Maître avec lequel il a approfondi l’univers du jazz, Jaki Byard, dont trois compositions sont reprises ici, notamment celle qui ouvre le disque, un blues-spiritual. C’est un enregistrement en live, dans le bon club new-yorkais, le Smalls, dirigé par le pianiste Spike Wilner. L’absence de texte (liner notes) nous empêche de connaître, dans le détail, les circonstances de cette bonne rencontre sans batteur, en août 2018 à New York, entre trois musiciens déjà confirmés. La musique fait plus penser en effet à une rencontre qu’à un trio avec leader, même si la promotion du disque évoque davantage Pierre Christophe que ses compagnons du jour. Mais le disque lui-même fait des trois musiciens les coleaders de cet enregistrement, dans sa présentation autant que dans la musique enregistrée. Chacun des musiciens a beaucoup de place pour s’exprimer, et si l’on retrouve tout le brillant du jeu de Pierre Christophe, proche souvent de Jaki Byard («D.D.L.J.»), ainsi que deux de ses thèmes, Joel Frahm  et Joe Martin sont plus que des sidemen de circonstance, apportant à l’ensemble leurs couleurs et leurs inspirations.
C’est un disque en live, avec cette qualité d’énergie qui distingue les rencontres avec le public, très proche ici.

On présente Joel Frahm, pas très connu en France: il est né en 1969 dans le Wisconsin, à Racine, où il commence à étudier le ténor avant que sa famille migre dans le Connecticut. A la High School, il croise la route de Brad Mehldau avec qui il partage quelques concerts localement. Il poursuit ses études à Rutgers University et à la Manhattan School of Music, intégrant le Betty Carter’s Jazz Ahead Workshop. Il liste dans ses influences John Coltrane, Stan Getz et Chris Potter, et nous entendons sur ce disque un ténor bop assez classique et de bon niveau. Le bassiste, Joe Martin, est né en 1970 à Kansas City, a construit une belle discographie en sideman et trois albums en leader. Il a accompagné Andy Bey, Bill Charlap, Billy Drummond, Art Farmer, Aaron Goldberg, Brad Mehldau, Mark Turner et d’autres artistes confirmés de la scène du jazz, ce qui atteste autant de ses qualités que de sa capacité d'adaptation à des contextes variés. Il a beaucoup de facilité sur son instrument comme en témoigne les nombreux chorus qu’il prend ici, avec un son rond et précis.

On connaît mieux en France Pierre Christophe, et s’il fait preuve de ses belles fulgurances transmises par Jaki Byard, sa culture jazz très étendue lui permet de faire de cette rencontre un moment de jazz dans un registre moins personnel qu'à l'ordinaire, mais plus étendu sur le plan stylistique, car il a l’intelligence de tenir compte de ses compagnons, et de les suivre y compris en dehors de ses sentiers habituels. Un bon enregistrement en live.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Raul De Souza
Blue Voyage

Vila Mariana, St. Martin, Blue Voyage, Primavera Em Paris, Chegada, Bolero à Chamonix, To My Brother Sonny, Night in Bangalore
Raul De Souza (btb, ts), Leo Montana* (p, 1-4,7,8), Alex Correa (p, 5,6), Glauco Sölter (eb), Mauro Martins (dm)
Enregistré du 20 au 23 mars 2017, Chamonix (74)
Durée: 43’ 49”
Selo Sesc 0119/18 (www.sescsp.org.br)


Nous avons raconté le beau concert qu’a donné Raul De Souza, un excellent tromboniste (trombone basse) lors de son passage à Jazz in Langourla en cet été 2019. C’est sensiblement avec la même formation qu’il a enregistré cet opus en 2017 à la Maison des Artistes de Chamonix, à savoir les bons Leo Montana, Glauco Sölter et Mauro Martins, plus un invité sur deux thèmes, Alex Correa. Il fêtait à l’occasion de ce disque 60 ans d’une belle carrière qui l’a vu côtoyer le jazz américain en Amérique, Sonny Rollins en particulier dont il resté un ami et à qui il dédicace un thème ici (il a enregistré en 1975 pour Sonny Rollins sur Nucleus, Milestone), mais aussi Ron Carter, Cal Tjader (Amazonas), Airto Moreira, George Duke, Gonzalo Rubalcaba, Azr Lawrence (Solstice)… Sous son nom, il a enregistré une vingtaine de disques dont Colors(avec Cannonball Adderley, Sahib Shihab, Oscar Brashear, Richard Davis, Jack DeJohnette…), Sweet Lucy (avec Freddie Hubbard, Airto Moreira…). Raul De Souza a aussi fait le tour du monde, de la France, une autre patrie pour lui, jusqu’en Chine en 2019, pour porter sa synthèse du jazz marquée par une belle musicalité toute brésilienne, faisant chanter et danser son gros trombone avec la légèreté et la suavité de l’accent brésilien. Dans son pays, il est évidemment la légende vivante de son instrument, et s’il a beaucoup voyagé, il n’a jamais vraiment quitté son pays dans lequel il séjourne une partie de l’année.
Toutes les compositions sont de Raul, très mélodiques, elles mêmes imprégnées de cette âme du grand pays d’Amérique du Sud («Chegada»), pleine d’une douceur poétique et d’une forme de nostalgie («To My Brother Sonny»), alternant avec des rythmes riches pleins de joie, bien que dans leur développement et dans l’esprit (l’improvisation), elles appartiennent aussi au jazz. C’est très savant, et le beau son de ce grand-père brésilien, octogénaire toujours plein d’énergie, au trombone basse mais aussi au saxophone ténor, est un vrai régal en live, et cela reste perceptible sur cet enregistrement. Raul est brillamment soutenu par trois musiciens de haut niveau: Leo Montana, très lyrique, Glauco Sölter, un bassiste dansant et énergisant, et un batteur virtuose dont le Brésil a le secret car il possède des qualités de musicalité et de polyrythmie hors normes. Ces musiciens sont aussi des amis, et la musique traduit cette complicité.Le grand Raul De Souza, né en 1934, sorti de ses pantoufles pour monter sur scène à Langourla, étonna et subjugua l’assistance par la vitalité de sa musique, sa puissance, son lyrisme: LE concert du festival! Cet indispensable est là pour distinguer autant la musique de Raul dans ce disque que saluer le long parcours d’un musicien aussi brillant que généreux et humain.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Ben Webster
Valentine's Day 1964 Live!

Caravan (1), Ben's Blues, Chelsea Bridge, How Long Has This Been Going On, Cottontail, Danny Boy, Indiana, The Theme, Tenderly, Caravan (2)
Ben Webster (ts), Dave Frishberg (p), Richard Davis (b), Grady Tate (dm)

Enregistré: le 14 février 1964, New York

Durée: 1h 02’ 22’’

Dot Time Records 8006 (www.dottimerecords.com)

Ces titres pris sur le vif au Half Note de New York étaient jusqu'ici inédits. Michael Cuscuna commet une erreur dans les notes du livret en datant ce concert le 14 février 1963. C'est bien comme le titre l'indique 1964. Par ailleurs, le titre n°8 n'est pas «52nd Street Theme» de Thelonious Monk mais «The Theme» de Miles Davis. Ben Webster est un très grand jazzman sur le sax ténor. On lit ici et là qu'il est l'un des trois grands avec Coleman Hawkins et Lester Young. Non, le Bean et le Pres ont inventé un style. Comme Dizzy Gillespie l'a dit, on consacre la grandeur d'un artiste au nombre de ses disciples. Donc, Hawk et Lester pour le jazz mainstream sont les créateurs d'une approche amplement copiée. La plupart des stylistes de haut vol ont pris à l'un ou l'autre, voire aux deux. Ben Webster est l'un des plus grands disciples de Coleman Hawkins avec notamment Don Byas et Lucky Thompson. Mais en effet, dans le créneau Hawkins, Ben Webster a trouvé sa personnalité, et on le reconnaît dès les premières notes. Ben Webster, c'est avant tout un son et bien sûr du swing. Malgré son talent hors norme, Ben n'a pas réalisé beaucoup de disques sous son nom. Entre un dernier LP Verve avec Oscar Peterson (1959) et le suivant chez Reprise avec des cordes (1961), il s'est passé deux ans. Il faut attendre deux autres années pour qu'il nous offre deux albums d'un coup, l'un avec Junior Mance, l'autre avec Thad Jones (Riverside). Ce concert se situe avant le disque Impulse! A65 (mars 1964) et son départ pour l'Europe (1965). En 1963-64, il employait souvent Richard Davis, virtuose de la contrebasse que nous retrouvons ici.
Que dire? C'est du pur Ben Webster au son épais et sensuel, brutal et tendre. Chacune de ses notes est de l'émotion. Le piano est pourri.
Dave Frishberg en tire le meilleur parti possible («How Long Has This Been Going On»). Mais certaines oreilles ne le supporteront pas. Ben et Richard Davis sont bien enregistrés. Richard Davis a des lignes de basse magistrales derrière ce qui tient lieu de piano («Caravan (1)», «Cottontail») et le pulpeux ténor («Ben's Blues», «Tenderly»). Il prend des solos impressionnants («Ben's Blues», «Cottontail»). On entend un judicieux coup d'archet derrière Ben dans la coda de «How Long Has This Been Going On» et du court «Tenderly». Il est évident que ce n'est pas répété, et on entend la voix du leader donner des directives au début des morceaux. C'est très amusant («Indiana»). Grady Tate est excellent dans «Cottontail», l'incontournable thème de Duke qui a imposé Ben Webster, «Indiana», «The Theme», «Caravan (2)» (bien enregistré). Vivre cette ambiance club avec un sax ténor aussi énorme, ça se mérite: c'est pour les connaisseurs en jazz!
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Bobby Jaspar
Early Years: From "Bop" to "Cool", 1947-1951

Oop Bop Sh' Bam, Moonlight in Vermont, Anthropology, Thelonious, Our Delight, Embraceable You, Wee-Dot, I Can't Get Started, When I Grow too Old to Dream, Relaxin' at Camarillo, Jack the Hipster, That's My Desire, Boppin' at the Doge, Pastel Blue, Embraceable You, Boppin' For Haig, Tenderly, If I Had You, Bobby's Beep, How About, Don't Be That Way, I've Found a New Baby, Ain't Misbehavin', Things Ain't What They Used to Be, Body and Soul
1945. Bruxelles, Hôtel Cosmopolite: Bobby Jaspar (cl), Vicky Thunus (p), Oscar Averson (g), Paul Dubois (b, p), Jean-Pierre Ackermans (dm)
1946. Liège, The Bob Shots: Bobby Jaspar (cl, ts), Armand Bilak (tp), Jacques Pelzer (as), Sadi (p, voc), Pierre Robert (g), Charles Libon (b), André Putsage (dm)
1947. Bruxelles, The Bob Shots: Bobby Jaspar (cl, ts), Jean Bourguignon (tp), Jacques Pelzer (as), Jean-Marie Vandresse (p), Pierre Robert (g), Charles Libon (b), André Putsage (dm)
1948. Nice, The Bob Shots: Bobby Jaspar (ts), Herman Sandy (tp), Jacques Pelzer (as), Jean Leclère (p), Sadi (vib), Pierre Robert (g), Vic Geets (b), Geo Steene (dm)

1948. Liège, Bobby Jaspar Quartet: Bobby Jaspar (ts), René Thomas (g), Sadi (vib), Georges Leclercq (b)

1948. Liège, The Bob Shots: Bobby Jaspar (ts), Jean Bourguignon (tp), Jacques Pelzer (as), Jean-Marie Vandresse (p), Pierre Robert (g, voc), Georges Leclercq (b), André Putsage (dm)
1949. Paris, The Bob Shots: Bobby Jaspar (ts), Jean Bourguignon (tp), Jacques Pelzer (as), Pierre Robert (g), Francy Boland (p), Sadi (vib, voc), Georges Leclercq (b), Geo Steene (dm), John ward (dm),

1951. Bobby Jaspar Quartet: Bobby Jaspar (ts), Henri Renaud (p), Pierre Michelot (b), Pierre Lemarchand (dm)
Durée: 1h 09’ 56”

Fresh Sound Records 977 (Socadisc)

Voici le premier volume d’une édition consacrée à Bobby Jaspar, le saxophoniste ténor (et clarinettiste à ses débuts) phare du jazz de l’après Seconde Guerre mondiale en Belgique, un âge d’or, qui comptait dans cette génération le grand René Thomas, et des musiciens de haut niveau comme Jacques Pelzer, Sadi, Toots Thielemans, Francy Boland, Benoît Quersin, Jack Sels, parmi d’autres qui sont restés moins connus. Cette édition est l’indispensable vademecum, l’illustration sonore importante puisqu’on parle de musique, du copieux ouvrage de Jean-Pol Schroeder qui raconte, avec un luxe de détails biographiques mais aussi historiques, et avec un certain nombre de commentaires stylistiques, le parcours trop bref de Robert (Bobby) Jaspar né le 20 février 1926 à Liège, une cité essentielle pour l’histoire du jazz en Belgique, où se trouve d’ailleurs de nos jours la Maison du Jazz, justement organisée et animée par Jean-Pol Schroeder, qui est sans doute la meilleure institution européenne consacrée à la préservation du jazz.
Luxe supplémentaire de ce disque qui commence le récit sonore de la carrière de Bobby Jaspar, on trouve en bonus les tout premiers enregistrements du ténor, rarissimes de 1945 et 1946, que Jean-Pol appelle de ses vœux («le jour où l’on publiera une Intégrale Bobby Jaspar», ces deux titres ne détonnerons nullement en tête du volume I»). C’est aussi pourquoi, dans la notice ci-dessus, nous prenons la liberté de remettre les bonus tracks de Jordi Pujol (en fin d’enregistrement de ce volume I) dans l’ordre chronologique.
On y entend en effet, et c’est tout l’intérêt de ce volume, le premier Jaspar, à la clarinette («Don't Be That Way», «I've Found a New Baby»), puis au ténor à la Coleman Hawkins, naturellement, sur «Body and Soul». On y entend aussi un Sadi, au piano, chantant Fats Waller comme Fats lui-même, avec un contre-chant à la clarinette de Jaspar et on y découvre du Duke dans l’esprit d’Ellington. Cela pour dire que si cette génération de jeunes gens est connue pour avoir «adopté» le bebop, elle possédait déjà une culture jazz d’oreille (par le disque) de l’ensemble de l’histoire –par des musiciens et des amateurs qui ont participé à la transmission, des passeurs, comme le saxophoniste Raoul Faisant (cf. Jean-Pol Schroeder)– qu’elle en maîtrisait les codes, et que le glissement vers l’esthétique bop s’est fait d’autant plus facilement et rapidement, comme aux Etats-Unis, que les codes du blues, du swing et de l’expression étaient acceptés avec une ferveur et un enthousiasme qui s’entend. Sadi, encore, chante en 1949, alors qu’il est au vibraphone, dans un registre plus moderne dit «bebop», à la manière de Louis Armstrong, et sans aucun hiatus. René Thomas est déjà très moderne dans son chorus sur «Body and Soul», où il annonce avec un brio prémonitoire la nouvelle guitare, celle de Joe Pass par exemple, en contre-chant d’un Jaspar aussi moderne que Hawkins l’a toujours été.
L’après-guerre en Belgique, c’est aussi les Bop Shots, groupe légendaire qui réunit la confrérie liégeoise, et pas seulement, à la fin des années 1940, sous la férule à l’origine du guitariste Pierre Robert, rescapé des camps de concentration, entouré de cette génération de jeunes musiciens avides de jazz, de nouveauté, de liberté parce qu’on sort aussi d’une terrible guerre. C’est dans ce groupe que la génération des musiciens belges, de Liège en particulier, va acquérir à grande vitesse les codes d’une musique de jazz qui évolue comme l’éclair aux Etats-Unis sous la pression des Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Bud Powell, Kenny Clarke parmi d’autres; les autres musiciens des courants existants continuant eux aussi à évoluer (Art Tatum et Coleman Hawkins y sont pour beaucoup), contrairement à certaines analyses très réductrices de ce qu’est le jazz, à l’époque et encore maintenant, et qui ont vite fait de parler de révolution quand le jazz avance avec assurance dans son processus créatif: la seule révolution au fond étant le jazz lui-même depuis son origine. Comme en France, quelques musiciens en Belgique sont très prompts à se saisir de cette nouvelle manière, venue avec le disque et l’armée américaine, même si les codes au fond ne font que se transformer, évoluer tout en gardant les principes de base: blues, swing et expression hot.
Une anecdote (à versions multiples) dans l’ouvrage de Jean-Pol Schroeder raconte l’arrivée en Belgique de Don Byas qui, on le suppose,
 n’a pas été pour rien dans cette évolution, bien qu’il soit un «moderne» tout à fait «classique» et réciproquement. Cela s’entend encore mieux aujourd’hui, avec le recul et avec la disponibilité de ces enregistrements, une sorte de miracle de la préservation, rendu possible par le travail des Jordi Pujol, Jean-Pol Schroeder, qui nous racontent, avec le son et le texte, plus quelques photos, ce récit exaltant de la renaissance d’après-guerre en Belgique. On en arrive donc à la fin de ce premier volume, après six ans de musique intense, après René Thomas, Sadi, Jack Pelzer, et les autres, au quartet de Bobby Jaspar avec Henri Renaud, Pierre Michelot et Pierre Lemarchand, à Paris en 1951, pour les labels Saturn et Vogue, où un Bobby Jaspar, très lazy, est lestérien (Lester Young), donc très classique ou éternellement moderne, et plus précisément plus mûr dans sa nouvelle manière, comme sur l’émouvant «How About» la paraphrase d’un standard bien connu, mais c’est une autre histoire…
Ce disque est donc le début de l’histoire, d’une histoire courte pour Bobby Jaspar puisqu’elle se terminera tragiquement en 1963 à New York. Pour mieux la connaître, nous avons le luxe de l’ouvrage très fouillé de Jean-Pol Schroeder, Bobby Jaspar, Itinéraires d’un jazzman européen (1926-1963), 500 pages denses avec des millions d’informations, un vrai roman aussi, parce que la réalité est souvent plus profonde que la fiction, et maintenant le privilège du début de l’édition de l’intégrale de Bobby Jaspar, chez Fresh Sound de Jordi Pujol, qui va sans doute poursuivre son indispensable travail pour Bobby Jaspar, comme il le fait pour d’autres aux Etats-Unis, en France et ailleurs. Le multimédia, c’est ça: croiser des lectures avec des enregistrements.Ce genre d’édition-réédition (les thèmes de 1945 étaient sur acétate, donc difficilement trouvables en dehors des collectionneurs) appelleraient d’autres commentaires, mais puisque le livre en a déjà fait le principal, et qu’on peut écouter la musique, chacun peut maintenant apprécier Bobby Jaspar et s’en faire son idée ou son rêve.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Valerio Pontrandolfo
Out of This World

Walk Spirit, Talk Spirit, Water on Mars, Out Of This World, Blues for George, I See Your Face Before Me, Dreams, Mi Little Suede Shoes, I Love Pan
Valerio Pontrandolfo (ts), Nico Menci (p), John Webber (b), Joe Fansworth (dm), Kalifa Kone (perc)

Enregistré le 5 juillet 2018, Bologne (Italie)

Durée: 54' 20''

In Jazz We Trust Records 002 (www.valeriopontrandolfo.it)

Valerio Pontrandolfo est une figure incontournable de la scène jazz de Bologne. Un musicien rare et authentique qui joue un jazz de culture ancré dans un idiome post bop et coltranien. Né en 1975 à Ponteza, il découvre le jazz auprès du guitariste Emanuele Basentini lui aussi issu de la scène locale. Ses premières années d’apprentissage auprès de Piero Odorici (un proche de Cedar Walton) sont primordiales avant de prendre régulièrement, dès 1999 des cours, d’harmonie et d’improvisation avec le pianiste Barry Harris. Une fois son diplôme du conservatoire de Bologne en poche, il poursuit ses études sous la direction de George Coleman et Steve Grossman. Il fera d’ailleurs partie d’un quintet à deux ténors de 2005 à 2012 avec Steve Grossman tout en collaborant avec les musiciens de passage qu’il invitera dans ses formations, tels que les batteurs Bobby Duhram, Greg Hutchinson, Willie Jones III ou les pianistes Spike Wilner et Danny Grisset. A partir de 2014, il tourne en Italie avec le trio d’Harold Mabern pendant deux ans et enregistre avec lui son premier album, le superbe Are You Sirius? (Jazz Hot n°675) en compagnie de John Webber (b) et Joe Farnsworth (dm).
Pour son deuxième opus, Out of This World, il plonge dans l’univers coltranien avec la rythmique d’Harold Mabern et le pianiste Nico Menci. L’ajout de Kalifa Kone, aux percussions, sur la moitié des titres apporte une couleur supplémentaire à ce jazz modal où, sur le «Walk Spirit, Talk Spirit» de McCoy Tyner, le leader se met en évidence au ténor dans un jeu à la fois lyrique et puissant, attaquant les notes dans un registre élevé rappelant son modèle en improvisant de longues phrases expressives. Le discours post hard bop permet à Nico Menci de s’exprimer avec un jeu virtuose et percussif à la fois, évoquant McCoy Tyner. «Blues for George» est un bel hommage à son professeur et mentor George Coleman dans un esprit plus hard bop en quartet, tout comme la composition «Dreams». La rythmique a trouvé un certain équilibre assurant un soutien sans faille, toujours au service du swing. Joe Farnsworth fournit le drive marqué par sa netteté de frappe rappelant Billy Higgins, à l'image de son chorus sur «Out of the World». Sur la superbe ballade «I See Your Face Before Me» Valerio Pontrandolfo met en avant un léger vibrato à la sonorité à peine voilée évoquant Joe Henderson. De l’excellent jazz.

David Bouzaclou
© Jazz Hot 2019

Roberto Magris Sextet
Sun Stone

Sun Stone, Innamorati a Milano, Planet of Love, Maliblues, Beauty Is Forever, Look at the Stars, Sun Stone II
Roberto Magris (p), Ira Sullivan (fl, as, ss), Shareef Clayton (tp), Mark Colby (ts), Jamie Ousley (b), Rodolfo Zuniga (dm)

Enregistré le 7 décembre 2017, Miami, FL
Durée: 1h 06’ 47”
JMood Records 017 (www.jmoodrecords.com)


Avec ce disque, l’excellent Roberto Magris nous plonge dans le meilleur de l’atmosphère du jazz qui a émergé dans les années 1970-80, un jazz d’excellence bien qu’au creux de la vague sur le plan de la notoriété. Il s’inspire de ces beaux groupes post bop qui de Stanley Cowell à Woody Shaw, en passant par McCoy Tyner, Bobby Hutcherson, Mingus Dysnasty, Horace Silver, Art Blakey et une multitude de très grands musiciens de jazz ont permis au jazz non seulement de perdurer, mais de donner parmi ses plus belles pages, renouvelant le langage du jazz loin des tentations de l’époque et des modes, en lui gardant cette fondation essentielle que sont le blues, le swing et le caractère hot. Roberto Magris, un pianiste à la carrière bien remplie, né en 1959 à Trieste, et résidant périodique aux Etats-Unis où il enregistre le principal de son œuvre artistique pour le label JMood basé à Kansas City (une petite vingtaine d’albums pour ce seul label, plus d’autres par ailleurs), possède en effet toutes les clés de ce monde du jazz qu’il évoque ici, y compris la «couleur américaine» malgré sa naissance transalpine: la virtuosité, une musicalité et un lyrisme qui confirment ses origines italiennes, mais aussi une pleine possession des codes du jazz, du blues, de l’expressivité, un swing tout à fait dans l’esprit du jazz, du piano jazz.
Dans cet opus, il est l’auteur de l’ensemble des compositions, et il n’y a rien à redire car elles possèdent les qualités d’urgence, d’intensité et de puissance nécessaires à cette musique fille de celle de McCoy Tyner, et si on entend bien de ces groupes de la fin du XXe siècle, Mingus Dynasty, Timeless All Stars, Chico Freeman, les Leaders, les Cookers et autres groupes issus de l’héritage des Dizzy Gillespie, Lee Morgan, Grant Green, d’où se dégageaient une atmosphère très marquée par le blues, l'intensité et la conviction de l’expression.
Roberto Magris est brillamment entouré d’un all stars, avec le vétéran de Chicago, Ira Sullivan (1931), multi-instrumentiste (il joue aussi de la trompette) qui se consacre ici au saxophone et à la flûte. Ira est une légende, il a côtoyé Charlie Parker, Lester Young, Roy Eldridge, Wardell Gray, Art Blakey, Red Rodney et Lin Halliday, une autre légende de Chicago. Ira Sullivan apporte la couleur de la tradition parkérienne (lestérienne aussi), et enracine un peu plus cet enregistrement.
Le puissant trompettiste de Miami, Shareef Clayton (Duke Ellington Orchestra, Bobby Sanabria Big Band…) contribue par son punch à cette musique qui en demande.
Mark Colby est un solide ténor, né à New York (Brooklyn, en 1949) qui a accompagné Maynard Ferguson et Bob James. Il dirige par ailleurs son quartet et enseigne.
Jamie Ousley, comme le trompettiste et le batteur, est basé en Floride où il enseigne.
Rodolfo Zuniga est un batteur natif du Costa Rica, installé à Miami. Il a accompagné Dave Douglas et a fait partie du Betty Carter’s Jazz Ahead Group.
Roberto Magris enfin est the right man in the right place dans cette musique qu’il maîtrise à la perfection. Son jeu de piano est un classique du genre, alliant le blues, à la mise en résonance de son instrument à la manière du pianiste du John Coltrane Quartet, avec les jaillissements d’un Don Pullen, le lyrisme d’un Hugh Lawson, avec autant de puissance que de finesse dans la compréhension de cet univers musical intense jusqu'à la transe. Roberto Magris mérite qu’on s’intéresse de près à son parcours, il est en pleine possession de son art, possède une discographie respectable. En attendant, prenons le temps d’écouter cet enregistrement très cohérent (un autre vient de paraître, Suite!, toujours sur ce label), et concentrons-nous sur cette musique, sur un intense «Look at the Stars, sur les deux prises de «Sun Stone», sur l
es tempos médium («Planet of Love», «Maliblues») et les ballades («Innamorati a Milano», «Beauty Is Forever») qui ne sont pas sans rappeler le meilleur du Mingus Dynasty de George Adams, Don Pullen et Dannie Richmond, c’est-à-dire l’intensité au service de la conviction: l’esprit du jazz. 
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Wolfgang Lackerschmid and Chet Baker
Ballads for Two

Blue Bossa, Five Years Ago, Why Shouldn't You Cry (1), Dessert, Softly as in a Morning Sunrise, You Don't Know What Love Is, Waltz for Susan, Double 0, Why Shouldn't You Cry (2)
Chet Baker (tp), Wolfgang Lackerschmid (vib, perc)

Enregistré: en 1979 (non précisé)

Durée: 47’ 31’’

Dot Time Records 8012 (www.dottimerecords.com)

Miles Davis et Chet Baker ont en commun moins des éléments de style (sauf superficiellement au niveau du son avec la sourdine harmon comme ici dans «Dessert») que l'intelligence d'avoir construit une façon de jouer de la trompette à partir d'insuffisances techniques. L'un et l'autre ont beaucoup de disciples. Il est certain que lorsqu'on est limite dans la maîtrise de la trompette, il est plus aisé de les copier que de plagier Dizzy Gillespie et Louis Armstrong. Il n'en est pas moins vrai que l'un et l'autre ont enregistré de la musique superbe, car la technique n'est pas une fin en soi et, oui, on peut être un instrumentiste moyen et un artiste. Chet Baker (1929-1988) a atteint la légende surtout par l'émotion qu'engendre son approche qui se complait bien avec une ambiance intimiste (comme le trio avec contrebasse et guitare par exemple). Un beau registre grave et médium, des aigus qu'il évite, sur des standards (il en connaissait un nombre conséquent), avec une émission de son plus soufflée qu'attaquée, ont séduit un public au-delà de l'étiquette jazz. Ce Chet là, on le retrouve ici dans «You Don't Know What Love Is». L'ambiance intimiste est bien là aussi. Mais «grâce» au vibraphoniste allemand, Wolfgang Lackerschmid (né en 1956), il n'y a aucun swing. Wolfgang Lacherschmid écrit «tunes like 'Five Years Ago' would not be like the music Chet is used to play». En effet, à l'époque de cet enregistrement marginal dans l'œuvre de Chet, en 1979 (non indiqué dans le livret), la musique improvisée européenne s'était déjà imposée, et même pour certains substituée au jazz (pour la confusion et au final, la perte du jazz). Comme tout musicien professionnel, Chet Baker s'intéresse (de près et de loin) à tout phénomène sonore. Il a voulu tenter une expérience qui ne prouve rien car un bon improvisateur peut improviser sur n'importe quoi. Bref, ce CD propose d'un bout à l'autre une musique monotone. Il intéressera les amis de Wolfgang Lackerschmid et les inconditionnels de Chet.
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Jeanne Lee / Ran Blake
The Newest Sound You Never Heard

CD1: Misterioso, Honeysuckle Rose*, On Green Dolphin Street, A Hard Day's Night, I Can't Give You Anything But Love, Hallelujah-I Love Him So, Night and Day, Ja-Da (Take 1), Something's Coming, Just Squeeze Me, God's Image*, Retribution, Smoke After Smoke*, Parker's Mood, Caravan, Beautiful City, Birmingham U.S.A., Ja-Da (Take 2), Take The A-Train
CD2: Out of This World, Mister Tambourine Man, Round About, Moonlight in Vermont, The Frog the Fountain and Aunt Jane*, Billie's Blues°, Night in Tunisia, My Favorite Things, Blue Monk, Lonely Woman, Caravan, The Man I Love, Something to Live For, Spring Can Really Hang You Up the Most

Jeanne Lee (voc, voc solo°), Ran Blake (p, p solo*)
Enregistré le 21 octobre 1966 (CD1) et en 1967 (CD2), Bruxelles
Durée: 57’ 27” + 52’ 05”

A-Side 0005 (www.a-siderecords.com)

Pour qui apprécie l’art si particulier de Ran Blake qu’il développe depuis six décennies, il y a ici un trésor: deux enregistrements inédits sortis des tournées européennes en 1966 et 1967 avec Jeanne Lee, cette magnifique voix du jazz, la collaboration en duo la plus emblématique du pianiste, commencée dès 1961 (The Newest Sound Around, RCA Victor, en trio alors avec George Duvivier, b) dont l’œuvre est constellée depuis les débuts de ces échanges intimes, en duo souvent, entre voix et piano. Et ça continue pour Ran Blake, comme on peut le lire dans les chroniques de ses enregistrements plus récents avec Christine Correa (The Road Keeps Winding et Streaming). Ran Blake répondait à nos questions dans le Jazz Hot n°667 pour expliquer ses partis pris et son parcours si original. Amateur d’abstraction et d’art contemporain (quelques pièces en solo le confirment ici, et il venait d’enregistrer en 1965 pour le label avant-gardiste ESP avant cet enregistrement), il a introduit cette composante dans son jeu sans pour autant se priver de la confrontation avec les racines voire avec cette civilisation du jazz qui le fascine. Le résultat de sa démarche est une confrontation entre deux mondes, et la rareté, c’est qu’elle fonctionne souvent, parce que la partenaire adopte le même principe de son côté de découvrir le monde de l’autre, comme le fait Jeanne Lee en restant elle-même.
Dans ce respect mutuel se noue une relation où chanteuse et pianiste conservent leur langage, leur phrasé, leur rythme, leur expression grâce à une écoute mutuelle, tout en parvenant à mettre en valeur le discours de l'autre. Ran Blake est ainsi très attentif au déroulement proposé par la chanteuse, parfois classique dans son accompagnement qu’il organise assez traditionnellement dans la construction (introduction, commentaires, mise en valeur de la voix…), pendant que la chanteuse propose une expression très libre en matière de mise en place pour laisser beaucoup de place et de liberté aux commentaires du pianiste, les deux jouant du contraste entre l’expression très blues et enracinée de la chanteuse et le jeu très classique-moderne-contemporain du pianiste, accompagné d’éclats sonores et d’un discours délibérément privés de blues et de swing pour accentuer le contraste. Le miracle est donc que ça fonctionne bien à l’écoute, même si on se dit qu’une chanteuse aussi profonde que Jeanne Lee («Billie’s Blues», en solo) se serait aussi bien accommodée, sur le plan de son expression, de ces dizaines de pianistes d’exception qui peuplent le jazz de culture. Ses enregistrements avec Mal Waldron nous le disent. Mais le parti de Jeanne Lee, comme celui d’ailleurs de Mal Waldron, a toujours été de chercher dans la rencontre de «l’autre monde», dans une idée de la modernité, une manière originale d’exprimer sa personnalité artistique. C’est une recherche d’époque de ces années 1960 où les artistes, comme les populations, cherchent à dépasser les mondes communautaires si pesants aux Etats-Unis, à se libérer des limites «imposées», même si c’est ce que le jazz a déjà réussi à faire depuis qu’il existe (son universalité), devançant, préparant les Civil Rights avant l’heure (ce dont n’ont pas conscience tous les artistes afro-américains et encore moins les autres, car si la jazz à dépassé la frontière, ce n'est pas encore le cas de leur quotidien).
De fait, et en accord avec Ran Blake, il n’est pas question pour Jeanne Lee de nier ni la culture ni le répertoire du jazz depuis l’origine mais plutôt d’en donner une relecture originale: car le jazz est la matière principale de ces enregistrements (il et elle ont choisi les plus beaux thèmes du jazz, de «Honeysuckle Rose» de Fats Waller à «Misterioso» de Thelonious Monk, en passant par «Hallelujah-I Love Her (Him) So» de Ray Charles, «Parker’s Mood» de Charlie Parker, «Caravan» d’Ellington, «Night in Tunisia» de Dizzy, «Lonely Woman» d’Ornette, etc., les standards «The Man I Love», «Night and Day», etc., plus quelques hits de pop de cette époque de John Lennon et Bob Dylan, une sorte de manifeste d’ouverture qui était l’esprit de ce temps, et c’est très réussi pour «Mister Tambourine Man» de Dylan ), sous la forme pour l’essentiel de pièces courtes, une dominante stylistique chez Ran Blake.
Il y a des réussites exceptionnelles, même si la systématisation produit parfois une impression de «recette», comme pour Ornette Coleman (même époque, même recherches, mêmes conséquences), plus que d’expression libre culturellement, c’est-à-dire naturelle au sens de non systématisée et induite par l'individu, comme chez Charlie Parker, Thelonious Monk ou John Coltrane, également épris de modernité, d’originalité, mais qui ont conservé tous les codes essentiels du jazz sans jamais chercher à systématiser leur expression ou une quelconque modernité. Cela dit, pourquoi pas? Le jazz est à la fois l’expression d’une civilisation (Armstrong, Ellington, Billie, Ella, Gillespie, Parker, Monk, Ray Charles, Coltrane…) et un champ de recherche, une musique de divertissement et une grande maison artistique au sens plus restreint ou superficiel bien que déjà très intéressant, où chacun est libre de son chemin.
Il y a dans ces enregistrements une matière passionnante, autant pour l’écoute que pour la réflexion de ce qu’est la création et l’art. Sil est indispensable de définir pour décrire une expression pour permettre un dialogue sur l’art et partager une passion, un résultat sonore, il n’est pas utile de réduire les artistes à des étiquettes car ils sont très ouverts à toutes les influences, à leur environnement, leur époque, et eux-mêmes en recherche permanente. On ne va pas s’en plaindre aujourd’hui où cette démarche est devenue plus rare car la recherche de modernité (concept relatif) qui allait avec la recherche d’originalité (concept essentiel du jazz) s’est transformée en une obligation de modernité par conformité, esprit de système, sous peine d’exclusion, médiatique parfois, en dehors de toute humanité.
Jeanne Lee est une splendide voix du jazz; Ran Blake est un virtuose discret du piano contemporain qui n’étale pas son savoir; c’est un accompagnateur exceptionnel, et ce qu’ont choisi comme voie ces deux artistes, pour donner tant de beauté, n’a rien de simple. Une nouveauté de plus de cinquante ans (1966, le second disque est daté de 1967, sans précision, à vérifier, pourquoi pas 1966?) qui retrace cette rencontre, enregistré à la Radio-télévision Flamande –BRT à l’époque, devenue par la suite VRT– donc à priori à Bruxelles, dans le cadre d’une tournée qui les avait vus se produire également en Suède en novembre 1966 (Free Standards, Columbia), c’est indispensable!

Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Goldberg(s)
Family Business

Stardust, When I Take My Sugar to Tea, I'll Be OK, Sail Away, There's a Small Hotel, Syracuse, I've Just Seen Her, The Good Life, Put On a Happy Face, Springtime for Hitler, You Must Believe in Spring, My Melancholy Baby, Blues for Mel
Michel Goldberg (ts, ss), Dexter Goldberg (p)

Enregistré les 22, 23 et 24 août 2017, Paris

Durée: 1h 00’ 20’’

Ahead 836.2 (Socadisc)

Ici, Michel Goldberg rend hommage à son père Harry à travers des standards américains et à sa mère avec des chansons françaises (signées Michel Legrand, Sacha Distel, Henri Salvador) auxquels s'ajoutent une composition personnelle («Blues for Mel», pour son petit-fils dont on entend la voix) et une de son fils Dexter («I'll Be OK»). C'est aussi la famille des saxophonistes puisque Carl Schlosser est l'ingénieur du son et Pierre-Louis Cas, dit Pilou, a préparé les fichiers audio. Bien sûr, c'est au sax ténor que Michel Goldberg nous séduit le plus avec sa pulpeuse épaisseur de son («Stardust»). La complicité est parfaite avec Dexter Goldberg qui sait swinguer dans la bonne humeur («When I Take My Sugar to Tea»). Le pianiste est aussi remarquable dans l'accompagnement aux nuances variées qu'en solo («There's a Small Hotel», «Put On a Happy Face»). Michel Goldberg sait chanter avec son saxophone habillé d'un léger vibrato en fin de phrases («The Good Life», surtout «Syracuse»). Il sait aussi rivaliser de dextérité avec le pianiste («Springtime for Hitler» de Mel Brooks tiré de The Producers, 1967). Un disque que l'on écoute avec plaisir.
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Ran Blake / Claire Ritter
Eclipse Orange

Claire Ritter Story, Blue Monk, Eclipse Orange, Backbone, Short Life of Barbara Monk, I Mean You, In Between, Blue Grits, Emerald & the Breeze, Hightop Sneakers, Summertime, Waltzing the Splendor, Improvisation on Selma, Karma Waltz, Breakthru, Cool Digs, There's Been a Change, Brazil Medley, Over the Rainbow, Integrity
Ran Blake (p), Claire Ritter (p), Kent O’Doherthy (sax)

Enregistré le 7 octobre 2017, Charlotte, NC
Durée: 54’ 05”
Zoning Recordings 1013 (www.claireritter.com)

Pour cet album, enregistré en live à la Queens University de Charlotte, pour célébrer le centenaire de Thelonious Monk en Caroline du Nord (l’Etat qui a vu naître le grand pianiste et compositeur de jazz), il ne faut pas attendre de Claire Ritter et Ran Blake un hommage habituel. Claire Ritter a rencontré Ran Blake au New England Conservatory de Boston en 1981 quand elle est venue suivre son enseignement, et la voie qu’elle a choisie n’est pas celle du jazz qui n’est pas sa culture, mais la musique contemporaine dans sa version américaine, une sorte de troisième courant fréquent aux Etats-Unis, entre musique classique, moderne, contemporaine et jazz. Ran Blake, lui-même, malgré une plus grande proximité avec le jazz par ses rencontres, appartient plutôt à ce monde d’une musique américaine, distanciée du fonds expressif afro-américain mais non sans amour pour lui, tirant de ce monde (sa liberté, son intensité) un part de son inspiration et une certaine liberté de création. Pour le blues autant que pour le swing et le caractère hot de l’expression, il faut chercher ailleurs.
On devine que Ran Blake est l’invité d’honneur de ce duo, parfois trio avec quelques interventions du saxophoniste d’origine australienne Ken O’Doherthy. Ces musiciens –ils le disent et on peut croire à l’honnêteté de leur démarche– ne veulent pas ignorer le jazz, et ils en retirent une inspiration pour l’élaboration de leur musique. C’est du beau piano tel que le prodigue depuis toujours Ran Blake, aux riches harmonies, aux angles parfois acérés, aux éclats de lumière, aux atmosphères aériennes, et Claire Ritter n’est pas en reste en bonne disciple. Il et elle proposent une musique très riche sur le plan harmonique, lointaine descendance de la musique de Debussy: du beau piano. Thelonious Monk, objet de cet hommage et de ce concert, par la nature de ses compositions et par ses recherches harmoniques savantes, ne pouvait manquer de fasciner ces deux pianistes. Leur hommage est donc très sincère et en même temps très distant, décalé, avec seulement deux pièces de 2 minutes reprises dans cet ensemble de vingt pièces courtes de 2 minutes chacune, en dehors du «Brazil Medley» et de la «Claire Ritter Story» qui ouvre le disque, guère plus longues. L’assistance est polie et applaudit comme dans une salle de concert classique, sans véritable réponse aux artistes, on est loin de l’Eglise baptiste ou du club «enfumé» (même si on est aujourd'hui obligé de la rêver). On est dans un autre monde que le jazz pour cette révérence à un grand artiste du jazz. Pourquoi pas? C’est globalement de la bonne et belle musique. Le caractère populaire de l’inspiration est absent de l’ensemble, ce qui peut sembler paradoxal et un brin provocateur dans un concert célébrant le centenaire d’un musicien de jazz.Les amateurs de beau piano y trouveront leur content. Cette musique surprendra peut-être certains amateurs de jazz de culture pour un hommage rendu au grand Thelonious Sphere Monk, même si l’«Integrity» des artistes, et qui clôt comme un message cet enregistrement, ne peut être remise en cause, car ils font à deux pianos un effort louable pour restituer sur ce titre quelque chose de ce balancement rythmique si cher à Mr. Monk et si essentiel au jazz.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueLorez Alexandria
On King 1957-1959 - Plus Her 1954-1956 - Blue Lake & Chess Recordings

Titres détaillés dans le livret
Lorez Alexandria (voc), reste du personnel détaillé dans le livret

Enregistré entre 1954 et 1959, Chicago

Durée: 2 h 20' 29''

Fresh Sound Records 979 (Socadisc)

Dolorez Alexandria Turner, connue sous le nom de Lorez Alexandria (1929-2001), née à Chicago, est quelque peu oubliée. On peut comprendre pourquoi à l'écoute de ce double CD. Lorez est une copie conforme de Sarah Vaughan (en blindford test, on se tromperait volontiers). Et une Sarah suffit à la postérité. Ce qui n'implique pas que la musique soit mauvaise. Bien au contraire, c'est souvent excellent.
Le CD1 est la réédition des LPs This is Lorez (King 542), Lorez Sings Pres (King 565), des 45 tours Blue Lake 104 (1954) et Chess 1633 (1956). Les 12 premiers titres enregistrés entre février et mars 1957 avec King Fleming (p) nous présentent Lorez et son art de chanter comme Sarah Vaughan. On retiendra «I'm Glad There Is You» (même timbre et maniérisme que son modèle) avec un hautbois discret en contre-chant, «Thou Swell» (solo de Fleming), «Penthouse Serenade» (solo de Ronald Wilson, fl), «I'm Making Believe» et «You Stepped Out of a Dream» (solos de Wilbur Wynne, g). L'album suivant, en public (restreint à ce qu'on entend), les 6 et 13 novembre 1957 retient plus l'attention car Lorez Alexandria est bien accompagné par un sextet dirigé par King Fleming. Curieusement, puisqu'il est dédié au Pres (Lester Young), il n'y a pas de sax, mais trompette (Paul Serrano) et trompette basse (Cy Touff). Le scat très à la manière de Sarah Vaughan a la part belle. Cy Touff (qui sonne comme un trombone à pistons) et le bopper Paul Serrano prennent de bons solos dans «Fine and Dandy», «Polka Dots and Moonbeams», «There Will Never Be Another You» et «No Eyes Blues». Dans «Jumpin' with Symphony Sid» tout le monde prend un solo, outre Touff et Serrano, il y a Charles Stepney (vib), probablement Earl May (b). A noter que le bon batteur est Vernell Fournier (jeu de balais dans «This Year's Kisses»).
Le 45 tours Blue Lake nous fait entendre du bon rhythm’n’blues avec un ténor lestérien, John Neely («Williams' Blues») et un clin d'œil à Count Basie par King Fleming (piano non accordé) et John Neely («One O'Clock Jump»). S'il s'agit toujours de John Neely dans le 45 tours Chess, sa sonorité s'est élargie («Please Come Back» en quartet vocal autour de Lorez), et il prend un solo musclé et plein de swing dans «Stomping at the Savoy».
Le CD2 est une curiosité. C'est la réédition des LPs de 1959, The Band Swings-Lorez Sings(King 657) et Standards With a Slight Touch of Jazz (King 676). L'arrivée de la bande magnétique pour réaliser les enregistrements a créé une musique artificielle. Ainsi le «School Days» joué à Pleyel par Dizzy Gillespie en 1953 est devenu avec des coupures «Paris Swing» édité en LP par Mode 9200. Pour l'édition originale de l'album Louis Armstrong Plays W.C. Handy en LP CBS, «Atlanta Blues» est un montage avec l'utilisation de deux prises pour le solo de Barney Bigard, mais le raccord perd les trois-quarts d'une mesure au début du solo ce qui fait que Barrett Deems paraît jouer à contretemps (1954). Mais aussi, c'est l'exploitation du son sur le son (re-recording), ainsi Louis Armstrong chante un contre-chant à sa propre voix dans «I've Got a Feeling I'm Falling» (album Stach plays Fats, 1955). Le 28 septembre 1953, Fred Gérard, Fernand Verstraete et les autres n'ont pas vu le soliste lorsqu'ils enregistrent pour Vogue des arrangements de Gigi Gryce en big band; Clifford Brown a ajouté ses improvisations plus tard en re-recording («Brown Skin»). Et ainsi de suite! La pratique devint systématique dans les variétés, le chanteur ajoutant sa voix aux prises orchestrales préalables. Et bien c'est le cas pour Lorez Alexandria en 1959 chez King, firme qui a acheté à l'American Federation of Musicians (Local 802) des backgrounds mis en boîte en 1955-57 pour le label Bethlehem et utilisés par d'autres, notamment Frances Faye. Pour cette fois, les musiciens ont été payés deux fois! Dans la réalité, Lorez Alexandria n'a pas chanté avec Russ Garcia & his Four Trombone Band (Maynard Ferguson, vtb, Herbie Harper, Frank Rosolino, Tommy Pederson, tb, 1955), mais on l'entend ici chanter sur cet orchestre («What Is This Called Love» offre un 4-4 entre Stan Levey, dm, et les trombones).
Lorsqu'Alain Goraguer arrangeait et dirigeait les séances de requins en 1958-59 (Roger Guérin, Georges Grenu, Pierre Michelot, Christian Garros, etc.) pour Serge Gainsbourg, il y avait au moins un travail préparatoire commun entre le chanteur-compositeur et l'arrangeur-chef d'orchestre. Ici, Lorez Alexandria ajoute juste, avec talent, son style vaughanien d'après un score, respectant les places pour tuttis orchestraux et les solos (Allen Eager, ts dans «Don't Blame Me», arr. Frank Hunter). Dès lors le travail des arrangeurs est aussi important que celui de la chanteuse: Frank Hunter, Russ Garcia, Johnny Richards, Ralph Burns.
L'album The Band Swings-Lorez Sings propose 9 titres avec l'orchestre Frank Hunter et deux avec les trombones de Russ Garcia que l'on retrouve dans 4 titres de l'album suivant Standards with a Slight Touch of Jazz complété par des morceaux avec Richard Wess (avec plus de cordes que le seul Harry Lookofsky, vln), le trop rare Al Belletto Sextet (1957, «Sometimes I'm Happy»), Johnny Richards, Ralph Sharon et Ralph Burns. Le tout est plaisant. Lorez trouve une décontraction digne d'un Frank Sinatra («Just You, Just Me», Nick Travis, tp solo) et peut ajouter des scats («Dancing on the Ceiling»; «Just One of Those Things», Rosolino, tb). Ici et là, on trouve des alliages intéressants (flûte d'Herbie Mann dans «The Thrill is Gone», Bernie Glow, lead tp) et des solos aussi bons que courts (Donald Trenner, p: «My Baby Just Cares for Me»; Urbie Green, tb: «Then I'll Be Tired of You»; Stu Williamson, tp, Frank Rosolino, tb: «Long Ago and Far Away»; Tommy Pederson, tb: «But Beautiful»; Ralph Sharon, p, Jay Cave, b: «I'm Beginning to See the Light»; Jimmy Raney, g: «Spring is Here»; Jerry Sanfino, Romeo Penque, hautbois-sax alto: «Better Luck Next Time»). L'excellent «I Can't Believe that You're in Love With Me» est à mon sens attribuable à Russ Garcia et non à Al Belletto. Bref l'étiquette jazz prend donc très tôt les habitudes de la pop. Mais ici, la qualité musicale n'en pâtit pas encore. L'écoute de cette réédition permet de (re)découvrir Lorez Alexandria d'un niveau tellement supérieur aux offres actuelles!

Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Ignasi Terraza Trio
High Up on the Terraza

Take the Boussline, Grooving for Jaume, You Took Advantage of Me, A Flower Is a Lovesomething, Whats This Thing Called Love, Bess & Flowers, Cris, Time on My Hands, Volem Pa Amb Oli, Paraules D'amor, High and Up
Ignasi Terraza (p), Pierre Boussaguet (b), Victor Jones (dm)
Enregistré les 29-30 octobre 2018, Barcelone
Durée: 46’ 27”
Swit Records 28 (www.freshsoundrecords.com)

Ignasi Terraza, dont nous suivons le parcours depuis de longues années, ne cesse encore de nous étonner avec cet enregistrement plein d’une fougue et d’un enthousiasme juvénile, malgré la maturation qu’apporte l’âge à son expression et qui fait aujourd’hui merveille. «L’autre» pianiste catalan, après le grand Tete Montoliu, porte l’héritage de son devancier au plus niveau, avec cette particularité d’embrasser l’histoire du piano jazz dans son ensemble, non seulement celle de Tete Montoliu mais aussi le jazz mainstream aussi bien que le langage le plus moderne du piano jazz de culture, dans la lignée de ce qui se fait de mieux sur l’instrument, de Phineas Newborn, Ray Bryant, Kenny Barron, Tommy Flanagan jusqu’à Benny Green. Du beau piano jazz qui non seulement swingue mais qui éclabousse de sa virtuosité sans esbroufe, et surtout qui possède cet élément profond indispensable à cette expression: le blues et la conviction («High and Up» qui évoque Ray Bryant et Phineas Newborn sans aucune faiblesse). Du mainstream, Ignasi retient dans ce disque la maestria d’Art Tatum et de Teddy Wilson dont il rappelle, en le décalant à sa manière, la vertigineuse dimension pianistique en particulier dans un «You Took Advantage of Me» d’acrobate du clavier qui ne perd jamais son charme classique et se permet quelques détours classiques, chez Bach cette fois… Indispensable, on vous l’a dit!
Ignasi s’est entouré de la crème des musiciens, en la personne d’un Pierre Boussaguet toujours aussi brillant et chantant («Take the Boussline», une composition d’Ignasi en hommage à Pierre, «A Flower Is a Lovesomething») mais qui ne perd jamais de vue sa mission de renforcer le swing et garder le tempo. Enfin, le grand Victor Jones, tout en nuances, apporte sa contribution à un beau trio qui renouvelle, comme à chaque fois avec Ignasi, le plaisir du genre. Le répertoire propose quatre originaux, des standards, des traditionnels, avec un bon équilibre, une entrée en matière et une conclusion énergiques encadrant des climats et des tempos variés, reflets de l’Art d’Ignasi Terraza.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueLeïla Olivesi Nonet
Suite andamane

Satin Doll, Black Widow, Geri’s House, Les Amants, Suite andamane I: Jeu de Vagues, Suite andamane II: Le Chemin du Levant, Suite andamane III: Fleur andamane, Suite andamane IV: Le Course du ciel, From New York to Nouadhibou, Ascaria Tree, Skype Tear
Leïla Olivesi (p, voc) et, selon les titres, Quentin Ghomari (tp, flh), Glenn Ferris (tb), Baptiste Herbin (as, fl), Adrien Sanchez (ts) Jean-Charles Richard (bar), Manu Codjia (g), Yoni Zelnik (b), Donald Kontomanou (dm), Chloé Cailleton (voc)

Enregistré du 2 au 4 janvier 2019, Meudon (78)

Durée: 59’ 01’’

Attention Fragile/ACEL AC5LSA387 (L’Autre Distribution)


Née en  Normandie en 1978, Leïla Olivesi a grandi à Paris dans un milieu artistique sensible au jazz. Elle est diplômée de philosophie (Sorbonne) et de musique (IACP) et a débuté sa carrière dès l’âge de 13 ans, au sein de la troupe de musiciens en herbe des P’tits Loups du Jazz. Elle a publié quatre albums entre 2004 et 2015 où elle développe des compositions marquées par des inspirations mythologiques, historiques ou littéraires (les ouvrages de Cyrano de Bergerac pour Utopia, Jazz & People, 2015). Un travail qui a notamment été salué par la Maison du Duke (1er prix Sacem du concours «Ellington Composers» 2013) où la pianiste donne des conférences depuis 2015.
Auréolée de reconnaissance institutionnelle (qui se traduit aussi par des commandes) et médiatique, Leïla Olivesi publie Suite andamane, un album qui propose une suite orchestrale éponyme en quatre mouvements mais aussi d’autres compositions sans rapport et un standard ellingtonien. Inspiré, nous dit-on, par un voyage sur la mer d’Andaman (qui est bordée par les côtes de la Birmanie, de la Thaïlande et les Îles d'Andaman et de Nicobar) cette «Suite andamane», qui par moment peut évoquer quelque peu la Far East Suite de Duke Ellington, n’est pas malhabile avec un deuxième mouvement particulièrement réussi, «Le Chemin du Levant», le plus swing dans son écriture et son interprétation, porté par la bonne rythmique Yoni Zelnik/Donald Kontomanou et des soufflants qui donnent à cette œuvre de belles couleurs. Cette suite relativement brève (21’ 36’’ au total) aurait mérité un album à part entière car les autres morceaux originaux sont d’un intérêt moindre, si ce n’est «Geri’s House», en hommage à Geri Allen. Un titre instrumental, comme la «Suite andamane». Les autres plages du disque ne tirant pas avantage de la présence de Chloé Cailleton qui chante dans un registre étranger au jazz: une cohabitation particulièrement difficile sur «Satin Doll».
Au total, un disque qui n'est pas sans qualité mais inégal selon nous.
rôme Partage
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueEric Dolphy
Musical Prophet

CD 1: Jitterbug Waltz (3), Music Matador (4), Love Me (2), Alone Together (1), Muses for Richard Davis (1), Muses for Richard Davis (1) [Alternate Take]
CD 2: Iron Man (3), Mandrake (3), Come Sunday (1), Burning Spear (3), Ode to Charlie Parker (1), A Personal Statement (5)

CD 3: Music Matador (4)[Alternate Take], Love Me (2) [Alternate Take 1], Love Me (2) [Alternate Take 2], Alone Together (1) [Alternate Take], Jitterbug Waltz (3) [Alternate Take], Mandrake (3) [Alternate Take], Burning Spear (3) [Alternate Take]

(1) Enregistré le 1erjuillet 1963, New York

Eric Dolphy (as, fl, bcl), Richard Davis (b)

Alone Together, Come Sunday, Ode to Charlie Parker, Muses for Richard Davis (inédit), Muses for Richard Davis [Alternate Take] (inédit)

(2) Enregistré le 1erjuillet 1963, New York

Eric Dolphy (as solo)

Love Me, Love Me [Alternate Take 1], Love Me [Alternate Take 2]

(3) Enregistré le 3 juillet 1963, New York
Eric Dolphy (as, bcl, fl), Woody Shaw (tp), Clifford Jordan (ss), Sonny Simmons (as), Prince Lasha (fl), Bobby Hutcherson (vib), Richard Davis (b)* ou Eddie Kahn (b), J.C. Moses (dm)

Burning Spear, Jitterburg Waltz, Iron Man, Mandrake*

(4) Enregistré le 3 juillet 1963, New York
Eric Dolphy (as, bcl, fl) Clifford Jordan (sop) Sonny Simmons (as) Prince Lasha (fl) Richard Davis (b) , Charles Moffett (dm)

Music Matador, Music Matador [Alternate Take]

(5) Enregistré le 2 mars 1964, Ann Arbor, MI

Eric Dolphy (as, bcl, fl), Bob James (p), Ron Brooks (b), Robert Pozar (perc), David Schwartz (voc)

A Personal Statement (inédit)

Durée: CD1: 49’ 54” + CD2: 55’ 37” + CD3: 52’ 58”
Resonance Records 2035 (www.resonancerecords.org)

A l’origine, Zev Feldman, le coproducteur de cette réédition comportant aussi des inédits, est informé par Jason Moran de l’existence de bandes magnétiques d’Eric Dolphy, en partie inédites, détenues par James Newton qui en a hérité après un curieux parcours. Les masters (stéréo) ayant servi au pressage des deux albums (Labels FM et Douglas) reprenant partiellement ces sessions enregistrées au Music Makers Studio de New York en 1963 se sont volatilisés ou ont été détruits. Les bandes magnétiques personnelles d’Eric Dolphy, en mono, deviennent ainsi un précieux document.
Eric Dolphy part en Europe au printemps 1964 pour ce qui sera son dernier voyage puisqu’il décède à Berlin le 29 juin 1964. Il a confié avant son départ ses affaires à des amis, Hale et Juanita Smith, qui les transmettront à James Newton quand ils apprendront le décès d’Eric Dolphy. James Newton, avec l’accord de la famille Dolphy, transmet la plupart des affaires d’Eric Dolphy à la Library of Congress, et garde sous le coude ces bandes qui deviennent essentielles puisqu’elles restituent, en continu on peut le supposer, le contenu de ces journées d’enregistrement de début juillet 1963.
Si la qualité est moindre que celle des masters pour ce que nous connaissons déjà (qui a été repris également et partiellement dans Music Matador, le Jazz 14, empruntant aux deux disques originaux), les bandes offrent non seulement le déroulement, malheureusement pas exploité dans cette édition, mais aussi des inédits, pour l’essentiel des alternate takes (la matière ici du troisième CD), et un inédit intégral pour «The Muses», ici rebaptisé «Muses for Richard Davis» (2 prises), un thème composé par Roland Hanna (p), et qui donnera son titre à l’album Muses for Richard Davis de Richard Davis en 1969, enregistré chez MPS, avec Roland Hanna, Freddie Hubbard, Jimmy Knepper, Pepper Adams, Jerry Dodgion, Eddie Daniels, Louis Hayes.
Dans cette édition, il y a au total une dizaine d’inédits si on inclut la bonus track, enregistrée à Ann Harbor, MI, en mars 1964, une pièce de musique contemporaine, même si Eric Dolphy y reste lui-même. Elle est donc une pièce de choix pour les dolphynomanes, et ils sont relativement nombreux car la disparition prématurée de ce musicien au langage si particulier et reconnaissable (il «parle» littéralement sa musique), central dans l’élaboration de la «new thing» au tournant des années 1960, a laissé un halo de légende comme c’est souvent le cas pour les surdoués du jazz qui disparaissent trop vite (Clifford Brown, Booker Little, pour n’en citer que deux, il sont nombreux dans le jazz). Central, car Eric Dolphy a beaucoup enregistré avec la plupart des musiciens déterminants qui enrichissent alors la déjà grande histoire du jazz: Charles Mingus, qu’il a connu à Los Angeles, Chico Hamilton, John Coltrane (Africa Brass), Ornette Coleman (Free Jazz), Oliver Nelson (The Blues and the Abstract Truth), Booker Little (At the Five Spot,Memorial Album), Mal Waldron, Ron Carter (Where?), etc. Eric Dolphy est omniprésent avec d’autres musiciens de cette génération et d’autres générations, réputés free ou pas: John Lewis, Jaki Byard, Booker Ervin, Woody Shaw, Eddie Lockjaw Davis, Clifford Jordan, Bobby Hutcherson, Herbie Hancock, Sonny Simmons, Prince Lasha… Certaines de ses semaines d’enregistrement, quand on retrace sa discographie, lui font alterner Charles Mingus et Oliver Nelson, Booker Little et Ornette Coleman, c’est une vie d’une intensité rare sur le plan musical, se produisant même en compagnie d’orchestres symphoniques, de musiciens contemporains.
Eric Dolphy vivait la musique au quotidien, heure après heure, en homme pressé. Sa courte existence lui a donné raison. Dans ses enregistrements en leader ou sideman, il apporte son phrasé inimitable, cette façon de parler avec ses instruments, sa couleur musicale si déterminante comme un grand ancien, un autre Johnny Hodges des années 1950-1960. Il est sans doute le plus «vocal» des instrumentistes, même si les amateurs de jazz ont parfois des difficultés à suivre sa curiosité sans borne et trouve sa musique quelque peu atonale.
Les formations mouvantes dans ces sessions en studio de 1963 font penser à des séances de travail enregistrées, même si une partie a été éditée en disque après le décès de Dolphy, plusieurs musiciens se succédant sur le même instrument, les formations changeant, les recherches étant très diverses.
Un intéressant livret, illustré comme l’ensemble de l’objet de belles photos (Chuck Stewart, Don Schlitten, Jan Persson/CTSImages, Burt Goldblatt,, etc.) fait intervenir de nombreux musiciens et amis qui ont admiré, connu voire côtoyé Eric Dolphy ou qui ont cherché à s’en inspirer: Han Bennink, Henry Threadgill, James Newton, Joe Chambers, Juanita Smith, Marty Ehrlich, Nicole Mitchell, Oliver Lake, Richard Davis, Sonny Rollins, Sonny Simmons, Steve Coleman, etc., sans oublier Zev Feldman, coproducteur avec James Newton, le dépositaire des bandes.
Au chapitre des critiques, les renseignements discographiques sont difficilement lisibles malgré les bonnes intentions, car l’édition est mal pensée sur le plan discographique en dépit de la simplicité relative de ces sessions. Les albums originaux semaient déjà la confusion en raison du découpage de ces séances entre Conversations, FM 208 (Vee-Jay) et Iron Man, Douglas 785. Il eut été plus clair de reprendre les sessions dans leur ordre d’enregistrement, grâce aux bandes, puisqu’en fait il n’y a eu que deux jours d’enregistrement, en dehors de l’ajout d’une bonus track, issue d’une autre session neuf mois plus tard. Reproduire les visuels des deux albums originaux et la mention de leur contenu, auraient seulement fait partie de la documentation plutôt que de reprendre le fouillis installé par les éditions des albums originaux. Nous avons donc, dans la notice, réorganisé l’aspect discographique pour permettre de se repérer plus simplement.
La musique d’Eric Dolphy ici n’est pas la plus passionnante si on considère l’ensemble de son œuvre où il existe de splendides enregistrements, renforçant notre impression d’une séance de travail, même si la recherche fait partie du processus de création. Mais, on vous l’a dit, c’est un document, ce qui justifie l’indispensable, car les vrais amateurs de jazz en sont friands et curieux.

Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

The Gil Evans Orchestra
Hidden Treasures. Volume One: Monday Nights

Subway, LL Funk, I Surrender, Groove From the Louvre, Lunar Eclipse, Moonstruck, Eleven
Miles Evans (tp), Shunzo Ohno (tp), John Clark (flh), David Taylor (tb), Alex Foster (ts, ss), Chris Hunter (as, fl), Pete Levin (kb), Mark Egan (b), Kenwood Dennard (dm), Mino Cinelu (perc) + selon les titres, Alex Sipiagin, Jon Faddis (tp), Birch Johnson, Dave Bargeron (tb), Gary Smulyan, Alden Banta (bar), Gabby Abularach, Vernon Reid (g), Gil Goldstein (p), Charles Blenzig (p, kb), Delmar Brown, Paul Shaffer (kb), Matthew Garrison, Darryl Jones (b)

Enregistré le 14 juin 2016 et le 17 juillet 2017, New York

Durée: 47'18''

Bopper Spock Suns Music Geo 34752 (www.gilevans.com)

Gil Evans (1912-1988) reste l’un des chefs d’orchestre et arrangeurs marquants de l’histoire du jazz. Sa féconde collaboration avec Miles Davis (de Birth of the Cool à Sketchs of Spain) n’est évidemment pas étrangère à cela, de même que ces recherches stylistiques, tel un peintre en quête de nouvelles couleurs (comme avec l’utilisation du cor, du tuba ou des synthétiseurs). Un travail de création qui aura permis de révéler des solistes tels que Lew Soloff, Billy Harper, George Adams ou Jon Faddis.
Le présent album est le premier enregistrement du Gil Evans Orchestra en studio depuis quarante ans et cherche à convoquer l’esprit des concerts qu’il donnait le lundi soir au Sweet Basil (1983-1994) et qui aboutirent à quelques excellents enregistrements. La réactivation du big band s’est effectuée à l’initiative des fils de Gil, le trompettiste Miles Evans et son frère Noah, qui proposent une musique contemporaine (constituée à la fois du répertoire original de l’orchestre et de nouvelles compositions), nourrie par les différents idiomes qui ont traversé l’œuvre de Gil Evans, du swing à la fusion, avec toujours ce besoin de liberté tant dans l’approche de l’écriture que dans les arrangements, ce qui permet d’ailleurs à ces continuateurs d’éviter le piège d’une imitation servile. Les originaux du maître, «Monstruck», courte pièce avec de beaux passages d’ensembles, qui introduit «Eleven», évocation des «Petits Machins (Little Stuff)» paru en 1968 sur l’album Filles de Killimandjaro de Miles Davis, mettant pour cette séance en valeur le ténor coltranien d’Alex Foster. Tandis que l’arrangement du titre de Masabumi Kikuchi «Lunar Eclipse» met à l’honneur le piano de Gil Goldstein. «LL Funk» est plus anecdotique, dans un style évoquant un funk daté des années 1980. On peut regretter la lourdeur relative de Kenwood Dennard (dm) forçant parfois le trait. Al Foster aurait été le batteur idéal d’une telle formation maniant une polyrythmie binaire et ternaire sans oublier de swinguer.
Ce Monday Nights est le premier volume d’un triptyque, Hidden Treasures, qui devrait s’enrichir d’un deuxième, intitulé The Classics, consacré aux compositions de Gil Evans dont «My Ship» et «The Meaning of the Blues» (Miles Ahead) puis d’un troisième, Gil and Anita, avec lequel Miles et Noah rendront hommage à leurs deux parents.
David Bouzaclou
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueMaurice Vander
Piano Jazz. Trio Sessions

Titres détaillés dans le livret
Maurice Vander (p), Benoît Quersin, Pierre Michelot (b), Jacques David, Kenny Clarke (dm)
Enregistré entre 1955 et 1961, Paris

Durée: 1h 12’ 37’’

Fresh Sound Records 974 (Socadisc)

Fresh Sound poursuit la réédition des mines enregistrées en France dans les années 1950-60, c'est à dire au cours d'un âge d'or. Maurice Vander (1929-2017) fut chez nous un incontournable sur lequel nous avons écrit l'essentiel dans Jazz Hot n°679 (printemps 2017). A son propos, le livret est très bien documenté. Disons que Maurice Vander a fait ses débuts de pianiste de jazz en 1948. Il a une activité de sideman étoffée pour Noël Chiboust, Hubert Rostaing, Django Reinhardt, Don Byas, Pierre Gossez, Bobby Jaspar, Clifford Brown, Jimmy Raney, Fats Sadi, Aimé Barelli et Tony Proteau avant de se lancer comme leader et en 1955 enregistrer ces premiers disques sous son nom. Nous avons là 26 titres, tous des standards, dont deux versions de «My Funny Valentine» (exercice obligé à l'époque et personne ne s'en plaignait) qui sont la réédition du LP Jazz Piano (Véga V35 M721), du 45 tours Véga V45P1611, du LP Piano for Dance sous le nom de Steve Anderson (Bel Air 7025/Musidisc CV 1180). Ce CD peut avoir une utilité pédagogique pour montrer l'approche bop issue de George Shearing («Everything Happens to Me», 1955) et surtout de Bud Powell («Strike Up the Band», «How About You?», 1955; «Over the Rainbow», 1961). Maurice Vander compte parmi les meilleurs pianistes français de sa catégorie avec Martial Solal, René Urtreger, Bernard Peiffer, Raymond Fol, Georges Arvanitas. Il joue les ballades avec beaucoup d'élégance et de musicalité («Autumn in New York» où il n'oublie pas l'empreinte initiale d'Art Tatum; «Stella by Starlight» et «Love for Sale», brefs clins d'œil à Erroll Garner, 1961). Ses développements improvisés sont logiques servis par une élégance de phrasé et un toucher délicat. Le choix des tempos est parfait («Fascinating Rhythm» par exemple). Le piano est roi. Donc peu de solos par ses complices: Benoît Quersin dans «Pennies From Heaven», Pierre Michelot et Kenny Clarke dans «Mack the Knife», une alternative avec Jacques David dans «Strike Up the Band» et une très courte avec Kenny Clarke dans «Night and Day». Evidemment, la séance de 1961, très bien enregistrée, nous monte d'un cran. Elle permet aussi d'apprécier les lignes de basse rondes de Pierre Michelot et le drumming d'exception de Kenny Clarke («Cheek to Cheek», «Love for Sale», «Dream», etc). Cette équipe fut enregistrée sous le pseudonyme de Steve Anderson pour toucher un public plus large d'où cette couleur à la Erroll Garner que Vander adjoint judicieusement à son jeu pour notre bonheur. Cette séance avec Clarke et Michelot rend cette réédition indispensable. Si un seul disque de Maurice Vander est souhaité, celui-ci fera l'affaire.
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueRossitza Milevska
Steps

Na krivo, Introduction Lole li si, Lole li si, Song for Steps, Enjoy the Silence, Valse, No Matter, Samba Rag, Melody, Comme une valse, Sol, Human Nature
Rossitza Milevska (harp, voc), Frédérique Lacroix (b), Franck Le Donne (eb, perc), Cédric Le Donne (dm, perc)

Enregistré en 2019, Antibes (06)

Durée: 49’

Autoproduit (www.rossitzamilevska.com)

Instrument rare dans le jazz, la harpe a deux représentantes en France, Christine Lutz et Rossitza Milevska. La seconde, après les prix du soliste et du public obtenus en 2010 au tremplin de Jazz à Hyères, a sorti une premier disque, As I Am, en 2011. La revoici avec un troisième album d’une inspiration un peu différente. La harpiste-chanteuse est d’origine bulgare, pays des fameuses «Voix Bulgares». Elle en a retenu quelque chose dans la voix, un côté aigrelet et enfantin, ce qui lui donne sa couleur particulière. Elle chante aussi bien en bulgare qu’en anglais. Pour la harpe, c’est un jeu plutôt piano, pas étonnant puisqu’elle est aussi pianiste. Cette fois-ci, pas de standards, elle est l’auteur de tous les morceaux et des paroles en bulgare. Pour l’anglais, elles sont dues à Martin L. Gore. Côté musiciens, ce sont les fidèles depuis le début, plus Franck Le Donne pour ce disque. Comme beaucoup de musiciens de jazz ayant des racines dans une autre culture, Rossitza Milevska plonge dans la musique bulgare, comme par exemple Claude Tchamitchian l’avait fait à partir de ses origines arméniennes dans son disque Traces. La harpiste s’y frotte avec réussite dans «Lole li si» avec un lyrisme balkanique enflammé. Elle s’attaque à la samba sur «Samba Rag» avec un beau travail de la rythmique et un solo très mélodique de la basse électrique. Une incursion réussie dans la Soul, c’est «Melody» chanté en anglais avec une belle intensité. On peut goûter les qualités de la harpiste en solo sur «Introduction Lale li si». Son goût pour la vase s’épanouit dans «Valse» ou encore «Comme une valse», très tendre.
Rossitza Milevska s’aventure sur divers terrains musicaux avec grâce et réussite, soutenue par une rythmique discrète mais toujours là où il faut et comme il faut. Même si ce disque n’est pas tout à fait dans les canons du jazz, il procure un délicieux plaisir d’écoute.

Serge Baudot
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueBilly Byers and Martial Solal
Jazz on the Left Bank + Réunion à Paris

Salute to Vo, Softly as in a Morning Sunrise, There Will Never Be Another You, Jaguar, The Long Nite, Patti’s N.Y. Blues, I Guess (Madna), You Don’t Know What Love Is, Sixty-Eight, Leila, Trianon, Kenny’s Special, Illusion, Love Me or Leave Me, Cinerama, Vogue, Buyer’s Blues
Billy Byers (tb, arr), Martial Solal (p, arr), Dick Mills, Jimmy Deuchar (tp), William Boucaya (ts, bar), Allen Eager (ts), Benoît Quersin (b), Wessel Ilcken, Kenny Clarke (dm)

Enregistré en septembre 1956, Paris

Durée: 1h 12' 11''

Fresh Sound Records 978 (Socadisc)

C'est la réédition des LPs Jazz on the Left Bank de Billy Byers (Philips B08112L) et Réunion à Paris de l'International All Stars (Swing LDM 30048). Ils ont en commun l'Américain Billy Byers, le Français Martial Solal et le Belge Benoît Quersin. Comme d'habitude, Fresh Sound fait un beau travail de présentation et de restitution sonore. Dommage qu'en guise de livret l’on ait reproduit le texte originel de la pochette du Jazz on the Left Bank signé Nat Hentoff (1956) qui récite les clichés progressistes qui ont formaté les amateurs de l'époque (qui ne se sont pas recyclés à la lumière des documents ultérieurs). Hentoff se soumet aux considérations d'André Hodeir. Bref, les Hentoff, Feather, Ulanov, Hodeir et leurs disciples serviles sont responsables de l'état actuel du jazz. Il eut été préférable de mettre en lumière Billy Byers (1927-1996), tromboniste, arrangeur, compositeur, requin de studio dont l'importance est sous-évaluée.
Né à Los Angeles, Il a étudié le piano et la composition. Un problème d'arthrite le fait abandonner le piano pour le trombone à l'âge de 14 ans. Après son service militaire (1944-45), il étoffe son expérience d'instrumentiste chez Georgie Auld, Buddy Rich, Benny Goodman, Charlie Ventura, Teddy Powell. A la discipline du big band, il ajoute vite l'expérience du musicien de studio. Il vient travailler à Paris en 1956-57 pour Ray Ventura. C'est l'époque de ce disque qu'il signe sous son nom pour Philips. Il revient en France avec Quincy Jones (1959-60). C'est un homme de l'ombre efficace car c'est lui qui recrutait à Paris les musiciens, notamment pour Duke Ellington (Turcaret, 1960) ou des musiques de film (qu'il écrira parfois pour le compte d'un autre). Il est ici responsable de l'arrangement des 10 premiers titres. Le «Salute to Vo» ne met en valeur que le batteur néerlandais Wessel Ilcken (1923-1957), mari de la chanteuse Rita Reys, et le trompettiste Dick Mills (1925), né à Seattle qui s'exprime dans le même style que Shorty Rogers.
Mills n'a pas la classe de Don Fagerquist ni les moyens techniques des frères Candoli, mais il est typique du genre dit West Coast. Il a étudié la trompette dès l'âge de 6 ans auprès du père de Red Nichols, à San Jose. Il a ensuite étudié la musique auprès de Darius Milhaud (Mills College de San Francisco, puis Paris). Dick Mills a joué pour Kenny Clarke (Paris, 1948-50), Dave Brubeck (1950), Charlie Barnet (1951), Les Brown, Woody Herman (d'où le disque des Herdsmen avec Henri Renaud, 1954), puis Brew Moore (1956). Dans les exposés de «There'll Never Be Another You» et «You Don't Know What Love Is», il a un lien avec Chet Baker (tandis que Byers est aussi fin styliste qu'Urbie Green). Mais c'est la similitude avec Shorty Rogers qui domine. Dick Mills quitta la musique en 1962. Dans «Softly as in a Morning Sunrise», pris sur un bon tempo médium, tout le monde sauf Ilcken prend un solo, notamment Benoît Quersin (1927-1993) et au baryton, William Boucaya.
Venu d'Alger, Boucaya a commencé sa carrière parisienne chez Hubert Rostaing (1947). Il a ensuite joué pour Claude Bolling et Michel Legrand. Il fut, comme ici, un bon disciple de Gerry Mulligan. Boucaya n'utilise le ténor que dans quelques ensembles et une fois en solo dans le sombre «You Don't Know What Love Is». On retrouve l'art de Martial Solal qui fait dialoguer le piano solo et l'orchestre dans «Jaguar» qu'il a signé, mais l'arrangement de Byers donne aussi un espace pour un solo par les trois souffleurs.
L'écriture de Byers est sophistiquée et complexe dans son «The Long Nite». Il y prend un solo (belle aisance de registre), ainsi que Boucaya (bs), Mills, Solal (raffiné) et Quersin. Remarquons que l'ordre des solos varie d'un morceau à l'autre. Dans «I Guess», Ilcken assure une courte alternative avec Solal et les trois souffleurs. Byers, Solal et Quersin se retrouvent en studio le 24 septembre avec l'Ecossais Jimmy Deuchar (1930-1993) et deux Américains vivant à Paris, Allen Eager (1927-2003) et Kenny Clarke (1914-1985). L'esthétique est la même, dite cool et west coast par les «spécialistes» de l'époque. Un standard («Love Me or Leave Me»), un thème de Byers et cinq compositions de Solal constituent l'album. Byers est toujours d'une aisance à la Urbie Green («Kenny's Special», «Illusion» dans le registre aigu, «Buyer's Blues») et Solal d'une musicalité qui fait passer pour sobre ce qui est virtuose (rien à voir avec les pianistes actuels). Jimmy Deuchar se rapproche de Conte Candoli: un discours ferme, souvent inspiré mais pas une grande sonorité. Il est techniquement au-dessus de Dick Mills. Allen Eager est un bopper lestérien de qualité dans tous les titres dont «Illusion» pour la tendresse. Kenny Clarke est un maître, léger et précis («Kenny's Special», «Buyer's Blues»). Il assure de belles alternatives avec les trois souffleurs dans «Love Me or Leave Me» et, augmentés de Solal, dans «Vogue». L'écriture de Martial Solal, on le sait, peut-être complexe comme ce «Vogue» est un exemple. Au total un document représentatif d'une époque que l'on est en droit d'aimer.

Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueErnie Watts Quartet
Home Light

I Forgot August, Cafe Central Zam, Distant Friends, Frequie Flyers, Horizon, O.P., Spinning Wheel, Joe, Home Light
Ernie Watts (ts), Christof Saenger (p), Rudi Engel (b), Heinrich Koebberling (dm)

Enregistré les 11 et 12 décembre 2017, Cologne (Allemagne)

Durée: 1h 07’ 58’’

Flying Dolphin Records 1012 (www.erniewatts.com)

A 73 ans, le saxophoniste ténor Ernie Watts est un vétéran de la Côte Ouest qui aura abordé une multitude de styles, diluant ainsi son talent d’instrumentiste dans un éparpillement aux marges du jazz, surtout dans son activité de leader. Il eut pourtant le privilège de partager quelques notes avec Count Basie, dès le collège, avant d’intégrer la fameuse école Berklee de Boston. Ce lecteur hors pair fit les beaux jours du big band de Buddy Rich avant d’entamer une carrière de musicien de studio touchant aussi bien l’univers de la pop, de la fusion que celui des musiques de films. Il resta toutefois proche du jazz en croisant la route de Cannonball Adderley, Monk, Oliver Nelson ainsi que des grandes formations de Gerald Wilson ou de Dave Grusin. C’est toutefois au sein du Liberation Music Orchestra de Charlie Haden, et plus tard avec son fameux Quartet West, qu’il laissa ses plus belles traces d’enregistrement en tant que sideman. Avec son épouse, il a créé le label Flying Dolphin pour une série d’albums dans un prolongement post bop de qualité.
Son nouvel opus est une excellente occasion de redécouvrir ce musicien attachant et talentueux à la virtuosité non dénuée de musicalité et à la sonorité incisive évoquant parfois Coltrane. Autour de lui, un solide trio d’Outre-Rhin avec qui il collabore depuis une quinzaine d’années amené par l’excellent pianiste Christof Saenger. Home Light est une production qui a du sens dans un jazz de culture bien défini et qui débute par un superbe «I Forgot August» sur les harmonies du classique «I Remember April». Le pianiste s’exprime dans un langage bop se gardant de tout effet, dans un souci permanent de swinguer, entouré d’une superbe rythmique au service d’une musicalité d’exception. «Cafe Central Zam» du batteur Heinrich Koebberling est bluesy à souhait, mettant en exergue la sonorité mince et parfois lisse doublée d’un léger vibrato du leader évoquant les productions acoustiques de Michael Brecker. «O.P.» (composition de Sam Jones en hommage à Oscar Pettiford) est un grand moment du disque avec des passages ténor et contrebasse à l’unisson avec un excellent chorus de Rudi Engel, tout comme «Joe», composition du trompettiste Brad Goode, avec lequel Ernie Watts a déjà travaillé, et qui est un bel hommage latin jazz à Joe Henderson où le leader double son discours au ténor et au soprano. Cet album est une réussite qui comptera dans la riche et éclectique discographie du saxophoniste.

David Bouzaclou
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disquePablo Campos
People Will Say

Nobody Else But Me, Golden Earrings*, Beautiful Moons Ago*, At Long Last Love, Spring Can Really Hang You Up the Most*, 60 East 12th Street*, No More, People Will Say We’re in Love, Washington Heights, Thou Swell, I Got in His Arms*, By Myself
Pablo Campos (p, voc), Peter Washington (b), Kenny Washington (dm) + Dave Blenkhorn (g)*
Enregistré à New York, date non précisée
Durée: 58’ 03’’
Jazztime Records 196102 (UVM Distribution)


Cela fait déjà quelques années que nous croisons régulièrement dans les clubs parisiens le pianiste et chanteur Pablo Campos, tout juste 30 ans cette année. D’origine argentine et basque, le jeune homme a la particularité d’être un musicien autodidacte et d’avoir choisi le jazz après avoir été diplômé de Sciences-Po’ Bordeaux. Il n’en a pas moins été exposé à l’enseignement de plusieurs maîtres, de Barry Harris à Marc Thomas. On l’a d’abord connu au sein du Swingin’ Bayonne de Patrick Quillart (b) et Jean Duverdier (dm, également talentueux dessinateur de presse, notamment pour Jazz Hot). A Paris, c’est son aîné Nicola Sabato (b) qui l’a pris sous son aile, en trio avec un autre «jeune lion», Germain Cornet (dm). Accompagnateur apprécié (notamment pour Cecil L. Recchia), participant volontiers à de multiples projets (le Zoot Collectif, groupe vocal Shades, West Side Story avec l’Amazing Keystone Big Band…), Pablo Campos soigne également sa carrière de leader et possède un groupe régulier constitué de Viktor Nyberg (b), Philip Maniez (dm) et Dave Blenkhorn.
On retrouve d’ailleurs –invité sur cinq titres– le guitariste australien (que l’on apprécie notamment pour son travail au sein de La Section Rythmique, cf. notre chronique) sur cet album enregistré à Brooklyn avec une rythmique de rêve: Peter et Kenny Washington. Rappelons que s’ils ne sont pas de la même famille, mais simplement homonymes, Kenny est le frère du contrebassiste Reggie Washington, basé en Belgique. Friand de la compagnie des musiciens plus expérimentés et de ce qu’ils ont à transmettre sur le plan musical et humain, Pablo Campos, pour ce premier disque sous son seul nom, s’est fait plaisir. Peter et Kenny Washington ont un curriculum vitae des plus prestigieux (Art Blakey, Tommy Flanagan, George Cables pour le premier, Dizzy Gillespie, Houston Person, Lee Konitz pour le second; ils sont en outre tous deux membres du trio de Bill Charlap parmi d’autres encore), et on imagine que Pablo a dû se régaler pendant cette séance de leurs histoires. Ainsi luxueusement accompagné, il a choisi de s’attaquer au Great American Songbook à la manière de Nat King Cole, son inspiration, même si vocalement il se rapprocherait davantage du timbre d’un Harry Connick Jr. Deux très bonnes compositions originales du leader viennent compléter le répertoire: «60 East 12th Street» et «Washington Heights», morceau instrumental qui permet de savourer tout particulièrement le swing du trio et les qualités rythmiques du pianiste Pablo Campos, car sur son instrument Pablo Campos est étonnant! Sa bonne culture jazz et son goût de la transmission nous offre un album fort réussi et qui doit beaucoup évidemment à l’excellence de ses compagnons musiciens.
Jérôme Partage
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueChristian McBride
New Jawn

Walkin' Funny, Ke-Kelli Sketch, Ballad of Ernie Washington, The Middle Man, Pier One Import, Kush*, Seek the Source, John Day*, Sightseeing
Christian McBride (b), Josh Evans (tp), Marcus Strickland (ts, bcl*), Nasheet Waits (dm)

Enregistré les 25-27 mai et 20 septembre 2017, St Louis, New York

Durée: 57'43''

Mack Avenue 1133 (www.mackavenue.com)

On a vraiment changé d'époque car il n'y a aucun texte de pochette, mais une liste de pas moins de sept personnes concernées par la production de ce disque… Pour autant, la musique relève d'un autre temps. Dès les premières notes de «Walkin' Funny», on se dit que ce n'est guère différent de Out to Lunch! d'Eric Dolphy (1964). Et que le drumming (ou plutôt la partie de percussion) dans le déroulement free de «Ke-Kelli Sketch» reste en deçà de la contribution de Sonny (Sunny) Murray du Ghosts d'Albert Ayler (1964 encore). Quant à la formule sans piano, cela nous est familier de Gerry Mulligan à Ornette Coleman. Les titres, sauf «Sightseeing» de Wayne Shorter, sont signés par les membres de ce quartet. Christian McBride (né en 1972) n'est plus à présenter. Sa technique est superlative avec une sonorité remarquable comme on peut en juger dans ses solos sur «Seek the Source» et «John Day», ainsi que dans ses lignes de basse derrière les souffleurs (par exemple: «Sightseeing», up tempo). Il manie l'archet comme Charlie Mingus («Ke-Kelli Sketch») et avec maîtrise pour donner une couleur, couplé à la clarinette basse («Kush»). A peine plus âgé, Nasheet Waits (né en 1971), fils du percussionniste Freddie Waits, fut tenu en estime par Ed Thigpen et Max Roach. Il passe du up tempo bop aux effets libres de percussion avec classe. On n'a pas ici abusé de ses solos (coda de «Seek the Source»). Mais on peut apprécier la diversité de son accompagnement. Les souffleurs sont plus jeunes mais à l'unisson pour le langage musical. Marcus Strickland (né en 1979), remarqué dès 1997, est un sax ténor lyrique. Son solo à la clarinette basse dans «John Day» est dans la veine d'Eric Dolphy. Il serait tellement intéressant de l'entendre plus sur cet instrument, il y a tellement de sax ténor dans son style. Josh Evans (né en 1985) fut marqué, très jeune, par Jackie McLean et Rashied Ali. Il joue de la trompette depuis l'âge de dix ans et a donc développé une solide technique. Il s’exprime avec un son large même pour un discours véloce bop («Sightseeing»), certainement grâce à l'emploi d'une embouchure large (contrepartie, il n'abuse pas du suraigu). Il est dans la lignée de Freddie Hubbard («The Middle Man», up tempo) sans ignorer Don Cherry avec plus de technique comme il se doit aujourd'hui («Kush»). Il ne manque pas de musicalité comme les deux ballades, points forts du disque, en témoignent: «Kush» et surtout «Ballad of Ernie Washington» qu'il a écrit. Un disque qui se veut moderne même si le résultat évoque des contributions d'il y a cinquante-cinq ans et même plus. De ce fait, des lecteurs y trouveront leurs repères.
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueChucho Valdés
Jazz Batá 2

Obatalá, Son XXI, Luces, Ochún*, Chucho’s Mood, 100 Años De Bebo*, El GüIje, The Clown
Chucho Valdés (p)Yelsi Heredia (b), Dreiser Durruthy Bombalé (batás, voc), Yaroldi Abreu Robles (perc), Regina Carter (vln)*
Enregistré en 2018, South Orange, NJ
Durée: 56’ 17”
Mack Avenue 1146 (mackavenue.com)


Retour aux sources du tambour sacré batá pour Chucho Valdés, après le Jazz Bata original qui en 1972 le révélait, avant la création de son groupe Irakere. Un ressourcement qui n’en conserve pas moins son attachement au jazz pour une synthèse dont il a été coutumier. Son aisance instrumentale et son enracinement toujours réactivé ont toujours permis à ce pianiste une grande liberté, car la musique –élaborée, savante et populaire– est son monde, sans frontière, comme on l’entend sur un premier thème où il évolue au milieu des rythmes cubains tout en proposant un langage très libre, proche par instant de la musique contemporaine («Obatalá», «Son XXI»), sur un fond vocal en relation directe avec les chants traditionnels et les rythmiques de la tradition cubaine. Une alchimie savante qui pourrait relever de la magie, si on y est sensible, ou, pour les sceptiques, du grand savoir de ce musicien accompli pétri de culture populaire au sein d'une famille qui vit dans la musique cubaine depuis plusieurs générations. Au milieu de ce répertoire, il peut glisser vers le répertoire le plus «spiritual» qui soit, au sens nord-américain («Ochún»), avec une invité de marque, Regina Carter, puis s’orienter vers la couleur afro-cubaine de Dizzy Gillespie et Chano Pozo («Chucho’s Mood»), non sans de nombreuses citations de Duke Ellington, dans une veine pianistique très brillante, car il est phénoménal sur son instrument. Sur le thème suivant, «100 Años De Bebo», pour un hommage à Bebo, son pianiste de père, qui jouait encore il y a peu de temps sur les scènes du monde, et pour le centenaire de sa naissance, il invite à nouveau Regina Carter dans une veine cubaine traditionnelle empruntant autant au rythme chaloupé qu’à la musique classique, pour une musique empreinte de nostalgie, pour son père c’est certain, mais aussi pour toute une époque musicale pleine de poésie. Les trois musiciens qui l’accompagnent ici apportent le complément parfait, notamment dans les parties ou pièces les plus traditionnelles («El GüIje»). La sophistication des percussionnistes et des rythmes cubains n’est plus à vanter. Chucho Valdés conclut ce bel opus par un thème qui évoque la musique française classique de la fin du XIXe et du début du XXe siècle, de Debussy et Satie à Ravel dans une pièce, «The Clown», en piano solo, où il glisse sa félinité rythmique sans perdre aucunement ce qui fait la légèreté, la poésie et l’esprit de la musique de cette époque. Un grand moment du disque et de virtuosité au service d’une musique qui fait rêver.
Malgré sa relation forte au jazz, Chucho Valdés est inclassable, comme quelques rares avant lui (Django Reinhardt); il a su produire une synthèse musicale personnelle sans renoncer à son amour pour le jazz, la musique traditionnelle cubaine, la musique classique, l’art pianistique. Il le fait avec naturel, sans ostentation, en malaxant la matière pour en faire son langage, construire un univers original.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disque

John Lewis / Sacha Distel
Afternoon in Paris

I Cover the Waterfront°, Dear Old Stockholm°, Afternoon in Paris°, All the Things You Are*, Bag’s Groove*, Willow Weep for Me*
John Lewis (p), Sacha Distel (g), Barney Wilen (ts), Percy Heath*, Pierre Michelot° (b), Kenny Clarke*, Connie Kay° (dm)

Enregistré le 4* et le 7° décembre 1956, Paris

Durée: 43’ 06

Decca 572902-9 (Universal)

Universal réédite sobrement, via sa collection «Jazz in Paris», le fameux duo parisien entre John Lewis et Sacha Distel. Le court texte du livret rappelle brièvement le contexte de cette session que la lecture des numéros de Jazz Hot de l’époque permet d’éclairer davantage: en novembre 1956, le Modern Jazz Quartet participe à la tournée européenne «Birdland ‘56» qui aligne une affiche de rêve: Miles Davis, Lester Young et Bud Powell, et traverse les Pays-Bas, la Belgique, l’Allemagne de l’Ouest, la Suède, le Danemark, la Suisse et l’Italie pour s’achever en France où elle avait démarrée le 2 novembre, à la Salle Pleyel (compte-rendu enthousiaste de ce «Birdland Show» dans Jazz Hot n°116, décembre 1956). Le Club Saint-Germain où Lester Young vient de faire un tabac et dans lequel Jazz Hot voit un nouveau Birdland de la Rive Gauche, saisit l’opportunité de cette présence et programme le MJQ pour deux semaines du 26 novembre au 9 décembre 1956. C’est en outre l’occasion de retrouvailles amicales entre John Lewis et Sacha Distel qui avaient sympathisé deux ans plus tôt lors du précédent séjour à Paris du pianiste. On imagine que le club de la rue Saint-Benoît en a été le théâtre, puisqu’à la même période le guitariste y assurait les matinées des samedi et dimanche (16h30-19h30) accompagné du tout jeune Barney Wilen (ts, 19 ans), René Urtreger (p), Bibi Rovère (b) et Al Levitt (dm). Sacha Distel saisit lui aussi l’opportunité. Travaillant auprès de son oncle, Ray Ventura, qui a recentré ses activités sur le cinéma, la production phonographique et a récemment créé le label Versailles, il souhaite enregistrer avec le MJQ ce qu’Atlantic Records (exclusivité) ne permet pas, nous dit le livret. D’où l’absence de Milt Jackson sur cette session qui s’effectue sous le seul nom de John Lewis, mais avec la participation de Percy Heath et Connie Kay. On peut s’étonner de cette version car Atlantic et Versailles sont alors partenaires, le label de Ray Ventura venant de sortir l’édition française de l’album Fontessa du MJQ. De même, Atlantic commercialisa (avec succès) l’édition américaine d’Afternoon in Paris, et celle d’autres disques de musiciens français produits par Versailles, ce qu’annonce Sacha Distel en mars 1958 (Jazz Hot n°130). Toujours est-il que c’est une double rythmique qui officie: Percy Heath et Kenny Clarke (membre fondateur du MJQ et qui retrouve ainsi ses anciens compagnons) le 4 décembre (face B du LP); Pierre Michelot et Connie Kay le 7 (face A). Le jeune prodige du ténor, Barney Wilen, est également de la partie, sur les deux séances. Les qualités d’expression de chacun des protagonistes font de cet enregistrement un témoignage édifiant du niveau de la scène parisienne de l’époque, fertilisée par la présence américaine. Face à la stature d'un John Lewis, magnifique d’élégance et de swing, et du talent étonnant du rollinsien Barney Wilen, Sacha Distel, 23 ans –consacré par le referendum Jazz Hot de janvier 1956 (n°106) et bientôt de janvier 1957 (n°117)– apparaît comme un digne représentant de l'école Jimmy Raney.
On connaît la suite de l’histoire: le guitariste de jazz s’effacera devant le succès du chanteur de charme, et ne reviendra qu'épisodiquement à son art premier; c'est le «Distel’s Dilemma»… Du bebop au Third Steam, John Lewis laissera en revanche une œuvre de pianiste, de compositeur et d’arrangeur exceptionnelle (cf. Jazz Hot486, Spécial 2001 et 580), tenant une place à part dans l'histoire du jazz de la seconde moitié du XXe siècle. Un parcours également marqué par sa relation étroite avec la France 
et la fidélité aux amitiés qu’il y a nouées; il enregistrera, une vingtaine d’année plus tard un nouvel Afternoon in Paris chez Dreyfus Records. Parmi ses amitiés: Sacha Distel, il prénommera d'ailleurs son fils «Sasha», mais aussi Charles Delaunay, dont il préfacera l’autobiographie portant le titre de la célèbre composition («Delaunay Dilemma») qu’il dédia au fondateur de Jazz Hot, rencontré en 1948, lors du concert du Dizzy Gillespie Big Band à Paris, celui-là même qui fit entrer en jazz le jeune Distel.
Notons que Sam Records a réédité de son côté le LP Versailles MEDX 12005 d’origine en fac-simile, avec la belle photo de couverture de Jean-Claude Bernath, qui donne une dimension quasi cinématographique à cette histoire humaine et artistique.

rôme Partage
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueBarney Wilen Quartet
Live in Tokyo '91

CD1: Introduction, Beautiful Love, L'Âme des poètes, Mon blouson (c'est ma maison), Que reste-t-il de nos amours?, Besame Mucho
CD2: How Deep Is the Ocean, Little Lu, Old Folks, Latin Alley, Bass Blues, No Problem (From Liaisons Dangereuses), Goodbye, Doxy (Encore)
Barney Wilen (ts), Olivier Hutman (p), Gilles Naturel (b), Peter Gritz (dm)
Enregistré le 11 février 1991, Keystone Korner, Tokyo (Japon)
Durée: 1h 00’ 20” + 1h 15’ 54”
Elemental Music 5990434 (Distrijazz)


Barney Wilen, c’est la légende, même de son vivant, car le personnage est lui-même atypique, un artiste à l’américaine, avec cette dose d’irrationalité apparente et de liberté sans limites qui alimente la légende. Né en 1937 à Nice, il est de père américain et de mère française, et après un séjour américain pendant la guerre (1940-46), il débarque dans le jazz en France un beau jour de 1953 à 16-17 ans après un apprentissage en autodidacte –Gilles Naturel le dit dans l’interview qui vient de paraître, comme beaucoup d’autres. Mais selon nous, son apprentissage pourrait avoir été plus solide à l’écoute de ce qu’a produit Barney Wilen qui est d’une sophistication rare, notamment dans son feeling du jazz.
Barney Wilen suscite tout de suite un engouement rarement vu dans une époque ou le jazz américain est au cœur du jazz en France, et où peu de musiciens de l’Hexagone sont en mesure de suivre une évolution du jazz qui est très rapide outre-Atlantique. Pas de problème pour Barney, à 20 ans ou moins, il accompagne sans complexe Henri Renaud, Jimmy Gourley, Bobby Jaspar, puis Roy Haynes et enfin Miles Davis, Bud Powell, John Lewis, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, ramassant prix et concours avec la même facilité que son adaptation aux musiciens de jazz les plus confirmés qu’il rencontre, imposé jusqu’à l’excès il est vrai par l’actif Marcel Romano, qui s’est institué son agent et son impresario pour le cinéma, non sans quelques frictions, comme le rappelle le gentil René Urtreger, sur le livret de ces deux CDs que nous devons à Patrick Wilen, le fils de Barney.
Les années 1960 et 1970 le verront emporté comme la plume au vent par tous les courants, les curiosités et expérimentations qui traversent ces périodes, avec de multiples absences-disparitions, alimentant la légende, sans doute sans le vouloir car l’homme est simplement marginal et curieux de tout, qu’il est jeune, et que l’époque est vivante. Le free jazz, la musique indienne, le jazz-rock, le retour en Afrique… Après ces années de maturation, sa deuxième moitié des années 1980 voit son retour, et celui de la confirmation, de la maturation d’une expression qui faisait déjà sa légende dans les années 1950, le hard bop, dans une tradition pas très éloignée de Sonny Rollins, il en a les moyens et le talent, mais avec une sonorité différente, moins grave et profonde, plus douce et aérienne, tout aussi belle. Toujours la même conviction, la même originalité, et cet inédit au Keystone Korner de Tokyo vient nous rappeler le meilleur de ce beau saxophoniste, dans un Japon devenu la deuxième patrie du jazz en ces années, un pays où il est une véritable légende, alliant le jazz à l’américaine avec la touche française qui plaît tant alors aux amateurs du Soleil Levant.
Il est entouré de jeunes musiciens, Gilles Naturel (31 ans), Olivier Hutman (37 ans), Peter Gritz (la trentaine également), qu’il entraîne avec sa fougue et son art comme déjà un grand ancien. Le répertoire ressemble à Barney Wilen, jazz et poésie, Charles Trenet, les standards, les belles compositions du jazz, et ses jeunes accompagnateurs sont excellents, tous dans l’esprit de cette musique où le leader donne tout ce qu’il a sans calcul.
On a dit que Barney Wilen était paranoïaque; le livret l’évoque, parce qu’il n’appréciait pas les petites magouilles et mesquineries du milieu du jazz, et on peut en comprendre les raisons. Car ce bel enregistrement me rappelle l’irruption de Barney Wilen dans les bureaux de Jazz Hot en fin 1989; j’étais le nouveau venu de la rédaction d’une revue, Jazz Hot (l’équipe De Chocqueuse alors). Barney était très en colère, verbalement, après une chronique (n°467) où l’auteur terminait son texte très négatif sur la musique de Barney par «le feeling finit par prendre la tangente» dans une époque où le jazz se devait d’être non seulement «français» mais aussi «créatif et inouï» et surtout pas enraciné pour avoir bonne presse et subventions. On comprend, avec le recul, le ridicule de ce discours daté, de l’esprit de système qui apparaît dans cette chronique (les années Lang du «jazz français» subventionné où un bon musicien américain était forcément mort ou vieux, où le jazz traditionnel, mainstream ou bop était «ringard» à cause du blues et du swing, où Archie Shepp et David Murray jouaient, selon les mêmes, faux parce qu'ils jouaient free), et plus largement dans une atmosphère de clientélisme franchouillard qui expliquait une réaction de Barney Wilen qui devait tout à la réalité des faits et rien à la paranoïa.
La colère de Barney Wilen, plus instinctive que réfléchie sur l’état du jazz d’alors en France, parce qu’elle partait de sa conviction musicale, de son œuvre pour le jazz, scandalisa la corporation et le petit milieu, un milieu qui existe encore même si son discours de langue de bois a évolué en fonction du vent de ses intérêts publics-privés et de sa faiblesse théorique. Aujourd’hui, tout le monde est beau et gentil à condition d’être dans le réseau de quelques fortunes qui se font plaisir, les oligarques du jazz (forcément plus modestes sur le plan des fortunes). Les mêmes qui, il y a 30 ans, vouaient Barney à la paranoïa, ont sans doute tressé des lauriers à cette sortie de 2019, maintenant que Barney Wilen n’est plus là. Rares étaient en ce temps et sont les musiciens à réagir et à se souvenir. Barney Wilen était de ces rares, il avait raison, et son emportement correspond à la conviction, au feeling qu’il mettait dans sa musique, il n’y a nul paranoïa dans cette colère, mais l’indignation légitime, la conviction face à un discours de système d’une époque. Il aurait fallu d’autres Barney Wilen, avec ce courage, pour défendre alors le jazz, comme il en faudrait aujourd’hui. Cet opus témoigne de son art en ce temps, sans concession, naturel et libre. Il n’est pas sûr que beaucoup aient le feeling pour apprécier cette musique. Merci à Patrick Wilen pour cet inédit.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disquePatrice Galas Trio
Nuits ensoleillées

Ute, The Key, Nuits ensoleillées, Elizondo, Doudeaublues, Karena’s Tune, Danny Boy, Mister Fofo, Blackbird, Si demain, Song for Anaïs, Sylive
Patrice Galas (p), Alune Wade (eb), Conti Bilong (dm)
Enregistré en 2017, lieu non précisé
Durée: 44’ 27’’
JMS012019 (www.jazz-music-shop.com)


Musicien discret aux collaborations prestigieuses (Marc Fosset, Kenny Clarke, Johnny Griffin, Dizzy Gillespie, Max Roach, Stan Getz, Dexter Gordon, Benny Golson, Scott Hamilton, Marcel Azzola… voir le détail dans Jazz Hot n°561), Patrice Galas est une mémoire vivante des clubs parisiens où il sert le jazz avec talent et modestie depuis cinquante ans, du Gill’s Club de Gérard Terronès au Caveau de La Huchette de Dany Doriz, lequel en a fait le pianiste titulaire de son big band. On le connaît aussi bien sûr pour sa longue association avec Gilda Solve (voc) et son engagement militant dans l’enseignement du jazz (il est l’auteur d’une méthode pédagogique et a fait partie de la première équipe de professeurs du CIM, Centre d’Informations Musicales, créé en 1976, à une époque où ce type d'école manquait de moyens mais pas de conviction).
Moins de dix albums en leader documentent la carrière personnelle de Patrice Galas (dont un disque en duo avec le regretté Georges Arvanitas), le dernier, A Time for Jazz Trios, étant sorti en 2004. Sur ces Nuits ensoleillées le pianiste a choisi de s’exprimer de façon originale et intime, à travers ses propres compositions, pour l’essentiel. Plus étonnant, il est ici accompagné d’une rythmique africaine –Alune Wade (eb) et Conti Bilong (dm)– plutôt orientée jazz-rock. Il en résulte un enregistrement inattendu, inégal parfois, mais non sans qualités, d’où émergent plusieurs bons titres, notamment «Ute», dans un esthétique proche de la fusion, «Elizondo», au tempérament latin, «Doudeaublues», une ballade bluesy bien troussée, mais aussi «The Key», «Si demain» et «Sylive» où l’on retrouve le Patrice Galas swinguant qu’on a l’habitude d’apprécier.
Jérôme Partage
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueJ.C. Heard & Bill Perkins Quintet, feat. Joe Pass
Live at the Lighthouse 1964

Bob's Blues, Passion Flower, Don't Stand Up, Blues in Hoss' Flat, There Will Never Be Another You (Incomplete), Cute (Incomplete), J.C.'s Tune, Sometime Ago, Mambo Bop
J.C. Heard (dm), Bill Perkins (ts, bar), Joe Pass (g), Frank Strazzeri (p), Jim Hughart (b)
Enregistré en février 1964, Hermosa Beach, CA
Durée: 56’ 55”
Fresh Sound Records 976 (Socadisc)


Voici un inédit, et c’est une des raisons de l’indispensable, enregistré en live au fameux club Lighthouse d’Hermosa Beach, 30 Pier avenue, dans l’aire métropolitaine de Los Angeles, CA. Le club fut acheté après guerre par John Levine, sur la recommandation d’Howard Rumsey, contrebassiste et membre de l’orchestre de Stan Kenton en 1941, qui le dirigea pendant vingt ans, en devint copropriétaire, et où il proposa du jazz à partir du printemps de 1949. The Lighthouse fut une véritable vitrine du jazz de la Côte Ouest, Howard Rumsey y installant en particulier son Lighthouse All Stars de 1951 à 1960 (Jimmy Giuffre, Shorty Rodgers, Max Roach, Stan Levey…).
A partir de 1960, le groupe laissa la place à de nombreuses autres formations, dont celle présente sur ce disque, dont Bill Perkins est semble-t-il le vrai leader de session car il est véritablement chez lui en Californie et dans ce club. Il est né à San Francisco en 1924, et est décédé en 2003 toujours en Californie. Il a, en 1964, déjà plusieurs enregistrements à son actif depuis 1956 avec ce qui se fait de mieux localement: Carl Fontana, Bud Shank, Red Mitchell, Mel Lewis, Richie Kamuca (ils font un beau duo de ténors, cf. Tenors Head-On, Blue Note, 1956), Stan Levey, Art Pepper, Hampton Hawes, Jimmy Rowles et Frank Strazzeri, présent également sur cet enregistrement. Il a même enregistré avec John Lewis, Percy Heath, Jim Hall et Chico Hamilton (Grand Encounter, Vogue/Jazztone, 1956). Bill Perkins (ts, bar, fl) est sur le plan esthétique installé dans un bebop qui swingue de manière très mainstream ici, avec un beau son, avec moins d’intensité que la Côte Est si on évoque Charlie Parker et Bud Powell. Il a fait partie des orchestres de Woody Herman, Maynard Ferguson, Stan Kenton, puis plus tard fera partie de ceux d’Oliver Nelson, Benny Carter et Lew Tabackin, et sera présent à la Grande Parade du jazz de Nice en 1985. Non loin par le son de Stan Getz, son jeu ne manque pas d’énergie ni de qualités expressives («Bob's Blues»).
Le pianiste Frank Strazzeri est un compagnon au long cours de Bill Perkins; il enregistrera encore un duo avec lui en 1991. Son talent d’accompagnateur en font un pianiste recherché: Oliver Nelson, Kai Winding, Art Pepper, Cal Tjader, Zoot Sims, Chet Baker (il participe au film Let’s Get Lost de Bruce Weber consacré au trompettiste), Frank Rosolino, Joe Pass, sont quelques-unes de ses très nombreuses collaborations. Il est très élégant dans son jeu, assez classique et excellent soutien comme un Hank Jones.
Jim Hughart (1936, Minneapolis, MN), accompagna trois ans Ella Fitzgerald sur la recommandation de Ray Brown, avant de s’installer en 1964 sur la Côte Ouest, et de faire une très riche carrière (plus de 200 enregistrements), dans le jazz (Joe Pass, Oscar Peterson, Zoot Sims…) mais surtout dans la pop (Frank Sinatra, Tom Waits, Joni Mitchell, Joan Baez, Diana Ross, Peggy Lee…).
La surprise de cette session est Joe Pass, déjà invité de luxe car il démontre non seulement des qualités de swing et de virtuosité exceptionnelle (vélocité incroyable sur «Don’t Stand Up», «Cute») mais aussi, dès cette époque un feeling particulier sur les ballades toutes en douceurs induites par un Brésil qui vient de colorer le jazz («Sometine Ago»). Ce sera sa marque de fabrique tout au long d’un brillantissime parcours sur lequel on ne revient pas (Oscar Peterson, Ella Fitzgerald, et beaucoup d'autres, c’est sans fin).
Enfin, et on le gardait pour la fin, il y a dans cette séance un exceptionnel batteur qui a fait le bonheur du jazz, gratifié à ce titre du rôle de coleader par Jordi Pujol, le producteur de ce disque pour le bon label Fresh Sound, et peut-être par Bill Perkins qui a dû en faire un invité de marque ce soir de février 1964.
Né à Dayton, Ohio, le 8 octobre 1917 (décédé en 1988), il est un exceptionnel percussionniste («Bob’s Blues», «Mambo-Bop»), un de ces batteurs dont la carrière et les enregistrements démontrent que ses pairs musiciens ont perçu chez lui un talent hors norme, mais dont le nom ne reste malheureusement pas parmi les pères de l’instrument qu’il est sans aucun doute. L’écouter sur ce disque en particulier donne une petite idée de tout ce que lui doivent tous les batteurs du monde, car il est l’égal sur son instrument des Art Blakey, Max Roach, Jo Jones (son inspiration), Philly Joe Jones: c’est un monument de l’instrument. Son soutien est propulsif et ses chorus sont brillants, d’une exceptionnelle musicalité et virtuosité: il partage avec Art Blakey le privilège de pouvoir faire durer un chorus à l’infini sans longueurs, créant une tension qu’il module à sa volonté jusqu’à la transe. Il a cette qualité de drive, de shuffle qui ont inspiré toute l’histoire du jazz, mais aussi cette souplesse féline, ce sens de l’accompagnement luxuriant et aéré qui lui ont permis d’être génial dans tous les contextes. Ses collaborations, témoins de son talent, sont innombrables et toujours de haut niveau: Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Etta Jones, Ethel Waters, Sarah Vaughan, Helen Humes, Sidney Bechet, Cab Calloway, Count Basie, Benny Goodman, Dizzy Gillespie, Coleman Hawkins, Johnny Hodges, Lester Young, Gene Ammons, Roland Kirk, Doc Cheatham, Sammy Price, Teddy Wilson (avec qui il débute son parcours), Charlie Parker, Ike Quebec, Rex Stewart… Là encore, plus encore que pour Joe Pass, la liste est sans fin.
En 1964, J.C. Heard fait un détour à l’Ouest, par Las Vegas avec Red Norvo, et par Los Angeles, ici avec Bill Perkins. C’est donc lui, l’invité de marque, le leader par respect du musicien Bill Perkins envers l’un des grands batteurs de l’histoire du jazz, sans doute enfin parce qu’il est pour beaucoup dans le caractère particulièrement hot de la session. Le répertoire lui-même semble avoir été décidé par J.C Heard, avec au programme Oliver Nelson, Billy Strayhorn, Frank Foster, Neal Hefti, un standard et deux originaux de J.C. Heard.
Les «vieux» inédits, comme cet enregistrement, sont intéressants quand ils proposent quelques musiciens exceptionnels, pas tous très (re)connus, et c’est pourquoi nous sommes revenus sur leur parcours. En petite formation, comme ici, on les apprécie d’autant plus qu’ils ont davantage de place pour exprimer l’étendue de leur talent: c’est vrai pour J.C. Heard, mais aussi pour Bill Perkins, très hot sur ce disque, en dépit de l’étiquette cool qui lui colle aux basques; c’est vrai pour Joe Pass, qui montre dans un environnement au drive incandescent qu’il est tout à fait capable de chauffer l’atmosphère. Bonne découverte!
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueRamona Horvath
Lotus Blossom

Strange Hats, Black Butterfly, Lotus Blossom, Place Dauphine, All the Things You Are, Micutul Valse, In A Flat, They Say It’s Wonderful, I Love You, I’m Old Fashioned
Ramona Horvath (p), André Villéger (ts), Nicolas Rageau (b), Philippe Soirat (dm)
Enregistré les 10, 11, 12 décembre 2017, Paris
Durée: 59
29
Black & Blue 858-2 (Socadisc)


Ramona Horvath & Nicolas RageauCliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disque
Le Sucrier Velours

Le Sucrier Velours, Drop Me Off in Harlem, Esmeralda, Hot House, Le Contre-bossu de Notre-Dame, Pennies From Heaven, Procrastination Blues, Upper Manhattan Medical Group, Calea Victoriei, My Romance
Enregistré les 11 juillet et 15 octobre 2018, Paris

Durée: 47’ 32’’

Black & Blue 1076-2 (Socadisc)



Vous pouvez découvrir la personnalité et le chemin de Ramona Horvath, venue d'un grand pays de musique, la Roumanie, dans l'interview qu'elle a accordée à Jazz Hot.
De culture classique mais autodidacte dans son abord du jazz avant d’approfondir au côté de Jancy Körössy, l'un des chefs de file du piano jazz en Roumanie, Ramona Horvath propose un jeu marqué par l'influence d’Oscar Peterson, comme remarqué dans la chronique de son premier album en leader (cf. Jazz Hot n°674), mais aussi par le goût du beau piano jazz de la riche tradition bebop des années 1950-60, de Kenny Drew, Phineas Newborn à Tadd Dameron, Tommy Flanagan, Hank Jones, Kenny Barron, et beaucoup d'autres, parvenue jusqu'à nous par de grands survivants ou héritiers comme Benny Green, etc., et si on va au fond de ses influences, par un amour certain de la comédie musicale américaine dont on retrouve les traces dans les standards et dans ses exposés. Le caractère très détaché de ses notes, la clarté d'émission personnalisent son jeu à travers la mémoire acquise de sa bonne technique classique. Son emphase presque déclamatoire des thèmes dans les exposés, son toucher du clavier reprennent également les techniques d'expression et de doigtés venues du classique, intelligemment mises au service d'un jazz qui swingue avec beaucoup de brio pour personnaliser son jeu. Les deux disques témoignent de ses qualités pianistiques. Ils proposent un répertoire essentiellement constitué de standards, de compositions du jazz, avec un accent sur le répertoire ellingtonien qui se retrouve dans le choix des titres de ces deux albums.On retrouve sur ces deux disques l'excellent Nicolas Rageau, dont la carrière est marquée par de prestigieuses collaborations, de Johnny Griffin à Benny Golson en passant par Alain Jean-Marie, et qui fait un beau parcours dans le jazz avec cette constance et cette application qui font la particularité des grands devanciers de l'instrument. 
Lotus Blossom
, enregistré en quartet, avec une rythmique de haut-niveau complétée par l’excellent Philippe Soirat (Jazz Hot n°686), toujours aussi délicat aux balais et présent pour relancer dans la parties plus enlevées, offre un invité de marque, le grand André Villéger, incarnant une mémoire du jazz tout autant qu’un beau lignage du ténor, non loin ici de la sonorité de Lester Young en un peu moins lazy. Tout est passionnant: la finesse de Philippe Soirat, véritable gardien du tempo avec un Nicolas Rageau qui prend beaucoup de libertés sans abandonner son rôle de base. Ils installent une écrin rythmique où s’épanouissent les interventions élégantes et éclatantes de Ramona Horvath et d'un André Villéger aérien. On atteint des sommets de sensibilité dans cette conversation à quatre pour «Black Butterfly» et le «Lotus Blossom» 
de Billy Strayhorn. Ramona Horvath interprète avec autant d'éclat que de poésie et de romantisme, pendant qu’André Villéger apporte sa contribution avec l'excellence qu'on lui connaît, toujours respectueux du texte sans jamais perdre sa capacité d'invention et ses qualités de son. «All the Things You Are», d’abord exposé avec une délicatesse méticuleuse par la pianiste, est habillé par le saxophoniste de sa sonorité chaleureuse et veloutée. L’écoute des compositions personnelles de Ramona Horvath («Stange Hats», «Place Dauphine», «In A Flat», font apprécier son talent de compositrice; le dynamique «In a Flat» met en avant le swing et la dynamique du quartet. «Micutul Valse» est une belle composition de Nicolas Rageau en trio.
Le Sucrier Velours, est un vrai prolongement du premier enregistrement dans un cadre plus intimiste, se réduisant au duo très complice que forment la pianiste et le contrebassiste, déjà deviné dans le premier opus («They Say It’s Wonderful», «I Love You», «I’m Old Fashioned»). L’osmose entre les deux complices et le traitement plus épuré servent admirablement la clarté des deux techniciens, la sophistication du langage et une expression à la fois élégante, romantique, poétique, et un répertoire  de thèmes du jazz ou de standards («Hot House» de Tadd Dameron, «Pennies From Heaven» de Johnston & Burke, «My Romance» de Richard Rodgers), avec toujours cette attirance pour les compositions de l'univers Duke Ellington («Le Sucrier Velours», «Drop Me Off in Harlem», «UMMG»). Là encore, quelques originaux personnalisent le répertoire: «Calea Victoriei» (le chemin de la victoire), «Esmeralda» de Ramona Horvath et «Contre-Bossu de Notre-Dame», «Procrastination Blues» de Nicolas Rageau font apprécier les qualités de composition, d'invention de la pianiste et du contrebassiste, autant que la mise en place, et sont, par l'esprit, parfaitement intégrés à l'univers général de l'enregistrement.
Ramona Horvath est une artiste que les amateurs de jazz et de piano auront plaisir à découvrir en duo avec Nicolas Rageau comme en quartet avec d'aussi bons musiciens qu’André Villéger et Philippe Soirat.
Jérôme Partage & Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueBill Jennings
The Complete Bill Jennings on Prestige 1959-1960

Enough Said!: Enough Said, Tough Gain, Volare (a.k.a Nel Blu, Dipinto Di Blu), Dark Eyes, It Could Happen to You, Blue Jams, Dig Uncle Will
Guitar Soul: It's Alvin Again
Glide On: Glide On, Alexandria Virginia, Billin’ and Bluin’, There’ll Never Be Another You, Azure/Te (Paris Blues), Fiddlin’, Cole Slaw, Hey Mrs. Jones
Bill Jennings (g), Jack McDuff (org), Albert Jennings (vib, g), Wendell Marshall (b), Alvin Johnson (dm)
Enregistrés les 21 août 1959 (
Enought Said!) et 12 janvier 1960 (Glide On), Englewood Cliffs, NJ
Durée: 1h 19’ 38”
Fresh Sound Records 973 (Socadisc)


On fêterait tout juste juste le centenaire de Bill Jennings, guitariste né le 12 septembre 1919 à Indianapolis, s’il n’était décédé sans laisser de souvenirs aux amateurs de jazz le 29 novembre 1978 dans l’hôpital des Vétérans (anciens combattants) de sa ville de naissance, car il a servi dans la Navy. Et surtout, si la notoriété de celui qui fut baptisé «l’architecte du soul jazz» n’avait pas été confinée à l’anonymat par la critique de jazz plus avide de nouveautés que de la glaise du jazz. Sa synthèse entre le blues, le jazz et le son church-sou, son amour des petites formations avec orgue (comme l’atteste ses collaborations), lui avait valu ce surnom qui ne lui a guère servi à se faire davantage connaître. Pourtant, B. B. King en personne en fit l’une de ses principales inspirations, et son itinéraire auprès des Louis Jordan, King Curtis, Louis Armstrong, Ella Fitzgerald, Willis Gator Jackson (de nombreux enregistrements sous le nom du saxophoniste avec Bill Jennings), Brother Jack McDuff, Leo Parker, Bill Doggett, etc., auraient pu également le garder dans nos mémoires oublieuses. Les dictionnaires du jazz l’ont tous oublié également, et il faut aller retrouver celui d’Hugues Panassié et Madeleine Gautier, si partiel par ailleurs sur certains pans entiers du jazz, pour avoir mention de ce guitariste qui n’est pas sans qualités comme nous le montrent ces enregistrements et en particulier «Dig Uncle Will», «It's Alvin Again», «Alexandria, Virginia», «Billin’ and Bluin’» dans le registre du blues où l’on comprend ce qu’ont voulu signifier B.B. King, et d'autres qui ont apprécié Bill Jennings.
Prestige, un label de premier plan à cette époque, lui fit même la proposition d’enregistrer deux albums, qui sont repris ici: Enough Said! et Glide On de la fin 1959 au début de l’année 1960, et c’est cette matière que le sagace Jordi Pujol a repris sur son éminent label Fresh Sound pour nous raviver la mémoire sur ce guitariste de la single note, amoureux du mariage guitare-orgue, si prolifique et essentiel dans le jazz, blues & spiritual. Précisons qu’un thème, en bonus track, «It's Alvin Again», est issu du disque Guitar Soul paru sous le nom de Kenny Burrell, Bill Jennings et Tiny Grimes (Status/New Jazz 8318).
Dernière curiosité, et non des moindres pour les guitaristes, Bill Jennings partage avec le regretté Patrick Saussois la particularité de jouer de la main gauche (sa main droite sur le manche), et de ne pas inverser les cordes (les graves en bas, et donc la guitare totalement à l’envers).
Bill Jennings sera donc une découverte pour la plupart des amateurs de jazz, de swing, de blues, de soul, de petits combos guitare-orgue, et même vibraphone, car Al Jennings, le frère participe à Glide On, avec des unissons guitare-vibraphone maîtrisés par la proximité des deux frères.
Notons enfin que Glide On (1960) fut le dernier album en leader de ce guitariste dont l’œuvre enregistrée se continua essentiellement aux côtés du saxophoniste Willis Jackson. Il y eut des enregistrements en leader au cours des années 1950 pour les labels King et Audio Lab déjà repris par le label Fresh Sound. Il faut en effet féliciter Jordi Pujol de ne pas lâcher le morceau, toujours à l’affût d’une perle égarée, et qui complète ainsi avec cette intégrale Bill Jennings on Prestige le précédent CD du guitariste en leader: Bill Jennings: The Architect of Soul Jazz-The Complete Early Recordings 1951-57(Fresh Sound 816-2), déjà paru.
Quand on ajoute que les légendaires Brother Jack Mc Duff à l’orgue, et Wendell Marshall à la contrebasse plus l’excellent Alvin Johnson à la batterie complètent la formation, on sait déjà que Wild Bill Jennings est de ces illustres inconnus qui font la pâteauthentique et si diversifiée du jazz.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueReggie Washington
Vintage New Acoustic

Always Moving, Fall, Eleanor Rigby, Half Position Woody, Afro Blue*, E.S.P, Thoughts Of Buckshot, Footprints, Moanin’, B3 Blues 4 Leroy, Always Moving (alt. take)
Reggie Washington (b), Bobby Sparks (p, org, key), Fabrice Alleman (ts, ss), E.J. Strickland (dm), Ulrich Yul Edorh (dm)*

Enregistré du 12 au 14 mai 2018, Marseille (13)
Durée: 59' 12''

Jammin' Colors Records 18-007-2 (www.jammincolors.com)

On connaissait Reggie Washington à travers sa collaboration au mouvement Mbase de Steve Coleman et de ses expériences dans l’univers du jazz fusion avec les guitaristes David Gilmore ou Jef Lee Johnson d’où cette surprise que de découvrir ce Vintage New Acoustic où il délaisse sa basse électrique pour la contrebasse. Un projet qui est né en fait du désir d’explorer un peu plus son côté acoustique qu’il a pratiqué auprès d’Archie Shepp, Chico Hamilton ou Regina Carter. C’est le festival Like a Jazz Machine Festival, à Dudelange au Luxembourg, qui lui a donné l’opportunité de lancer ce projet et d’enchaîner par trois jours intenses d’enregistrement en studio. Pour ce faire, il s’entoure de musiciens partageant le même parcours tels le claviériste Bobby Sparks révélé au sein du RH Factor de Roy Hargrove et du batteur E.J. Strickland qui lui aussi avec son frère Marcus au ténor a exploré une forme de jazz fusion électrique contemporaine. L’ensemble est complété par le lyrisme «shorterien» de Fabrice Alleman qui s’inscrit à merveille dans ce Vintage New Acoustic Quartet. Après une courte introduction («Always Moving»), le groupe se lance dans une évocation du Miles Davis électrique des années 1980, période Tutu, sur «Fall» de Wayne Shorter. L’album décolle véritablement avec l’original «Half Position Woody» au swing omniprésent, où le chaseentre le ténor et la batterie élève le débat. Fabrice Alleman oscille entre le Coltrane des années Miles et Wayne Shorter avec un recours aux phrases longues et un lyrisme exacerbé. Le jeu de Reggie Washington se veut percussif, massif avec une sonorité large et boisée. Son sens du tempo semble infaillible notamment sur «ESP» de Wayne Shorter et mélodique à la fois comme sur son duo avec Ulrich Yul Eldorth sur «Afro Blue». Bobby Spark est un véritable pianiste de jazz avec un jeu modal à la MCoy Tyner doublé d’une sonorité brillante et d’un réel sens du swing à l’image de son chorus sur «Footprints». La version de «Moanin’» de Bobby Timmons en solo à la basse électrique ne manque pas de groove avec sa reprise du chorus de Lee Morgan note pour note. Un thèmechurchy amenant un blues classique «B3 Blues 4 Leroy» en forme d’hommage à Jimmy Smith vient clôturer un bel album.
David Bouzaclou
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueLia Pale
The Brahms Song Book

Faith in Love, Melancholy, That I Would No More See You, Sleeping Beauty*, A Song , Little Red Rose, Tell Me My Sweet Sheperdess, The Cool of Night, Resonance, The Little Sandman, Red Evening Clouds, My Only Light, Echoes, No House No Home, Night of the Moon
Lia Pale (voc, fl, bfl), Mathias Rüegg (p, melodica, arr), Joris Roelofs (cl, bcl), Hans Strasser (b), Ingrid Oberkanins (perc), Anna Bux (whistle*)
Enregistré du 20 au 22 décembre 2018, Mitteretzbach, Autriche
Durée: 47’ 58”
Lotus Records 19052 (www.lotusrecords.at)


Lia Pale continue l’enregistrement des Song Books consacrés pour l’essentiel à la musique mais aussi à la poésie romantiques du cœur de l’Europe (allemande, autrichienne…), en l’occurrence celle de Brahms après avoir abordé Schubert, Schumann et pour les textes Heinrich Heine, Rainer Maria Rilke, Johann Wolfgang von Goethe, Joseph von Eichendorff, pour ne citer que les plus connus. Pour réaliser cette œuvre au long cours, maintenant commencée depuis une petite dizaine d’années, elle conserve une fidèle équipe autour de Maître Mathias Rüegg, arrangeur de talent mais aussi déterminant pour la couleur très particulière empruntant à la musique classique autant qu’au jazz, pour un résultat n’étant ni l’un ni l’autre, ou peut-être –c’est notre avis– appartenant pleinement au prolongement naturel d’une musique classique, la tradition européenne de la musique savante, qui n’exclut pas le caractère populaire, qui ouvrirait ses oreilles à d’autres influences, celle du jazz en particulier. C’était le cas au début du XXe siècle, et personne ne s’en est plaint. La percussionniste Ingrid Oberkanins, le bassiste Hans Strasser sont toujours présents, et Lia Pale varie les invitations selon les albums: ici le clarinettiste Joris Roelofs est mis en avant sur beaucoup de thèmes, et Anna Bux nous rappelle que siffler peut être une belle expression, un vrai instrument. La méthode n’a pas changé pour cette relecture des années 2000 d’un patrimoine culturel ancien de près de deux siècles: Lia Pale chante les textes en anglais. Sa voix est d’une précision de mise en place et d’une justesse très instrumentale, avec quelques inflexions jazz, des effets, des modulations, et quelques claquements de doigts, de mains, qui humanisent et personnalisent son interprétation. Mathias Rüegg et l’orchestre alternent et mixent les manières classiques et jazz, alternant cadences classiques et blocks chords, variant autant dans le phrasé que pour le toucher.
Dans cet enregistrement, Lia Pale aborde le compositeur Johannes Brahms, avec des textes de différents écrivains dont Goethe, Eichendorff, les plus connus d’entre eux. Brahms (1833-1897) a fait le principal de sa vie musicale à Vienne (de 1862 à sa mort), c’est peut-être l’une des raisons de ce choix, dans la seconde partie du XIXe siècle. Né dans une famille impliquée dans la musique, il est très vite devenu un virtuose du clavier, écumant les cabarets et tavernes où il se produit encore jeune dans un registre populaire, côtoyant au hasard de ses rencontres (le violoniste hongrois Eduard Reményi) la musique tzigane qui sera une de ses inspirations. Il rencontre alors Liszt puis le violoniste Joseph Joachim qui le recommandent à Schumann qui en fait une célébrité à 20 ans… Robert et Clara deviennent très proches, jusqu’à la passion entre Clara et Johannes. C’est à Vienne que Brahms compose l’essentiel de son œuvre arrivée jusqu’à nous, car il en a détruit lui-même une partie qu’il jugeait insatisfaisante. Il est enterré comme Beethoven et Schubert au cimetière de Vienne. Une querelle esthétique occupa cette partie du siècle entre Brahms (le réputé conservateur parce qu’il revendiquait dans ses inspirations la musique baroque, Palestrina, Bach et Beethoven) et Wagner (le réputé novateur avec sa musique du futur), avec la participation des musiciens (Hans von Bülow…) et de la critique musicale d’alors (Eduard Hanslick…) pour faire pencher à Vienne la balance vers Brahms. Alors que ses compositions orchestrales voient le jour principalement à partir de la quarantaine, Brahms composa tout au long de sa vie environ 300 lieder (chansons) au caractère souvent populaire mais avec la manière très achevée du compositeur académique. Quelques-uns ont un caractère plus fouillés autour de thèmes ou de cycles (plusieurs chansons sur un thème), sorte de poèmes musicaux. Ici, Lia Pale reprend quelques lieder éparpillés, dont certains font partie de suites («A Song»). Brahms en matière de lieder est donc une source inépuisable…
Revenons au projet de Lia Pale: on se reportera utilement aux chroniques dans Jazz Hot sur les précédents épisodes de ce work in progress, pour ne pas répéter les mêmes mots, mais aussi pour mieux apprécier la cohérence d’ensemble (Gone too Far/A Winter’s Journey, n°663; My Poet Love, °671; The Schumann Song Book, n°682). Cela peut surprendre l’amateur du déjà célèbre Mathias Rüegg ou de jazz de culture (le blues n’a aucune place dans ces enregistrements de Lia Pale si ce n’est comme couleur), mais mieux, cela pourrait titiller la curiosité, la réflexion car cette démarche, outre son originalité et son intégrité artistique, sa beauté formelle, est une réflexion traduite en actes sur ce qu’il est possible de (bien) produire en matière artistique quand on n’est pas né-es avec le patrimoine culturel africain et l’héritage encore perceptible de plusieurs siècles d’esclavage. Il n’est pas forcément utile de contrefaire, par jeu, par mode ou avec plus ou moins d’arrogance, sans jamais parvenir à la profondeur de l’authentique car on ne peut vraiment produire que ce qu’on est. Le patrimoine européen, musical, poétique et artistique, peut aussi, en toute liberté comme ici, prétendre à être de la musique savante originale, et rester populaire, sans pour autant se cantonner aux conservatoires, aux scènes et au formalisme académique des musiques classiques et contemporaines, voire aux scènes commerciales de l’événementiel de toute nature. Il existe aussi en Europe de profondes racines artistiques et populaires pour laisser entrevoir un futur créatif autre que de mode, fait de milliers d’expériences aussi variées que l’est encore cette Europe dans ses composantes. Django est l’exemple génial au XXe siècle d’une tradition, métamorphisée par le jazz et le génie d’un artiste, et le parallèle existe dans la chanson populaire (la chanson française). Ce projet se place, bizarrement et selon nous, même si ce n’est sans doute pas la raison à la source de la création de Lia Pale et de Mathias Rüegg, dans le processus de métabolisation du patrimoine indispensable à la création artistique, libre de toute contrainte académique-étatique-commerciale, dont le jazz de culture (d’essence afro-américaine) est l’exemple à suivre, à ce jour et pour longtemps, le plus accompli de l’histoire de l’art. L’appellation «Song Book» en référence à Ella Fitzgerald y fait penser. Lia Pale et Mathias Rüegg, une histoire en devenir, une recherche en actes, une réflexion à poursuivre…
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disquePhilippe LeJeune Trio
Cleveland Gateway

I’m Just a Lucky So and So, Boogie Mix, Cleveland Getaway, Please Send Me Someone to Love, Cow Cow Blues, Summertime, One Mint Julep, Lil Darlin’, Broadway, Blues for the Nightowl, White Bluff Bound, Cantabile, I Wish I Knew How It Would Feel to Be Free, Way Back Home
Philippe LeJeune (p), George Lee (b), Sunceray Tabler (dm)

Enregistré le 2 septembre 2018, Cleveland, OH

Durée: 1h 06’ 34’’

Black & Blue 1074.2 (Socadisc)

Des artistes tels que Philippe LeJeune entretiennent la flamme du jazz avec conviction, dans le respect d’une tradition pianistique dont les références sont Sammy Price, LLoyd Glenn, Junior Mance, Ray Bryant ou Memphis Slim. Une forme de (re)connaissance qui lui permet de s’exprimer dans un langage que la presse américaine a qualifié de «blues oriented jazz» car, ne nous y trompons pas, Philippe LeJeune est avant tout un pianiste de blues et de boogie qui s’éloigne de l’école hexagonale, longtemps représentée par Jean-Paul Amouroux ou Jean-Pierre Bertrand, pour créer une sorte d’équilibre, un peu à l’image d’un Jay McShann contemporain. Cet art de faire swinguer le blues, il le partage depuis toujours sur les scènes américaines du club Blue Moon (Houston, TX) en passant par Chicago avec Eddie Johnson (ts) un leader de territory bands des années 1930 et 1940 ou dans un studio de San Francisco sur le piano de Charles Brown.
Pour son nouvel album, enregistré à Cleveland, OH, il s’entoure d’une superbe rythmique locale dont George Lee qui a travaillé avec divers leaders dont Joe Henderson et de Sunceray Tabler (dm). Une écoute permanente et un soutien à la fois sobre et léger, toujours au service du swing caractérisent ces sidemen avec lesquels il a déjà partagé la scène des clubs de la capitale de l’Ohio. La thématique est solidement ancrée dans cette tradition du piano dont se revendique le leader avec, pour débuter, une belle version bluesy du classique d’Ellington «I’m Just a Lucky So and So» en passant par le style barrelhouse avec un jeu plus percussif sur «Cow Cow Blues» dont l’auteur Charles Davenport a d’ailleurs terminé sa carrière à Cleveland. De Ray Charles à Percy Mayfield, le répertoire oscille entre blues, boogie, rhythm and blues dans une approche jazz de la formule du trio. On retiendra la magnifique composition «Cleveland Getaway», blues aux accents boogie avec un shuffle léger de Sunceray Tabler, mais aussi la trilogie gospélisante à souhait des derniers thèmes de l’album à commencer par une version du «Cantabile» de Michel Petrucciani, où l'aspect mélodique prédomine, suivi du superbe «I Wish I Knew How It Would Feel to Be Free» du pianiste Billy Taylor et du «Way Back Home» des Crusaders pour un final au cœur de l’église.

David Bouzaclou
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueJon Batiste
Hollywood Africans

Kenner Boogie, What a Wonderful World, Chopinesque, Saint James Infirmary Blues, Nocturne N°1 in Do Minor, The Very Thought of You, Green Hill Zone, Mr. Buddy, Is It Over, Smile, Don’t Stop
Jon Batiste (p, voc), reste du personnel détaillé dans le livret
Enregistré à New Orleans, LO, date non précisée
Durée: 41’ 39’’
Verve 00602567875208 (Universal)


Artiste plus que doué, issu d’une lignée de musiciens de New Orleans, Jon Batiste (né en 1986) possède parfaitement le langage du jazz de même qu’une brillante technique pianistique classique. Il nous rappelle à ce titre ces illustres aînés, Marcus Roberts et Wynton Marsalis. Le second ne s’y est d’ailleurs pas trompé en l’invitant commeprincipal soliste du magnifique hommage qu’avait rendu le Jazz at Lincoln Center Orchestra à John Lewis (voir notre chronique). Malheureusement, Jon Batiste nous rappelle aussi son camarade Trombone Shorty (du même âge), autre prodige de Crescent City, mais ayant fait le choix d’être une vedette de la pop avant d’être un musicien de jazz. Ces contradictions sont résumées dès les deux premiers titres de l’album Hollywood Africans: en ouverture, une bonne composition convoquant ses racines, «Kenner Boogie» (du nom de son quartier de naissance); auquel répond une insipide version de «What a Wonderful World» vidée de sa substance. Le reste du disque cultive cette ambivalence, comme nous l’avions déjà noté dans le compte-rendu du concert que le pianiste avait donné en octobre 2018 à la Cathédrale américaine de Paris (Jazz Hot n°685).
Le «en même temps» ne fonctionne pas non plus en musique...
Jérôme Partage
© Jazz Hot 2019

Samuel Martinelli
Crossing Paths

Samba Echoes, Talking About Spring, Bob's Blues, St. Thomas, A Gift For You, Birks' Works, Whispering Loud, Song For Carina
Samuel Martinelli (dm), Claudio Roditi (tp, flh), Tomoko Ohno (p), Marcus McLaurine (b)
Enregistré en juillet 2017, Clifton, New Jersey
Durée: 50’ 40”
Autoproduit (www.samuelmatinelli.com)


Excellent enregistrement d’un batteur qui pour être brésilien n’en joue pas moins un jazz post bop des plus rigoureux dans l’esprit, sans tirer nullement la couverture à lui, ce qui est une qualité supplémentaire. Il s’est intelligemment entouré pour Crossing Paths, son premier enregistrement en leader, de musiciens confirmés dont il est ordinairement le sideman, qu’il connaît donc très bien: le trompettiste Claudio Roditi, un aîné venu comme lui du Brésil, mais en 1970 (Rio de Janeiro, 1946), et qui a une carrière et une discographie impressionnantes dans le jazz auprès d’Herbie Mann, Dizzy Gillespie, Charlie Rouse, Paquito D’Rivera, McCoy Tyner, Kenny Barron, Horace Silver, Jimmy Heath, etc., tout en ayant mené quelques projets en référence à ses racines (Symphonic Bossa Nova, 1995, pour lequel il a reçu un grammy Award).
A la contrebasse, Samuel Martinelli a choisi Marcus McLaurine (1952, Omaha, NE), autre musicien de haut-niveau, qui a commencé un parcours original avec Horace Tapscott dans les années 1970 sur la Côte Ouest, avant de se fixer sur la Côte Est avec Clark Terry dans les années 1980 puis d’accompagner Abdullah Ibrahim dans les années 1990. C’est seulement dans les années 2000 que Marcus McLaurine enregistre ses trois albums en leader (Rough Jazz, 2006), Soul Step (2011) et One Mind (2012). La pianiste Tomoko Ohno, née à Tokyo, n’est plus une inconnue: elle a commencé à enregistrer dès 1997 (Powder Blue), suivi ensuite par des enregistrements réguliers (Affirmation, 1999, Natural Woman, 2000, Shadows of Spring, 2005, In Buenos Aires, 2007, puis From Tokio to Buenos Airesavec le guitariste argentin Ricardo Lew (2011), Tres Sabores (2016), avant un duo avec Jay Leonart, Don’t You Wish, 2018. On le voit, c’est un groupe particulièrement relevé qui entoure les débuts en leader de Samuel Martinelli, au demeurant un fort élégant batteur, tout entier tourné vers la musicalité, vers le jazz et qui nous donne ainsi un bel enregistrement avec un répertoire intéressant, principalement d’originaux bien dans l’esprit post bop («Talking About Spring », «Bob's Blues», «A Gift For You», «Whispering Loud», «Song for Carina»), non sans quelques références aux origines («Samba Echoes»), mais aussi avec deux belles compositions jazz («Birk’s Works» de Dizzy Gillespie et «St. Thomas» de Sonny Rollins, dont le traitement est particulier).
Samuel Martinelli, qui a étudié avec Dennis Mackrel (Count Basie Big Band) est arrivé à New York en 2014, et il a fait de sérieuses études académiques, en dehors de sa participation à la scène de New York où il réside et où il donne aujourd’hui des cours. Un bon premier album pour un batteur qui n’est pas un débutant, et a donc déjà une réelle assurance et solidité en matière de jazz. A découvrir.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Michel Petrucciani
Colours

CD 1: Colors, Looking Up, Rachid*, Hidden Joy, September Second, Brazilian Like, Home, Love Letter, Guadeloupe
Michel Petrucciani (p), Flavio Boltro (tp), Bob Brookmeyer (tb), Stefano Di Battista (as), Eddy Louiss (org)* Anthony Jackson (b), Steve Gadd (dm)
CD 2: Cantabile, Little Peace in C For U**, Trilogy in Blois, Charlie Brown°, Petite Louise*, She Did It Again, Even Mice Dance°, Romantic But Not Blue, Montélimar

Michel Petrucciani (p, org), Stefano Di Battista (as)*, Stéphane Grappelli (vln)**, Anthony Jackson, Dave Holland (b)°, Steve Gadd , Tony Williams (dm)°

Enregistré en 1994 et 1995, Paris, en 1997, Tokyo (Japon), Frankfort (Allemagne), New York

Durée: 52’ 36’’ + 44’ 08’’
Dreyfus Jazz 538459420 (BMG)

A la suite de la parution d’un coffret comprenant l’intégralité des enregistrements de Michel Petrucciani, Complete Recordings (12 CDs + 3 DVDs), que nous avons récemment chroniqué, Dreyfus Jazz a fait paraître un livre-disque d’une ampleur plus modeste, Colours(2 CDs pour 18 titres), prolongeant la commémoration des 20 ans de la disparition du pianiste. Il reste difficile de mesurer l’importance de l’œuvre qu’a laissée Michel Petrucciani tant sa personnalité plurielle a dépassé la seule sphère jazzistique. Si les années OWL sont celles de la mise en place du phénomène avec un jazz authentique, sans fioritures, dont la collaboration avec Lee Konitz sur Toot Sweet et le superbe duo avec Ron McClure (b) sur Cool Blues en sont la quintessence, son arrivée chez Blue Note marqua le développement d’un artiste brûlant la vie par les deux bouts cherchant à séduire un large public tout en étant exigeant artistiquement; l’ensemble demandant un équilibre toujours fragile. C’est dans ce contexte que les projets les plus aboutis se sont révélés, du Power trio avec Jim Hall et Wayne Shorter aux deux trios amenés par les batteurs d’exception que sont Al Foster et Roy Haynes, sur Michel Plays Petrucciani, en passant par les marges du jazz, avec le très beau Music, appartenant à l’univers de la fusion.
La présente compilation s'intéresse tout d’abord au compositeur (il ne s’agit que d’originaux) amoureux de la mélodie qu’était Michel Petrucciani à travers sa dernière période prolifique chez Dreyfus jazz. Une musique organique dominée par un lyrisme exacerbé sans tomber dans le sentimentalisme à l’image de son «Romantic But Not Blue». Et un pianiste à la main gauche incroyable, dont on reconnaissait la signature dès les premières notes, avec une attaque franche et puissante, des fulgurances dont il avait le secret ainsi qu’un jeu rythmique doublé d’un toucher à la fois subtil et plein d’autorité. Coloursmet ainsi en exergue le sens mélodique du Petrucciani-compositeur, de «Cantabile» à «Rachid» en passant par «Charlie Brown» ou «September Second» devenus presque des standards. Les formations à géométrie variable laissent la place à la rythmique Anthony Jackson et Steve Gadd qui lui permet d’évoluer dans un large spectre musical. On retiendra une superbe «Trilogie in Blois» en piano solo, où il démontre toutes les facettes de sa personnalité avec un lyrisme à fleur de peau, doublé d’un swing permanent. L’intérêt d’une telle compilation peut être d’éveiller la curiosité de l’auditeur afin qu’il puise dans la discographie de Michel Petrucciani, que ce soit dans son travail de sideman, comme avec Joe Lovano sur From the Soul (Blue Note: très belle version de «Body and Soul» en duo) ou dans ses enregistrements en solo, telle que sa «Promenade With Duke» (Blue Note) où il revenait sur ses amours ellingtoniens de sa jeunesse. La partie livre de cette compilation contient le témoignage de 40 musiciens actuels à propos de l’influence et des rapports qu’ils entretenaient avec le pianiste.
David Bouzaclou
© Jazz Hot 2019

Louis Hayes/Junior Cook Quintet (featuring Woody Shaw)
At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1976

CD1: All the Things You Are, When Sunny Gets Blue, Moontrane
CD2: Pannonica, Ichi-Ban, Moment to Moment, Four for Nothing
Louis Hayes (dm), Junior Cook (ts), Woody Shaw (tp),
Enregistré le 11 mars 1976, Hambourg (Allemagne)
Durée: 54’ 29” + 1h 00’ 31
NDR Info/Jazzline PÖ N77062 (Socadisc)


James Booker
At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1976

Roberta/Tell Me How You Feel, Every Day I Have the Blues, Classified, One Hell of a Nerve, Keep on Gwine, Rockin' Pneumonia and the Boogie Woogie Flu, Please Send Me Someone to Love, All By Myself, Ain't Nobody's Business, Something You've Got, My Bonnie, Live, Junco Partner, Let's Make a Better Work, Lonely Avenue & Stormy MondayJames Booker (p, voc)
Enregistré le 27 octobre 1976, Hambourg (Allemagne)
Durée: 1h 11’ 28”
NDR Info/Jazzline PÖ N77061 (Socadisc)


Louisiana Red
At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1977

CD1: Announcement, The Whole World, I Wonder Who Is Loving You Tonight, Midnight Rambler, When My Mama Was Living, Red's Dream # 2, Red's Boogie, Crime Emotion, Good God Woman, Alabama Train, Soon One Morning, Travelling Boogie, Death of Ealase
CD2: Sweet Blood Call, Goin 'Down to Lousiana, Rock Me, Too Poor to Die, Who's Been Foolin You, Louise, Recreation Blues, Honky Tonk Slide, Can't Get no Sleep at Night Louisiana Red (g, voc)
Enregistré le 14 juin 977, Hambourg (Allemagne)
Durée: 47’ 03” + 42’ 28”
NDR Info/Jazzline PÖ N77064 (Socadisc)

Timeless Allstars
At Onkel Pö's Carnegie Hall, Hamburg 1982

Tokudo, My Foolish Heart, Clockwise, Mapenzi
Curtis Fuller (tb), Harold land (ts), Cedar Walton (p), Bobby Hutcherson (vib),
Buster Williams (b), Billy Higgins (dm)
Enregistré le 5 avril 1982, Hambourg (Allemagne)
Durée: 1h 15’ 20”
NDR Info/Jazzline PÖ N77063 (Socadisc)





Retour, par l’édition phonographique de quatre albums, sur une belle histoire du jazz en Europe à l’initiative d’amateurs de jazz, Bernd Cordua et Peter Marxen qui avaient précédemment monté le Jazzhouse, sur Brandstwiete, une rue de la haute-ville d’Hambourg: l’aventure d’Onkel Po’s Carnegie Hall, familièrement appelé Onkel Pö, un lieu consacré au jazz, s’étendit du 1er octobre 1970 au 1erjanvier 1986, et connut plusieurs acteurs et plusieurs implantations dans la ville d’Hambourg. A l’origine sur Mittelweg, une rue dans le quartier Pöseldorf (d’où le nom Onkel Pö), le club déménagea rapidement à Eppendorf, un autre quartier de la ville et devint un des lieux du New Jazz Festival d’Hambourg, sous la seule direction de Peter Marxen jusqu’à 1979, où le club connut une nouvelle direction avec Holger Jass qui en fit un lieu de jazz et de rock, aidé par Andreas Kiel pour la programmation. Au cours de cette quinzaine d’années, le lieu a présenté sur sa scène les meilleurs groupes de jazz, dont on distinguera, parce qu’il est difficile d’en faire une liste complète: Chet Baker, Art Blakey, Michael Brecker, Dollar Brand, Don Cherry, Chick Corea, Dizzy Gillespie, Dexter Gordon, Louis Hayes, Joe Henderson, Bobby Hutcherson, Woody Shaw, Archie Shepp, Horace Silver, et beaucoup d’autres encore. En fait, c’est une suite ininterrompue de all stars pour une programmation en club qui fait rêver et rappelle qu’à Hambourg, comme à Paris et à Londres mais aussi dans d’autres villes moins importantes comme Marseille voire plus petites encore, ces all stars pouvaient alors se produire en club ou en salle.

La couleur était jazz et n’oubliait pas le blues comme nous le rappelle cette sortie de quatre albums avec le Quintet de Louis Hayes/Junior Cook, le Timeless All-Stars (Bobby Hutcherson/Harold Land/Curtis Fuller/Cedar Walton/Buster Williams/Billy Higgins) produits par le très actif, en ces temps, tourneur et producteur Wim Wigt (Timeless Records), mais aussi Louisiana Red et James Booker deux authentiques bluesmen.
La musique jazz-blues et hotavait donc la vie plutôt belle en ces années, parce que les coûts étaient suffisamment raisonnables pour permettre à des indépendants de telles affiches (sans parler du bureaucratisme et du parasitisme institutionnels qui ont tué les initiatives d’indépendants après), et qu’un public très branché jazz de culture était encore assez savant et nombreux pour remplir des salles, des clubs et des festivals aux tailles conformes à l’esprit du jazz, un public spécialisé pas encore dégoûté par les dérives d’une programmation mercantile, pas encore un public de mode ou lobotomisé par la normalisation consumériste.
Onkel Pö's © photo X, image extraite du livret des disquesDans ce qui a été considéré comme un creux, après le trou d’air des années 1960 et du début 1970, c’est ainsi que le jazz a pu redémarrer avec des indépendants pointus en matière de jazz, aussi bien du côté des labels (Timeless, Black & Blue, Muse et d’autres) que des programmateurs de festivals, de clubs et de concerts. C’est dans ce renouveau qu’a pu s’inscrire la génération Marsalis qui dure encore et plus largement toutes les bonnes formations all stars, post bop en particulier, qui ont enrichi les programmes des quarante dernières années. Ce sont, encore ici comme dans les années 1940-1950, les indépendants qui ont redonné au jazz un nouveau souffle, avant que les majors, la grande distribution, les institutions étatiques (en France en particulier à partir de 1981 et Jack Lang) et la société de consommation de masse mondialisée ne laminent tout sur leur passage, et surtout l’indépendance, la liberté artistique et des esprits.
Cela dit pour restituer l’atmosphère de l’époque d’Onkel PÖ's, qui a eu quelques équivalents un peu partout en Europe, déjà oubliée par les amateurs, et comme la réécriture en est déjà faite par les acteurs actuels de la normalisation, aussi bien dans le cadre institutionnel (universitaire) que dans le cadre médiatique, autant laisser, à l’occasion de ces chroniques quelques traces d’une histoire alternative pour ceux qui ont envie d’aller plus loin que la consommation et la normalisation.
Sur le plan musical, ce qui réunit ces 4 enregistrements (6 disques), c’est l’intégrité et l’authenticité des artistes, jazz, blues, blues jazz, comme on voudra, dans une démarche artistique exigeante pour un public avide de cette fraîcheur.
Si on s’arrête sur chacun des enregistrements, on ne manquera pas de noter l’excellence des deux all stars post bop, avec une majorité de musiciens qui ont aujourd’hui disparu: Woody Shaw, Junior Cook, Ronnie Mathews, pour le Quintet de Louis Hayes, il nous reste Louis Hayes (cf. Jazz Hot n°685, 2018), Stafford James, et pour le Timeless All Stars ont disparu Bobby Hutcherson, Harold Land, Cedar Walton, Billy Higgins, mais il reste Curtis Fuller et Buster Williams. Le temps passe. Ces deux enregistrements offrent de belles atmosphères, avec des thèmes qui s’étendent au-delà des 10 minutes, parfois même des 20 minutes, pour permettre l’expression de chaque instrumentiste, et quand le niveau est aussi relevé, on comprend l’intérêt de ces enregistrements, car, comme disait Louis Hayes, en matière de jazz, s’il y a un leader de séance, tous sont responsables de la musique au même degré.
Les deux enregistrements de blues sont deux solos: le pianiste et chanteur néo-orléanais, James Booker, disparu en 1983. Il porte son origine néo-orléanaise dans son expression, et c’est un pur plaisir de l’écouter en solo. Le second enregistrement remet en mémoire le grand Louisiana Red. Son imposante et belle discographie retrace un parcours artistique d’une richesse étonnante. Il a aussi disparu en 2012, à Hanovre en Allemagne, non loin d’Hambourg. Ses deux disques sont aussi un vrai régal de naturel de l’expression. Le blues dans ce qu’il a d’essentiel.
Ces albums sont donc non seulement indispensables, pris un par un par le talent extraordinaire au service d’une expression authentique qui y est gravée, mais aussi parce qu’ils réactivent la mémoire d’une aventure humaine, celle d’un club, d’une époque qui, loin de l’événementiel obscène actuel, a installé les conditions d’un renouveau du jazz, un héritage en péril sur lequel les amateurs et les artistes de jazz sincères vivent encore. Signalons que, dans cette série At Onkel Pö, il existe bien d’autres enregistrements que nous n’avons pas reçus: Elvin Jones, Freddie Hubbard, Albert Collins, Esther Phillips, Chet Baker, Johnny Guitar Watson, Johnny Griffin, Woody Shaw, Dizzy Gillespie… Une vraie mine de jazz!
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Martial Solal
And His Orchestra 1956-1962

Titres communiqués sur le livret
Roger Guérin (tp, cnt, flh), Fred Gérard, Robert Fassin, Maurice Thomas, Georges Gay, Bernard Hulin, Fernand Verstraete, Christian Bellest, Jean Garrec, Pierre Sellin (tp), André Paquinet, Raymond Katarzynski, Billy Byers, Benny Vasseur, Charles Verstraete, Nat Peck, Guy Destanque, Luis Fuentes, Bill Tamper, Gaby Vilain (tb), André Fournier (frh), Pierre Gossez (ss, bar, bs), Hubert Rostaing (as, cl), Jo Hrasko (as, ss), Teddy Hameline, Jean Aldegon, René Nicolas (as), Georges Grenu (as, ts), Lucky Thompson, Jacques Ferrier, Barney Wilen, Jean-Louis Chautemps (ts), Armand Migiani (ts, bs), William Boucaya, Michel Cassez (bs), Martial Solal (p, harpsichord), Pierre Cullaz (g), Benoît Quersin, Pierre Michelot, Guy Pedersen (b), Christian Garros, Kenny Clarke, Daniel Humair (dm)
Enregistré: le 30 mai 1956, 13 juillet 1957, 1958, 2 mars 1962, Paris

Durée: 45’ 03’’

Fresh Sound Records 980 (Socadisc)

C'est la réédition du LP Martial Solal et son Grand Orchestre (Swing LDM 30.099), des 45 tours Quelle heure est-il (Vogue EPL 7259) et Mister Solal (Columbia ESDF 1412). Comme nous l'avons dit à propos de Guy Lafitte, les firmes de disques n'hésitaient pas, en ce temps-là, à enregistrer copieusement la fine fleur française. Le caractère indispensable vaut ici pour Martial Solal, certes, mais aussi pour Roger Guérin, présent dans les cinq séances (c'est dire!) et pour l'époque qui constitue un sommet culturel notamment en musique, pas seulement de jazz. Ce sont ici des grands orchestres de studio. On sait qu'à partir de 1981, Solal a monté un big band régulier, mais même s'il y a toujours Roger Guérin, les générations d'artistes d'alors, certes d'un niveau technique hors norme, n'ont plus l'élan ternaire naturel des générations actives dans les années 1950 et la première moitié des années 1960. Un feeling perdu, un art de la mise en place contesté au profit d'une «binarisation» anti-swing (bien que rythmique comme les marches militaires). C'est pour cela que nous avons cités tous les intervenants dans cette réédition. Ces mêmes artistes passaient de Bolling à Solal sans problème. Martial Solal est présenté aujourd'hui comme le maître d'œuvre d'un modernisme à la française, avec André Hodeir. Avec le recul, on voit ce qui reste de chacun à l'avantage de Solal. Il est juste de dire, pour avoir connu certains de ces musiciens, que leur enthousiasme à jouer ces œuvres pouvait être modéré (sauf chez Guérin). Mais, Solal, très bon instrumentiste, apte au swing, remportait respect et une meilleure adhésion.
Toutes les compositions et les arrangements sont de Solal. La séance de 1956, autour du temps, propose quatre titres qui sont des pièces pour piano solo et orchestre. Martial Solal, seul soliste, joue avec sobriété et swing. Les orchestrations sont fouillées et intriquées («Midi 1/4»). L'écriture pour section de sax est bien balancée parfois mêlée à une trompette (Guérin, «Horloge parlante»). Dans tous ces titres le piano alterne avec l'orchestre, parfois brièvement («Dernière minute»: 1’59’’). Solal impose un jeu musclé à la section de trompettes («Au quatrième top») menée par Fred Gérard (les aigus précis) et Robert Fassin. Ce 45 tours a reçu le Grand Prix du Disque 1957 de l'Académie Charles Cros pour le «Jazz Français» qui a une couleur West Coast (mode du moment). Dans la même esthétique, Martial Solal propose 3 titres en 1957. L'écriture est encore plus complexe. Le son orchestral est massif avec une palette de registre très grande du suraigu de Fred Gérard à la profondeur caverneuse de Pierre Gossez au sax-basse («Fantasque»). Pierre Michelot et Kenny Clarke sont parfaits derrière le solo de Solal dans «Blouse Bleue» (Clarke a droit à un break!). Enfin, Roger Guérin est soliste dans «Alhambra» en dialogue avec la section de sax (écriture digne de Benny Carter). Les trois titres suivants sont toujours conçus pour piano et orchestre (plus réduit avec Roger Guérin qui assure le lead). Comme Shorty Rogers, Solal utilise discrètement la couleur du cor (André Fournier de l'Orchestre National). Le passage écrit de 1’47’’ à 2’06’’ dans «Tourmenté» est un motif qui sera repris en quartet dans la Suite en ré bémol l'année suivante. Le drumming de Kenny Clarke est de classe dans «Special Club» et «Middle Jazz». La même année 1958, Solal réalise trois autres titres pour huit cuivres (Fred Gérard et Robert Fassin, lead tp) et trio (Solal, Michelot et Kenny Clarke). Il travaille les couleurs orchestrales car le principe reste l'alternance entre masse sonore et piano. On appréciera le travail de Pierre Michelot et Kenny Clarke derrière le piano dans «Yes or No». Le travail est exigeant pour les cuivres notamment dans «In the Moon» où Kenny Clarke a droit à des breaks. En 1962, Solal reste fidèle à ses brisures de tempo qui sont sa signature, mais il développe les alliages de son. Roger Guérin au cornet avec sourdine harmon et Pierre Gossez au soprano sont très présents (le bugle que dans «Petite poupée»). On remarque le passage écrit pour cornet/soprano/guitare dans «Basie-Likes». L'écriture pour section de sax est à signaler dans «18+1» (c'est à dire l'orchestre+Solal qui est tatumien dans son solo). Jean-Louis Chautemps (ts) a droit à de très courts solos («Basie-Likes», «Mystère Solal» –notez le clavecin en intro). Enfin, c'est Georges Gay qui est lead et assure le suraigu dans «A titre indicatif» qui est bref (0’45’’!). La concision de ce travail orchestral savant (le morceau le plus long fait 3’08’’) est une leçon pour les «créateurs» d'aujourd'hui qui devraient aussi retenir du Solal de cette époque que la recherche est compatible avec le swing. A réécouter.

Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Marco Trabucco
Meraki

Marco Trabucco (b), Giulio Scaramella (p), Feredrico Casagrande (g), Luca Colussi (dm)
Untitled, Open Space, Meraki, Flavia, Tale for a Princess, One for Max, Romanza

Enregistré le 24 avril 2018, Udine (Italie)

Durée: 39’ 46’’

Artesuono 176 (www.artesuono.it)

Meraki, titre énigmatique, «est un mot grec sans équivalent dans aucune autre langue, il est unique. Il signifie faire avec passion, amour et créativité, mettre de soi dans son travail». Voilà qui d’emblée définit le travail de ce quartet. Marco Trabucco est contrebassiste et compositeur, il obtint le premier prix des jeunes musiciens de jazz du concours international «Giovani Musicisti» (Trévise, 2010). Il nous dit qu’il a composé six des sept morceaux de ce disque principalement au piano avec en tête l’idée de la façon dont ses musiciens allaient interpréter ses mélodies tout en leur laissant la liberté des solos. On peut dire que le but est atteint magnifiquement tant ce quartet d’une grande homogénéité fait chanter les mélodies avec une profonde recherche de la beauté des sons. On se laisse prendre à cette musique sur des tempos médium-lents; elle vous enroule dans son charme pour votre plus grand plaisir. L’équilibre des quatre voix est parfait. Chaque musicien est à l’écoute des autres, pas de fioritures ni d’exploits techniques. De la musique avant toute chose. Bien que d’essence assez mainstream, ce quartet dispense un son personnel. Le batteur est discret, avec un jeu délicat des baguettes sur les cymbales; le contrebassiste possède une sonorité claire et forte, belle, avec des attaques sans faille, le pianiste joue aéré, déroule des mélodies riches d’harmonies, par exemple «Open Space»; quant au guitariste c’est une belle révélation. Un son venu de Wes Montgomery et d’Oscar Moore entre autres, minimaliste et chantant; FeredricoCasagrande est passé par le Berklee College of Music pour étudier avec des maîtres de l’instrument. En 2007, il obtint le premier prix de guitare au concours du Montreux Jazz Festival, présidé par George Benson, c’est dire. Il apparaît déjà dans une douzaine de disques. On peut admirer l’art du contrepoint à quatre voix, sur «Meraki» par exemple, et surtout les subtilités du compositeur dans l’arrangement d’un chant populaire espagnol «Romanza» qui évoque assez finement le compositeur Joaquín Rodrigo (1901-1999): un petit chef-d’œuvre.
Un disque pour l’émerveillement des sens.

Serge Baudot
© Jazz Hot 2019

Claude Tissendier
C'est magnifique

C'est Magnifique, Bye Bye Blackbird, A Smooth One, Benny's Bugle, Summer Samba, Now's the Time, Sentimental Journey, R.T.R.C., Misty, The Preacher, Soft Winds, Slipped Disc
Claude Tissendier (as, cl, arr), Gilles Réa (g), Jean-Pierre Rebillard (b), Alain Chaudron (dm)

Enregistré les 28 février et 1er mars 2019, Paris

Durée: 51'47''

Autoproduit (
www.claudetissendier.com)

Claude Tissendier, membre permanent du big band de Claude Bolling, appartient à une génération où le disque était l'occasion de laisser une trace dont la qualité pouvait éventuellement constituer une œuvre (dans son cas, ça restera ses formations Tribute to John Kirby et Saxomania qui firent date). Aujourd'hui, même pour les plus expérimentés, le CD est une «carte de visite» qu'il faut sans cesse renouveler (les organisateurs refusent des enregistrements «trop anciens»). D'où une multitude d'autoproductions pour décrocher des gigs et pour la vente directe au cours des concerts. Un autre impératif actuel est le groupe d'effectif réduit pour limiter les coûts: le trio et le quartet sont donc majoritaires. Il faut aussi un répertoire varié avec l'inévitable bossa-samba (ici, «Summer Samba»), collection de thèmes proposée avec musicalité (le moins d'aspérités possibles dans l'expressivité) pour se faire avaler comme des popcorns par des consommateurs dont l'idée du jazz est aussi floue que superficielle et festivalière. Heureusement certains, comme ici, ont le talent suffisant pour rendre ces impératifs malgré tout plaisants. La clarinette de Claude Tissendier est dans la lignée de Benny Goodman («A Smooth One», «Benny's Bugle», «Slipped Disc»), voire de Jimmy Giuffre («Sentimental Journey»), et son alto a une sonorité légère avec un vibrato souvent discret, un genre cool («Bye Bye Blackbird», «The Preacher»). Claude Tissendier marque plus le vibrato dans «Misty» (très jolie performance). Le co-soliste (excellent accompagnateur aussi), Gilles Réa, a un style épuré, linéaire qui évoque les Kenny Burrell, Barney Kessel, Jim Hall. Alain Chaudron, discret, est parfait aux balais souvent sollicités (bon soutien dans «R.T.R.C.», dynamique sinon hot avec alternative aux baguettes). Jean-Pierre Rebillard, aux lignes de basse efficaces, prend de bons solos dans «Now's the Time» et «Soft Winds». Un disque parfait pour les objectifs cités plus haut, mais surtout qui nous évite l'ennui.
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disquePauline Atlan
Le Monde de Fats

Dream Man, I Believe in Miracles*, I’ll See You in My Dreams*, I’m Gonna Sit Right Down & Whrite Myself a Letter, Sugar, You Can’t Lose a Broken Heart°, If Dreams Come True*°, Am I Blue*, Hold My Hand*, Because of Once Upon a Time*, I Can’t Believe That You’re in Love With Me*, He’s Funny That Way°, Do Me a Favor*
Pauline Atlan (voc), Nicolas Peslier (g), Louis Mazetier (p), Raphaël Dever (b) + Daniel Huck (as, voc), Nicolas Montier (as, ts)*, Michel Pastre (ts)°, François Biensan (tp, flh, sifflet)

Date et lieu d’enregistrement non précisés

Durée: 56’ 36’’

Ahead 835.2 (Socadisc)


Complices de longue date, Pauline Atlan et Louis Mazetier (Jazz Hot n°671) aiment à se retrouver sur le répertoire de Fats Waller. C’est donc assez naturellement qu’ils présentent aujourd’hui un disque consacré au pianiste. Fille du clarinettiste de style new orleans, Pierre Atlan (1928-1988), Pauline est tombée toute petite dans la marmite du jazz. Elle se produit ainsi régulièrement dans des contextes «middle jazz» («Louis Prima For Ever» avec Stéphane Roger et Patrick Bacqueville, «Sisters in Swing» avec Tina May et Philippe Duchemin, Caveau de La Huchette, etc.). Et c’est avec conviction qu’elle interprète ici les titres du grand Fats. Une évocation qui doit énormément aux excellents musiciens qui l’entourent. En premier lieu, Louis Mazetier, expert ès stride, est le pilier de l’enregistrement et le gardien du swing. En l’absence de batterie, Nicolas Peslier et Raphaël Dever assurent l’assise rythmique avec brio. Voilà pour la formation de base qui reçoit le soutien de quatre soufflants invités. Les deux ténors, Michel Pastre et Nicolas Montier, chacun dans avec leur manière (que l’on peut apprécier dans le splendide duo qu’ils forment sur «If Dreams Come True»), apportent la profondeur. Présent sur huit morceaux (et à l’alto sur «I Believe in Miracles »), Nicolas Montier est aérien sur «Do Me a Favor», Michel Pastre déroule sa sonorité exceptionnelle sur «He’s Funny That Way». Quant à Daniel Huck et François Biensan, ils complètent ce véritable all stars, et finissent d’enluminer admirablement la musique de Fats Waller dès «Dream Man».
Une belle réunion de famille.

Jérôme Partage
© Jazz Hot 2019

Les Oignons
Anthologie

Titres communiqués dans le livret
Julien Silvand (tp, cnt, flh, voc, sifflette, perc, arr), Olivier Defays (ts, voc, arr), Dominique Mandin (bj), Raphaël Gouthière, Fabien Debellefontaine (sousaph), Marion Sandner (claquettes)

Enregistré: en février 2009, octobre 2010, 4-6 décembre 2012, Malakoff (92), Viarmes (95), Droue-sur-Drouette (28)

Durée: 2h 54’ 53’’

Frémeaux & Associés 8567 (Socadisc)

C'est la réédition regroupée en un coffret de trois CD, After You've Gone, La Confiture,New Diversité. Nous avons vu ce groupe en off de festival avec comme d'autres, un bon plaisir de l'instant. En effet, en petit effectif, comme il est préférable de nos jours, ces instrumentistes sont virtuoses (surtout Julien Silvand) et abordent avec une mise en place parfaite des difficultés qu'ils s'imposent à eux-mêmes («Tiger Rag», etc.). Dans certains titres, les claquettes sont musicalement bien intégrées à l'arrangement («Struttin' With SBQ», «Indiana», «Ah! Si vous connaissiez ma poule», «Sweet Sue»,...) et en concert, c'est visuellement un plus. L'originalité des idées est bien venue (exemple: introduction à «Royal Garden Blues»; effet de chœur sur la partie de banjo pour «Careless Love»; «Great Gret») dans un domaine expressif qui s'inscrit dans le dixieland à la française (Marc Laferrière, Sac à Pulses, Orphéon Celesta, etc.). A ceci près que le soprano est remplacé par un ténor, volubile, au son plein (ce qui pour le signataire est appréciable).
Ce courant, comme les variétés en générale (même bonnes, celles des années 1950) recherche l'effet sur le public, pas l'expressivité qui s'inscrit dans une culture. C'est du divertissement (certaines parties chantées accentuent le fait). La prise en otage de la chanson française est en ce sens significative («Le Tourbillon de la vie», «La ballade irlandaise», «Le Déserteur» du cher Boris Vian, «Mam'Zelle Clio» du maître Trenet, «La Recette de l'amour fou», «Black trombone» et «La Femme des uns sous le corps des autres» de l'inévitable Serge Gainsbourg…). Le puriste est en droit de préférer le prolongement local du traditionalisme louisianais (Michael White, Gregg Stafford,…) et ses variantes internationales en survivance du fait de l'âge de ses acteurs (Sammy Rimington, Geoff Bull, Boss Quéraud,…). Ce qui fait que plus de deux heures c'est peut-être beaucoup sauf pour les inconditionnels du groupe, très méritant.
Le tubiste Raphaël Gouthière montre qu'il n'est pas qu'un accompagnateur («After You've Gone», «Avalon»), tout comme Fabien Debellefontaine («Puttin' on the Ritz», «Franchise postale», «Mam'Zelle Clio»). Olivier Defays est toujours inspiré, et il est mieux que le faire valoir de Silvand («Do You Know What It Means»). Mais la vraie personnalité est Julien Silvand, bon technicien (détaché dans «Les Oignons»), avec des tournures à la Bix (solos dans «Royal Garden Blues», «Pierre et Fils», 2009). Dans «Avalon», il démontre une maîtrise du growl et du wa-wa (plus à la Henry Busse que King Oliver) mais surtout il a des envolées véloces et des aigus dignes d'un Jabbo Smith. Même dans «Cornet Chop Suey», il est plus proche de la «nervosité» du Jabbo Smith de 1929 que de la décontraction de Louis Armstrong. Cette approche à la Jabbo s'entend ici et là («Indiana», «Dry Banjo», 2009; «La Confiture», 2010; «Bergen Miljoys», 2012). C'est peut-être une similitude fortuite, car qui connaît Jabbo Smith aujourd'hui, lui dont la totalité des faces en soliste en 1929 ne fait pas plus d'un CD? Dès fin 2010, Silvand a un jeu moins survolté, mais encore volubile (style adapté au cornet: «Franchise postale»). Notons qu'en privilégiant le cornet, Julien Silvand a gagné en qualité de son même dans les traits de virtuosité (solo dans «Mam'Zelle Clio»). Pour démontrer qu'il sait jouer de façon posée, il y a ce «These Foolish Things», seul, ad libitum, avec un discret vibrato. Ce coffret s'adresse aux amateurs de trompette et/ou aux prescriptions thérapeutiques de bonne humeur par grosse dose de dixieland joyeux.

Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueMarianne Feder
L'Hiver des poètes

La Marche*, L’Hiver du poète*, Swing du Cat, De vous à moi*, A quoi bon, Sur le chemin des roses*, Tu es l’amour, Fleur sauvage, La Dernière valse*, Templo, L’amour est une danse*, Le Crépuscule*
Marianne Feder (voc) et selon les morceaux: Brice Moscardini, Arthur Simon (tp), Benoît Garnier (as), Charles Lamouroux, Romane (g)*, Vincent Muller (g, voc), Jacques Gandard (vln), Michel Macias (acc), Benjamin Body (b), S.O.A.P. (kb, electronics)
Enregistré à Paris, date non précisée
Durée: 45' 59''
Les Musiterriens 18/1 (Modulor)


Titulaire d’un diplôme d’Etat dans le domaine des «musiques actuelles», Marianne Feder est chanteuse, chef de chœur (Philharmonie de Paris), enseignante (Swing Romane Académie) ainsi qu’entrepreneur de spectacles (en collaboration avec Banlieues Bleues, La Cité de la Musique, etc.). Les extraits musicaux disponibles sur Internet de ces deux premiers albums –Le Nombril du monde (2005) et Toi mon indien (2008)– donnent à entendre des chansons originales à l’ambiance jazzy marquée par les musiques d’Europe de l’Est et la tradition Django. Ce second élément préside également à son troisième disque sous son nom, L’Hiver des poètes, dont Romane a écrit la plupart des mélodies (Marianne Feder signant les autres, ainsi que les paroles). Le guitariste est par ailleurs présent sur la moitié des titres. Si l’on ajoute à cela que Marianne Feder est une chanteuse intéressante dans le registre de la variété jazzy (on n’est pas très loin de Thomas Dutronc et Jil Caplan avec lesquels Romane collabore régulièrement), on pouvait s’attendre à passer un agréable moment en sa compagnie. Malheureusement, elle s’est adjointe les services d’un D.J., un certain «S.O.A.P.» (l’idée étant de sacrifier au concept de «l’électro-swing»), qui gâte l’apport rythmique de Romane (et de l’autre bon guitariste, dans cette même esthétique, Charles Lamouroux, sur «Swing du Cat»). Dommage…
Jérôme Partage
© Jazz Hot 2019

Swing Vibrations
Opus One

Temptation Rag, Razzle Dazzle, Tin Roof Blues*, Opus One, Romarin', Down on the Himminent, Anouman, Tickle Toe*, Gone Again, Nuits de St Germain-des-Près*, Jitterbug Waltz
César Poirier (cl, ts*), Nicholas Thomas (vib), Benjamin Blackstone (g), Sébastien Girardot (b)

Date et lieu d’enregistrement non précisés

Durée: 40’ 42’’

DSY Paris 09 (InOuïe Distribution)

Sorte de synthèse du quartet Benny Goodman (avec le vibraphone de Lionel Hampton) et des combos de Django avec clarinette (Hubert Rostaing, Maurice Meunier, Gérard Lévêcque), avec cette sonorité d'orchestre dominée par celle, pure, de la clarinette («Romarin'»), le groupe touche à la virtuosité collective («Opus One»). Le guitariste ne copie pas servilement Django. Il a toutefois dans l'accompagnement une pompe solide («Tickle Toe») et en solo une touche dite «manouche» («Anouman» sans César Poirier). Le bassiste disposant d'une belle sonorité (solo dans «Tin Roof Blues») connait aussi le slap («Temptation Rag»). Le vibraphoniste est inspiré («Down on the Himminent») et sait évoquer Lionel Hampton («Gone Again», sans César Poirier). César Poirier, remarquable clarinettiste, est aussi un bon ténor au son rond et plein. Le swing est bien présent. Bref, cet album est une plaisante surprise. A découvrir.
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Michel Petrucciani
Complete Recordings

Coffrets de 12 CDs et 3 DVDs CDs:
1/ Marvellous (1993-94), 2/ Conférence de presse I (Eddy Louiss, 1994), 3/ Conférence de presse II (Eddy Louis, 1994), 4/ Au Théâtre des Champs Elysées (1994), 5/ Both Worlds (1997), 6/ Flamingo (Stéphane Grappelli, 1995), 7 Trio in Tokyo (1997), 8/ Conversation (Tony Petrucciani, 1992), 9/ Dreyfus Night in Paris (1994), 10/ Michel Petrucciani & NHØP (1994), 11/Piano Solo-The Complete Concert in Germany (1997), 12/ Both Worlds Live (1998)
DVDs: 1/ Both Worlds Live (North Sea Jazz Festival, 1997-98), 2/ Non Stop. Travels (film réal. Roger Willemsen, 1995, 58 min.) + Trio Live in Stuttgart (1998), 3/ Concert Solo (Marciac, 1996) + Lettre à Michel Petrucciani (film réal. Franck Cassenti, 1983, 36 min. + interview Aldo Romano et Tony Petrucciani)+
Michel Petrucciani (p) avec selon les enregistrements: Stéphane Grappelli (vln), Eddy Louiss (org), Niels-Henning Ørsted Pedersen (b), Flavio Boltro (tp), Bob Brookmeyer (tb), Denis Leloup (tb), Kenny Garrett (as), Stefano Di Battista (as), Tony Petrucciani (g), Biréli Lagrène (g), Dave Holland (b), Geroge Mraz (b), Marcus Miller (b), Anthony Jackson (b), Lenny White (dm), Roy Haynes (dm), Tony Williams (dm), Steve Gadd (dm), The Graffiti String Quartet
Enregistré de 1992 à 1998
Durée totale: une vingtaine d’heures
Dreyfus Jazz 53844080 (BMG)


La trop courte carrière de Michel Petrucciani (né le 28 décembre 1962 à Orange et décédé le 6 janvier 1999 à 36 ans) a commencé très tôt à 12 ans, en famille, puis sur le plan discographique en 1980 pour une petite vingtaine d’années; et c’est pour commémorer les 20 ans de sa disparition à la toute fin du XXe siècle, que la maison Francis Dreyfus réédite ce coffret hors-série intitulé The Complete Recordings qui comprend 15 CDs et 3 DVDs (il y avait déjà eu un coffret, moins complet). Né dans le Sud-Est de la France, Michel a baigné dans le jazz depuis son enfance dans une famille totalement investie dans la musique avec Tony (g), le père, et les frères Louis (b) et Philippe (g), comme les Belmondo, les Le Van, les Pastre; il y a comme ça des familles jazz, et il y en a beaucoup d’autres.
Tout le monde a pu constater que la maladie de Michel ne l’a pas empêché –et sans doute a participé, compensation qui se produit souvent en jazz– à faire de ce pianiste surdoué un véritable phénomène du jazz, musical par le talent mais aussi médiatique car il a envoûté les publics du monde entier, avec simplicité et naturel, ne perdant jamais dans cette notoriété son attachement culturel au jazz et ses admirations pour les grands musiciens de jazz, lui que le monde entier adulait. Sa carrière discographique en leader de 1980 à 1992 démarre très vite et se déroule essentiellement chez Owl et Blue Note, plus Concord et d’autres labels pour quelques enregistrements isolés. Une vingtaine d’enregistrements.
Nous avons ici la dernière partie de sa carrière, pour Francis Dreyfus Music, une autre petite vingtaine d’enregistrements de 1992 à sa disparition sept ans plus tard. Michel Petrucciani a donc bien documenté son talent sur le plan discographique avec une quarantaine d’enregistrements en moins de 20 ans. Ce coffret joint l’exceptionnel sur le plan pianistique (souvent) avec, selon notre opinion, quelques enregistrements moins intéressants (rares), malgré les stars qui l’accompagnent. Dans sa globalité, cette intégrale du label Dreyfus (jusqu’à la publication des inédits potentiels) donne une bonne idée du talent et de l’inspiration, très romantique et lyrique, du jazz de Michel Petrucciani, toujours branché sur un swing très classique, car Michel est bien un descendant d’Oscar Peterson par la virtuosité –mais aussi des plus modernes Kenny Barron, Chick Corea, Herbie Hancock– car sa capacité d’écoute lui a permis d’embrasser l’histoire du jazz de sa génération et de celui, plus ancien, transmis dans le cadre familial.
Chroniquer 20 CDs en une seule chronique relève de l’impossible: disons qu’en dehors des trois DVDs qui apportent 2 films et des images émouvantes du pianiste, et qui sont à ce titre indispensables, il y a selon nous quelques disques de haut niveau comme les duos de Michel avec son père Tony en 1992, avec le grand Niels-Henning Ørsted Pedersen, qui fait le lien avec Oscar Peterson, les concerts en solo live au Théâtre des Champs-Elysées, Paris, et à Francfort, la rencontre avec Stéphane Grappelli qui fait le lien avec la tradition du jazz en France, et les disques avec la formation Both Worlds. C’est une période de maturité musicale et d’accomplissement des rêves de Michel Petrucciani, et on est rétrospectivement très heureux que plusieurs labels aient pu successivement documenter, finalement assez précisément, l’œuvre de ce pianiste attachant, émouvant, avec sa sensibilité et son lyrisme qui ne sont pas sans rappeler ses origines méditerranéennes. Cette réédition hommage aurait pu être un travail de production de meilleure qualité, avec un livret, des images, des textes et un point discographique. La musique de Michel Petrucciani, vingt ans après, le mérite.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Oracasse
Iko Iko

Salt Peanuts, Iko Iko, In the Court of King Oliver, Filthy McNasty, Tipi Tipi Tin*, Egyptian Fantasy, Big Butter and Egg Man, The Isle of Orleans°, Puttin’ on the Ritz°°*, Tin Roof Blues, Tu peux compter sur moi°, Do Lord.
Guy Mimile Bodet (cnt, tp, flh, voc), Emmanuel Pelletier (ss, ts, voc), Thierry Bouyer (bjo, g°, voc), Xavier Aubret (sousaph, b, voc), Gabor Turi (dm, claquettes°°, voc), Trilili Ladies (voc*)

Enregistré: les 5, 6 & 7 février 2019, lieu non précisé

Durée: 55'44''
Autoproduit-Oléo Production (www.oracasse.com)

Il s’agit du troisième CD d'Oracasse. C'est une musique divertissante et originale (arrangement de «Salt Peanuts»; Horace Silver revu avec banjo et drumming de parade…) par un quartet dominé par le jeu d'un remarquable trompettiste/cornettiste qui fait l'intérêt du disque. Malgré un banjo omniprésent, ce n'est pas du jazz traditionnel à la lettre (solo de ténor exubérant dans «Iko Iko» qui bénéficie aussi de riffs précis ou le soprano qui ne doit rien à Bechet dans «Egyptian Fantasy»). Il est plaisant de retrouver le «In the Court of King Oliver» de Wynton Marsalis (bons solos de cornet avec sourdine et de contrebasse qui font un peu oublier la présence du soprano). L'un des meilleurs moments est le très latin et dansant «The Isle of Orleans» du clarinettiste Tim Laughlin, où le bugle de Guy Bodet fait merveille avec un soprano plus supportable. Emmanuel Pelletier prend sur «Tin Roof Blues» un solo de ténor bien gradué dans les effets (nous le préférons sur cet instrument), le stop chorus et le solo avec drive de Guy Bodet font de ce titre l'autre point fort du disque. Une musique joyeuse parfaite pour les Off des festivals et un album bien venu pour garder un souvenir de ces prestations.
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueRan Blake / Christine Correa
Streaming

Don't Explain, Out of This World, Lonely Woman, Stratusphunk I, Bebopper, All About Ronnie, Ah El Novio No Quiere Dinero, Stratusphunk II, Love Dance, Wende, Stratusphunk III, No More
Ran Blake (p), Christine Correa (voc)
Enregistré les 20 et 27 mai 2015, Boston, MA
Durée: 41’ 29”
Red Piano Records 14599-4434 (www.redpianorecords.com)


La collaboration entre Ran Blake 
(cf. Jazz Hot n°667et Christine Correa n’en est pas à ses débuts, puisqu’on repère un premier enregistrement en 1994, il y a donc 25 ans déjà, et que nous en sommes au cinquième qui date de 2015. Christine Correa est une chanteuse née en Inde, à Bombay (Mumbai), le 8 juillet 1955, dans une famille investie dans la musique avec un père, Micky Correa, qui dirigeait un célèbre big band de jazz qui joua pendant 25 ans dans le Taj Hotel, ce qui lui valut le surnom de «Sultan du Swing». Né en 1913, il est décédé en 2011 et avait commencé sa carrière en 1936 en remplaçant Rudy Jackson à la clarinette dans l’orchestre de Teddy Weatherford, de passage à Bombay dans ce même hôtel. Christine Correa a donc de qui tenir, et elle vint s’installer aux Etats-Unis en 1979, où elle perfectionna son art au New England Conservatory. C’est de là que date la rencontre avec Ran Blake, qui en est l’un des piliers, un artiste et un pédagogue emblématique de l’institution, comme il le raconte dans son interview déjà citée.
Nous avions chroniqué (Jazz Hot n°674) leur précédent disque, le deuxième volet d’un hommage à Abbey Lincoln enregistré quatre ans avant ce disque en 2011, et il y a une véritable osmose dans ce duo qui n’est pas sans évoquer dans sa conception –la personnalité de Ran Blake– les beaux enregistrements en duo de Jeanne Lee et Ran Blake.
Evidemment, la voix de Christine Correa est différente de celle de Jeanne Lee, mais l’idée générale qui détermine ces beaux climats est très voisine, avec un piano contemporain qui emprunte au jazz et à la musique moderne du début du XXe siècle, voire contemporaine plus rarement, avec une véritable place laissée à la voix, un traitement très original de tous les thèmes, des standards ou des compositions du jazz, un piano très souvent arythmique, proche de la manière classique même dans sa manière de reprendre également les accents du jazz quand le rythme réapparaît, qui entoure une voix qui est plus expressive. Christine Correa possède une voix chaude, qui s’éloigne parfois de l'esprit du jazz dans cet opus, bien qu’elle en soit proche comme on l’a vu dans l’hommage rendu à Abbey Lincoln. Le répertoire qui fait essentiellement référence au jazz est donc passé au filtre d’une belle réinterprétation à deux voix, bien distinctes, parfois solistes, toujours complices, avec beaucoup de sophistication, de nuances et une atmosphère rendue très intense par une bonne utilisation de la lenteur, des silences ou des contrastes entre les éclats cristallins du piano et la chaleur de la voix.
On connaît le parti pris de Ran Blake: rester lui-même avec la mixité de ses inspirations, musique classique, moderne («Bepopper»), contemporaine, et on ne peut que l’approuver car ses enregistrements ont vraiment une couleur particulière, qui même lorsqu’elle s’éloigne du jazz de culture, sans blues, reste authentique et passionnante. Christine Correa est une excellente chanteuse, très originale.

Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueHerlin Riley
Perpetual Optimism

Rush Hour, Be There When I Get There, Borders Without Lines, You Don't Know What Love Is, Perpetual Optimism, Touched, Wings and Roots, Wang Dang Doodle*, Stella by Starlight, Twelve's It*
Herlin Riley (dm, tambourin, voc*), Bruce Harris (tp), Godwin Louis (as), Emmet Cohen (p), Russell Hall (b)

Enregistré les 6 et 7 décembre 2017, NYC, New Orleans

Durée: 59' 23''

Mack Avenue 1136 (mackavenue.com)

Herlin Riley est à la batterie ce que Wynton Marsalis est à la trompette. Le niveau est tel qu'on n'est jamais déçu. Bien sûr, Wynton Marsalis est plus qu'un instrumentiste qui fit école, c'est aussi, notamment, un compositeur qui compte. Herlin Riley ne rivalise pas sur ce plan, même s'il est ici l'auteur de cinq thèmes qui tiennent la route. Le reste du programme, arrangé par Herlin Riley, offre deux incontournables standards et des morceaux signés Willie Dixon, Ellis Marsalis et Victor Goines. Le CD commence par un sympathique «Rush Hour», dansant, joyeux et de nature hard bop. Nous avons découvert Bruce Harris (né en 1979 dans le Bronx) le 2 août 2018 avec Carlos Henriquez, à L'Astrada de Marciac. Il fut élève de Jon Faddis au Purchase College. Bruce Harris a joué avec Wynton Marsalis (influence qu'on remarque dans «Twelve's It»), Roy Hargrove, le Count Basie Orchestra. C'est un trompettiste bop solide, précis dans la mise en place, qui mène bien même des thèmes-riffs rythmiquement subtiles comme «Be There When I Get There». Bruce Harris a, avec sourdine, une bonne sonorité pour aborder une ballade comme «You Don't Know What Love Is», une réussite de cette séance (d'autant que le sax est bien lyrique et la rythmique sobre). Godwin Louis est un alto flamboyant doté d'une bonne technique au service d'un discours parfois aventureux comme un Jackie McLean et presque comme Eric Dolphy («Border's Without Lines» en alternative avec Bruce Harris). Il peut être chantant et posé (très bon solo dans «Touched» où Bruce Harris prend un relais de solo digne de Wynton Marsalis). Godwin Louis est remarquable d'inspiration et de maîtrise dans «Perpetual Optimism». Un musicien à suivre! Né à Harlem, élevé à Bridgeport et Port-au-Pince (Haïti), Godwin Louis a commençé la pratique du sax à l'âge de 9 ans et il a notamment joué avec Clark Terry, Jimmy Heath, Barry Harris et Wynton Marsalis. Le pianiste, né à New York en 1990, aussi bon technicien que ses confrères est limpide en solo, parfois délicat («Touched») et parfait dans l'accompagnement. Il est soliste dans «Stella by Starlight» (sans souffleurs mais avec les balais d'Herlin Riley!). On y entend une influence de Bill Evans. Le contrebassiste, né à Kingston (Jamaïque) a les rondeurs de son qu'on attend de lui («Perpetual Optimism»; solos dans «Wings and Roots», «Stella By Starlight», «Twelve's It»). Russell Hall a étudié auprès de Ben Wolfe et Wynton Marsalis, joué avec les frères Heath et Jon Batiste. L'extraordinaire Herlin Riley intervient en solo dans «Borders Whithout Lines», «Perpetual Optimism». Il ne tire pas la couverture à lui! Le reste du temps on apprécie son accompagnement aux ressources variées, jamais étouffant, qui comme un Baby Dodds chez Bunk Johnson, travaille pour l'orchestre et pas que pour lui. Herlin Riley chante dans ce «Wang Dang Doodle» plein de swing.
C'est du hard bop de classe digne des nouveautés Blue Note...de la deuxième moitié des années 1960. Le XXe siècle vient au secours d'un XXIe qui n'a rien à offrir! Pas de nostalgie, juste un constat.

Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Dorado Schmitt Quintette
Clair de Lune

Made in Italy, Night and Day*, Only You, Clair de Lune, Them There Eyes*, Danube, September Song, Swing for Wadi, Troublant Bolero, Tears*, Shine*
Dorado Schmitt (solo g, vln), Amati Schmitt (solo g), Gino Roman (b), Franco Mehrstein (rhythm g), Esben Mylle Strandvig (rhythm g, arr), Kristin Jørgensen (vln)*
Enregistré les 18-19 février 2018, Tœjhuset, Fredericia (Danemark)
Durée: 46’ 51”
Stunt Records 18132 (UVM Distribution)


Dorado et ses enfants, ici Amati, né en 1995, c’est l’éternité de la grande tradition de cette sensibilité du jazz, le jazz de Django, avec ce qu’il faut de virtuosité, d’impulsion, d’énergie, de spectacle et surtout d’âme dans cette musique si extraordinaire qui s’est un jour amarrée au jazz, grâce au Grand Timonier Django, pour le plus grand bonheur du jazz et de ses amateurs, sans abandonner une once d’authenticité, comme en témoigne l’exceptionnel «Danube», un thème de Ion Ivanovic (1845-1902) devenu un traditionnel de l’Europe centrale, aussi profond que dantesque dans son exécution sous les doigts de Dorado et d’Amati. Le très retenu «September Song» qui suit vient encore mettre en valeur la musicalité naturelle et pourtant si exigeante de cette splendide musique. Dorado Schmitt et ses enfants, ici l’excellent Amati, c’est la poésie sans fin de cette liberté de la création parce que libre tout court, au violon ou à la guitare, ce sont ces moments de grâce, authentiques, alliant la tradition mais aussi cette nuance de génie incontrôlable, cette invention si bien intégrée qu’elle est une seconde nature.
On aime Dorado et ses enfants, non seulement parce qu’ils sont parmi les plus brillants représentants de cet art exceptionnel de la corde mais aussi pour la profondeur et la vérité qui émanent de leur expression. On les aime, parce qu’ils sont l’incarnation européenne de ce que peut être la transmission dans l’art, dans un art populaire de haut niveau quand on veut lui conserver sa liberté. On les aime parce qu’ils sont parmi les rares, dans cette tradition principalement, à donner aux mots «liberté de création» un sens équivalant à ce qu’il revêt dans le jazz outre-Atlantique pour faire qu’il a produit, qu’il produit et produira encore, quelles que soient nos craintes, de génie musical, artistique.
Signalons sur ce disque, qu’en dehors de Dorado et d’Amati, Kristian Jørgensen vient croiser l’archet de son violon avec celui de Dorado et les cordes d’Amati sur quatre thèmes «Night and Day», «Them There Eyes», «Tears» et «Shine». Kristian Jørgensen, né en 1967, est ce violoniste précoce qui accompagnait Duke Jordan à l’âge de 15 ans en 1983 et qui reçut le prix Ben Webster en 1993, un musicien jazz mais qui apprécie aussi l’univers des musiques tziganes en général et la musique de Django en particulier qui fait le pont avec le jazz.
Sur ce disque, du toujours bon label Stunt, le répertoire est excellemment choisi, ordonné sur le disque, avec de beaux thèmes dont deux originaux d’Amati dont «Swing for Wadi» où Amati offre une belle partie de guitare en contrepoint de Dorado au violon, un traditionnel «Danube», un «Clair de lune» de Joseph Kosma magnifique de poésie, des œuvres toujours renouvelées comme le «Tears» et le «Troublant Bolero» de Django Reinhardt, et bien sûr des standards du jazz, du «Night and Day» de Cole Porter, à un «Them There Eyes» hallucinant de mise en place, en passant par un «Only You» si bien renouvelé par la musicalité des Dorado et fils.
Dorado et ses enfants sont indispensables… pour le cœur comme pour le jazz!
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Rodolphe Raffalli & Renée Garlène
Avec Georges Brassens. J'ai rendez-vous avec vous

Pauvre Martin, Embrasse-les tous, Quatre-vingt-quinze pour cent, Philistins, La Complainte des filles de joie, Brave Margot, Dans l'eau de la claire fontaine, Saturne, Le bistrot, Maman Papa (Texte), Maman Papa, Le Vent, J'ai rendez-vous avec vous,
Chanson pour l'Auvergnat, Je suis un voyou [Instrumental], Le Père Noël et la petite fille, Cupidon s'en Fout*
Renée Garlène (voc), Rodolphe Raffalli (g), Teofilo Chantre (voc)*, Sébastien Raoul Gastine, Fabrice Thomson
Enregistré en août 2017 et mars 2018, Boulogne-Billancourt (92)
Durée: 1h 00’ 59”
Frémeaux et Associés/Label La Lichère 343 (Socadisc)


Rodolphe Raffalli, en plus d’être un guitariste émérite d’une terre baignée par le son des guitares, est un fin connaisseur de l’univers de Georges Brassens qu’il a déjà honoré en de multiples occasions, en particulier dans un enregistrement en 2001 qui inaugurait sa carrière discographique. Il possède cette exceptionnelle oreille qui lui permet de faire une synthèse originale de la musique du Divin Manouche, le grand Django, de sa propre tradition guitaristique de l’Île de Beauté, de ses rencontres avec la tradition brésilienne de la guitare, et, pour finir, de l’œuvre poétique de Georges Brassens, un des rares monuments français artistiques de la deuxième partie du XXe siècle.
A ce titre, et pour ce disque, Rodolphe Raffalli ne mérite que des compliments. Mais, à côté de cette réussite indiscutable, même dans ce disque, car ce que fait Rodolphe est exceptionnel de musicalité, dans les registres proches du jazz, de Django ou autre, de la musique brésilienne, il y a une chanteuse, sympathique certes et qui connaît bien ses textes, chante juste, mais qui ne possède pas ce naturel particulier de l’expression nécessaire à ce répertoire de Georges Brassens. Cela donne un alliage artificiel et parfois incongru, un côté superficiel, que ne rattrape pas le lyrisme et la virtuosité aérienne du guitariste, car comme le dit très bien Georges et le texte du livret, chez lui, le texte est au centre, essentiel, premier.
On se souvient d’un autre hommage du regretté Patrick Saussois à Brassens, réussi non seulement pour le traitement instrumental, comme ici, mais aussi parce qu’avec Patrick, il y avait un grand connaisseur de l’univers de Brassens, Koen de Cauter, dont la voix, naturelle elle aussi (il est aussi guitariste et clarinettiste), épousait à la perfection la nécessité d’une expression authentique et naturelle derrière des textes si imprégnés par la personnalité de leur auteur à la voix si nature… Quand on aime Brassens et Rodolphe Raffalli, on a forcément un petit regret pour ce disque respectable.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

L'Affaire Enzo
Invite Romane

Gypsy Club, I’m Confessin’, Douce ambiance, Nuages, How High the Moon, Mabel, Manoir de mes rêves, Minor Swing
Enzo Mucci (g), Claude Tissendier (cl), Gilles Chevaucherie (b) + Romane (g)
Enregistré les 24 et 25 mai 2018, Paris
Durée: 35’ 17’’
Autoproduit (muccienzo@hotmail.com)


Bien que d’origine italienne, Enzo Mucci est un peu le couteau suisse du jazz dit «classique» ou «traditionnel». Contrebassiste, guitariste et banjoïste, il est ou a été le pilier rythmique de quantité de formations évoluant dans cette esthétique: les Vintage Jazzmen de Dan Vernhettes (cnt), le trio de Louis Mazetier, 3 for Swing avec Jacques Schneck (p) et Christophe Davot (g, voc), le Harlem Swing Sextet avec Jérôme Etcheberry (tp), le big band de Michel Pastre (ts), Louis Prima Forever avec Stéphane Roger (dm), ou encore Mem’Ory (dont l’album a été récemment chroniqué dans Jazz Hot). Rappelons également qu’Enzo Mucci accompagna François Rilhac (p), de même que Cécile McLorin-Salvant (voc) à ses débuts, et que ses collaborations suivies avec Patrick Saussois (g) et Romane en font également un familier de la scène Django.
Sur ce court CD autoproduit, Enzo Mucci se présente sous ses propres couleurs avec L’Affaire Enzo, un groupe qui a connu diverses configurations (notamment Daniel John Martin, vln, et Jean-Claude Laudat, acc, ou Gilles Réa, g) mais avec en invité récurrent Romane. Rien d’étonnant donc à ce que ce dernier soit présent sur cet enregistrement tandis que le trio est constitué, cette fois, de Claude Tissendier et de Gilles Chevaucherie. Ne cherchant pas à se mettre en avant, le leader offre à la guitare un soutien rythmique aux deux solistes, Claude Tissendier et Romane, dont l'excellent duo évoque bien évidemment Django Reinhardt et Hubert Rostaing sur «Nuages». Les titres retenus sont d’ailleurs très majoritairement des standards du Divin Manouche (plus «Gypsy Club», un original de Romane). On retiendra en particulier la belle version proposée de «Manoir de mes rêves» qui doit beaucoup à la finesse de Claude Tissendier sur cette demi-heure d'un jazz vécu avant tout comme une expérience collective.

Jérôme Partage
© Jazz Hot 2019

Ignasi Terraza Trio & Luigi Grasso
Looking Back and Moving Forward

Terrific°, Jo Vinc°, Temps De Canvi, Beny's Tune°, ‘Round About Midnight°, Wess Coast Blues°*, Anna°, Noia Jacints I Futbol°, Blues for Tete, Six Times Ten°*, The Gipsy°
Ignasi Terraza (p), Luigi Grasso (as)°, Enrique Oliver (ts)*, Horacio Fumero (b), Esteve PI (dm)
Enregistré le 20 mai 2017, Barcelone (Espagne)
Durée: 56’ 36”
Swit Records 26 (www.switrecords.com)


C’est un plaisir sans pareil d’écouter la rencontre de deux musiciens aussi investis dans le jazz de culture, deux musiciens généreux qui ont véritablement cette musique dans la peau. Le pianiste catalan, qui prolonge la belle tradition pianistique de Tete Montoliu jusque dans la cécité, ne cesse de perpétuer ce que le jazz a de plus essentiel dans la capitale de la Catalogne: un état d’esprit, doublé d’un héritage. Ici, il ne manque rien, ni le blues, ni le swing, ni l’expression dans cet enracinement qui donne à la musique cette atmosphère d’authenticité et cette profondeur qui accompagne jusqu’au bout de la nuit.
Le titre Looking Back and Moving Forward l’annonce dans une formule, mais à écouter les accents blues du pianiste ou les envolées cartéro-parkériennes de l’altiste («Beny’s Tune», «‘Round Midnight»), les hommage à Frank Wess («Wess Coast Blues»), à Tete Montoliu («Blues for Tete»), un répertoire où neuf originaux croisent une composition de Thelonious Monk et un standard, on est bien dans une terre neuve vigoureusement ancrée sur la plus belle des traditions du jazz.
Ignasi Terraza est un magnifique pianiste, brillant et très expressif, à l’ancienne, c’est-à-dire avec générosité, sans calcul, même si sa forme est moderne, sans doute parce que le blues est chez lui une permanence forte. Luigi Grasso, avec son débit rapide, ses inflexions de sonorité et sa musicalité qui évoquent toute une tradition de grands altistes, Charlie Parker, Sonny Stitt, Phil Woods, et même le grand Benny Carter, réalise sa synthèse originale qui en fait un musicien enthousiasmant. Le trio d’Ignasi Terraza, complété par de bons musiciens dans la section rythmique («Noia Jacints I Futbol», avec un échange entre la batterie –balais et baguettes– et le sax alto puis le piano qui vaut le détour), invite également sur deux thèmes un saxophoniste ténor du cru.
C’est un disque d’un jazz sans interrogation, un de ceux qu’on va réécouter périodiquement avec un plaisir toujours renouvelé, parce qu’il contient cette savante alchimie de mémoire et d’invention, de naturel-culturel, qui répond aux rêves de l’amateur de jazz. Un indispensable pour le beau «The Gypsy» en duo qui enrichit encore l’histoire de ce thème déjà mis en valeur dans le jazz (Charlie Parker, Sonny Stitt, etc.).
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Christopher Hollyday
Telepathy

One of Another Kind , Hallucinations, Everything Happens, Autumn in New York, I Got the World on a String, Segment
Christopher Hollyday (as), Gilbert Catellanos (tp), Joshua white (p), Rob Thorsen (b), Tyler Kreutel (dm)
Enregistré le 14 mai 2018, San Diego, CA
Durée: 32’ 57”
JazzBeat Productions (christopherhollyday.com)


Voici un très beau disque, autoproduit, d’un jazz ancré dans la tradition prolongée du bop et hard bop, dans celle aussi des beaux saxophonistes alto qui ont depuis Charlie Parker et Sonny Stitt illuminé l’histoire du jazz dans cet esprit: la liste de Cannonball Adderley et Phil Woods jusqu’à nos jours est longue de très beaux talents, souvent précoces, et dans tous les cas portés par un lyrisme, une expressivité et une virtuosité qui ne laissent jamais indifférent.
Christopher Hollyday réunit toutes ces qualités. Né dans une famille baignant dans le jazz et la tradition du bebop, il a commencé à se produire très jeune, en 1983, dans la région de Boston, à Worcester, à l’âge de 13 ans (il est né le 3 février 1970 à New Haven, dans le Connecticut), membre déjà du quintet de son frère Richard, trompettiste, qui l’a très tôt initié aux arcanes de la musique de Charlie Parker. En 1988, le tout jeune altiste était déjà en vedette et leader d'une semaine au Village Vanguard de New York, et il effectuait une tournée avec Maynard Ferguson en tant que soliste vedette du 60th Birthday Big Band du trompettiste et pour l'enregistrement de l'album Big Bop Nouveau. De 1989 à 1993, Christopher Hollyday a tourné avec son quartet en Europe, au Brésil, au Canada et aux Etats-Unis, et il a enregistré quatre disques pour RCA/Novus comme d’autres jeunes Lions d’alors (Roy Hargrove, Marcus Roberts en particulier), bénéficiant de commentaires élogieux mais aussi de quelques critiques quant à son originalité, pas toujours fondées (les autres jeunes lions ont eu le droit au même traitement, et on sait ce qu’ils sont devenus…). Il décide alors d'étudier la composition et les techniques d'arrangement d'ensemble au Berklee College of Music de Boston, Massachusetts. Ces critiques peut-être et la pédagogie vont alors quelque peu éclipser une carrière de scène prometteuse. En 1996, il déménage à San Diego où il a enseigné depuis une vingtaine d’années après avoir terminé une maîtrise en jazz à la San Diego State University et où il a débuté l’étude de la flûte.
Depuis 2014, Christopher enseigne à titre privé, et il a repris le chemin des scènes localement, à San Diego et plus largement en Californie. Ce retour s’est aussi accompagné d’un détour par les studios d’enregistrement, pour cet excellent Telepathy, un album de la maturité d’un musicien qui n’a pas abandonné sa fibre parkérienne, et lui a donné une profondeur que l’âge apporte. Il vient d’ailleurs de retourner en studio pour enregistrer (en 2019) un nouveau disque, Dialogue, avec ce même quintet, excellent. Le choix du répertoire de ce relativement court CD (33’) est excellent, mêlant deux très beaux thèmes bop («Hallucinations» de Bud Powell et «Segment» de Charlie Parker, avec deux grands standards et une splendide composition de Freddie Hubbard). Le saxophoniste propose une musique parfaite et équilibrée, réunissant tous les ingrédients de ce registre: virtuosité, attaque, accents, énergie, imagination. Christopher Hollyday est bien entouré par sa bonne formation, avec ce qu’il faut de profondeur pour la couleur blues indispensable. Bon retour en studio de Mr. Hollyday, on ne se lasse pas de cette musique quand elle est jouée à ce niveau. Le prochain enregistrement, Dialogue, devrait être plus long, et il est déjà en cours de diffusion, on l’attend donc avec impatience.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cédric Chauveau Trio
It's Only a Paper Moon

Oyonnax, Bossa for Kenny, It’s Only a Paper Moon, Syracuse, Gospel in My Tears, My Fingers’ Blues, Yesterdays, Claudia, Nice Work if You Can Get It, Twenty Years Ago, Darn That Dream
Cédric Chauveau (p), Nicola Sabato (b), Mourad Benhammou (dm)
Enregistré du 18 au 20 avril 2016, La Rochelle (17)
Durée: 1h 07’ 35’’
Black & Blue 817.2 (Socadisc)


Le retour en France, en cet été 2019, de la grande Mandy Gaines, est l’occasion de revenir sur le disque sorti il y a déjà quelques temps par le très bon trio de Cédric Chauveau, lequel accompagne la chanteuse à chacun de ses passages. Originaire de l’Hérault, où il réside toujours, Cédric Chauveau, 45 ans, a été initié au jazz par le pianiste Antoine Pinnilla-Munoz, fin connaisseur de Ray Charles. Investissant la scène jazz de Montpellier à la fin des années 1990, il participe à différentes formations, allant du jazz mainstream à la fusion. C’est là qu’il rencontre quelques-uns de ses futurs partenaires (pas encore «montés à Paris»): Nicola Sabato, Dano Heider (g), Samuel Hubert (b) ou encore Esaie Cid (as), fondateur du groupe Jazzpel dont la chanteuse, Rachel Ratsizafy, poursuivra avec lui une collaboration au long cours. Son ancrage montpelliérain ne l’empêche pas de participer à des tournées ou d’être présent sur des scènes de festivals, en particulier avec le trio qu’il monte au début des années 2010 avec Nicola Sabato et Mourad Benhammou, et qui sert de rythmique à Craig Handy (2013) comme donc à Mandy Gaines.
Cédric Chauveau est de ces pianistes imprégnés par la tradition. Doté d’un jeu plein de finesse et de swing, ses qualités rencontrent celles de ses deux complices, deux excellents serviteurs du jazz. C’est donc le plaisir de l’écoute qui l’emporte avant tout, que ce soit sur les reprises (traitement original de «It’s Only a Paper Moon» et du «Syracuse» d’Henri Salvador; jolie version de «Darn That Dream», en piano solo; beau solo introductif de Nicola Sabato sur «Yesterdays») ou les compositions personnalles, très réussies, présentes à proportion égale: si «Oyonnax» évoque Erroll Garner, le leader expose l’étendue de sa palette sur «Gospel in My Tears», «My Fingers’ Blues» ou encore «Bossa for Kenny» (Barron sans doute). Avec ce premier disque sous son nom, Cédric Chauveau s’affirme comme un pianiste aussi solide que complet et à l'expression enracinée. Mandy Gaines ne s’y est pas trompée.
Jérôme Partage
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueChristian Sands
Facing Dragons

Rebel Music, Fight For Freedom, Yesterday, Sangueo Soul, Sunday Mornings, Frankenstein, Her Song, Samba De Vela, Rhodes to Meditation
Christian Sands (p), Keyon Harrold (tp), Marcus strickland (sax), Caio Afiune (g), Yasushi Nalamure (b), Jerome Jennings (dm), Roberto Quintero (perc) Cristian Rivera (perc)

Enregistré en 2018
Durée: 1h 02’ 20”
Mack Avenue 1143 (mackavenue.com)


Christian Sands, ça ne fait aucun doute, possède des qualités d’instrumentistes, et certains thèmes sur cet enregistrement en attestent, comme «Rebel Music », «Frankenstein», et peut-être il en fera profiter le jazz. Mais il est pour l’instant dans la dynamique de l’air du temps, et cet album est inégal, sans construction et sans unité, parfois de bon niveau, parfois insipide («Yesterday», «Her Song», «Samba De Vela», «Rhodes to Meditation»), parfois simplement vide de sens malgré la virtuosité («Sangueo Soul»). Christian Sands manque singulièrement de personnalité artistique dans cet enregistrement très superficiel, frisant parfois la mauvaise variété. Il est pourtant déjà reconnu, et a côtoyé ce qui se fait de mieux dans le jazz. Il enregistre sur un bon label de jazz. Mais c’est comme ça. On espère un meilleur prochain disque mais rien n’est jamais sûr quand on part de si loin.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Laurent Fickelson
In the Street

Lush Life 1, In the Street!, The Promise, 'Round Midnight, Edda, Distortion, For Joe, 07, Lush Life 2
Laurent Fickelson (p), Eric Prost (ts), Thomas Bramerie (b), Philippe Soirat (dm)
Enregistré les 10-11-12 décembre 2017, Paris
Durée: 52’ 33”
Jazz Family 051 (Socadisc)


Laurent Fickelson a choisi l’univers du jazz par conviction, par amour d’une musique et d’une génération de musiciens, les coltraniens, et ça s’entend dans son jeu de piano (tynérien), comme dans la thématique (John Coltrane, Wayne Shorter et les originaux). Mais comme il n’est pas sectaire, il reprend aussi dans d’autres époques, les thèmes immortels comme «Lush Life» ou «’Round Midnight» autant pour leur beauté que pour ceux qui les ont mis en œuvre et qui font partie de son imaginaire du jazz. On ressent à l’écoute une musique venue du cœur, une musique de culture, du vécu. Sa formation, à géométrie variable selon les thèmes du solo au quartet, est à l’unisson avec des musiciens partageant habituellement cet univers et ce feeling du jazz, que ce soit l’excellent Eric Prost ou la bonne section rythmique avec les deux piliers de la scène du jazz que sont Thomas Bramerie et Philippe Soirat.
Cela nous donne une heure de jazz de qualité, intense, de beau piano en particulier, dans une tradition qui pour être moderne n’en est pas moins enracinée. Le répertoire, des compositions du jazz particulièrement belles, et les originaux contribuent à la réussite de cet enregistrement. Il ne fait aucun doute que les musiciens ont pris du plaisir à l’enregistrement car ce jazz est tout aussi serein qu’évident et naturel.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueJordon Dixon
On!

Notes From the Nook, Way Too Serious, What You’ve Done for Me, We Kin, On!, Flame and Friction*, Lee Lee Dee, She Mean It When She Said It, Fake Flowers*, Notes From the Nook (alt)
Jordon Dixon (ts), Allyn Johnson (p), Herman Burney (b), Carroll V. Dashiell. III (dm) + J.S. Williams (tp)*
Enregistré le 15 décembre 2018, Bowie (Maryland)
Durée: 1h 09’ 11’’
Autoproduit (www.jordondixon.com)


Voici un bel album de jazz de culture qui s’inscrit dans une tradition post-bop et qui aurait pu faire partie du catalogue Blue Note des années 1960 autour d’une musique très «soulful». On! est le second projet de Jordon Dixon, saxophoniste ténor né en Louisiane, à Baton Rouge, en 1983, dans un environnement familial où la musique et le jazz en particulier sont importants. Il débute très jeune en jouant dans les clubs locaux avant de s’engager dans les Marines en tant que musicien pendant près d’une décennie. A son retour, il s’installe en Californie et obtient son diplôme à l’université du district de Columbia où il collabore avec le pianiste Allyn Johnson qui est également le directeur du département jazz du site. Son premier opus, A Conversation Among Friends (2016), avait déjà obtenu un succès d’estime permettant à Jordon Dixon de devenir une figure incontournable de la scène jazz de Washington D.C.
Dès le premier thème, «Notes From The Nook», on pense immédiatement à l’école de Stanley Turrentine ou de Wilton Felder pour l’esthétique; s’exprimant avec un léger vibrato et une sonorité plus étroite que ses modèles. Un joli chorus à l’archet d’Herman Burney (b) amène une thématique originale où l’aspect mélodique est omniprésent. Ce dernier, en disciple de Ron Carter, reste solide dans son accompagnement, développant une sonorité boisée et ronde. «We Kind» laisse la place à l’excellent pianiste Allyn Johnson, dans un esprit proche du jeu modal de McCoy Tyner, et laisse éclater sa sonorité brillante. Dans le même registre, après une introduction coltranienne du ténor, «On!» s’installe dans l’univers de Miles, période Kind of Blue, avec un swing permanent entre «So What» et «Impression». «Flame And Friction» est un blues authentique où le ténor de Jordon Dixon s’exprime dans un style plus direct et droit évoquant l’école texane. L’apport du trompettiste J.S. Williams d’une grande sobriété, donne une couleur supplémentaire à l’ensemble. Cet ancien élève de Cecil, Bridgewater, Jimmie Owens et Valery Ponomarev est une figure contemporaine du jazz post-bop new-yorkais. Il prolonge sa présence sur le très new-orleans «Fake Flowers» sur les harmonies du classique «When the Saints Go Marching In» avec un climat proche de l’église rappelant certaines compositions de Wynton Marsalis. Un régal!

David Bouzaclou
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueConnie Han
Crime Zone

Another Kind of Right, Crime Zone, By the Grace of God, Pretty Women, Southern Rebellion, Grüvy, A Shade of Jade, Member This, Is That So?, Extended Stay
Connie Han (p, ep), Edwin Livingston (b), Walter Smith III (ts), Brian Swartz (tp), Bill Wysaske (dm)
Enregistré à Los Angeles, date non précisée (prob. 2018)
Durée: 1h 01’ 17”
Mack Avenue 1140 (mackavenue.com)


C’est à son batteur, Bill Wysaske, que Connie Han attribue le fait d’être entrée en jazz, d’avoir découvert sa vocation. Ne vous fiez pas à l’apparence du livret peu jazz dans l’esprit, mais plutôt au fait qu’il est produit par Mack Avenue, un bon label de jazz. Car si elle affiche une tenue rock, comme son mentor de batteur sur ce disque, qui arbore volontiers les looks «Hells Angels», ils aiment l’une et l’autre le jazz, et lui apportent un talent certain.
Bill Wysaske a en effet croisé la route des Count Basie Orchestra, Christian McBride, Hollywood Bowl Orchestra, John Clayton, Randy Brecker, John Beasley, sans s’interdire d’autres aventures dans la musique populaire et commerciale. Il est aussi arrangeur, notamment pour cet enregistrement dont il coécrit avec Connie Han sept des dix titres. Quand il ne fait pas de la musique, ou qu’il n’est pas sur sa moto, il écrit de la science-fiction. Quant au leader de ce disque, la pianiste Connie Han, elle est encore très jeune, et, à 23-24 ans, elle a choisi de poursuivre une tradition du piano jazz qui n’a rien de clinquante, depuis McCoy Tyner à Mulgrew Miller en passant par Stanley Cowell, Kenny Barron, Kenny Kirkland et quelques autres… Sa prétention, à l’écoute de ce premier disque, n’a rien de farfelue, elle est vraiment étonnante, d’un niveau exceptionnel. Connie Han a étudié le piano et la musique au Lycée des Arts de Los Angeles et a choisi, sagement, de ne pas utiliser sa bourse d’étude à University of California, Los Angeles (UCLA). On peut la comprendre et l’approuver. C’est une remarquable musicienne, une technicienne brillantissime (elle a rejoint le cercle des artistes Steinway où l’ont précédée McCoy Tyner, Kenny Barron, Duke Ellington et Art Tatum…), douée qui plus est d’un excellent choix esthétique pour un répertoire dont elle est largement l’auteur sur ce premier disque que nous découvrons. Ce qui lui est le plus nécessaire, en raison de ses qualités, c’est le contact de la scène et l’université informelle des aînés du jazz.
Connie Han est
 pourvue, dans ce disque survitaminé (mais c’est aussi son premier), des meilleurs arguments artistiques (qualités de swing, d’expression, unité de l’enregistrement, nuances, drive, puissance de la main gauche, virtuosité…). Elle a déjà acquis dans son langage une compréhension certaine de l’univers du jazz.
Elle a su dans ce disque s’entourer de l’excellent Walter Smith III pour accentuer la touche de blues, apporter aussi une respiration qui nous permet d’apprécier la pianiste dans une dimension plus expressive. La musique en sort plus profonde. En dehors de ses propres compositions, au nombre de sept, toutes dans l’esprit d’un jazz très exigent, tendu et intense, on trouve de beaux thèmes de Joe Henderson, Duke Pearson et Stephen Sondheim. Madame Connie Han est une belle découverte pianistique et jazzique, et si elle maintient l’intégralité de ses promesses et de son exigence artistiques, semble capable de devenir, non seulement une belle artiste de jazz par l’apparence (ce qui aidera, n’en doutons pas, sa notoriété), mais plus fondamental pour le jazz, par sa création car c’est ce qui reste. Dans ce disque, sur des thèmes comme «Southern Rebellion», «A Shade of Jazz», elle est vraiment exceptionnelle, et si ce disque est une découverte, car il est le premier, il est déjà à ranger sur l’étagère des disques qu’on réécoutera. Remercions l’excellent batteur, Bill Wysaske, d’avoir permis au jazz de s’enrichir d’un tel talent. Il ne reste plus qu’à confirmer.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueAlain Jean-Marie/Patrice Caratini/Roger Raspail
Tropical Jazz Trio

Morena's Rêverie, Marcelina, Tropical Mood, African Flower, Latin Alley, Señor Blues,
Meu Canário Vizinhos Azul, Manteca, Sambacara, Pytang Pytang Bang, Limelight, The Cape Verdean Blues, Couleur Café, Le Temps des cerises
Alain Jean-Marie (p), Patrice Caratini (b), Roger Raspail (perc)
Enregistré à Meudon (92), date non précisée
Durée: 56’ 47”
French Paradox 02 (L’Autre Distribution)


Nouveau label et première rencontre enregistrée entre trois musiciens qui incarnent, chacun dans leur domaine, l’histoire de la musique en France depuis un demi-siècle environ. Mais pour être précis, disons que la pianiste, le contrebassiste et le percussionniste se connaissent de longue date, se sont rencontrés sur scène, et qu’Alain et Patrice ont déjà enregistré ensemble pour le Biguine Reflectionsd’Alain (au moins…), qu’Alain a déjà enregistré, et sans doute à de nombreuses reprises, avec Roger, dont le Fanny’s Dream de Roger (Blue Marge), et j’en oublie sans aucun doute. Ils se connaissent très bien, comme le raconte le texte du livret de Patrice Caratini.
Alain Jean-Marie, on ne vous le présente plus, il faut absolument lire sa longue et passionnante interview dans Jazz Hot n°681 (automne 2017). C’est aujourd’hui un aîné respecté de la communauté du jazz, en dehors d’être un musicien hors pair toujours en pleine activité. Patrice Caratini est un touche-à-tout de la musique, de la tradition (Stéphane Grappelli, Georges Arvanitas…) à la musique improvisée (pour Label Bleu) , en passant par les musiques du monde (le tango, avec le bandonéoniste Juan José Mosaliniet le pianiste Gustavo Beytelmann, Cuba…) et la chanson populaire (Maxime Le Forestier…) voire commerciale, et même la musique classique et contemporaine. Il a fait feu de tout bois dans sa carrière, sauf de sa contrebasse, et a, comme Alain Jean-Marie, une activité débordante en leader ou sideman, outre une activité syndicale, de producteur (Caramusic) et relationnelle-institutionnelle très intense. Enfin Roger Raspail est sans doute, par sa longue carrière, le plus éloigné du jazz, même si le jazz fait partie depuis toujours de son background, car il a aussi participé à de nombreux projets aux côtés de musiciens de jazz. Originaire de la Guadeloupe, le percussionniste a côtoyé Pierre Akendengue, Kassav, Cesaria Evora, Chico Freeman, Papa Wemba, et bien d’autres encore. Donc, en dehors de ses racines caribéennes, il a approfondi sa pratique dans les musiques du monde (Afrique surtout) et dans le jazz. On se souvient qu’il a enregistré pour Gérard Terronès, sur le label Blue Marge.
La couleur de cet enregistrement doit beaucoup au percussionniste, car sa présence et son jeu déterminent l’esthétique de ce jazz fortement teinté par les caraïbes qui donne son titre à ce disque (Tropical Jazz Trio). Alain Jean-Marie, qui partage l’origine de Roger, est évidemment à son affaire et à son aise, et le contrebassiste se joint, sans effort vu son éclectisme, à cet univers. Commencé par la réussite originale de ce disque avec le beau «Morena’s Rêverie» d’Alain, il y a une quinzaine de pièces assez courtes parfois, de belles compositions du jazz qui conviennent parfaitement à cette couleur caribéenne («African Flower», très bien restituée par notre trio, «Señor Blues», «Manteca», «The Cape Verdean Blues»…) de Duke Ellington, Dizzy Gillespie/Chano Pozo, Horace Silver, des originaux de chacun des musiciens du trio, et plus inattendu, une thème de Serge Gainsbourg, «Couleur Café», et encore plus mystérieux «Le Temps des Cerises», l’hymne de la Commune, non crédité, mais de Jean Baptiste Clément (texte), communard lui-même, et Antoine Renard (musique), ouvrier-fondeur, chanteur populaire de rue, puis ténor sur les scènes de théâtre. Ce choix, avec un arrangement des trois complices, n’est pas expliqué.
Au total, un disque réussi et un excellent moment de jazz teinté des tropiques mais aussi de multiples influences qui reflètent bien l’état d’esprit curieux et le vécu de ces trois musiciens.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disquePhilippe Duchemin
Quiétis

Symphonie Brahms n°3, Oscar’s Musings, Lotus Blossom, Cristal, Quiétis, Speed Way, Envol, Pavane, Minha Princesa, Day Danse / Armando’s Rhumba, Tannhauser (Ouverture), Balumba
Philippe Duchemin (p, ep), Christophe Le Van (b, eb), Philippe Le Van (dm) + Quatuor Puccini: Sylvie Bonet (vln), Corinne Moirano (vln), Alain Pélissier (viola), Manuel Catigny (cello)
Enregistré les 18 et 19 décembre 2018, Fontaines (85)
Durée: 51’ 08’’
Black & Blue 1078.2 (Socadisc)


Trois ans après Passerelle (Black & Blue, 2015), Philippe Duchemin entremêle de nouveau, sur un album, jazz et musique classique (une démarche ancienne chez le pianiste, notamment marqué par sa fameuse composition «Take Bach»). Mais avec Quiétis, il élargit le spectre en abordant également d’autres musiques chères à son cœur. Que ce soit par l’adaptation d’œuvres célèbres ou par des compositions originales (qui se présentent ici à proportion égale), Philippe Duchemin surprend quelque peu en livrant l’album sans doute le plus éclectique qu’il ait enregistré sous son nom. Il a de plus recourt, pour évoquer ces différents univers, à un quatuor à cordes (en sus de l’habituelle rythmique des Frères Le Van): un assemblage qu’il a déjà utilisé à plusieurs reprises dans sa discographie et sur scène.
Du jazz d’abord: seuls deux titres relèvent ici du jazz mainstream, à savoir deux compositions du pianiste, «Oscar’s Musings» (hommage évident au maître Oscar Peterson) et «Speed Way» sur lesquels les cordes n’interviennent pas. On y apprécie ainsi très simplement et avec grand plaisir le beau jeu du trio Duchemin. Plus swinguant, notre préférence va au premier morceau.
Du classique «jazzifié»: Philippe Duchemin s’essaie ici à la synthèse entre le jazz et trois œuvres du répertoire classique –dans une démarche qui rappelle celle de Jacques Loussier–, proposant d’intéressants arrangements sur le 3e mouvement («Pocco allegretto») de la Symphonie n°3 de Johannes Brahms où il insère des éléments d’improvisation jazz et des accélérations rythmiques, notamment de la part du quatuor qui prend à cette occasion des accents slaves; «Pavane» de Gabriel Fauré et l’«Ouverture» du Tannhäuserde Richard Wagner sont également sortis de leur cadre mais, en dehors de quelques mesures jazz joliment placées (voire blues sur l’opéra de Wagner, également gratifié d’une courte citation du Bolérode Ravel) l’expression classique domine, reprenant sans cesse le dessus sur le jazz émergent, comme l’huile refusant de se mélanger avec l’eau. L’utilisation d’un magnifique standard ellingtonien, «Lotus Blossom», traité par l’intervention des cordes comme une pièce classique, aboutit à la même impression. Quant aux deux originaux également dans cette esthétique, «Quiétis» et «Envol», ils ont davantage pour ambition (comme le leader le confie dans le livret) d’évoquer des musiques de cinéma (on pencherait ici pour les atmosphères chabroliennes).
De la musique latine et de la fusion: on pourrait enfin s’étonner que Philippe Duchemin reprenne un standard du compositeur brésilien César Mariano Camargo, deux titres mis à la suite de Chick Corea («Day Danse / Armando’s Rhumba») ou trouve son inspiration chez George Duke avec un original jazz-rock (où le Fender remplace le piano): «Balumba». Il confiait pourtant à Jazz Hot, il y a déjà vingt ans (n°561), son admiration pour Chick Corea et son goût pour la musique de Weather Reaport. Il n’en reste pas moins qu’à vouloir brouiller les pistes, le pianiste nous soumet un disque de qualité mais dont on peine à trouver le fil conducteur.
Jérôme Partage
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueAlvin Queen Trio
O.P. - A tribute to Oscar Peterson

Sushi, Nightingale, Jesus Christ Lies Here Tonight, Wheatland, Hero, Cake Walk, You Look Good to Me, The Last Supper, Soon, When Summer Comes, It Happened in Monterey, Reunion Blues, Hymn to Freedom
Alvin Queen (dm), Zier Romme Larsen (p), Ida Hvid (b)
Enregistré en octobre 2018, Copenhague (Danemark)
Durée: 58’ 15”
Stunt Records 18152 (UVM Distribution)


Le label Stunt de Copenhague continue de nous régaler de très bons disques de jazz, avec ici un trio autour d’un batteur exceptionnel, Alvin Queen, qui a accompagné (et il continue) le gotha du jazz avec un drive et des qualités de nuances qui en font l’un des plus accomplis du jazz, qui en compte pourtant beaucoup.
Il s’agit d’un hommage à Oscar Peterson (d’où le titre OP), qu’Alvin Queen a suivi tout autour du monde, et pour l’occasion, le batteur a choisi deux jeunes musiciens, semble-t-il danois, un pianiste, Zier Romme Larsen, auteur d’une composition, et une bassiste, Ida Hvid qui prend toute sa part à cet hommage. Il y a une dominante dans le répertoire de compositions d’Oscar Peterson (9 titres) que le pianiste met bien en valeur avec des qualités techniques et d’expression à la mesure de l’hommage et du pianiste, Alvin Queen propulsant la musique avec son drive coutumier, ajoutant également quelques chorus de belle facture avec toujours cette clarté sur les caisses qui font de son jeu un véritable plaisir en raison de sa musicalité. La contrebassiste donne quelques interventions de qualité comme sur «You Look Good to Me».Un texte de la fille d’Oscar Peterson vient introduire cet hommage, mais aussi parler d’Alvin Queen, Alvin Queen introduisant lui-même ses deux compagnons de musique pour cet excellent enregistrement qui restitue bien l’esprit de Maître Oscar Peterson, sur le plan de la profusion technique autant que de l’énergie et de la musicalité qui coulaient de toute son œuvre.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Teodross Avery
After the Rain: A Night for Coltrane

Blues Minor, Bakai, Afro Blue, After the Rain, Africa, Pursuance
Teodross Avery (ts, ss), Adam Shulman (p), Jeff Chambers (b), Darrell Green (dm)
Enregistré le 31 mars 2018, Oakland, CA
Durée: 59’ 26”
Tompkins Square 5623 (www.tompkinssquare.com)


On l’entend depuis le premier disque de Teodross Avery, et il le dit lui-même: «Aucun artiste en matière de musique ne me touche autant que John Coltrane.» Teodross Avery possède non seulement la maîtrise de la matière coltranienne, mais aussi celle du son et de l’énergie pour restituer un monde sans pareil. Bien entendu, beaucoup de musiciens ont été inspirés et influencés par cette légende du jazz, mais ils sont très rares à pouvoir restituer son univers aussi profondément dans sa réalité multidimensionnelle (son, blues, énergie, spiritualité, transe…) que ne le fait Teodross Avery.
Quand le répertoire est justement en hommage à son Maître, puisqu’il s’agit ici de six compositions déjà illustrées par John Coltrane (dont quatre compositions, une de Cal Massey et une de Mongo Santamaria), on ne peut qu’être submergé par cette vague sonore qui réapparaît aussi puissante et pétrie de conviction que celle du modèle. L’enregistrement a été réalisé en live, au Sound Room d’Oakland, ce qui n’est pas pour rien dans la force de l’enregistrement, et les spectateurs ont eu le privilège d’accéder ce soir-là à un moment de musique d’un continent qui n’existe aujourd’hui pratiquement plus, mêlant l’extrême sophistication, le blues, le swing, la puissance, l’intensité et la conviction de l’expression à une forme d’implication proche de la transe.
Teodross Avery ne recopie pas, le son est différent, un peu plus profond-sombre parfois que celui de son inspiration, et il possède ce drive qui donne à sa musique, comme à celle de Coltrane, d’Art Blakey et quelques autres, une force d’envoûtement magique. Les musiciens qui l’accompagnent se hissent à la hauteur de leur leader, avec un bon Adam Shulman, façon McCoy Tyner, un Darrell Green dans l’esprit d’Elvin Jones, et un sombre etparfait, pour cette musique, contrebassiste, Jeff Chambers, à l’instar de Jimmy Garrison. La spiritualité, d’inspiration religieuse comme chez Coltrane, et qui charpente la musique de Teodross Avery, n’est pas étrangère à sa capacité d’expression dans ce type de musique; on la devine dans les remerciements et dans le petit texte de présentation du saxophoniste.
C’est une heure de splendide musique de jazz par un musicien qui n’a rien laissé au hasard dans le choix des thèmes pour un hommage à John Coltrane et dont les entames de thèmes sont autant de résurrections de John Coltrane («Blues Minor», «Afro Blue», «Africa»), avant qu’il donne la mesure de sa dimension personnelle, et c’est lui-aussi un grand artiste, car il enrichit véritablement cet univers de sa propre énergie pour le plaisir évident d’une salle, en transe elle aussi.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueJan Harbeck Quartet
The Sound The Rhythm

Lighter Shades°, Johnny Come Lately°, Tangorrus Field*, Poutin°, Woke Up Clipped°*, Blues Crescendo°, Shorty Gull°*, I'd Be There*°°, Tail That Rhythm*, Circles
Jan Harbeck (ts), Henrick Gunde (p), Eske Nørrelykke (b), Anders Holm (dm)°, Morten Aerø (dm)*, Jan zum Vohrde (as)°°
Enregistré les 7-8 novembre 2018, Village Recording, Copenhague (Danemark)
Durée: 1h 01’ 29”
Stunt Records 19022 (UVM Distribution)


Ceux qui pensaient que Ben Webster n’avait fait que passer sans laisser de traces au Danemark trouveront un démenti en la personne de Jan Harbeck, bel héritier de «Big Ben», l’un des pères de l’instrument, si important dans la sonorité de l’univers de Duke Ellington. Un Ben Webster qui aurait écouté Paul Gonsalves, ces univers sont parfois proches, le dernier tirant du premier. La présence de Jan Harbeck, à la voluptueuse sonorité, était l’une des raisons de la réussite du disque de Snorre Kirk (Beat) sur ce même label, tout entier consacré à la relecture de l’univers ellingtonien, enregistré quelques mois avant en mai 2018, toujours au Village Recording de Copenhague, chroniqué un peu avant dans ces colonnes.
Ici, Jan Harbeck fait une place importante à son maître sur l’instrument, Ben Webster pour les compositions avec «Poutin», «Woke Up Clipped», «Shorty Gull» et «I’d Be There», et par extension «Johnny Come Lately» de Billy Strayhorn dont les compositions vont en général comme un gant à Ben Webster. Le reste des compositions est de Jan Harbeck; elles sont très belles,in the spirit, comme le très beau «Tangorrus Field». Le disque est notablement plus long que celui de Snorre Kirk, et il n’y a aucun temps faible. Il mérite tout autant un indispensable et pour des raisons très voisines: ce sont des recréations sans servilité, d’une beauté qui se fait rare, avec en dehors du leader au si beau son, des musiciens d'excellent niveau comme Henrick Gunde au piano. Les deux musiciens s’offrent un dialogue sur le dernier thème, un de ces moments de grâce comme les aiment les amateurs de jazz de culture. Tout l’orchestre est à féliciter pour la réussite de cet album.
Signalons l’alternance des deux batteurs sur l’ensemble des thèmes, mais aussi leur rencontre au cours de deux thèmes (les 5e et 7ethèmes) et à quelques échanges de percussions très musicales en particulier sur «Shorty Gull». Sur «I'd Be There», une splendide composition de Ben Webter et Johnny Hodges, Jan zum Vohrde, à l’alto, vient apporter une réponse de belle facture au ténor imposant de Jan Harbeck décidément magnifique. «Tail That Rhythm» vient nous rappeler que Ben Webster intégra avec autant de facilité l’univers de Count Basie, et le pianiste ne rate pas l’occasion d’évoquer les ponctuations du Count comme le batteur, aux balais, ne rate pas l’occasion d’évoquer le grand Papa Jo Jones, un autre père du jazz, celui des drummers.
Le jazz de culture, avec blues, expression, swing et son, a donc une seconde vie au Danemark. C’est la meilleure nouvelle de l’année, pour le jazz et pas seulement (il n’y en a pas beaucoup de bonnes en ce moment). Ces disques sont magnifiques, et nous sommes impatients de découvrir en live ces musiciens, et sans doute de vous en parler plus longuement si nous parvenons à croiser leur route.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueFaby Médina
Following Love

Was It a Dream, Créole St Lucie*, Someone to Watch Over Me*, What I’m Supposed to Do, Nyame*, Early Autumn, Following Love*, Oh What a Thrill, Everything Changes, Vous rencontrer, Blackbird
Faby Médina (voc), 
Alexis Bourguignon (tp), Stéphane Montigny (tb), Irving Acao (ts), Yoann Fernandez (g), Laurent Ganzini, Léonardo Montana* (p), Zacharie Abraham (b), Lukmil Perez (dm), Adriano Tenorio (perc)
Date et lieu d’enregistrement on précisés
Durée: 44’ 16’’
Dreamophone (www.fabymedina.com)


On connaît Faby Médina comme la voix féminine du big band de Claude Bolling –qu’elle a intégré en 2001– aux côtés de son homologue, le regretté Marc Thomas. Exister en scène avec un big band n’est pas donné à toutes les chanteuses, mais Faby Médina possède les qualités nécessaires à l’exercice. Issue d’une famille de musiciens, elle entre au conservatoire et se forme à la danse, au piano, au violon, à la flûte et enfin à l’art lyrique. A 16 ans, elle débute une carrière de choriste dans un ensemble gospel et enchaîne les expériences variées (comme l’adaptation par Jérôme Savary de La Résistible ascension d’Arturo Ui de Bertolt Brecht en 1993).
Faby Médina sait interpréter le jazz, de sa voix claire et groovy, bien que ce premier album sous son nom n’en fasse pas suffisamment la démonstration. En effet, la chanteuse a fait le choix de l’éclectisme musical plutôt que de s’inscrire pleinement dans le jazz. D’où une majorité de compositions personnelles (quelque peu inégales) et seulement deux standards, à quoi s’ajoute une reprise empruntée aux Beatles: «Blackbird» (et non «Bye Bye Blackbird» de Ray Henderson et Mort Dixon). D'où également des arrangements lorgnant parfois davantage du côté de la musique de variétés. Il y a cependant de bonnes choses à retenir et d’abord l’original qui ouvre le disque, «Was It a Dream», lequel doit beaucoup à l’intervention du guitariste, Yoann Fernandez. De même, «What I’m Supposed to Do» ainsi que «Everything Changes» qui nous permet d’apprécier le pianiste, Laurent Ganzini, qui partage l’accompagnement avec Léonardo Montana. Côté standards, Faby Médina propose une jolie version de «Early Automn» (arrangé par Laurent Ganzini, encore ici à son affaire). Force est de constater que, sur ce disque, Faby Médina ne s’inscrit pas totalement dans le jazz, mais on peut espérer que ses collaborations régulières avec des musiciens comme Claude Tissendier, Alain Jean-Marie, Philippe Milanta ou encore Irving Acao lui inspireront la volonté d’une œuvre puisant davantage à ses racines.
Jérôme Partage
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueSnorre Kirk
Beat

Exotica, 18th & Vine, Monaco, Blues Arabesque, Portrait, Blues Overture, Beat, Zanzibar, Bells Bells Bells
Snorre Kirk (dm), Jan Harbeck (ts), Klas Lindquist (as, cl), Tobias Wiklund (crt), Magnus Hjorth (p), Lasse Mørck (b)
Enregistré en mai 2018, Village Recording, Copenhague (Danemark)
Durée: 39’ 37
Stunt Records 18142 (UVM Distribution)


L’influence ellingtonienne est évidente dans cette bonne musique d'un disque assez court, une influence transposée dans un sextet et avec des compositions originales qui s’accommodent parfaitement de cette référence parce qu’elles conservent, malgré une écriture parfois actuelle, les permanences du monde ellingtonien (comme par exemple l’influence néo-orléanaise dans «Beat», les entrelacs de timbres). Les saxophonistes, ténor et alto, clarinettistes quand il le faut, tous deux bons instrumentistes, possédant de très belles sonorités, le jeu du trompettiste, cornettiste en l’occurrence, avec effets, accentuent cette proximité, aussi bien que le jeu du pianiste minimaliste, anguleux et rythmique, très ellingtonien quant à l'esprit: «Portrait» fait immanquablement penser à «African Flower» du Money Jungle, le batteur faisant lui référence au jeu de Max Roach. Les compositions originales sont parfois bâties dans l’esprit des suites («Blues Arabesque»), avec ce qu’il faut de blues et de swing pour faire de cet enregistrement réalisé à Copenhague, une très belle relecture, originale, dans l’esprit du Duke. Pour ceux qui chercheraient une confirmation de ce qui s’entend très bien à l’oreille, il y a un petit indice, avec ce «Zanzibar», la composition de Juan Tizol. Et pourtant rien n’est du Ellington à proprement parler, c’est un prolongement de l’univers réalisé avec beaucoup de goût et d’originalité, comme finalement on n'en a jamais entendu, comme si Ellington ne devait être que rejoué à la lettre ou que par lui-même.
Ce disque est à la fois passionnant pour la musique jouée, par des musiciens qui ont tous une réelle personnalité et des sonorités travaillées, et aussi parce que les musiciens ont su recréer un univers, blues et swing compris, sans avoir besoin du répertoire et des arrangements originaux, sans pourtant renier l’univers ou l’appauvrir. Ce disque met en avant toute la modernité du monde de Duke Ellington et tout ce que les musiciens de jazz d’aujourd’hui ont encore à créer en s’inspirant du continent ellingtonien du jazz sans se limiter au répertoire, même si jouer le répertoire des anciens est toujours souhaitable.
A ce titre, pour l’intelligence de la référence, autant que pour la musique, il mérite un indispensable!
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueFred Nardin Trio
Look Ahead

Colours, Just Easy, Look Ahead, Three for You, New Direction, One Finger Snap, Prelude to Memory of T., Memory of T., Prelude to In the Skies, In the Skies, Prayers
Frédéric Nardin (p), Or Bareket (b), Leon Parker (dm)
Enregistré les 19 et 20 mars 2018, Meudon (78)
Durée: 44’ 33’’
Naïve 6993 (Naïve)


A 32 ans, le pianiste Fred Nardin présente un curriculum vitae déjà bien fourni: des études classiques et jazz (avec Sylvain Beuf) au conservatoire de Chalon-sur-Saône, complétées par un cursus au CNSM de Paris; la création en 2010 de The Amazing Keystone Big Band avec ses camarades Jon Bouteiller, David Enhco et Bastien Ballaz, orchestre qui a multiplié les collaborations prestigieuses (Quincy Jones, Rhoda Scott, Liz McComb, Gregory Porter…); des albums enregistrés en formations réduites (en trio ou en quartet avec Jon Bouteiller) ainsi que des apparitions en sideman, notamment aux côtés de Jesse Davis, Wayne Escoffery et Cécile McLorin-Salvant en remplacement d’Aaron Diehl ou encore l’animation depuis plusieurs années des after hours du Duc des Lombards; le tout avec son lot de prix et de distinctions (cf. les disques chroniqués dans Jazz Hot).
Le pianiste propose un second disque en trio, Look Ahead, avec les mêmes partenaires que sur le premier album, Opening. La présence réitérée de Leon Parker, qui a une longue expérience de sideman de pianistes, fournit un solide pilier rythmique à Fred Nardin qui, à travers un album essentiellement constitué de compositions originales, revendique sa filiation avec les grands maîtres, de Kenny Barron à Mulgrew Miller (avec lesquels Leon Parker a travaillé), de McCoy Tyner à Thelonious Monk (dont l’héritage est salué par le très monkien «Memory of T.») et de Phineas Newborn (évoqué à travers «Just Easy», d’une grande beauté rythmique et sans doute le meilleur titre de l’ensemble: de la graine de standard!) à Herbie Hancock, auteur de la seule reprise de ce disque, «One Finger Snap». Malgré sa formation initiale classique, Fred Nardin se situe dans l’idiome du jazz, même si sur certaines ballades plus introspectives («Three for You», «In the Skies», «Prayers») ressurgit une expression d’essence classique. La rythmique est à l'unisson avec son leader sur ce plan; pour autant, c'est d'abord par son intensité et sa subtilité que se distingue l'accompagnement de Leon Parker et de l’excellent Or Bareket. Dans son ensemble, Look Ahead est donc un beau et vrai disque de trio jazz, fait de nuances et de variations qui renouvellent continuellement le plaisir de l’écoute. Il faut désormais compter avec le pianiste et compositeur Fred Nardin.
Jérôme Partage
© Jazz Hot 2019

Bo Lindenstrand
Live

Blues in F, Skylark, The Night Has a Thousand Eyes, The Very Thought of You, Klactoveedsedstene, You Can’t Go Home Again, You’d Be So Nice to Come Home To, Little Esther, Once in a While, Tin Tin Deo, April in Paris, St, Vitus Dance, Light Blue, My Old Flame, Straight Street, Lover, Autumn In New York, Dance of the Infidels
Bo Lindenstrand (as), Jonas Kosh (vib), Lars Ekman (b), Erik Dahlbäck (dm), Göran Strandberg (p), Petter Olofsson (b), Konrad Agnas (dm), Leo Lindberg (p), Ove Gustafsson (b), Staffan Alander (dm), Per-Ola Gadd (b), Ali Djeridi (dm), Kenji Rabson (b), Moussa Fadera (dm)

Enregistré entre 2008 et 2013, Stockholm (Suède)

Durée: 58’’05’ + 57’’15’

PB7 Records (www.pb7.se)

A l’instar de la France, la Scandinavie a toujours eu avec le jazz des rapports passionnels, que ce soit sur le plan de l’attrait pour cette musique, de son ancrage par le biais de l’accueil de musiciens afro-américains, mais aussi de par la vitalité de sa scène. Des clubs comme le Café Montmartre à Copenhague, le Fasching à Stockholm, mais aussi des labels indépendants comme Dragon Records ou SteepleChase ont participé de cet état de fait. Des précurseurs Arne Domnerus (as, cl), Lars Gullin (bs), Rolf Ericson (tp) à NHØP (b), Jesper Lundgaart (b) en passant par Alex Riel (dm) ou Jan Lundgren (p), la liste des musiciens scandinaves est également bien fournie.
L’altiste Bo Lindenstrand (1944-2017), à la carrière plus confidentielle, fait tout de même partie de cette génération de musiciens qui ont joué un jazz de qualité. Ayant grandi dans le quartier de Mälarhöjden dans le sud de Stockholm, il développe très jeune son goût pour la musique et le jazz en particulier, lequel passe à la radio, en prenant dès l’âge de 10 ans des cours de piano, de cornet puis de clarinette. Ce n’est qu’à l’adolescence, après des cours de théories musicales et de solfège qu’il découvre le saxophone alto et le bop. Son école va être la scène des clubs de jazz et ses rencontres avec des musiciens plus âgés. Après un premier album fort prometteur, My Shinning Hour (Phontastic, 1984) avec l’excellent pianiste Ake Johansson (que l’on a entendu auprès de Chet Baker et Stan Getz), où il donne une splendide version de «Back Home Blues», Bo Lindestrand semble avoir poursuivi une carrière exclusivement en clubs.
Il faut remercier son ami Christer Ädelqvist d’avoir exhumé ses enregistrements en clubs à Stockholm entre 2008 et 2013 dans des formules à géométrie variable. Avec ce magnifique musicien, on entre dans l’univers du bop par la grande porte avec un langage authentique issu principalement du bop avec l’influence notable de Charlie Parker notamment sur son rapport à l’expressivité du blues, le langage et cette capacité à renouveler un discours en permanence. Dans cette anthologie, la formule avec le vibraphone de Jonas Koch a ma préférence de par la liberté harmonique et la superbe musicalité du leader sur «Blues in F» ou la ballade «Skylark». On retiendra quelques sidemen de qualités tels que l'excellent pianiste bop Göran Stranberg. Cet ancien élève de la Berklee School of Music, a fait ses classes dès le début des années 1970 auprès de la formation «Communication» de Red Mitchell (b), avant d'accompagner les solistes américains de passages en Scandinavie tels que Dexter Gordon, Lee Konitz, Art Farmer ou Clark Terry. A côté de ce vétéran de la scène suédoise, on découvre également le jeune pianiste Leo Lindberg (19 ans à l'époque de l'enregistrement) qui démontre une maturité profonde et une articulation claire dans son jeu avec un toucher évoquant Wynton Kelly pour sa capacité à swinguer en permanence et un jeu rythmique complexe issu de Bud Powell. Ses interventions sur «Tin Tin Deo» ou «Dance of the Infidels» restent des moments forts du disque.

Un bel hommage à un musicien pour musicien, représentatif d’un jazz scandinave toujours aussi riche et créatif, et qui sait également s’inscrire dans la tradition du jazz de culture.

David Bouzaclou
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueThe Amazing Keystone Big Band
We Love Ella

A Woman Is Sometime Thing, Moonlight in Vermont, Blues in the Night, Old Devil Moon, Born to Be Blue, A Tisket, a Tasket, It Ain’t Necessarily So, Stompin’ at the Savoy, Bess’ Cat
Bastien Ballaz (tb), Jon Bouteiller (ts), David Enhco (tp), Frédéric Nardin (p), Patrick Maradan (b), Romain Sarron (dm), Cécila Kaméni (voc), reste du personnel détaillé dans le livret

Enregistré en 2018, Paris
Durée: 35’ 40’’
Nome 013 (L’Autre Distribution)


Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueThe Amazing Keystone Big Band
La Voix d'Ella

Titres et personnel détaillé dans le livret
Date et lieu d’enregistrement non précisés
Durée: 39’ 35’’
Nome/Gautier-Languereau (L’Autre Distribution)


Après avoir célébré Django, The Amazing Keystone Big Band a rendu hommage à Ella Fitzgerald dans la foulée de l’année de son centenaire. Pièce maîtresse de cette évocation, l’excellente Célia Kaméni (née en 1991) est originaire de Lyon, comme toute une partie de l’orchestre. La chanteuse, qui a fait ses études musicales entre 2010 et 2015 a participé à divers projets autour du jazz (avec des dominantes parfois soul ou hip-hop) et participe à l’aventure du Keystone depuis l’origine (2010); toujours basée dans la région lyonnaise, on la retrouve régulièrement auprès des pianistes Alfio Origlio et Vincent Périer (voir notre récente chronique). Célia Kaméni porte ainsi haut les couleurs du jazz vocal et donc de sa représentante la plus exceptionnelle, sans chercher à s’en rapprocher. Le choix des titres, se rapportant à de célébrissimes versions («Moonlight in Vermont», etc.) que chacun a en tête, suffit. Célia Kaméni a une belle personnalité musicale, pleine de caractère, passant avec aisance du blues («Blues in the Night») à la suavité d’une ballade («Born to Be Blue»). Quant à l’orchestre, impeccable, il sert la musique et sa vocaliste avec un grand professionnalisme. Les beaux arrangements, que l’on doit conjointement aux quatre fondateurs et directeurs musicaux du big band (Bastien Ballaz, Jon Bouteiller, David Enhco et Fred Nardin) sont également à la hauteur du répertoire (réjouissante version new orleans de «A Tisket, a Tasket»). Le seul instrumental du disque, «Stompin’ at the Savoy», introduit avec swing et élégance par Fred Nardin, permet d’ailleurs d’apprécier les qualités de cet ensemble dont les membres ont, pour la plupart, une trentaine d’années. A noter également un bon original, «Bess’ Scat».
Décliné en conte musical avec La Voix d’Ella (dont nous n’avons eu connaissance que de la version CD), l’enregistrement se trouve agrémenté de plages narratives assurées par le comédien Vincent Dedienne. L’histoire (écrite par Philippe Lechermeier) –mettant en scène la jeune Bess, orpheline afro-américaine vivant dans l’Alabama des années 50 et qui rêve de chanter comme Ella Fitzgerald– est l’occasion de quelques points didactiques bienvenus à l’attention du jeune public. Dans la très inégale production des disques-livres-spectacles jazz pour enfants, La Voix d’Ella tire sans difficulté son épingle du jeu.
The Amazing Keystone Big Band et Cécila Kaméni seront encore sur les scènes des festivals cet été: à aller écouter en famille, cela plaira aux amateurs comme aux non-initiés.
rôme Partage
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueGrant Green
Funk in France: From Paris to Antibes (1969-1970)

CD1: I Don't Want Nobody to Give Me Nothing (Open Up the Door I'll Get It Myself), Oleo, How Insensitive (Insensatez), Untitled Blues, Sonnymoon For Two, I Wish You Love*, Upshot
Grant Green (g), Larry Ridley (b), Don Lamond (dm), Barney Kessel (g)*
CD2: Hurt So Bad, Upshot, Hi-Heel Sneakers
Grant Green (g), Claude Bartee (ts), Clarence Palmer (org), Billy Wilson (dm)
Enregistré les 26 octobre 1969, Paris et les 18 et 20 juillet 1970, Antibes-Juan-les-Pins (06)
Durée: 56’ 36” + 1h 01’ 37”
Resonance Records 2033 (Bertus France)


Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueGrant Green
Slik! Live at Oil Can Harry's

Now's The Time, How Insensitive (Insensatez), Medley (Vulcan Princess, Skin Tight, Woman's Gotta Have It, Boogie on Reggae Woman, For the Love of Money)
Grant Green (g), Emmanuel Riggins (p), Ronnie Ware (b), Greg Vibrations Williams (dm), Gerald Izzard (perc)
Enregistré le 5 septembre 1975, Vancouver (Canada)
Durée: 1h 07’ 05”
Resonance Records 2034 (Bertus France)


Grant Green, c’est une icône du jazz, du label Blue Note en particulier, dont il fut l’un des piliers de la grande époque du début des années soixante, en leader et en sideman de l’une des très nombreuses séances où il côtoie Lou Donaldson, Hank Mobley, Horace Parlan, Ike Quebec, Jimmy Smith, Herbie Hancock, Joe Henderson, Big John Patton, Don Wilkerson, Bobby Hutcherson, Lee Morgan, Stanley Turrentine, Baby Face Willette, Jack McDuff, Larry Young, etc. Il fait donc partie de la grande histoire. Grant Green, c’est le blues, la mélodie, la beauté, la single note chargée d’expression, c’est la recherche de l’épure même si ses moyens lui ont permis de se faire plus démonstratif dans sa deuxième manière (illustrée dans ces productions à partir de 1970). Grant Green, C’est aussi un beau numéro de Jazz Hot (n°570), avec une discographie détaillée et illustrée pour retracer un parcours raconté par son fils, entre autres.
Et justement, voici deux éditions et trois disques (un double et un simple) groupant plusieurs sessions inédites en live –un événement jazzique donc– pour compléter la discographie que nous avons publiée, et la connaissance de son œuvre.

La première session fut enregistrée en France, au studio 104 de la Maison de la Radio, à l’ORTF (la radio-télévision française de l’époque), en public, le 26 octobre 1969. C’est une version assez classique de Grant Green, dans la lignée de la production Blue Note, avec des thèmes n’excédant pas les 8 minutes, même en concert. Dans ce même coffret, figurent, sur le second disque et pour des raisons de place, en dernier thème du premier disque, les deux concerts des 18 et 20 juillet 1970 au Festival international de Jazz d’Antibes-Juan-les-Pins, restituée ici grâce à l’Ina (institut national de l’Audiovisuel). Pour l’occasion, les thèmes se sont considérablement allongés, comme c’était dans l’air de ce temps (de 14 à 27 minutes, selon le cas), et ce qui nous vaut le titre de «Funk in France», la matière s’est faite moins épurée, même si le blues reste l’inspiration principale. Grant Green sur le plan stylistique y fait plus étalage de sa virtuosité et la musique perd en musicalité ce qu’elle gagne en longueur. Cette seconde manière de Grant Green va accompagner sa seconde partie de carrière, avec des moments très nettement à vocation commerciale.
Le disque de 1975 propose un enregistrement effectué dans un club de Vancouver, au Canada, le Oil Can Harry's. C’est la dernière session en live connue à ce jour, puisque les trois autres disques postérieurs (1976 et 1978) seront enregistrés en studio. Dans le cadre club, on a droit aux deux manières de Grant Green: de longs thème, avec tout d’abord une thématique jazz («Now’s Time»), dans une version assez classique, un très long (26’) mais classique et épuré «How Insensitive», avant de revenir à sa manière funk sur un medley de plus d’une demi-heure.Le matériel restitué ici est conforme à ce qu’on sait du parcours du grand guitariste, avec cette élégance, cette beauté mélodique et cette sonorité raffinée, ces accents du blues derrière chaque note, avec quelques originalités comme l’apparition de Barney Kessel au studio 104, ou certaines recherches comme le concert d’Antibes et le medley du second disque, Slick!, à Vancouver, où Grant Green démontre que pour avoir fondé un style à nul autre pareil, il n’en a pas moins été sensible aux évolutions du jazz de son temps, aux sirènes de la musique commerciale parfois, et à titre personnel, votre serviteur préfère la première manière de Grant Green.
Grant Green, né à St. Louis le 6 juillet 1931, devait décéder le 31 janvier 1979 à 48 ans, et sa mort prématurée nous a privés de beaucoup de belle musique. Ces sorties sont d’autant plus bienvenues.
Signalons l’excellente production qui accompagne ces deux sorties: des livrets consistants avec des interventions de Michael Cuscuna, A. Scott Galloway, des interviews par Zev Feldman, le producteur, de Greg Green (Grant Green Jr.), de Clarence Palmer, d’Emmanuel Riggins (qui ont accompagné Grant Green), d’Eric Krasno (sur l’évolution du style de Grant Green) et d’autres intervenants comme Gary Barclay, un DJ canadien, car la musique de Grant Green est l’une des plus réutilisées par les DJ dans le monde, comme celles des organistes du label Blue Note en général, de Lou Donaldson, Donald Byrd et quelques autres.
Il y a donc beaucoup de contenus et pas seulement musicaux, mais aussi savants, dans cette excellente production.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Maurice Frank
Mad Romance and Love

Dream Dancing, How Littel We Know (How Little It Matters), Slow Hot Wind, Don't Worry 'Bout Me, Day Dream, Save Your Love For Me, Yesterdays, Yellow Days, Baubles Bangles and Beads, She's Funny That Way, In My Life, On The Street Where You Live
Maurice Frank (voc), Eric Alexander (ts), Aaron Heick (ss, cl, fl), Paul Meyers (g), John Di Martino (p, arr), Luques Curtis (b), Obed Calvaire (dm), Samuel Torres (perc)

Enregistré en 2018, Paramus (New Jersey)

Durée: 49' 33''

Jumo Music 1007 (www.mauricefrank.com)

Voici une bien belle découverte que ce chanteur originaire de New York, ayant grandi dans le quartier de Park Hill de Yonkers à l'est de South Broadway. Il y passe sa jeunesse à écouter Ray Charles, Nat King Cole, Tony Bennett ou Mel Tormé avant d’étudier le saxophone ténor et la batterie. Il s’oriente peu à peu exclusivement vers le chant, s’imprégnant des vocalistes des années 50 et 60, se produisant localement dans des formations amateurs avant de se consacrer exclusivement à sa famille. Maurice Frank est un artiste à part dans l’univers du jazz: ce chanteur d’exception vient de sortir son premier album après une parenthèse de trente-sept ans autour d'un heureux mariage qui ne lui laissa pas l'opportunité de vivre sa passion pour la musique. Son arrivée tardive sur la scène séduit Benny Green (p) –expert en la matière–, lui qui a accompagné Betty Carter et Etta Jones.
Pour cet opus, Maurice Frank s’est entouré de solides musiciens de la scène new-yorkaise dont le pianiste et arrangeur John Di Martino ou le saxophoniste ténor Eric Alexander. Un répertoire de standards revisités avec brio et originalité. «Slow Hot Wind» d’Henry Mancini aux couleurs latines avec un beau chorus d’alto flute d’Aaron Heick annonce le très relax «Don’t Worry’Bout Me». Il y a chez «Moe» (surnom de Maurice Frank dans le milieu du jazz), une sorte de relâchement et cette façon de laisser traîner la note à la Sinatra avec un sens du swing remarquable, notamment sur sa version de «Day Dream» prise sur un tempo plus rapide qu’à l’accoutumée. Il y a du Kurt Elling également dans cette façon d’appréhender un standard avec un lyrisme exacerbé tel un instrumentiste loin de toute virtuosité facile. Un style qu’il revendique lorsqu’il affirme que «la meilleure façon de démontrer comment certains des grands musiciens et chanteurs de jazz m’ont inspiré et leur témoigner du respect, est de toujours avoir conscience de leur influence constante lors de mes interprétations. Cela m’aide à garder de la fluidité et de la fraîcheur. Pour rendre justice à un thème, vous devez comprendre le groove lyrique ainsi que l’aspect mélodique». Le sommet du disque étant ce superbe duo avec la contrebasse de Luques Curtis sur «How Little We Know» où «Moe» donne au texte une nouvelle dimension avec un swing omniprésent.
On est proche de l’indispensable.

David Bouzaclou
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueMike Bogle Trio
Dr. B!

Cherokee, Ralph's Piano Waltz, Splanky-Route 66 (Medley), On the Street Where You Live, Walkin'
Mike Bogle (org, voc), Rich McLure (g), Ivan Torres (dm)
Date et lieu d'enregistrement non précisés
Durée: 33’ 28”
Autoproduit (www.mikebogle.com)


Disque autoproduit, on ne découvre pas grand-chose sur le livret qui nous permette de situer l’auteur de cet enregistrement de courte durée mais de bon niveau sur le plan technique. Sur son site, le long curriculum vitae nous apprend que Mike Bogle est diplômé de North Texas University et qu’il a bien œuvré pour l’arrangement, la pédagogie et les institutions musicales de son pays, avec quelques récompenses. Il a écrit aussi sur la musique, et doit avoir la quarantaine.
Ici à l’orgue Hammond B3, il propose en trio, avec un batteur et un guitariste, une musique s’inscrivant «techniquement» dans le jazz et la tradition de l’orgue Hammond, avec sans doute la volonté de mieux se faire connaître comme professionnel de ce type de musique. Il est sans aucun doute un bon professionnel de la musique, capable de faire dans le jazz, mais il devrait, c’est un conseil, orienter sa réflexion, son abord du jazz et sa présentation différemment, car le jazz n’est pas un métier ni un genre, mais une expression artistique avec une histoire. Le disque n’est donc pas un produit promotionnel de ce qu’on «sait faire» mais le résultat d’un choix de vie à un instant précis déterminant une expression. On part donc de loin et l’université du North Texas a dû oublier quelques enseignements dans son cursus.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Philippe Petit Trio
A Beautiful Friendship

A Beautiful Friendship, The Skies Will Clear, Tin Tin Deo, Nuit Noire, Elle Habite au 21, Later, Calimero's Song, Little One, N'Gor, Come Rain or Come Shine
Philippe Petit (p), Pierre Maingourd (b), Eric Dervieu (dm)

Enregistré en juillet et décembre 2014, Paris

Durée: 59' 06''

Autoproduit (www.philippe-petit.com)

Il aura fallu attendre quatre ans pour que ce projet soit enfin disponible, sous la houlette du batteur Eric Dervieu, après un quart de siècle de collaboration autour de ce trio d'exception. Car Philippe Petit nous propose un beau disque de jazz de culture et nous démontre qu'il est avant tout un pianiste qui prolonge son discours sur un orgue Hammond et non le contraire. Ce Parisien d'adoption, pour qui le swing est un langage naturel, est devenu au fil du temps le sideman incontournable des sessions middle jazz à la frontière du bop. Bien que l'orgue Hammond soit son instrument de prédilection depuis le début des années 90 –avec des collaborations prestigieuses dont Eric Alexander (ts), Houston Person (ts), André Villeger (ts) en passant par Marc Fosset (g) ou Gilles Renne (g) avec lequel il fonde diverses formations–, il reste un musicien curieux et ouvert sur le monde qui revient à ses premiers amours de pianiste. D'ailleurs, son début de carrière l'a fait accompagner en tant que pianiste les solistes américains de passages tels Arnett Cobb (ts), Bud Shank (ts) ou Benny Bailey (tp).
L'album démarre avec une superbe version de «A Beautiful Friendship» d'une grande musicalité avec une articulation exemplaire doublé d'un sens du swing toujours présent. Il y a également une sorte d'équilibre au sein du trio que l'on retrouve dans la thématique comme sur cette bossa «The Skies Will Clear» amenant une version de «Tin Tin Deo» allant à l'essentiel mêlant swing et aspect mélodique dans un jeu délié évoquant celui de l'école de Detroit. L'autre facette de cet excellent pianiste, c'est cette capacité à donner une dimension de standards aux thèmes originaux où l'on retrouve une forme de classicisme dans son approche mélodique. Ainsi, «Later» évoque le meilleur de Jobim, «Nuit noire» est une sublime ballade d'où émerge un solide chorus de Pierre Maingourd démontrant un sens du tempo et de l'accompagnement quasiment parfait. «Elle habite au 21» et l'arrangement de «Come Rain or Come Shine» étant le prétexte de swinguer en guise de clin d'œil à Oscar Peterson. Au sein du trio se détache la musicalité d'Eric Dervieu toujours au service du collectif, à l'image de sa longue collaboration avec René Urtreger.

Plus qu'une carte de visite, ce disque est l'occasion de prolonger sur scène cette aventure musicale.
David Bouzaclou
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueJoey DeFrancesco
In the Key of the Universe

Inner Being°, Vibrations in Blue°, Awake and Blissed, It Swung Wide Open, In the Key of the Universe*°,The Creator Has a Master Plan*°, And So It Is*°, Soul Perspective, A Path Through the Noise°, Easier to Be°
Joey DeFrancesco (org, p, tp), Troy Roberts (as, ts, ss), Billy Hart (dm), Sammy Figueroa (perc)° + Pharoah Sanders (ts, voc)*
Enregistré à Tempe (Arizona), date non précisée
Durée: 58’ 24”
Mack Avenue 1147 (www.mackavenue.com)


Joey DeFrancesco, ici à l’orgue, au piano et à la trompette, a réuni pour cette séance une belle équipe, avec Billy Hart toujours aussi essentiel, l’éclectique Sammy Figueroa aux percussions et Troy Roberts au saxophone(s). Il invite sur trois thèmes le grand Pharoah Sanders, l’une des légendes encore vivante du monde coltranien. Joey DeFrancesco possède cette énergie propre à la tradition de l’orgue dans le jazz, et c’est de Jimmy Smith, en particulier la sonorité, qu’il se rapproche, même si sa musique est moins marquée profondément par le blues que celle de son aîné. L’album possède une belle énergie dans l’esprit du jazz, comme souvent avec l’organiste, et bascule, avec beaucoup de respect dans l’univers du saxophoniste pour les trois thèmes où il intervient. Trois thèmes dont l’emblématique «The Creator Has a Master Plan» nous permettent d’apprécier le toujours aussi beau son de Pharoah Sanders, sa capacité à tisser une atmosphère par la magie de sa sonorité autant que par la nature modale de la musique qu’il joue et rejoue depuis plus d’un demi-siècle. Joey DeFrancesco alterne sur ces trois thèmes à l’orgue, au piano et à la trompette, avec le soutien aérien de Billy Hart, les percussions dans l’esprit de Sammy Figueiroa et Troy Roberts qui pour l’occasion passe du saxophone à la contrebasse. Ils honorent la musique de Sanders et c’est un très beau moment du disque, pour nous la meilleure partie, même si tout est d’excellent niveau. Le saxophoniste possède dans ce qu’il fait, même à son âge, cette magie d’emmener l’auditeur dans un autre monde, à l’instar de son modèle, John Coltrane.
Le reste de l’album n’est pas sans intérêt comme «Vibrations in Blue» où Joey DeFrancesco, à la manière des musiciens indiens, maintient une note de base sur la tonalité, tout en développant ses improvisations et une énergie très jazz, mais on sent très bien que cette session n’est pas homogène, alternant la musique «très spiritual» de Pharoah Sanders, et un bon jazz sous la houlette de Joey DeFrancesco, plus léger sur le plan de l’atmosphère, sans aucune connotation péjorative. Au total, un excellent disque de jazz.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Davell Crawford
Dear Fats, I Love You

Ain't That a Shame, Blue Monday, Blueberry Hill, Careless Love, I Hear You Knocking, I Want to Walk You Home, I'm Gonna Be a Wheel Someday, I'm In Love Again, I'm Walkin’, I'm Ready, Let the Four Winds Blow, My Blue Heaven, Valley of Tears, When My Dreamboat Comes Home / When The Saints Go Marching In
Davell Crawford (p solo)

Enregistré le 31 octobre 2017, New York

Durée: 42’58’’

Basin Street Records 1406-2 (basinstreetrecords.com)


Dans une précédente chronique portant sur le CD anniversaire du label Basin Street Records (Live at Little Gem Saloon), nous vous parlions de la belle prestation du pianiste et chanteur Davell Crawford. La sortie de son nouvel album, toujours chez Basin Street Records, nous donne l’occasion de revenir sur son cas. Né à New Orleans le 3 septembre 1975 (voir son interview dans Jazz Hot n°644), il est le petit-fils du chanteur de rhythm & blues James Sugar Boy Crawford (1934-2012, auteur de «Jock-A-Mo», grand succès repris par la suite sous le titre de «Iko Iko»). Enfant prodige formé à la musique classique et marqué par le gospel, celui qui se fait surnommer «the piano prince of New Orleans», se situe dans la continuité des grands pianistes-vocalistes de Crescent City: Professor Longhair, James Booker, Dr John, Henry Butler et Fats Domino auquel il rend hommage dans ce Dear Fats, I Love You. Un hommage très personnel et qui n’est pas seulement celui d’un disciple à un maître, mais qui témoigne également de la grande affection qui a liait les deux musiciens (l’enregistrement a été réalisé une semaine seulement après le décès de Fats). Malheureusement, le livret, encore une fois peu fourni, ne donne aucun détail sur cette relation amicale et musicale. On sait cependant que le jeune Davell a rencontré le pianiste vedette à l’âge de 14 ans, alors qu’il était déjà musicien professionnel. Celui-ci l’a pris sous son aile et l’a aidé à perfectionner sa technique lors de sessions à domicile.
Et si Davell Crawford a adopté la flamboyance scénique de son aîné, il livre ici une interprétation de son répertoire très sobre (mais intense dans l’expression), en piano solo et totalement instrumentale. Une approche dépouillée qui nous permet d’apprécier pleinement ses qualités pianistiques, en particulier sa grande richesse rythmique et son jeu d’une belle musicalité, imprégné de blues et de gospel. Des atouts particulièrement mis à profit sur «Careless Love» (somptueux), «I'm Gonna Be a Wheel Someday» (aux accents stride) ou «I’m Ready» mené à un train d’enfer. On retient également la version de «Blueberry Hill» exécutée dans un esprit proche de celle, passée à la postérité, d’Antoine Dominique Domino Jr. Avis aux amateurs de piano blues.

Jérôme Partage
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueJoachim Kühn
Melodic Ornette Coleman. Piano Works XIII

Lonely Woman (Rambling), Lost Thoughts, Immoriscible Most Capable of Being, Songworld, Physical Chemistry, Tears That Cry, Aggregate and Bound Together, Hidden Knowledge, Love Is Not Generous, Sex Belongs to Woman, She and He Is Who Fenn Love, Somewhere, Food Stamps on the Moon, Lonely Woman (Ballad), The End of the World
Joachim Kühn (p)
Enregistré de janvier à mars 2018, Ibiza (Espagne)
Durée: 53’ 22”
ACT 9763-2 (www.actmusic.com)


Si l’on accepte l’idée que ce disque n’appartient au jazz que pour une part ténue de son inspiration, on peut l’écouter pour le plaisir éventuel d’écouter de la musique de tradition classique-contemporaine.
La présentation de Joachim Kühn fait référence à Ornette Coleman. Mais ça ne suffit pas à faire de ce disque un enregistrement de jazz. Le pianiste a travaillé en effet avec le saxophoniste dans les années 1990 sur un ensemble de projets communs et en concert. Joachim Kühn en a retiré une matière qu’il restitue ici, avec sa manière et son background de pianiste classique. Le résultat ici réclame pour sa description autant que pour son appréciation, des compétences qui relèvent plus de ce monde que du jazz.Le commentaire se limite donc à ça.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueEsaie Cid Quintet
The Kay Swift Songbook

Once You Find Your Guy, When You Hear This Music, Nobody Breaks My Heart, Fine and Dandy, One Last Look, Can This Be Love?, Swiftin’, Can’t We Be Friends?, Whistling in the Dark, Let’s Go Eat Worms in the Garden, Sagebrush Lullaby
Esaie Cid (as, arr), Jerry Edwards (tb), Gilles Réa (g), Samuel Hubert (b), Mourad Benhammou (dm)

Enregistré le 14 mai 2018, Villetaneuse (93)

Durée: 1h

Swing Alley 039 (Socadisc)

Personnalité méconnue, la compositrice Katherine Faulkner Swift, alias Kay Swift, (1897-1994), a laissé un corpus de mélodies populaires (notamment quelques grands succès comme «Can’t We Be Friends?» ou «Fine and Dandy» dont on ignore souvent qu’elle en est l’auteur) et desquelles se sont emparés les jazzmen. Figure de la société artistique new-yorkaise de l’entre-deux-guerres, Kay Swift, née à New York, est la fille d’un critique musical et a reçu une solide formation classique dans l'institution qui deviendra la Juilliard School. Pianiste professionnelle, grande admiratrice d’Irving Berlin, elle épouse en 1918 un riche banquier, James Paul Warburg, poète à ses heures, qui écrit des paroles sur ses musiques (sous le nom de Paul James). Ils ont trois enfants nés entre 1919 et 1924. Un tournant dans sa vie sentimentale et artistique s’opère en 1925 quand elle rencontre George Gershwin, d’un an son cadet. Les deux amants s’entraident et se soutiennent mutuellement dans leurs travaux respectifs (c’est Gershwin qui lui trouve son pseudonyme) et deviennent un couple quasi officiel avec l’accord tacite du mari résigné. En 1930, Kay est la première femme à composer entièrement une comédie musicale: Fine and Dandy. Elle divorce en 1935, mais George Gershwin décède seulement deux ans plus tard. Elle travaille alors avec son frère Ira à compléter et arranger des partitions de George non encore publiées.
Elle se retire ensuite dans un ranch, dans l’Oregon, avec son nouveau mari, un cow-boy qui pratique le rodéo. Elle continue cependant de composer et publie même en 1943 un livre autobiographique sur sa nouvelle vie, lequel est adapté dans un film (Mon cow-boy adoré, George Marshall, 1950) dont elle signe la musique. Elle consacre la fin de son existence à transcrire, annoter et jouer l’œuvre de George Gershwin.

Pour son deuxième album sur le label Swing Alley (Fresh Sound Records), Esaie Cid fait une nouvelle fois montre de son approche savante et originale du répertoire en rendant cet hommage mérité à Kay Swift. Auteur de l’ensemble des arrangements à la coloration bop, l’altiste interprète ici des compositions célèbres ou obscures, présentées en détail dans le livret, où figure également un court texte d’introduction de la petite-fille de Kay Swift, l’écrivain Katharine Weber. Il faut dire que lorsqu’Esaie Cid a commencé à s’intéresser à la compositrice –et avant même d’imaginer lui dédier un album–, il a pris contact avec le Kay Swift Memorial Trust dirigé par Katharine Weber, laquelle lui a fourni des informations et lui a notamment permis d’avoir connaissance de la partition de «When You Hear This Music», écrite au milieu des années 1950, pour une comédie musicale qui fut un échec et sombra rapidement dans l’oubli. On doit également à la collaboration bienveillante de Katharine Weber l’iconographie du livret, dont un beau portrait de Kay Swift pris par George Gershwin en 1935.
A la profondeur de la démarche correspond un album très abouti et superbement joué. Les complices habituels d’Esaie Cid sont de nouveau de la partie: Gilles Réa, Samuel Hubert et Mourad Benhammou, tous d’une grande subtilité; ils se trouvent renforcés par l'un des plus solides représentants du trombone sur la scène parisienne, l’incontournable Jerry Edwards, capable de s’adapter à tous les répertoires et dont chaque solo est ici un régal. Les qualités de l’orchestre se manifestent d’ailleurs dès le premier titre, «Once You Find Your Guy» (écrit pour Mon cow-boy adoré) dont le thème est d’abord joliment exposé par Gilles Réa. La finesse et le beau son d’Esaie Cid s’apprécient particulièrement sur «When You Hear This Music» ou sur «One Last Look» en duo avec le trombone. Plus rythmé, «Nobody Breaks My Heart» met d’avantage en avant le batteur, tandis que «Fine and Dandy» (un sommet d’élégance!) est introduit et porté par Samuel Hubert. Enfin, le quintet donne une intéressante version de «Can’t We Be Friends?» magnifiquement enluminé par le leader qui confirme sa capacité à tirer du patrimoine une matière aussi belle que vivante.  

Loin d’avoir épuisé son sujet, Esaie Cid pourrait prochainement nous offrir un second volume de ce Kay Swift Songbook. En attendant, voilà un formidable quintet qui aurait sa place dans les plus grands festivals. On peut toujours rêver.
rôme Partage
© Jazz Hot 2019

Martial Solal
Histoires improvisées (Paroles et musiques)

Count Basie, Liszt, Be Bop, Eric, Ellington, Manuellement, A bout de souffle, Il était une fois un violon, Alger, Kenny, Léon Morin, Au trot, Le guitariste, Chanson pour Amalia, Dizzy, Claudia, What is this Lee?, Marche nuptiale, N'importe où
Martial Solal (p solo)
Enregistré le 29 juin 2018, Meudon (92)
Durée: 56’ 17”
JMS 113-2 (jms1@club-internet.fr)


Cet enregistrement propose une collection de petites perles de culture qu’on peut savourer d’un trait pour l’atmosphère ou une par une, car l’imagination cultivée de Martial Solal réserve dans chacune des pièces ses petites surprises, citations-évocations, qui viennent titiller la curiosité, le sourire, l’émotion. Imaginé comme un jeu par le producteur Jean-Marie Salhani proposé au très joueur Martial Solal, cet ensemble de dix-neuf courtes pièces tirées à la courte paille à partir de mots, de noms et de prénoms, est basé sur l’improvisation nous dit Martial Solal, l’imagination avec le risque, dont la matière doit beaucoup aux souvenirs («Léon Morin», «A bout de souffle»), à la culture («Liszt»), aux rêves («N'importe où»), à l’humour («Au trot») et aux associations d’idées, y compris dans ce qu’en fait le maître pianiste, comme ce «Manuellement» dédié à Manuel Rocheman ou ce «Be Bop» dédié à Charlie Parker. Les souvenirs sont aussi mêlés à l’amour comme «Marche nuptiale», «Eric», «Claudia» ou «Chanson pour Amalia», à la nostalgie, comme «What is this, Lee?», «Alger», «Kenny» (Clarke), les admirations-inspirations, comme «Le guitariste» (Django), «Count Basie», «Ellington», «Dizzy» et beaucoup d’autres sentiments, tous se mêlant sous les doigts chargés du poids d’un si extraordinaire parcours d’un virtuose de l’instrument, jalonné de rencontres extraordinaires depuis cette Alger «la Blanche» jusqu’à Paris, New York et l’Amérique en général… Martial Solal en liberté, avec ce fond si marqué par le beau piano classique de l’époque moderne du XIXe au XXe siècle (la beauté des mélodies et des harmonies), dont il fait bénéficier son jazz, c’est un trésor culturel.
Le producteur a raison de ne pas se résoudre à la retraite de Martial Solal: c’est dans ces moments de totale liberté qu’on apprécie les artistes dans ce qu’ils ont de plus intime, personnel et profond. La voix de Martial Solal pour préfacer, après tirage au sort, les thèmes qu’il va imaginer participe de cette impression d’intimité d’un disque qui semble enregistré at home, au coin du feu.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Xavier Mathiaud
Blue Corner

Laura, Three Views of a Secret, Au bonheur de vivre, Cool Breeze in the Rain, Sandu, Canopée, Dolphin Dance, Naxos Garden, Balkan, Swinging Valse, So So Sad Without You
Xavier Mathiaud (tp, flh, dir), Yvon Guillard (tp)2,5, Laurent Mignard (tp)9, Alon Peylet (tb)2,5, Serge Garnier (ts)11, Sophie Mathiaud (fl)1, Jeff Bernicchia (clav)3,4,7,8, Michel Berry (clav)1,2,6,10,11, Cliff Lisette (g)1,5,11, Léo Blumenfeld (b)3, 4, 7, 10, Thierry Carpentier (b) 2,5,6,9, Antonin Charrel (b) 1,11, Michel Bomptemps (dm)2,5,6,9, Richard Pottier (dm)1,11, Fabrice Sansonetti (dm)3,4,7, Nicolas Vranken (dm)10, Pascal M’Bongue (voc)2
Enregistré en avril 2018, Mont-Saint-Père (02)
Durée: 51’ 38”
Autoproduit (06 07 18 01 77)


Voici une autoproduction où le trompettiste leader Xavier Mathiaud, né en 1970 à Compiègne, et qui a fait de solides études de trompette (classique) depuis l’âge de 7 ans avant de contracter le virus du jazz, a mis tout ce qu’il avait de force et d’amis dans le projet. Financé par un système de souscription en ligne, l’idée était de donner une illustration sonore du travail de ce groupe de musiciens autour du trompettiste, avec un invité de marque sur un thème en la personne de Laurent Mignard. Si les moyens sont modestes, on le devine en allant sur le site consacré au projet, c’est une musique de jazz bien travaillée, de qualité, où le leader fait preuve d’excellentes qualités instrumentales («Dolphin Dance», d’Herbie Hancock), bien entouré par un groupe de musiciens très investis et dans l’esprit, pour une musique qui touche aux standards («Laura»), au répertoire hard bop (un dynamique «Sandu» de Clifford Brown), ou fusion («Three Views of a Secret» de Jaco Pastorius). Il y a une place pour des originaux du groupe comme un bon «Naxos Garden» de Jeff Bernicchia, le pianiste, avec un bon échange avec Xavier Mathiaud, un belle valse jazzée par Xavier au bugle avec un beau son («Swinging Valse»), et encore d’autres thèmes qui témoignent de l’étendue des registres de cette formation. Un beau catalogue promotionnel de ce qu’est capable de jouer ce groupe, le projet est donc conforme à son ambition, et on ne doute pas que cet enregistrement les a fait avancer sur le chemin musical, leur ouvrir des scènes et qu’ils vont y prendre goût
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Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueErik Thormod Halvorsen
Social Call

Social Call, Watch What Happens, Ruby My Dear*, Latino Blue, Little K., Blues for Henry P., I Should Care, A Beautiful Friendship, Exit Summer*, Body & Soul
Erik Thormod Halvorsen (tp, flh), Dave Edge (ts, fl), Freddy Hoel Nilsen (p), Frode Kjekstad (g), Agnar Aspaas b), Lars Erik Norum (dm), * Tom Skjellum (tp), Odd Krogh (tp), Kjell Olav Martinsen (frh), Harald Halvorsen (tb), Øivind Westby (btb)
Enregistré les 5-8 octobre 2017, Oslo (Norvège)
Durée: 49’ 10”
Losen Records 189-2 (www.losenrecords.no)


De Scandinavie en général, ne vient pas que le vent froid des musiques actuelles qui écrasent, à coup de subventions, de conservatoires et d’esprit de mode, tout autre expression jazzique depuis quelques années. Il y a pourtant une longue tradition de jazz de toutes les époques et sensibilités qui puise ses racines dans une longue et riche histoire de l’après-guerre. Ici, c’est de Norvège que souffle ce vent d’autan, et c’est un jazz mainstream-bebop par un ensemble de qualité dirigé par le trompettiste Erik Thormod Halvorsen qui en est à son second disque en leader après Uppercase paru en 2015, pour le même label, en compagnie du regretté et méconnu Louis Stewart, guitariste irlandais de talent dans le registre bebop, disparu depuis.
En sextet et pour deux titres en onztet, la formation fait preuve d’une belle musicalité, mettant en valeur un bon répertoire de standards et d’originaux, avec ce qu’il faut de swing et de nuances pour une heure d’une musique bien jouée. C’est la volonté affichée par le leader dans le texte du livret («lyrical jazz»), et il y a réussi. Les originaux («Little K.», une petite valse bien tournée, comme les standards («Body and Soul» très sensible avec une belle partie de guitare) ou les compositions jazz («Ruby, My Dear», en onztet dans cette esprit intimiste, bien arrangé avec la complicité de Øivind Westby, le tromboniste), tout garde cette unité de ton qui fait de ce Social Call (un fort beau thème de Gigi Gryce) une heure très agréable. Le leader, trop modeste, ne se présente pas sur le disque, et ne présente pas ses compagnons; c’est toujours dommage, car il y a la place. Sur internet, difficile de trouver de quoi éclairer beaucoup notre lanterne. On y apprend que le bassiste, Agnar Aspaas, né en 1955, auteur de «Little K.» est aussi psychiatre; que le bon guitariste Frode Kjekstad (quelques disques à son actif), né en 1974, qui a accompagné Deborah Brown, Gerald Wilson, Grant Stewart, Wendell Brunious, Johnny Griffin, Eric Alexander, entre autres, a étudié avec l’excellent Randy Johnston, un autre méconnu de l’instrument qui œuvre dans le jazz qui a le blues. On devine que cet ensemble a déjà du métier, même si la mondialisation ne nous a pas permis d’en connaître mieux les membres, et qu’il n’y a pas de bons producteurs pour faire des textes de livrets, que le leader à un beau son de trompettes et des qualités d’arrangeur pour diriger ce type de formation. Les musiciens sont tout à fait recommandables, le bon guitariste en particulier. Le miracle du langage commun du jazz fait que cet univers est parfaitement accessible et familier pour tous les amateurs de jazz du monde et que s’il n’y a rien d’inouï dans cette interprétation, c’est du jazz sans aucun doute, signe que même en Norvège, la mémoire du jazz n’a pas encore été totalement balayée par le vent mauvais des musiques normalisées.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueGustavo Cortiñas & Snapshot
Esse

Dialectics of Freedom*, Filosofía°, The Allegory of the Cave*, Intro to Arête, Arête°, Cogito Ergo Sum°, Global Skepticism°, On Certainly°, Ubermesch*, Intro to the Man of Flesh and Bone, The Man of Flesch and Bone*
Gustavo Cortiñas (dm, cymbales), Justin Copeland (tp), Roy McGrath* Artie Black° (ts), Adam Thornburg (tb), Hans Luchs (g), Joaquín García (p), Kitt Lyles (b)
Durée: 1h 15’
Enregistré en 2016, Chicago
OA2 Records 22138 (www.originarts.com)

Gustavo Cortiñas est né au Mexique et très jeune apprend la batterie, notamment avec l’excellent batteur mexicain Hernán Hecht. Très doué, il part avec une bourse à La Nouvelle Orleans pour s’imprégner du jazz et faire des études de philosophie. D’où certains titres des thèmes de ce dernier disque Esse. On spécule d’ailleurs beaucoup sur ce rapport à la philosophie dans la musique de Gustavo Cortiñas même si on peut trouver dans «Cogito Ergo Sum» une sorte de réflexion musicale. On ne contribue pas ainsi à valoriser la musique. Cortiñas part ensuite à Chicago où il fréquente encore les meilleurs jazzmen de la ville. Esse est un bon disque que même des puristes du jazz peuvent apprécier. A la tête de sa formation Snapshot, il interprète ses compositions, toutes de qualité, tout comme son jeu à la batterie, énergique, en témoigne (son intervention dans «Arête»). Il peut swinguer («Ubermensch») mais prend aussi d’autres directions parfois sophistiquées. Les influences latines –si on excepte la clave du premier thème «Dialectics of Freedom», à charge de Cortiñas lui-même– sont discrètes et bien fondues dans la rythmique ou la mélodie. Ce très long thème dans sa première partie est fondamentalement jazz et de bonne facture; s’y distinguent Joaquín García, Roy McGrath et Justin Copeland. Deux grands saxophonistes alternent au ténor. Black se distingue dans «Arête» tout comme le tromboniste Adam Thornburg, mis en valeur aussi dans «Global Skepticism». On appréciera aussi le piano et la trompette dans «Ubermensch» (le plus jazz des onze thèmes) et la prestation de Justin Copeland dans le très lent «The Man of Flesh and Bone».
Patrick Dalmace
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueGwen Cahue
Memories of Paris

Here That Rainy Day, Sandu, Memories of Paris, Blues en mineur, Pour Daniel, Time on My Hands, Luiza, Django's Blues Riff, A Little Love-A Little Kiss, Tea for Two, The Man I Love
Gwen Cahue (g), Julien Cattiaux (g rythmique), William Brunard (b), Henrik André (vln)

Enregistré les 13-14 mars, Monteuil (93) et 5-6 octobre 2017, Rocheservière (85)

Durée: 37’ 16”

Label Ouest (L’Autre Distribution)


Voici un modeste disque par l’apparence et la durée mais qui nous propose la découverte d’un sacré bon guitariste qui s’exprime dans la tradition de Django élargie au jazz avec une aisance, une décontraction audibles à l’oreille qui laissent sans voix… Il suffit de se pencher sur «Sandu» de Clifford Brown pour sentir tout à la fois le swing, la pulsation jazz, la qualité d’expression, les articulations et la virtuosité de Django synthétisée par ce jeune (d’après la photo) homme qui dit sillonner les routes avec sa guitare depuis de longues années, ce qui sous-entend qu’il a commencé tôt ou que la photo date. Sur le répertoire de Django himself («Blues en mineur»), il est impérial  sans aucune servilité car son langage penche davantage dans le jazz même s’il respecte les codes du «Divin Manouche».
Cela dit, on va se renseigner. On sait déjà par les remerciements qu’il est familier de l’excellent Daniel Givone et de l’ouest du pays. Sa musique respire avec une expressivité et une poésie qui émerveillent. A découvrir de toute urgence, une urgence qui a sans doute présidé à la fabrication du disque. Ce qui est bon pour la musique ne l’est pas toujours en matière de production pour une si belle musique inspirée, mais il faut bien commencer, et c’est un beau début enregistré. Une découverte déjà indispensable. Bravo!
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Bastien Ribot
Violin Standards

Une nuit au violon, Django, Minor Swing, Round Midnight, Bowing Bowing, C Jam Blues,
Yesterday, Lady Be Good, Donna a Fiori, You'se a Viper, Pent up House
Bastien Ribot (vln), Mathias Levy (vln), Emile Melenchon (g), Maxime Berton (ts, ss), Laurent Coulondre (org), Gautier Garrigue (dm)
Enregistré en janvier 2018, Villetaneuse (93)
Durée: 55’ 21”
Frémeaux et Associés 8556 (Socadisc) 


Un disque décevant dans la tradition de Django, c’est rare mais ça arrive, et sans doute est-ce un problème de jeunesse et d’état d’esprit plus que de capacité technique.  La présence d’Emile Melenchon sur trois pièces relève la qualité d’expression, et Laurent Coulondre est lui-même bon organiste comme Gautier Garrigue est bon batteur. Mais à trop vouloir montrer, on ne démontre pas grand-chose malgré les stickers de récompenses qui encombrent le visuel, et malgré une sélection de beaux thèmes qui aurait dû valoir un bon disque et qu’on n’a pas le droit de mal traiter de cette façon. Question d’âme. On sauvera de l’ensemble «Django» pour Emile Melenchon et «Pent Up House» pour le duo bien enlevé à deux violons avec Mathias Levy.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueScott Reeves Jazz Orchestra
Without a Trace

Speak Low, Without a Trace, All or Nothing at All, Incandescence, Juju, Shapeshifter, Something for Tadd
Scott Reeves (dir, tb, aflh, arr), tp: Seneca Black, Nathan Eklund, Chris Roger 1-4, Bill Mobley 5-6, Andy Gravish; tb:  Tim Sessions, Matt McDonald, Matt Haviland, Max Siegel (btb); Steve Wilson (as,ss,fl), Vito Chavuzzo (as, fl), Rob Middleton (ts, cl), Tim Armacost (ts), Terry Goss (bar) 1-4, Jay Brandford (bar) 5-7, Carolyn Leonhart (voc) 2

Enregistré en janvier 2015 et janvier 2017, New York

Durée: 51’ 50”

Origin Records 82752 (www.originarts.com)


Excellent enregistrement d’un big band new-yorkais sous la baguette de Scott Reeves, auteur d’arrangements originaux d’une facture moderne se plaçant dans le prolongement des orchestrations de Gil Evans, Bob Brokmeyer, autrement dit des arrangement savants, même si le dernier thème en hommage à Thad Jones est arrangé de manière plus conforme à l’esprit du Thad Jones-Mel Lewis Big Band, comme «All or Nothing at All». Jim McNeely est salué par Scott Reeves comme inspirateur des compositions. Le leader tire également sa révérence à Duke Ellington, et sa bonne utilisation des qualités particulières des instrumentistes peut y faire penser, même si le répertoire et l’esprit sont plus loin de cet ensemble. Si l’écriture est sophistiquée, précise, elle laisse beaucoup de place aux solistes comme Steve Wilson, Jim Ridl, Scott Reeves lui-même au trombone, etc. Le big band respire le travail d’une mise en place aboutie et une grande liberté d’expression. Le disque est donc une parfaite réussite par un musicien exigeant. La liste des participants à ce big band ne laisse planer aucun doute sur le professionnalisme de Scott Reeves, avec dans les différentes sections des musiciens aussi pointus que Steve Wilson, Bill Mobley, Seneca Black, Jim Ridl…
Ce qui s’explique car Scott Reeves a non seulement étudié de manière approfondie mais est lui-même enseignant de jazz et il publie des arrangements. Originaire de Chicago, il a fréquenté l’Indiana University où il a obtenu ses diplômes pour le trombone et ses études de jazz. Il a étudié l'improvisation avec David Baker, Woody Shaw et Kenny Werner, l’arrangement avec Manny Albam, Mike Abene, Jim McNeely, Mike Holober et le trombone avec Thomas Beversdorf, Lewis Van Haney et Dennis Smith. Scott Reeves enseigne depuis 1976 le jazz au niveau universitaire et actuellement au City College de New York. Il a précédemment occupé des postes à la Juilliard School, à l'Université du sud du Maine, à la Virginia Commonwealth University, à la Memphis State University et à la Western Washington University. Scott Reeves présente fréquemment des ateliers et des concerts aux Etats-Unis, au Canada, au Japon, en Italie, et il participe au BMI Jazz Composers Workshop à New York en tant que compositeur.
En dehors de cet excellent Without a Trace, signalons la sortie en 2016 de Portraits and Places par le même big band de Scott Reeves. Scott Reeves ne se limite pas au big band, il a enregistré en quintet (Shape Shifter), Congressional Roll Call (Bill Mobley, James Williams et Kenny Werner), Tribute (quatre trombones, les Manhattan Bones). En sideman, on le retrouve avec Dave Liebman  et Bill Mobley. Un bel enregistrement.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueWynton Marsalis Septet
United We Swing

The Last Time, It Takes a Lot to Laugh It Takes a Train to Cry, I’m Gonna Move to the Outskirts of Town, I’m not Rough, Creole Love Call, Milk Cow Blues, I’m Gonna Find Another You, My Baby Don’t Tolerate, The Worst Thing, Please Baby Don’t, Mean Old Man, Are You Gonna Go My Way, Fool’s Paradise, Empty Bed Blues*, I Wish I Knew How It Would Feel to Be Free, What Have You Done?**
Wynton Marsalis (tp, p*, voc**) et selon les morceaux Wycliffe Gordon, Ronald Westray (tb), Wess Anderson, Fab Dupont (as), Victor Goines (ts, cl), Doug Wamble, Mac McAnally (g), Dan Nimmer, Eric Lewis, Richard Johnson, Jon Batiste (p), Carlos Henriquez, Reginald Veal (b), Herlin Riley (dm), Robert Greenidge (steel drums) + divers invités précisés dans le livret
Enregistré le 2 juin 2003, le 7 juin 2004, le 6 juin 2005, le 5 juin 2006 et le 14 mai 2007, New York
Durée: 1h 10’ 39’’
Blue Engine Records 011 (www.jazz.org/blueengine)


Depuis 2015, le programme Jazz at Lincoln Center possède son propre label, Blue Engine Records, lequel s’est donné pour objectif essentiel de mettre à disposition des amateurs des enregistrements live du Jazz at Lincoln Center Orchestra et d’autres formations autour de Wynton Marsalis. On imagine, en plus de trente ans d’activité, les trésors qui doivent sommeiller dans les archives de JALC dont la qualité et la densité de programmation font rêver. Blue Engine Records est ainsi aujourd’hui à la tête d’un catalogue d’une bonne dizaine de références (qu’on peut désormais se procurer directement sur sa boutique en ligne) dont on attend qu’il continue de s’enrichir de belles sessions, en particulier de celles revêtant un caractère historique (comme le concert de Betty Carter de 1992 édité par le label en début d’année).  
Avec United We Swing, Blue Engine Records propose son premier «best of», lequel se heurte aux limites inhérentes à ce type de production. Il s’agit d’un florilège portant sur cinq soirées de concert sous l’égide du Wynton Marsalis Septet (les quatre premières captées à l’Appolo Theater, la dernière au Lincoln Center). Si le livret (qui malheureusement se contente de renseigner le détail des différents orchestres) ne redonne pas le contexte de ces cinq soirées, dont les extraits sont livrés dans le désordre, on comprend que chacune d’elle a réuni plusieurs «special guests» autour du septet. Par exemple, on retrouve, sur le même concert du 2 juin 2003, Ray Charles (p, voc, titre 3: «I’m Gonna Move to the Outskirts of Town»), Eric Clapton (eg, voc, titre 4: «I’m not Rough»), Audra McDonald (voc, titre 5: «Creole Love Call»), Willie Nelson (eg, voc, titre 5: «Milk Cow Blues») et Carrie Smith (voc, titre 14: «Empty Bed Blues»); on conclut ainsi à la thématique plutôt blues de cette soirée (le blues étant la dominante forte de l’album). Par ailleurs, la présence d’invités «hors jazz», dont certains à forte notoriété, comme Bob Dylan ou Lenny Kravitz, peut laisser à penser que cette compilation est aussi un produit marketing, avec un potentiel de ventes plus élevé, de même qu’un outil promotionnel pour le JALC auprès du grand public. Pour autant, compte tenu du niveau des solistes du septet et du répertoire proposé, cet album reste un disque de jazz et même globalement un bon disque de jazz, malgré quelques faiblesses selon la nature des guests.
Evidemment, c’est bien meilleur quand le septet de Wynton Marsalis donne la réplique à un artiste de la dimension de Ray Charles qui nous livre ici un blues intense. On peut en dire autant de la chanteuse Carrie Smith (1925-2012), laquelle n’interprète pas le blues, mais le parle tout simplement. Sa voix chaude est excellemment soutenue par Wynton Marsalis, ici au piano, et nourrie du dialogue avec le trombone (et sourdine) de Ronald Westray, qui chante comme une seconde voix. On a également droit à une superbe version de «Creole Love Call» par la comédienne et chanteuse Audra McDonald (née en 1970) qui mêle les qualités techniques d’une grande voix d’opéra et l’expressivité afro-américaine. Le groupe vocal Blind Boys of Alabama (Clarence Fountain, Jimmy Carter, Eric McKinnie, Joey Williams, Bobby Butler) qui intervient sur le spiritual «The Last Time» (magnifique) étant le dernier interlocuteur pleinement ancré dans la musique de culture. Quant au titre qui conclut l’album, «What Have You Done?», un remarquable original de Wynton Marsalis, il est le seul à ne pas comporter d’invités. Pour la peine, le septet se mue en octet (Wess Anderson, Victor Goines, Wycliffe Gordon, Doug Wamble, Dan Nimmer, Reginald Veal, Herlin Riley). La partie chantée, avec appels et réponses, assurée de façon collégiale, évoque le vaudou et les chants des Black Indians de New Orleans, tandis que le riff de guitare puise aux sources de la musique cajun et zydeco.
Les autres invités appartiennent plus ou moins à la sphère rock-folk-country et il s’agit essentiellement de guitaristes-chanteurs (ici avec ou sans guitare): Bob Dylan (voc, hca), Lenny  Kravitz, Eric Clapton, Willie Nelson, John Mayer, Lyle Lovett (eg, voc), Nathalie Merchant, James Taylor, Jimmy Buffett, Susan Tedeschi (voc) et Derek Trucks (eg). La communication avec l’orchestre de Wynton Marsalis s’établit donc assez naturellement sur le terrain commun du blues. On passe encore de très bons moments mais on les doit d’abord à l’immense talent des musiciens du septet. On retiendra en particulier la réjouissante introduction new orleans (Victor Goines, ici à la clarinette, est impérial) sur «I’m not Rough» avec Eric Clapton, tandis que la version blues-jazz du tube de Lenny Kravitz, «Are You Gonna Go My Way», si elle est bien exécutée, demeure artificielle. Quant aux prestations vocales de James Taylor et Jimmy Buffett, elles apparaissent dénuée d’intérêt, à la différence de celle de Susan Tedeschi qui donne une jolie couleur soul au beau gospel de Billy Taylor et Richard Carroll, «I Wish I Knew How It Would Feel to Be Free».
Ce United We Swing illustre ainsi la politique pratiquée par Wynton Marsalis visant à placer le jazz et le blues au centre de la musique populaire américaine en créant des ponts avec des branchages plus lointains. (c’est d’ailleurs le sens du titre de l’album). Du fait de son parcours et de son habileté, il se sort mieux de cet exercice d’«ouverture» que beaucoup d’autres, mais le résultat reste quand même moins intéressant que lorsqu’il se maintient pleinement sur le terrain du jazz de culture. Les plages quelque peu inégales de ce disque le démontrent.
rôme Partage
© Jazz Hot 2019

Vincent Périer
Elle est pas belle, la vie?

Félins pour l’autre, Chanson pour Cassiopée, Valse pour Katar, Pinot noir, Greensleeves, Mer alcaline°, Dommage, Theme for Joel, Lover Come Back to Me, I’m Through With Love*, L’Écharpe Bleue
Vincent Parier (cl, ts, arr), Julien Bertrand (tp)°, Romain Nassini (p, ep), Brice Berrerd (b), Yvan Oukrid (dm), Célia Kameni (voc)*
Enregistré les 21-22 février et 27-28 avril 2017, Couzon-au-Mont-D’Or (69)
Durée: 1h 03’ 51”
Autoproduit VP-1 (vincentperier.com)

Vincent Périer Septet + Célia Kaméni
Les Yeux qui brillent

Peine Perdue*, Stardust, Les Yeux qui brillent*, SVP, Lover Man, I Found the Answer, Cheek to Cheek, Blues in the Night, Regrets, I Believe in Music, Silencieuse
Célia Kaméni (voc), Vincent Parier (cl, ts, arr), Julien Bertrand (tp, flh), Loïc Bachevillier (tb), David Bressat (p, org), Thibaut François (g), Thomas Belin (b), Francis Decroix (dm), Lisa Caldognetto, Claudine Pauly, Célia Kaméni (chœurs)*
Enregistré les 9-11 janvier 2018 et 6 février 2018, Tarare (69)
Durée: 59’ 42”
Autoproduit VP-2 (vincentperier.com)


Voici une double découverte dans le vivier des groupes qui animent la scène du jazz de l’hexagone avec beaucoup de mérites dans le contexte actuel. Ces ensembles paraissent être nés dans la région lyonnaise et stéphanoise, ce qui montre que le jazz a cette vertu de dépasser les querelles puériles de clocher ou plus importantes de classes entre la bourgeoise métropole du Rhône et la prolétaire cité du Forez. Au passage, un petit reproche avant les compliments: pour découvrir, il faut aussi avoir des informations biographiques, et pour être autoproduits, il y a quand même la place sur ces livrets, brillamment illustrés et avec humour, de présenter la musique et les musiciens. En l’absence de ces éléments qui font partie pourtant de la tradition du jazz, il faut aller sur le site de Vincent Périer pour approcher au moins le leader.
Vincent Périer, saxophoniste, clarinettiste, compositeur et arrangeur, né à Aurillac (Cantal) en 1980, vit à Lyon après avoir été Stéphanois d’adoption. Il se décrit comme inspiré par Charlie Parker, Duke Ellington, James Brown, et par la musique afro-américaine dans son ensemble. Après le Conservatoire de Saint-Etienne en classe de jazz, il obtient en 2002 un master portant sur la musique de Charlie Parker. Il a étudié l’arrangement avec Pierre Drevet au Conservatoire de Chambéry. En 2004, il devient musicien professionnel dans divers groupes de la scène musicale au sens le plus large. Il étudie l’écriture, la composition et l’orchestration avec François Piguet-Ruynet (CRR de Saint-Etienne), puis participe à de nombreux projets musicaux où le jazz domine parfois (Bopping with Django, etc.). Il dirige ses formations de jazz, le Vincent Périer Quartet depuis 2009, ainsi que le Vincent Périer Septet depuis 2013 avec la chanteuse Célia Kaméni. C’est donc la concrétisation de ces deux derniers projets que nous avons sous les yeux et à l’oreille avec ces deux disques enregistrés en 2017 et 2018. La musique fait effectivement référence au jazz des racines, dans une veine post bop qui ne néglige pas de repiquer par moment dans le répertoire des standards. La qualité des arrangements et des compositions originales témoigne que les études de Vincent Périer ont, pour cette fois, donné un résultat probant.
Pour le premier disque, surtout instrumental et en quartet, en dehors d’une intervention remarquée de Célia Kaméni sur un beau standard («I’m Through With Love») et du bon Julien Bertrand («Mer Alcaline»), Vincent Périer démontre ses qualités de soliste à la clarinette, de sonorité au ténor, très profond frisant le baryton («Valse pour Katar»). Sa formation est dans l’esprit (Romain Nassimi en particulier) sans en rajouter ni en esbroufe ni en digressions inutiles, ce qui donne aux originaux une allure construite, simplement jazz comme au traitement des standards. C’est Vincent Périer qui tire l’ensemble vers le haut niveau, et il en possède les moyens (culture et expression).Dans le second opus, on retrouve en «coleadeuse», la belle Célia Kaméni qui avait velouté, avec un swing et une expressivité parfaite, son intervention du premier CD. On ne va pas vous raconter sa vie comme nous l’avons fait pour Vincent Périer, car le livret étant également muet et l’égalité des sexes s’arrêtant encore aux néologismes, elle n’a pas de site apparemment. Elle le mériterait, mais on attendra le prochain CD si elle lit la chronique. Cela dit, on devine qu’elle gâte les amateur-trice-s de jazz vocal de la région de son beau talent. Même si elle parvient à faire swinguer le français, l’anglais («Lover Man») et les standards («Stardust») lui vont à merveille, et quand une voix est aussi in the tradition, elle prend toute la lumière. La voix, c’est bien connu, reste le plus bel instrument. Mais ne diminuons en rien le mérite de Vincent Périer, auteur des arrangements, de magnifiques chorus ou contre-chants pour mettre en valeur les qualités de Célia Kaméni. Ne mésestimons pas le talent collectif de cette formation, elle est parmi ce qui se fait de mieux dans le genre. Et comme cet ensemble est dans le droit fil de l’histoire du jazz, une histoire d’excellence, autant dire que c’est un enregistrement réussi d’un groupe cohérent, où il y a beaucoup à découvrir pour des programmateurs de scènes de festivals de jazz, s’il en reste quand on constate, comme en cette année 2019, la pauvreté jazzique des programmes. Hé, oui! Du bon jazz, de toutes les sensibilités, made in France ou USA, ça existe encore. Il faut juste savoir ce qu’est le jazz plutôt que de compter: quand on aime, on ne compte pas.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Jared Gold
Reemergence

Reemergence*, It Ain't Necessarily So, Looking for Another Pure Love*, She's Leaving Home, One for John A*, How Long Has This Been Going, Blues Connotation, Sweet Spirit, Nomad
Jared Gold (org), Jeremy Pelt (tp)*, Dave Stryker (g), Billy Hart (dm)
Enregistré le 22 janvier 2018, Paramus, New Jersey
Durée: 51’ 15”
Strikezone 8817 (www.davestryker.com)


Toujours sur le bon label du guitariste Dave Stryker, présent en personne sur cet enregistrement, voici un autre excellent disque de Jared Gold, un organiste confirmé (Hammond B3), né dans le New Jersey, qui fait partie de la scène du jazz autour de New York et côtoie régulièrement non seulement le guitariste mais aussi la plupart des musiciens qui véhiculent cette esthétique post-bop qui a si bien assimilé les codes du jazz et les restituent dans un langage moderne imprégné de blues, d’un swing sans équivoque, et d’une énergie propre à la scène locale. Ses débuts de carrière datent de 1988 (on peut donc penser qu’il a près de 50 ans déjà!), et il a côtoyé beaucoup d’anciens de haut niveau comme Benny Golson, Bob Mintzer, Ralph Peterson Jr., Benny Powell, Tony Reedus, etc., comme ses contemporains McClenty Hunter, Jeremy Pelt ici présent, etc. Il s’inspire très largement de la longue et riche tradition des organistes du jazz, et particulièrement de Jack McDuff, Don Patterson et Larry Young. Il a intégré le trio de Dave Stryker en 2004. Sa discographie est déjà respectable et, en leader, il a commencé son œuvre pour le label Posi-tone en 2008 avec Solids & Stripes (Randy Napoleon,Seamus Blake et Mark Ferber). Ont suivi toujours chez Posi-Tone: Supersonic (2009), All Wrapped Up (2011), Out of Line (2011), Golden Child (2012), Intuition (2013) JG 3+3 (2014), Metropolitan Rhythm (2015).
Il apparaît sur The Chaser de Dave Stryker et bien sûr sur de nombreux autres albums en sideman. Car, et ce disque le démontre, en virtuose de l’instrument, il possède un large registre d’expression, des standards de Gershwin aux compositions jazz d’Ornette Coleman et Dave Stryker, en passant par Stevie Wonder, John Lennon… et Jared Gold sans excès (deux compositions). Il possède l’esprit du B3 à la perfection, parfois la couleur churchy («Sweet Spirit») avec ici la complicité de l’inévitable guitariste (le complice Dave Stryker, excellent!) pour la couleur blues et d’un batteur de haut vol, le grand Billy Hart, toujours aussi parfait et brillant. Jeremy Pelt, invité sur trois thèmes, est à l’unisson de ses amis et apporte ses chorus et sa belle couleur à un jazz sincère et de qualité. Au final, on a ici un bon enregistrement dans la tradition de ce que le jazz a d’éternel même dans sa facture moderne. Comme souvent, ces musiciens peu présents sur les scènes européennes nous font dire que les responsables artistiques de nos festivals ont peu d’imagination et de culture pour ne pas trouver de quoi faire des festivals de jazz avec au moins 90% de jazz de qualité, même avec des musiciens de tous les âges et de toutes les sensibilités du jazz, connus ou moins connus, car les festivals de jazz ont aussi cette mission, en principe, de faire découvrir le jazz.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Gilles Barikosky
Weeping Willow

Léviathan, Weeping Willow, You da Man!, Lady Sings the Blues, Sencha, Paris-Féni, Yeelen, Along Came Betty, Anada, Time, Will Be My Only Friend, Armand
Gilles Barikosky (ts), Romain Pilon (g), Matyas Szandai (b), Antoine Pagnotti (dm)

Enregistré en octobre 2014, Videlles (91)

Durée: 51’ 06”

Autoproduction GB 002 (barikoskyg@hotmail.com)


C’est le second enregistrement du saxophoniste, après Right Now! Right Quick! en avril  1998, un disque déjà autoproduit avec Guillaume Naud, Raphaël Dever et Olivier Robin, et Weeping Willow date de 2014. Autrement dit, Gilles Barikosky n’encombre pas les rayons des disquaires, et il doit tout à sa propre volonté, y compris ces quelques enregistrements, puisqu’il anime la scène du jazz, en sideman (avec Sonia Cat-Berro) ou leader, depuis vingt-cinq ans déjà. Si vous le connaissez mal ou pas, c’est une bonne occasion de découvrir un saxophoniste de la nuance, issue de la classe de jazz du CIM de Jean-Claude Fohrenbach, au beau son, qui se situe dans la filiation d’un Joe Henderson, sans aucune servilité, car l’essentiel de cet enregistrement est de sa plume à l’exception de deux compositions, une de Benny Golson et l’autre d’Herbie Nichols et Billie Holiday. Pourtant, son modernisme déjà classique fait que la tonalité reste in the tradition, avec une sobriété et un travail sur la sonorité qui méritent les éloges et un respect des codes du jazz, les accents blues là où il faut, des idées originales et une mise en place rythmique bien en phase avec la tonalité de l’album. Il est bien aidé en cela par des compagnons au service de la musique, en particulier Romain Pilon, auteur de chorus très poétiques, au même niveau d’excellence que Gilles Barikosky.
Si vous connaissez Gilles Barikosky, c’est aussi une bonne occasion –la rareté– de garder la trace d’un musicien qui participe à la grande histoire du jazz avec autant de modestie que de talent. Ils sont un certain nombre, tous essentiels, mais pas si nombreux à prolonger l’esprit du grand Joe Henderson de manière originale. Signalons, pour compléter l’information, que Gilles Barikosky s’intéresse aussi à l’héritage musical de Django Reinhardt et à l’accompagnement musical du cinéma muet, ce qui témoigne de sa curiosité et explique d’une certaine façon la qualité de sa musique.

Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Philippe Soirat
Lines and Spaces

Carte blanche, Second Genesis, A Shorter One, Magnolia Triangle, Lines & Spaces, Dong, Countdown, Nephthys, Aycrigg
Philippe Soirat (dm), David Prez (ts), Vincent Bourgeyx (p), Yoni Zelnik (b)

Enregistré les 6 et 7 février 2018, Villetaneuse (93)

Durée: 1h 00’ 57’’

PJU Records 018 (Socadisc)

Accompagnateur incontournable depuis plus de trente ans, Philippe Soirat sort un second disque en leader, après You Know I Care (PJU Records, 2014), avec les mêmes complices et dans un esprit similaire, soit un répertoire évoquant les années soixante (Wayne Shorter, James Black…) complété de trois compositions au niveau. Il est d’ailleurs intéressant de noter que, pour constituer ce quartet, le batteur –qui a joué avec une foultitude de musiciens, d’Alain Jean-Marie à Ray Brown, de Gilles Naturel à Barney Wilen…– a choisi des partenaires avec lesquels il n’avait que très peu partagé la scène, afin de créer une entité originale, plutôt que de transposer sous son nom une mécanique déjà éprouvée, comme il s’en était expliqué dans la longue interview qu’il a donné à Jazz Hot (n°686). Leader, Philippe Soirat est également l’aîné (1961) de ce groupe  dont les membres appartiennent à la décennie suivante (David Prez est né en 1979, Vincent Bourgeyx en 1972, Yoni Zelnik en 1975). Fort de cette maturité et de cette assurance, il se place au service du collectif sans chercher à se mettre en avant, mais en impulsant la densité du jeu par un drumming nerveux. De même, l’on observe que le quartet a trouvé son équilibre et sa personnalité, intégrant les individualités avec leurs qualités respectives. Entre tension et suavité, David Prez (auteur de «Carte blanche» et «A Shorter One»), très shorterien –et en parfaite adéquation avec l’esthétique voulue par Philippe Soirat–, porte un discours construit qui capte l’attention de bout en bout. Tantôt crépusculaire, tantôt véloce, toujours très swing, Vincent Bourgeyx (auteur de «Dong») est également en symbiose avec le leader. Plus en retrait, Yoni Zelnik allie finesse et précision.

Line & Spaces (qui tire son nom d’une composition de Joe Lovano) est un excellent disque, subtil et intense, magnifiant un jazz ancré à la fois dans la modernité et la tradition. A l’image d’un Philippe Soirat toujours impeccable et pertinent.
rôme Partage
© Jazz Hot 2019

At Barloyd's
Pianos Solos

Coffret 9 CDs: 114 titres
Frank Amsallem, Pierre de Bethmann, Vincent Bourgeyx, Pierre Christophe, Laurent Coq, Laurent Couthaliac, Alain Jean-Marie, Fred Nardin, Manuel Rocheman + Pierre Boussaguet (b), Baptiste Herbin (as), Samuel Hubert (b), Clovis Nicolas (b)

Enregistré de juin à décembre 2016, Paris

Durée: 8h environ

Jazz & People 818000 (jazzandpeople.com)


Ce projet original d’une série d’enregistrements «at home» –en fait chez Laurent Courthaliac (aka «Barloyd»), sur un beau Steinway Grand Concert laissé-là en dépôt et restauré par Bastien Herbin– réalisé sur six mois environ, co-autoproduit par l’ensemble des leaders, préparateur du piano compris, est évidemment non seulement une curiosité mais un régal pour les amateurs de piano jazz, en ce sens qu’il offre un panorama d’environ huit heures d’une tradition qui se porte très bien en France. De l’ancien Alain Jean-Marie (1945) au jeune Fred Nardin (1987), il y a ainsi plusieurs générations de pianistes, mais une dominante dans le temps (7 sur 9) de natifs entre 1961 et 1973, ce qui témoigne, avec la diversité stylistique des disques eux-mêmes, que bien que nés sur une douzaine d’années pour la plupart, le jazz n’a cessé d’être divers en France, loin de cette idée progressiste d’un pseudo-conflit des générations ou de querelle des anciens et des modernes, une forme idéologique de système qui nous a naguère (époque Jack Lang) conduit aux musiques actuelles, si étrangères à l’esprit du jazz (une longue histoire qui repose sur la transmission de la tradition), des musiques actuelles censées succéder au jazz dans une négation du magnifique corpus du jazz né d’une aventure humaine et philosophique.

Cette parenthèse faite par obligation, chaque disque est un tout et, c’est une petite critique du projet, aurait mérité un traitement à l’unité, du genre: un CD par musicien, avec un titre en propre, un texte particulier, dans le cadre d’une série de neuf disques, pourquoi pas à poursuivre, car il reste encore d’autres bons pianistes de jazz, qui se serait intitulée «At Barloyd’s» volume 1, 2, etc., le nom est bien trouvé comme la série At Maybeck. En fait, c’est un travail de producteur, avec imagination, dont l’utilité n’a pas disparu, même si les personnes capables de l’incarner sont devenues rares. Les visuels de livrets sont bons (des images de Paris), les enregistrements de qualité, et donc, rien n’est perdu, si un jour le projet est repensé et prolongé…
Cela dit, et pour ne pas faire trop long sur un projet et pour neuf bons enregistrements qui méritent neuf chroniques où il n’y a rien à jeter comme dit Brassens, il y a bien entendu les préférences de chacun, en liaison avec la diversité des expressions, leur proximité avec la matrice américaine, le blues, ou leur parenté plus forte avec la tradition hexagonale, y compris parfois classique, et bien sûr la personnalité de chacun des pianistes, qui dépend de tellement de facteurs, comme la biographie par exemple, qu’on ne va pas rentrer dans des comparaisons qui n’ont pas lieu d’être. Chacun fera son bonheur de ce qu’il préfère dans cet ensemble bourré de virtuosités, d’inventivité, de poésie d’où se dégage malgré tout une forme d’unité de ton, sans doute liée au cadre, à l’instrument (il y a un long texte sur le livret consacré à l’instrument), à la forme choisie (le solo les plus souvent ou le duo parfois), une sorte d’intimité qui correspond bien à ce projet «at home».

Votre serviteur isole dans cet ensemble les enregistrements de Pierre Christophe, une splendeur dans la filiation du grand Jaki Byard et des grands classiques du piano jazz, Vincent Bourgeyx très dynamique, Laurent Coq, très original dans sa synthèse, Laurent Courthaliac, à l’origine du projet, et qui réunit à sa façon, avec brio, ses deux maîtres Bud Powell et Thelonious Monk: des expressions qui par l’expression sont plus hot, même si dans ce cadre intime, le ton, comme on l’a dit, rapproche les expressions entre elles. Mais comme il s’agit d’atmosphères, on peut aussi être charmé par celles, travaillée de Franck Amsallem, tout en douceur (et qui chante); de Pierre de Bethmann, le plus moderne à la française dans son inspiration et partant le moins jazz par l’esprit, le ton et la manière, mais c’est tellement poétique et bien exprimé; par la maestria d’un Manuel Rocheman, le vrai disciple ici de Bill Evans, malgré sa proximité connue avec Martial Solal dont il partage la virtuosité («St. Thomas»); par la découverte de Fred Nardin (pour ceux qui ne l’ont pas encore écouté) qui s’inscrit ici dans l’atmosphère générale du disque (des thèmes du jazz) et de la tradition du piano jazz. Un autre petit cas à part, avec Pierre de Bethmann, le disque d’Alain Jean-Marie, en compagnie du brillant Baptiste Herbin (as), fait une place à part entière à son jeune compagnon, et même s’il y a deux belles pièces en solo, c’est un vrai duo. On sait la prédilection pour le dialogue du grand pianiste, sa capacité de passeur de la tradition dont ont bénéficié des générations de musiciens de jazz, et c’est un bel enregistrement dépouillé et intense ou Alain Jean-Marie est comme toujours au cœur de la musique de jazz, de la tradition du piano jazz qu’il a bien servie si l’on en juge par ces «enfants» qui tous témoignent de la richesse de cet héritage.

Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

McClenty Hunter Jr.
The Groove Hunter

Blue Chopsticks, The Big Push*, Autumn, That Girl, My Love, Sack Full of Dreams, I Remember When, Countdown, Give Thanks
McClenty Hunter (dm), Eddie Henderson (tp)*, Donald Harrison (as, titres 2,8), Stacy Dillard (ts, ss, titres 2,3,5), Eric Reed (p, titres 1,2,3,5,8,9), Christian Sands (p, ep, titres 4,6,7), Dave Stryker (g, titres 4,6), Corcoran Holt (b, titres 1,2,3,5,8,9), Eric Wheeler (b, titres 4,6,7)

Enregistré les 23 novembre 2015, New York et 23 janvier 2018, Paramus (New Jersey)

Durée: 51’ 54”

Strikezone 8816 (www.davestryker.com)


Très bon disque d’un vrai all stars (Eddie Henderson, Donald Harrison, Eric Reed, Dave Stryker, pour cette fois dirigé par le batteur, l’excellent McClenty Hunter, un habitué de la scène new-yorkaise qui, pour être souvent dans l’ombre des leaders, n’en est pas moins drummer de talent. Dans la grande tradition, c’est par le gospel, dans le Maryland, qu’il a commencé. Puis, sa route a croisé celle d’un enseignant de qualité, Grady Tate, avant de rejoindre la Juilliard sous la férule d’un autre géant de l’instrument, Carl Allen. Son parcours l’a ensuite conduit au sein de la formation de Kenny Garrett et il a accompagné Lou Donaldson, Eric Reed, Curtis Fuller, Javon Jackson… Autant dire qu’il a atteint cette excellence de la plus belle tradition post bop dont témoigne d’ailleurs cet album de bonne facture. Pour ce qui est sans doute son premier opus de leader, il n’a eu aucun mal pour réunir de splendides musiciens dont Eric Reed, excellent sur «My Love» en particulier, Dave Stryker, tout à fait dans l’esprit («Sack Full of Dreams») et par ailleurs à l’origine du label qui produit ce disque.

Signe des meilleurs batteurs, il ne tire pas la couverture à lui, se concentrant sur la qualité musicale, apportant sa délicatesse, la précision de son toucher, des nuances, laissant respirer une musique portée par des musiciens de haut niveau comme Eddie Henderson et par de plus jeunes déjà confirmés comme Stacy Dillard, Christian Sands ou Eric Wheeler. C’est du très beau jazz moderne et pourtant dans la tradition, où blues et swing accompagnent invention et qualité des arrangements. Le répertoire n’est pas monopolisé par le leader (quatre beaux titres) et on retrouve Wayne Shorter, John Coltrane (Donald Harrison, splendide), Herbie Nichols, Gary McFarland, Stevie Wonder. McClenty Hunter, Jr. est un batteur qui aime la musique et les mélodies, un musicien de talent à découvrir bientôt, pour lui, pour son groupe, sur les scènes européennes si les responsables artistiques des festivals n’ont pas les oreilles bouchées.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Nicola Sabato Trio
Bass Tales...

Last Stop, Three Views of a Secret, First Trip, Tale of the Fingers, When You Go, The Shade of the Cedar Tree, What’s New, Unit Seven, Goodbye Porkpie Hat, Scarlett’s Blues, Ain’t That Nothing, Tricotism
Nicola Sabato (b), Tamir Hendelman (p), Germain Cornet (dm)
Enregistré les 16 et 17 juillet 2017, Malakoff (92)
Durée: 1h 02’ 43’’
Black & Blue 1068-2 (Socadisc)


Nicola Sabato n'a pas la prétention de réinventer le jazz; il se contente de le servir avec respect, enthousiasme et élégance. Et si, à 46 ans, le contrebassiste est un accompagnateur apprécié (Dany Doriz, Jeff Hamilton, Harry Allen, Craig Handy, Kirk Lightsey, Mandy Gaines…), il a un tempérament de leader et fourmille d’idées. Il est ainsi à la tête de différentes formations: un quintet rendant hommage à Frank Sinatra, un trio consacré à Oscar Peterson, un Nicola Sabato Quartet avec les habituels complices (Dano Haider, g, Florent Gac, p, Germain Cornet, dm) ou encore un autre quartet codirigé avec le vibraphoniste Jacques Di Costanzo (qu’on retrouve sur Plays the Music of Ray Brown & Milt Jackson, Autoproduit, 2017, voir Jazz Hot n°680).
Soucieux de rendre honneur à son instrument, Nicola Sabato réunit sur Bass Tales… des compositions de bassistes historiques (de Ray Brown à Jaco Pastorius) ou contemporains (Christian McBride, John Clayton…), ainsi qu’un original («Scarlett’s Blues»). Autant de personnalités fort différentes, ayant chacune évolué dans des esthétiques particulières, mais dont Nicola Sabato s’est approprié les mélodies avec de beaux arrangements. Le tout est magnifiquement interprété par un trio possédant un grande qualité rythmique («Last Stop», John Clayton), porté par une pulsation intense. Au centre du discours, Tamir Hendelman, à la fois virtuose et percussif, se situe dans la filiation d’Oscar Peterson (il ne pouvait que s’entendre avec un disciple de Ray Brown!). Ancien sideman de Jeff Hamilton, Harry Allen, Warren Vaché ou encore Houston Person, autant dire que pour le swing, il a été à bonne école! Le jeune Germain Cornet (né en 1991) qu’on entend en club depuis déjà quelques années –aux côtés de Nicola Sabato, Pablo Campos– séduit par son dynamisme et sa finesse, ainsi que par sa maîtrise du langage jazzique. Quant au leader, il insuffle au trio son groove vivifiant et met de temps à autre sa contrebasse plus en avant, rappelant que la «grand-mère» est aussi capable de s’exprimer en soliste; ses interventions n’ont rien d’accessoire, que ce soit sur «Three Views of a Secret» (Jaco Pastorius) –en dialogue avec le piano–, sur l’excellente version de «Goodbye Porkpie Hat» (Charles Mingus) ou encore, à l’archet (somptueux), sur «When You Go» (Ray Brown).
Ce Bass Tales… (dont le titre évoque ces histoires qu’on se transmet entre musiciens) est un régal de bout en bout.
rôme Partage
© Jazz Hot 2019

Jacques Vidal
Hymn

To Dance, Charlies Mingus' Sound of Love, Spirit, Walk in New York, Miles, Jazz Attitude, Hymn, Phrygian Mode, Alice, Variation sur le thème d'Alice, Funky Blues
Jacques Vidal (b), Daniel Zimmermann (tb), Pierrick Pédron (as), Richard Turegano (p), Philippe Soirat (dm)
Enregistré en octobre 2017, Villetaneuse (93)
Durée: 53’ 35”
Soupir Edition 241 (Socadisc)


De belles compositions du leader et un bon quintet de jazz entièrement dévoué à la musicalité et à de belles atmosphères font de ce disque un événement jazz. Pour dépeindre l’esprit qui se dégage de cet enregistrement, avec des dédicaces à Charles Mingus, dont Jacques Vidal est un fin connaisseur et admirateur, et à Miles Davis, disons qu’il est principalement dans la continuité d’un jazz post bop (à l’exception de «Variation sur le thème d'Alice»), se distinguant des recherches coltraniennes tout en gardant certains traits de cette spiritualité d’époque. La place faite au trombone ici, les arrangements et bien entendu Jacques Vidal lui-même apportent par moments une couleur mingusienne («Funky Blues» en particulier).
Il y a dans l’hexagone un amour sincère pour cette musique aujourd’hui et donc d’excellents musiciens, confirmés et complices déjà des formations du contrebassiste (Richard Turegano, Philippe Soirat comme toujours the right man in the right place). Leur rencontre autour de Jacques Vidal, un aîné dont le parcours s’est fait au contact de l’histoire du jazz depuis plus de cinquante ans (on en retient une longue amitié musicale avec le regretté guitariste Frédéric Sylvestre, et l’amour de Jacques Vidal pour la musique de Charles Mingus), donne ce beau moment d’un jazz dans la tradition, bien sûr d’une époque, mais avec toutes les caractéristiques de cette musique depuis qu’elle existe: du swing, du blues, une qualité d’expression, un jeu de contrebasse essentiel tout entier tourné vers la musicalité, la mélodie, et, de temps en temps, des couleurs classiques, réminiscences, on peut le supposer, de sa longue amitié avec Frédéric Sylvestre («Alice», «Variation sur le thème d'Alice» à l’archet en solo).
Si Jacques Vidal assume sa position de leader par de beaux chorus inspirés («Hymn»), il laisse beaucoup de place à ses compagnons du jour, Daniel Zimmermann et Pierrick Pédron ne se privant jamais d’en profiter, l’essentiel restant toujours la musique, ce jazz que Jacques Vidal a tant aimé et tant honoré en dépit de ses débuts dans ce groupe à la mode de ce temps, Magma, qui prétendait remplacer (déjà, bien avant les musiques actuelles de l’époque Jack Lang) ce jazz «récupéré» et ses racines bien terrestres (souvenirs lointains de Châteauvallon). Cela dit pour l’histoire, car Jacques Vidal, à la différence de Magma, fait aujourd’hui partie de l’histoire du jazz (le beau «Jazz Attitude» ou Pierrick Pédron évoque quelque peu Eric Dolphy) qu’il continue d’honorer comme ici avec ce bon disque.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Three Blind Mice
See How They Run

Viper Mad, Echoes of Spring, Fidgety Feet, Black Beauty, Carolina Shout, Southern Sunset, Humoresque, Don't Be That Way, Four Brothers, Panama, Home, The Jitterbug Waltz, Chloe, Russian Lullaby, Three Blind Mice
Malo Mazurié (tp, cnt), Félix Hunot (g, bjo, voc), Sébastien Girardot (b)

Enregistré les 24 et 25 juillet 2018, Persan (95)

Durée: 52’ 33’’

Autoproduction (sebastiengirardot@me.com)


Le trio Three Blind Mice a remporté un grand succès au 41e Jazz in Marciac, les 6 et 7 août 2018, avec Aurélie Tropez en guest. Voici leur deuxième album, une partie du programme étant celui entendu en «live» à Marciac. C'est un travail d'une grande qualité. «Viper Mad», après une partie chantée et un solo en «single note» de Félix Hunot change de tempo avec une partie de trompette en sourdine d'une mobilité digne de celle de Charlie Shavers chez John Kirby. L'arrangement pour trio du délicat «Echoes of Spring» de Willie «The Lion» Smith est de la dentelle! «Fidgety Feet» vaut pour le slap de Sébastien Girardot et le stop chorus foudroyant de Mazurié dans le style Armstrong, époque Hot 5. Exposé avec sourdine à la façon de Shorty Baker, «Black Beauty» est l'objet d'un arrangement fouillé (comme tous les titres du CD d'ailleurs). Deuxième transcription d'une pièce de piano pour trio, «Carolina Shout». Et là encore, grand travail de Hunot et Girardot (maître es'slap). Les mêmes sont tout autant impressionnants dans «Southern Sunset». La sonorité ronde (cornet) de Mazurié est séduisante avec juste ce qu'il faut de vibrato. Changement de climat, plus latin, dans cette version inattendue de l'«Humoresque» de Dvorak. Mazurié se fait charmeur dans «Don't Be That Way» sur un tempo médium parfait pour un phrasé swing. L'échange entre le slap et la trompette est d'une mise en place parfaite ainsi que du meilleur effet. La vélocité de Mazurié est impressionnante dans le «Four Brothers» de Jimmy Giuffre pris sur un tempo très vif. Amusant et dansant «Panama» avec banjo et sur tempo de biguine tranquille. Sébastien Girardot y prend un solo en pizzicato avec une sonorité ronde admirable. Introduction ad lib à la Ruby Braff-George Barnes pour «Home» qui est ensuite chanté par Félix Hunot. Sébastien Girardot y déploie son talent de mélodiste. Coda très Armstrong, ce qui s'imposait. Notons que les instruments sont très bien enregistrés (et mastering François Biensan). Retour du banjo dans la «Jitterbug Waltz» que Bobby Hackett jouait si bien et au niveau duquel Mazurié est monté. La surprise vient de la brièveté: 1’36’’. Après une introduction très «segovienne», «Chloe» est exposé en wa wa growlant. La recherche et surtout les trouvailles rendent ce disque très vivant. C'est sur tempo médium swing qu'est exposé «Russian Lullaby». Au cornet Malo Mazurié a la même souplesse de jeu des graves aux aigus que Ruby Braff. Sébastien Girardot nous offre un autre de ses solos de classe (quelle ampleur de son!). Le solo de Félix Hunot, incisif, passe du single note aux discours en accords comme si c'était l'évidence. La trompette bouchée sur un rythme latin joue pour terminer la chanson traditionnelle, «Three Blind Mice» (1609), thème exploré avant elle dans des œuvres signées Robert Schumann (Kreisleriana n°7) ou Curtis Fuller pour Art Blakey («The Three Stooges»). Mais ce que le trio a et que les autres n'ont pas, c'est la concision: tout est dit en 1’04’’. Ces Three Blind Mice là nous font croire qu'il y a encore du bon au XXIe siècle! Merci.

Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Mahalia Jackson
Complete Mahalia Jackson: Intégrale vol. 14. 1961

You'll Never Walk Alone (From «Carousel»), Just As I Am, Without One Plea, Lord Don't Move the Mountain, It's a Highway to Heaven, The Lord's Prayer, Tell It, Sing It, Shout It, The Rosary, My Faith Looks Up to Thee, Come on Children Let's Sing, Somebody Bigger Than You and I, I Believe, My Lord and I, My Father Watches Over Me, I Asked the Lord, Joshua Fit the Battle of Jericho, God Will Take Care of You, Didn't It Rain, Throw Out the Life Line, Down by the River Side, Hallelujah, 'Tis Done!, By His Word

Mahalia Jackson
Complete Mahalia Jackson: Intégrale vol. 15. 1961

An Evening Prayer (Dear Lord Forgive), Where He Leads Me I Will Follow, I Do, Don't You ?, I Want to Be a Christian, There Is Power In the Blood, Blessed Quietness, Elijah Rock, Because His Name Is Jesus, Have You Any Rivers (God Specializes), The Only Hope We Have, Take My Hand Precious Lord, I Found the Answer, I Know It Was the Blood, Bless This House, In the Garden, God Be With You (Till We Meet Again), Silent Night (Holy Night), Sweet Little Jesus Boy, A Star Stood Still (Song of the Nativity), O Come All Ye Faithful (Adeste Fideles)

Mahalia Jackson
Complete Mahalia Jackson: Intégrale vol. 16. 1961

An Evening Prayer (Dear Lord Forgive), Where He Leads Me I Will Follow, I Do, Don't You ?, I Want to Be a Christian, There Is Power In the Blood, Blessed Quietness, Elijah Rock, Because His Name Is Jesus, Have You Any Rivers (God Specializes), The Only Hope We Have, Take My Hand Precious Lord, I Found the Answer, I Know It Was the Blood, Bless This House, In the Garden, God Be With You (Till We Meet Again), Silent Night (Holy Night), Sweet Little Jesus Boy, A Star Stood Still (Song of the Nativity), O Come All Ye Faithful (Adeste Fideles)

Mahalia Jackson
Complete Mahalia Jackson: Intégrale vol. 17. 1961

An Evening Prayer (Dear Lord Forgive), Where He Leads Me I Will Follow, I Do, Don't You ?, I Want to Be a Christian, There Is Power In the Blood, Blessed Quietness, Elijah Rock, Because His Name Is Jesus, Have You Any Rivers (God Specializes), The Only Hope We Have, Take My Hand Precious Lord, I Found the Answer, I Know It Was the Blood, Bless This House, In the Garden, God Be With You (Till We Meet Again), Silent Night (Holy Night), Sweet Little Jesus Boy, A Star Stood Still (Song of the Nativity), O Come All Ye Faithful (Adeste Fideles)

Mahalia Jackson (voc), avec selon les morceaux: Mildred Falls (p, dir), Edward C. Robinson (org, p) Louise Overall Weaver-Smothers (org), Barney Kessel (g), Red Mitchell (b), Shelly Manne (dm)
Enregistré entre mi-juin et début juillet 1961, Hollywood (Californie)
Durée: 1h 04’ 09”; 1h 04’ 07”; 1h 03’ 43”; 1h 03’ 25”
Frémeaux et Associés 1324-1325-1326-1327 (Socadisc)


Ces 4 volumes de l’intégrale consacrée à Mahalia Jackson sont dédiés à la réédition de la totalité des chansons filmées par la chaîne de télévision TEC en 1961 sur la Côte Ouest. Une partie seulement fut éditée sur disque. C’est donc un inédit discographique, une nouveauté, et, comme le dit Jean Buzelin qui supervise cette édition, un événement exceptionnel car il s’agit des inédits d’une artiste exceptionnelle, la grande voix du monde afro-américain de ce temps avec Ella, une voix au sommet de son art et de sa conviction en 1961. S’il est une artiste qui mériterait le sobriquet de «The Voice», c’est bien Mahalia Jackson. Elle a, comme quelques exceptions de l’art vocal toutes musiques confondues et encore plus sans doute que la plupart, cette capacité rare à rendre crédible, émouvant un répertoire à caractère spirituel, social et politique, chanté dans n’importe quel contexte.
Si la qualité du son (Jean Buzelin explique la difficulté de reconstituer cette intégrale) n’est pas toujours à la mesure d’une chanteuse qui a fait osciller d’émotion bien des publics, c’est déjà miraculeux de pouvoir les écouter, et avec un peu d’imagination, on comprendra toute la puissance de cette voix, secondée ici par la fidèle Mildred Falls et d’autres musiciens spécialisés dans ce registre de la musique spirituelle. Mais comme nous sommes à Hollywood, CA, on retrouve les inattendus Barney Kessel, Red Mitchell et Shelly Manne sur certaines plages. Après une grande tournée internationale, la TEC et son directeur Harold Goldman, avaient en effet prévu d’enregistrer et de filmer plus de de 80 chansons (82 sont ici restituées), un véritable travail de mémoire (même si telle n’était pas la motivation) réalisé en une dizaine de séances sur quinze jours, de 9h à 17h. Mahalia y aborde un répertoire plus large que l’habituel. On ne dira jamais assez la puissance et la force de travail de ces chanteuses qui comme Ella et Mahalia sont capables de telles performances en conservant dans chaque note une telle authenticité et de telles qualités d’expression et de conviction. Jean Buzelin, qui détaille l’histoire, rappelle que Mahalia contracta une laryngite, et malgré ce, le contrat fut honoré en temps et matérialisé par 84 bobines filmées dans un décor minimaliste seulement peuplé de l’envoutante présence artistique de cette chanteuse hors norme. Une moitié de ces titres est inédite, et ils ne seront pour partie pas repris dans d’autres séances. Il n’y a rien à jeter ou négliger, et ce travail d’intégrale de Mahalia Jackson dans son ensemble est un indispensable de l’édition phonographique.
Le terme de «musique religieuse» qui sert à classer «commercialement» ces performances est bien réducteur en regard de l’importance spirituelle, sociale, politique et même artistique de Mahalia Jackson en son temps: le 16 juillet 1961, soit huit jours après la fin de ces enregistrements, elle était en effet au Madison Square Garden aux côtés de Martin Luther King («
I'm a Child of the King») qui occupe la scène juste avant elle, et dont elle continue d’accompagner la lutte pour l‘égalité et la dignité avec la puissance de la conviction de son expression… Cet ensemble constitue une intégrale en soi à l’intérieur de celle de l’ensemble de l’œuvre de Mahalia Jackson.

Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Milt Buckner & Jo Jones
Buck and Jo

Titres détaillés dans le livret (4 CDs)
Milt Buckner (org), Jo Jones (dm)

Enregistré les 18 mai 1971, 29 mars 1972, 16 février 1973, 27 février 1974, Paris, Boulogne

Durée: 3h 53’ 22’’

Frémeaux & Associés 5684 (Socadisc)


C'est la réédition des albums du label Jazz Odyssey: Deux Géants du Jazz (04), Milt & Jo (07) et Blues for Diane (011) avec en prime une séance inédite du 16 février 1973 qui propose des titres qu'ils réenregistreront en 1974. C'est à Louis Panassié, fils d'Hugues, que l'on doit cette documentation. Milt Buckner (1915-1977) révélé par Lionel Hampton comme pianiste dès 1941, avait une approche «orchestrale» en block chords («exécution simultanée d'accords par les deux mains se déplaçant en même temps sur le clavier») qui prédisposait au jeu d'orgue. Comme le souligne Laurent Verdeaux dans le livret, la prestation de Milt Buckner à l'orgue en concert le 28 novembre 1967 au théâtre de l'Est Parisien fut, chez nous, une révélation. Jo Jones (1911-1985) d'abord danseur, trompettiste (influence de Louis Armstrong), pianiste, s'impose ensuite comme l'un des plus grands batteurs que le jazz ait connu. Chez Count Basie son style devint une référence...et elle l'est toujours. Tous les jazzfans connaissent son art dans l'usage de la cymbale high hat. L'entente entre Milt Buckner et Jo Jones est exceptionnelle et le tandem a ainsi pu durer. De fait, ce coffret de 4 CD est avec The Drums (1973, Jazz Odyssey 008) et Le Lion, le Tigre et la Madelon (1973, Jazz Odyssey 009) une inestimable référence du drumming swing (très bien enregistrée qui plus est). Plus de 3 heures en duo peuvent faire peur. D'abord, il n'est pas obligé de tout écouter à la file, d'autre part si on suit le drumming de Jo Jones, si varié et swing à la fois, on ne s'ennuie pas. L'imagination de Jo Jones semble sans fin. Milt Buckner et Jo Jones sont deux swingmen, donc pas de réserve de ce côté-là («Flying Home»). Ils alternent les tempos. Il y a la maîtrise du blues («Blues for Diane») et des slows de Milt Buckner avec une sonorité pleine et séduisante («I Want a Little Girl», «Smoke Rings», «La Belle Claudine», sa composition «Our Engagement Day» en solo, …) et sa connaissance des registres (le très wallerien «Honeysuckle Rose»; «Count's Basement», «Tea for Two»,...). On trouve quelques quasi-solos de batterie renversants («I Found a New Chapeau», «Jo's Brushes» grande leçon de balais!–, «Cute»,…) et beaucoup d'alternatives entre l'orgue et la batterie («Almost Like Being in Love», «Shiny Stockings», «Little Girl», «Dinah», «You Always Hurt the One You Love»,…). Le drumming en bord de caisse de Jo Jones est du tap dance («You're Driving Me Crazy», «Sometimes I'm Happy», «Am I Blue?»,…). Il y a une dose d'humour («Three O'Clock in the Morning»). Dans les inédits, il y a «I Follow You» (jolie composition de Thelonious Monk qu'il enregistra en 1952, prise ici en slow), «Perdido» de Juan Tizol (encore une leçon de Jo Jones!), «Squeeze Me» de Fats Waller (1925) et «It Happened in Monterey» de Mabel Wayne (1930, pour le film King of Jazz consacré à Paul Whiteman, mais popularisé en 1956 par Frank Sinatra). Enfin, il est émouvant d'entendre la voix de Milt Buckner annonçant des morceaux (CD2, 3, 4) et Milt et Jo parler ensemble (titre 13, CD1). Aussi ludique que... pédagogique.
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueRené Urtreger
Early Trios 1954-1957

A Night in Tunisia, The Way You Look Tonight, Dance of the Infidels, Budo, Parisian Thoroughfare, So Sorry Please, Boucing With Bud, À La Bud, Mercedes, Celia
René Urtreger (p), Benoît Quersin (b), Jean-Louis Viales (dm)
Enregistré le 16 mai 1954, Paris
Fontainebleau, Monsieur de…, What's New?, Jumpin' at the Woodside, Tune Up, How About You?, Polka Dots and Moonbeams, Lady Bird, Bloomdido, Indian Anna, Goofy the Cat, Blues for Marianne, I Didn't Know What Time It Was, East of the Sun, Al's Groove
René Urtreger (p), Paul Rovère (b), Al Levitt (dm)
Enregistré le 20 avril 1957 et en septembre 1957, Paris
Durée: 1h 18’ 31”
Fresh Sound Records 956 (Socadisc)


Quand le jazz en France et en Europe ne se posait d’autre question que de coller à l’évolution vertigineuse de cet art, les musiciens n’avaient d’autres soucis que de s’imprégner des codes d’une culture qui, pour n’être pas née sur les bords de Seine, remuaient leurs fibres jusqu’au plus profond. On ne peut pas comprendre autrement ce miracle qui a permis à des musiciens, comme ceux réunis autour du grand René Urtreger, de posséder si rapidement et si parfaitement un langage aussi particulier que celui du bebop, à peine élaboré depuis une dizaine d’année de l’autre côté de l’Atlantique. Mais déjà en France et en Belgique, il y avait ce background, depuis l’avant-guerre, qui avait permis la maîtrise d’une partie des codes de l’expression afro-américaine, dont le swing et parfois le blues, au moins sur le plan formel. Ce miracle a également été rendu possible par la symbiose qui s’est opérée à Paris entre de jeunes musiciens locaux et de jeunes et moins jeunes musiciens américains venus faire consacrer leur art dans cette capitale mondiale des arts. L’humilité devant l’art, la soif d’apprendre au contact des plus grands de cet âge d’or, de jouer, le goût d’une vie d’artiste, l’émulation saine et naturelle, et d’autres ingrédients pour René Urtreger (il faut vous référer aux belles et nombreuses interviews qu’il nous a accordées), ont donné les clés du paradis du jazz à cet émule du grand Bud Powell. Malgré son mal de vivre, Bud Powell a inspiré des générations de musiciens sur les bords de la Seine où il passa une partie de sa vie.
Ces enregistrements essentiels témoignent donc non seulement des qualités pianistiques d’un leader totalement investi dans son art avec une conviction et une imagination hors norme, mais également d’une époque, d’un âge d’or où le jazz de toutes les époques vivait en famille sur la Seine, une famille devenue planétaire sans hiatus par l’existence d’un consensus autour d’un langage commun fondé sur le blues, le swing et l’expression, même si cette expression était d’une diversité sans limite, intense comme ici, à l’instar de celle du Maître Bud Powell, mélodique comme l’aime le Maître René Urtreger.
René Urteger est une légende, et à l’écouter tout jeune ici, et avec le recul, sa maîtrise de ce temps fait déjà partie de la légende d’un pianiste aussi brillant que modeste et plein d’humour. On doit cette réédition à l’indispensable Jordi Pujol qui réactive depuis longtemps la mémoire du jazz, en France en particulier (on lui doit récemment des enregistrements d’Hubert Fol et Martial Solal de grande qualité). Il enrichit ses productions d’un texte savant. De la grande musique par un grand producteur, le rêve des amateurs de jazz.
Yves Sportis
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueGuy Lafitte
Quartet & Sextet Sessions 1956-1962

Three Little Words, Le Conte, Sugar, What’s New?, Portrait de Camile, Corail, It’s the Talk of the Town, A Song Was Born, The Jeep Is Jumpin’, Tranquillement, Queenie, Le Chat qui dort, It Might as Well Be Spring, Gone With the Wind, Body and Soul, Lonesome Lover Blues, You Can Depend on Me, All too Soon, What Am I Here For, The Mill and the River, Plucky
Guy Lafitte (ts), Roger Guérin (tp), Claude Gousset, Nat Peck (tb), Dominique Chanson (as, fl), Michel de Villers, William Boucaya (bar), Jean-Claude Pelletier, Georges Arvanitas, Raymond Fol (p), Paul Rovère, Gilbert Rovère (b), Christian Garros, Franco Manzecchi (dm), Kenny Hagood (voc), Claude Bolling, Raymond Fol, Martial Solal (arr)

Enregistré entre les 24-25 mai 1956 et le 3 mai 1962, Paris

Durée: 1h 12’ 50’’

Fresh Sound Records 975 (Socadisc)


Le label Fresh Sound s'attache à rééditer les disques Columbia de Guy Lafitte et c'était indispensable. Donc après André Persiany & His Orchestra Featuring Guy Lafitte (968) et Guy Lafitte. His Tenor Sax and His Orchestra (969), voici des sessions qui replacent, preuves à l'appui, Guy Lafitte (1927-1998) à sa place, celle du meilleur sax ténor jazz que la France ait donné. Rappelons l'étonnement de Wynton Marsalis lorsqu'il l’a entendu pour la première fois; et c'est parce que, déjà, «on n'entendait plus un son comme celui-là» qu'il lui a dédié un mouvement qui porte son nom dans la Marciac Suite. Il faut tout repréciser aujourd'hui, lorsqu'on sait l'indigence des «consommateurs» de «jazz» actuels! Le photographe Gérard Demonchy fut sidéré, il y a deux ans, lorsque, interrogeant des stagiaires saxophonistes à Marciac, aucun ne connaissait ne serait-ce que de nom, Coleman Hawkins! C'est de cette «école» que vient Guy Lafitte, via des fondamentaux que lui a directement transmis Don Byas. Son attachement allait aussi à Paul Gonsalves (ici dans «The Mill and the River»), et après la période couverte ici, à Sonny Rollins. Bien évidemment, Rollins comme Coltrane, non seulement connaissaient Hawkins, mais allaient humblement lui tirer des conseils tant en technique instrumentale qu'en harmonie. Bien sûr, pour cette génération d'artistes français reconnus par leurs pairs américains –les Guy Lafitte, Roger Guérin, Georges Arvanitas–, il s'agissait d'apprendre à maîtriser le langage jazz. Nous n'étions pas dans la délirante prétention des générations suivantes, autoproclamées créatives, source d'un charabia dit «jazz français» (qu'aurait-on pensé de contester la langue anglaise pour créer un «anglais français»?). Non, les Guy, Roger, Georges ont assimilé une langue (sa syntaxe et son vocabulaire) et l'ont parlé vrai «sans accent» (étranger au jazz), ce qui n'est pas incompatible avec l'extériorisation d'une personnalité (artistique). Bref, ce CD est un délice pour ceux qui connaissent la langue jazz. Tout est bon, bien enregistré et bien restitué. Dès les premières notes de Guy Lafitte sur «Three Little Words» (24 mai 1956), bien soutenues (Pelletier, Paul Rovère, Garros), tout est là: la qualité de son, le phrasé, le swing (un gros mot aujourd'hui) et une inspiration égale à celle des Don Byas, Chu Berry, Ben Webster, ce qui n'est pas peu dire. L'introduction à «Le Conte», composé par Guy Lafitte, est bien sûr dans la lignée du Count (parfait doigté de Pelletier, rondeur de Rovère et drumming à la Jo Jones) et il n'y a pas de honte; le solo de Guy est très créatif et bien sûr swing à la fois. Dans «Sugar», Pelletier, totalement oublié, est du niveau d'un Johnny Guarneri, et derrière l'épaisseur du son, comme chez Byas, Lafitte a aussi retenu la souplesse du discours de Lester Young. Le lyrisme de Guy Lafitte dans sa composition, «Portrait de Camille» fait penser à l'expressivité pulpeuse d'un Sam Taylor dans des ballades pour le label Prestige. Jean-Claude Pelletier est l'auteur de «Corail» qu'il a enregistré plus tard sous son nom en grand orchestre avec Guy au pupitre, ce qui ne devait pas l'enchanter car il s'estimait (mal!) mauvais lecteur (1957, Columbia ESDF 1144). Cette version par Guy est mieux réussie. Remarquons au passage que les maisons de disques françaises, et notamment Columbia, n'hésitaient pas à enregistrer des séances de jazz par des Français, et copieusement. Ce CD regroupe des 45 tours (Rendez-vous aux Trois Mailletz, ESDF 1118, Guy Lafitte, ESDF 1415) et des extraits de 25 cm ou complet (Do Not Disturb, F 1085; Guy, FP 1124; Guy Lafitte et son quartette avec Kenny Hagood, FP 113). Guy Lafitte qui était au sommet de son art en 1956-62 et qui avait acquis une belle notoriété qui débordait le monde du jazz, n'était pas seul pour réaliser ce que l'on peut considérer a posteriori (et dans le contexte actuel) comme des chefs d'œuvre de jazz! Qualité de son de Paul Rovère dans «It's the Talk of the Town», le son et phrasé de Roger Guérin dans «The Jeep Is Jumpin'» au swing insoutenable (arrangement de Claude Bolling) et son wa-wa musclé pour «Queenie» (composé par Lafitte dont l'entrée de chorus a l'autorité et la puissance impériale du Bean!), la pertinence sobre et efficace de Claude Gousset, l'élégance de style de Georges Arvanitas («Queenie» encore) et de Raymond Fol (tatumien dans l'introduction à «Gone With the Wind»). De la recherche il y en a, sans sacrifier la raison d'être jazz, comme l'exposé à l'unisson sax-voix dans «Le Chat qui dort» (de Lafitte qui était aussi, ce CD le rappelle, un bon compositeur de thèmes). Mais aussi, Guy Lafitte savait raconter une histoire, d'où ce talent particulier à distiller charme, tendresse, poésie dans les standards que l'on croit connaître: «It Might As Will Be Spring», «All too Soon». Ce CD s'adresse aux connaisseurs et, on peut rêver, à ceux qui souhaitent découvrir cet incontournable du sax ténor, Guy Lafitte.
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Jean-Pierre Derouard Swing Music and Co.
Camille Blue's. Vol. 7

Camille's Blues, Misty, On the Sunny Side of the Street, Someday You'll Be Sorry, On the Slow Boat to China, Just Squeeze Me, Gee Baby Ain't Good yo You, Cornet Shop Suey, West End Blues/Blue Turning Grey Over You, Cheek to Cheek*, Hello Dolly, Brotherhood of Men, Summertime, I Want to Be Happy*, What a Wonderful World°, Petite Valse de Kiara
Jean-Pierre Drouard (tp, flh, dm*, voc°, arr), Thomas Leverger (ts), Olivier Leveau, Arnaud Labastie (p), Nicolas Gréory (p, Rhodes), Camille Granger, David Salesse (b), Dominique Métais (dm), Lucile Richard, Marielle Dechaume (voc)

Enregistré: les 10, 11, 12 juillet 2018, Mulsanne (72)

Durée: 1h 02’ 15’’

Black & Blue 1073-2 (Socadisc)


Jean-Pierre Derouard (né en 1970) est bien connu comme batteur très efficace (trio Philippe Duchemin). Et il n'est vraiment plus un inconnu comme trompettiste puisque voici le vol.7 d'une série débutée en 2002 qui fut précédée d'un premier essai en 1996 (en septet, On the Way to Swing, DJP 5V1). Les progrès ont été constants sur cet instrument qui lui plait depuis l'âge de 5 ans après avoir entendu Louis Armstrong. C'est en 1995 qu'il monte un orchestre en tant que trompettiste-leader à côté de son activité de batteur au service des autres (Jean-Loup Longnon, Eric Luter, Benny Bailey, Nicholas Payton, François Guin, Bob Wilber, Scott Hamilton, Rhoda Sott, Lou Donaldson, Benny Golson, Barcelona Jazz Orchestra, etc). Comme tout autodidacte, il cherche toujours à en savoir plus... Jean-Pierre Derouard cite François Biensan, Guy Bodet, David Pastor, Matthew Simon, Ivo Ullé, Alberto Perez, Ewen Cousin, Gilles Relisieux parmi ceux qui lui ont apporté sur la technique de la trompette. Comme quoi on ne reste pas autodidacte. Mettons à part les deux titres en trio digne de celui de Philippe Duchemin avec Jean-Pierre Derouard à la batterie: «I Want to Be Happy» (solo de batterie) et «Cheek to Cheek» (avec chanteuse). Ainsi que le tube posthume de Satchmo, «What a Wonderful World» par Jean-Pierre Derouard chanteur avec chœur. Côté trompette, la référence au premier maître est toujours là, notamment, avec deux excellents duos trompette-piano: «Cornet Shop Suey» (enregistrement à l'ancienne qui se normalise) et «West End Blues/Blue Turning Grey» (cadence de Pops bien assurée, bon solo swing de piano). Lorsque Jean-Pierre Derouard aborde «Blue Turning Grey», il a le style mais pas la puissance d'Armstrong (écoutez les premières notes de la version Satch plays Fats, 1955); personne ne l'a. Il y a un autre duo trompette-piano dans «On the slow boat to China», un des points forts du CD. Jean-Pierre Derouard utilise bien le plunger et le stop chorus dans «Gee Baby» et, faisant, chose rare, penser à Clark Terry (!), dans «Brotherhood of Men», autre grand moment du CD. Le clin d'œil à Miles Davis (sourdine harmon) dans «Summertime» n'échappe pas, pas plus que la très brève citation de «Joy Spring» de Clifford Brown dans le solo sur «Just Squeeze Me» (bon solo de contrebasse). Désormais, Jean-Pierre Derouard double au bugle avec une belle sonorité ronde et chaude comme dans «Misty» joué en quartet (solo de piano à la Erroll Garner). Sur cet instrument on le remarque aussi dans «Someday» (citation bop dans le solo) et sa prestation dans «Hello Dolly» (rythme bossa, bon solo de contrebasse). Jean-Pierre Derouard offre aussi deux de ses compositions «Petite valse pour Kiara» jouée au bugle (beau travail de contrebasse à l'archet) et «Camille's Blues», seul morceau en quintet genre Messengers avec l'influence de Lee Morgan et de Benny Golson sur Jean-Pierre Derouard et Thomas Leverger, ainsi que d'Art Blakey dans le drumming. Bref, un programme plaisant et diversifié démontrant l'élargissement des influences trompettistiques sur Jean-Pierre Derouard.

Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueBobby Sanabria Multiverse Big Band
West Side Story Reimagined

Prologue, Jet Song, America, Gee Officer Krupke, Tonight, Gym Scene–Blues/Mambo, Gym Scene–Cha Cha Cha, Maria, Cool, The Rumble, One Hand One Heart, Somewhere, Epilogue/Finale, Outro
Bobby Sanabria (musical director, dm, voc), Kevin Bryan (tp), Shareef Clayton (tp), Max Darché (tp), Andrew Neesley (tp), David Dejesus (as, ss, fl), Andrew Gould (as, fl), Peter Brainin (ts, fl), Yaacov Mayman (ts, cl, fl) Danny Rivera (bar), Dave Miller (tb), Tim Session (tb),  Armando Vergara (tb),  Chris Washburne (tb), Gabrielle Garo (fl, picc), Ben Sutin (evln), Darwin Noguera (p), Leo Traversa  (b), Oreste Abrantes (cgas), Matthew Gonzalez (bgo/cencerro, voc), Takao Heisho (perc)
Enregistré le 19 novembre 2017, New York
Durée: 1h 43’ 19’’ + 36’ 19’’
Jazzheads 1231 (www.jazzheads.com)


Bobby Sanabria entretient une relation particulière avec la comédie musicale West Side Story, donnée pour la première fois à Broadway le 26 septembre 1957, soit quelques mois à peine après sa naissance. En effet, son adaptation cinématographique (Robert Wise, 1961) a marqué le jeune garçon né dans cette communauté portoricaine de New York laquelle devenait ainsi, de façon inédite, protagoniste de l’un des chefs-d’œuvre de la culture populaire américaine. Avec ce West Side Story Reimagined, Bobby Sanabria rend à la fois hommage à sa communauté (dont il explique la contribution dans le jazz –insuffisamment reconnue– dans son interview: Jazz Hot n°686) et à Leonard Bernstein dont on célébrait le centenaire en 2018. Lui même fils d’immigrés juifs ukrainiens, le compositeur n’a pas mis en musique cette histoire-là par hasard. Au-delà de ses seules origines, son activisme politique (rappelé dans notre compte-rendu «Bernstein on Broadway», Jazz Hot n°685) était en cohérence avec sa production artistique.
Enregistrée live au Dizzy’s Club du Lincoln Center, cette version très personnelle de l’œuvre de Bernstein, «réimaginée» par Bobby Sanabria, offre une relecture latin jazz d’une grande intensité où les rythmiques afro-cubaines se substituent à l’ampleur symphonique de l’original. Le Multiverse Big Band, belle mécanique de vingt-et-une pièces, interprète avec ferveur des thèmes iconiques, dont les arrangements sont issus de différents auteurs, d’où une grande variété stylistique: le «Prologue» hypnotique de la version originale –qui introduit l’antagonisme entre les «Jets», euro-américains, et les «Sharks», portoricains–, utilise les percussions pour exprimer la tension entre les bandes rivales. L’illustration musicale demeure intacte, mais les outils employés sont différents. «America», pris sur un tempo plus lent, intègre des éléments rythmiques vénézuéliens (le joropo) en contrepoint du solo coltranien d’Andrew Gold (as). Sur «Tonight», le lyrisme qui dépeignait la passion amoureuse contrariée laisse place à une succession d’emprunts aux traditions cubaines (boléro), brésilienne (samba) et dominicaine (merengue) comme pour décrire les nuances de l’état émotionnel des amants. Un collage quelque peu déroutant dont Bobby Sanabria est coutumier. De façon générale, cette diversité de couleurs fait la richesse de cette adaptation, tout en préservant la cohérence de l’ensemble, et en restant, avant tout, au service d’un jazz enraciné dans la couleurs latines qui naissait quelques années auparavant avec les Mario Bauza, Dizzy Gillespie, Chano Pozzo et quelques autres encore. Car ce disque swingue de bout en bout, avec quelques beaux morceaux de bravoure, comme la première version blues-mambo de «Gym Scene», dans la lignée du big band de Dizzy Gillespie, aux côtés duquel Bobby Sanabria a joué.

Un travail (bien servi par un livret détaillé) qui fait honneur à Leonard Bernstein, à la culture musicale portoricaine et au jazz. A noter qu'une partie des recettes de ce CD –qui vient d'être désigné «album de l'année» par la Jazz Journalists Association– ira à la Jazz Foundation of America (cf. Jazz Hot n°668).
rôme Partage
© Jazz Hot 2019

La Section Rythmique
+2

You'n' Me, In the Still of the Night, Birth of the Blues, Say Dream, Wes' Tune, One for Duke, Blues Up and Down, New Orleans, Step Right Up, I Don't Stand a Ghost of a Chance With You
David Blenkhorn (g), Sébastien Girardot (b), Guillaume Nouaux (dm) + Harry Allen (ts), Luigi Grasso (as)

Enregistré le 18 janvier 2018, Créon (33)

Durée: 50' 54''

Frémeaux & Associés 8564 (Socadisc)


Voici le deuxième album de La Section Rythmique sous son nom. Nous avions déjà signalé l'excellence de la formation à l'occasion de leur précédent disque pour le même label (
FA 8514, 2015). Ce trio remporte un succès considérable. Tout le monde le veut en concert (Leroy Jones, Leon Brown, Scott Hamilton, Ken Peplowski, Evan Christopher, Jason Marsalis, etc.) et en studio (Brad Child, 2017; Evan Arntzen, 2017; Patrick Artero, 2019). C'est le même principe, le même talent à s'adapter et le même niveau artistique que le Trio Georges Arvanitas (1966-1993) qui a accompagné les instrumentistes les plus variés en style de Buddy Tate à Robin Kenyatta. On souhaite à La Section Rythmique la même longévité, mais l'époque n'est pas la même. Et de l'amateur éclairé (qui ne faisait pas foule) on est passé, plus qu'à l'époque de Jean-Paul Sartre, au niveau du consommateur inculte pour le «fun». La célèbre formule du philosophe: «Le jazz, c'est comme les bananes, ça se consomme sur place!» prend aujourd'hui tout son sens. Et on aura beau varier les présentations (banane nature, banana split, banane en salade de fuit, etc.), gloutonner le même plat trop fréquemment présente un risque. Nous n'en sommes pas encore là, et pour notre bonheur, le trio montre présentement son versant mainstream-bop en compagnie de deux invités saxophonistes de luxe. Harry Allen est un des meilleurs ténors actuels. En juin 2004, Harry Allen fit une prestation éblouissante avec le Tuxedo Big Band (Marciac) ainsi que des étincelles à Ascona en combos divers avec notamment Warren Vaché ou Ed Polcer. Luigi Grasso au style parkerien volubile est aussi un favori des festivals. Le programme est bien choisi et met ces stars en valeur. Il débute sur tempo vif avec «You'n' Me» d'Al Cohn qui vaut notamment pour l'alternative entre les saxophonistes et le batteur, parfaitement à l'aise dans ce contexte (on le savait). La ballade «In the Still of the Night» d'Hoagy Carmichael démontre la complicité et la compatibilité instaurées entre les deux souffleurs. Leur qualité de son se marie bien. Dans la lignée du grand Wes Montgomery, David Blenkhorn lance «Birth of the Blues» sur lequel déboulent le ténor (à la sonorité légère presque d'alto) puis l'altiste avec virtuosité et inspiration. Le solo de Blenkhorn n'est pas moins remarquable (drumming bop de Guillaume Nouaux: accompagnement parfait et solo concis). L'exposé de «Day Dream» par Luigi Grasso est superbement «chanté» (délicat jeu de balais de Nouaux et sobriété des accords de Blenkhorn, des tenues d'Allen). Et le côté Ben Webster d'Harry Allen intervient ensuite pour combler le connaisseur. Belle alternative entre Blenkhorn et Nouaux dans «Wes' Tune». Magnifique sonorité de Sébastien Girardot au début de «One for Duke» et en solo! Ce beau thème de Johnny Hodges a été enregistré en 1960 par son sextet avec Ben Webster (il y a ici un clin d'œil à Herb Ellis chez David Blenkhorn). En 1950, Gene Ammons et Sonny Stitt avaient réalisé pour le label Prestige un solide «Blues Up and Down» qu'il est plaisant de retrouver-là (léger growl chez Harry Allen). C'est Sébastien Girardot qui expose le thème «New Orleans» (sur un drumming néo-orléanais) avant le développement alterné puis intriqué d'Allen et Grasso (drumming «conventionnel» sur tempo médium, à la cymbale). Excellent solo à la Wes Montgomery de David Blenkhorn dans «Step Right Up» d'Oliver Nelson. Le CD se termine par une ballade magnifique, «Ghost of a Chance» si magistralement jouée autrefois par Clifford Brown... mais c'est bien aussi pour l'alto (virevoltant) et le ténor (sensuel) pour ne rien dire de la guitare (sur tapis de balais et de discrètes rondeurs de basse). Un disque qui intéressera les fans de La Section Rythmique et les amateurs de saxophone.
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueIsabelle Seleskovitch
About a Date

Something Cool, Back in Rome, Almond Trees*, Too Darn Hot, Our Holiday, What’s With the Wind?, It Could Happen to You*, I Can’t Help It, Dame aux diamants (Sophisticated Lady)
Isabelle Seleskovitch (voc), Nicholas Thomas (vib), Laurent Marode (p), Fabien Marcoz (b), Mourad Benhammou (dm) + Sébastien Giniaux (g)*
Enregistré en avril 2018, La Frette-sur-Seine (95)
Durée: 38’ 22’’
Black & Blue 1075-2 (Socadisc)


Originaire du Val d’Oise, chanteuse (formée à l’art lyrique, ancienne élève de Sara Lazarus) et comédienne, Isabelle Seleskovitch est présente sur la scène jazz parisienne depuis quelques années. Elle commence d’abord par fréquenter les jam-sessions et à cette occasion rencontre le pianiste Laurent Marode qui l’encourage à travailler les standards et lui fait découvrir la pédagogie de Barry Harris. C’est avec lui qu’elle monte sa première formation, un trio avec le contrebassiste Denis Dessallien. Parallèlement, elle collabore avec d’autres musiciens, en particulier David Sauzay (ts) qui l’invite régulièrement et lui confie les paroles (en anglais) de ses compositions.
Dans ce premier enregistrement sous son nom, About a Date, Isabelle Seleskovitch propose six standards et trois originaux de sa main, le tout élégamment arrangé par l’excellent Laurent Marode. Car Isabelle Seleskovitch sait s’entourer (Fabien Marcoz et Mourad Benhammou complètent une section rythmique «de luxe») et opère des choix artistiques de bon goût. L’esthétique générale, ainsi que la présence du vibraphone, évoquent le Beauty and the Beat! de Peggy Lee et George Shearing, une référence revendiquée par la chanteuse. Pour autant, cette dernière se distingue par un timbre de voix assez original et une belle technique. Le swing n’est pas non plus absent de son expression, en particulier sur les morceaux rapides (sa très bonne composition «Back in Rome» est sans doute le meilleur moment de l’album). En revanche, trop affectée sur sa version en français de «Sophisticated Lady» («Dame aux diamants»), en duo piano-voix, Isabelle Seleskovitch livre une conclusion en deçà du reste de ce disque dont on peut apprécier la qualité de conception.
rôme Partage
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disquePatrick Artero
Family Portrait

Jazzonia*, Deep Henderson, Dreams*, In the Gloaming, March Moon*, The Moon Song, Morning After*, Riverboat Shuffle, Dream Deffered*, Prelude to a Kiss, Blues at Dawn*, Danse africaine*, Morning Glory, The Blues*, Really the Blues, Fantasy in Purple*, The Green Tiger, Could Be*, To Rigmor, Life Is Fine*, The Trumpet Player's Lament
Patrick Artero (tp), David Blenkhorn (g), Sébastien Girardot (b), Guillaume Nouaux (dm), Don Vappie (récitant)*
Enregistré les 29, 30 et 31 janvier 2019, Montreuil (93)
Durée: 58' 28''
Camille Productions 022019 (Socadisc)


L'égocentrisme des trompettistes les porte rarement à rendre hommage à un confrère (Patrick Artero l'a fait pour Bix, en 2002, puis pour Louis Armstrong, en 2014). A plusieurs trompettistes, c'est encore plus rare, sauf à titre pédagogique (Jon Faddis illustrant neuf stylistes sur un même thème le 17 juin 1987 pour l'International Trumpet Guild). Il y eut toutefois deux précédents notoires, le Britannique mésestimé Kenny Baker (1996, Tribute to the Great Trumpters) et le très démonstratif Arturo Sandoval (2003, Trumpet Evolution). Ce sont des productions lourdes (du combo au big band) et leur approche est de jouer au plus près du style du maître illustré (reconstitution). La contribution de Patrick Artero est en tout point différente. Alors que l'on voit sur la photo de couverture Miles Davis et Don Cherry, le programme de l’album n'aborde pas, contrairement à Sandoval, le dit «jazz moderne». Mais le programme est une chose, la façon de le jouer une autre. En revanche, Bunk Johnson est bien là, sur la couverture et en musique avec «In the Gloaming» de l'Anglaise Annie Fortescue Harrison (1850-1944) que Bunk enregistra en trio en 1946 (morceau gravé dès 1903 par Jules Levy). Il est positif de voir Bunk ainsi réhabilité et figurer aux côtés de King Oliver, Roy Eldridge, Bix, Cootie Williams, Red Allen, Rex Stewart, Tommy Ladnier, Buck Clayton, Joe Newman et le boss, Louis Armstrong. L'homogénéité est garantie par un seul groupe d'accompagnement, l'incontournable «Section Rythmique» dont nous n'avons cessé d'écrire du bien. C'est un poète, Patrick Artero, d'où cette option de faire lire des textes de Langston Hughes par son ami Don Vappie, placés comme des virgules entre les dix morceaux qui sont des dédicaces artistiques à ceux qui lui ont mis «un lampion pour éclairer sa route musicale». Don Vappie, enregistré par Artero en séjour à New Orleans, fait mieux que réciter, il vit le texte. Ces virgules poétiques sont accompagnées soit ad lib par un musicien (grand solo de blues de Blenkhorn sur «The Blues», drumming très «dirge» néo-orléanais sur «Fantasy in Purple», trompette à la Don Cherry/Lester Bowie sur «Blues at Dawn» dédié à Red Allen -que Don Ellis considérait comme avant-gardiste-, etc.), soit par le quartet (titres 1 et 20, le plus long, 3'03''). Elles cimentent les morceaux entre eux (exemple: la guitare de Blenkhorn dans «The Blues» se prolonge dans l'introduction à «Really the Blues»). En ce qui concerne les instrumentaux, on a dès «Deep Henderson» de Fred Rose (1926) la confirmation d'une approche «à propos de» (King Oliver en l'occurrence), respectueuse du jazz (et du blues) mais émancipée du dédicataire. Le résultat collectif est jouissif autour de Patrick Artero (avec sourdine harmon) et la guitare très blues profond de David Blenkhorn. Introduction très musicale et classique de David Blenkhorn vite épaulé par la sonorité massive de Sébastien Girardot dans «Moon Song» qu'Eldridge a gravé avec Art Tatum (1955). Dans «Riverboat Shuffle» (1924, Hoagy Carmichael) Patrick Artero a quelques tournures de phrase à la Bill Coleman (sans sourdine) puis... Roger Guérin (avec sourdine, alternative trompette/contrebasse avec drums). C'est ça être un héritier: sans calcul, le vécu accumulé fait ici et là des clins d'œil. C'est en duo trompette (plunger) et contrebasse qu'est délivré «Prelude to a Kiss» (le thème intervient pour la coda). C'est encore un soupçon de Bill Coleman que l'on entend dans «Morning Glory» et beaucoup d'Artero (excellent solo de Blenkhorn). Concession au passé, l'introduction (un peu) à la Teddy Bunn de Blenkhorn pour «Really the Blues», peut-être le clou du CD car Patrick Artero y démontre sa maîtrise du blues. C'est en solo que Guillaume Nouaux qui introduit «The Green Tiger» que Buck Clayton a enregistré avec Humphrey Lyttelton (1964). La touche latine est dans la paisible ballade «To Rigmor» (enregistrée en 1961 par Joe Newman et Frank Foster). Le dernier titre, «The Trumpet Player's Lament» de James V. Monaco et John Burke fut enregistré par Louis Armstrong en big band pour le film Doctor Rhythm avec Bing Crosby (1938) mais enlevé au montage. Patrick Artero reprend ce thème trop oublié dans un arrangement bien repensé (bonne alternative contrebasse-batterie). Démonstration faite que l'on peut faire du neuf avec du vieux. C'est d'ailleurs le cas de tout le CD (à noter un bonus si on laisse courir le dernier titre... «Azalea» par David Blenkhorn, guitare-vocal). Bref, un disque conçut comme une entité d'un bout à l'autre, une œuvre d'art témoin d'un point culminant d'une vie de musicien qui sonne toujours actuel, celle de Monsieur Artero.
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueBasin Street Records Celebrate 20 Years
Live at Little Gem Saloon

Bourbon Street Ain’t Mardi Gras, At the House in da Pocket, On the Sunny Side of the Street, Slokiaan, Autumn Leaves, Summertime, Give It Up (Gypsy Second Line), Big Boss Man, Don’t Ever Be Blue / Ode to Louisiana
Jason Marsalis (vib, dm), Kermit Ruffin (tp, voc), Irvin Mayfield (tp), Bill Summers (perc), Dr. Michael White (cl), Davell Crawford (p, voc), reste du personnel détaillé dans le livret

Enregistré en 2017, New Orleans

Durée: 1h 04’ 54’’

Basin Street Records 0718-2 (basinstreetrecords.com)


Fondé en septembre 1997, Basin Street Records a fêté ses 20 ans au printemps 2017, pendant le JazzFest de New Orleans, au cours d’une soirée d’anniversaire qui s’est déroulée dans l’un des hauts-lieux musicaux de Crescent City, le Little Gem Saloon, doté de deux scènes sur deux niveaux. Une nuit de fête dont on imagine qu’elle fut mémorable et dont le label néo-orléanais a compilé une heure d’extraits mettant en avant ses artistes vedettes. Le résultat est aussi plaisant que frustrant (on reste sur sa faim) et on regrette surtout l’absence d’un livret détaillant le déroulé de la soirée, même si l’on arrive à reconstituer la composition des orchestres qui se sont succédé. Un tel événement aurait mérité mieux, mais sans doute que la fragile économie d’un petit label indépendant ne rendait pas envisageable une édition plus luxueuse…

Le disque comprend ainsi neufs extraits live portant sur cinq formations où l’on retrouve en grande partie les mêmes musiciens, les leaders pouvant se retrouver sidemen dans des configurations différentes. Les deux premiers extraits proposés concernent le groupe mené par Jason Marsalis, ici au vibraphone (et dont vous pouvez trouver dans Jazz Hot la chronique récemment parue de son dernier album, Melody Reimagined: Book 1, chez Basin Street Records). La version qu’il offre de son «Bourbon Street Ain’t Mardi Gras» est d’ailleurs proche de la version studio sur son disque en leader. Vibraphoniste dans la veine des grands maîtres bop, le benjamin de la fratrie Marsalis est fort bien accompagné par Oscar Rossignoli, un jeune et talentueux pianiste natif du Honduras. Le second morceau joué est un autre original de Jason Marsalis, «At the House». On retrouve ensuite le musicien le plus emblématique du label, Kermit Ruffins, en association avec une autre figure majeure du jazz de New Orleans, Irvin Mayfield (on se souvient d’ailleurs que tous deux avaient joué leur propre rôle dans la série Treme). Le dialogue des trompettes est tout à fait réjouissant sur «On the Sunny Side of the Street», chaque solo répondant au précédent pour le plus grand plaisir du public ravi d’assister à cette battle amicale. A cela, Kermit Ruffin ajoute sa dimension vocale, et encore davantage sur le morceau suivant, «Skokiaan», étincelant de couleurs caribéennes. Le groupe suivant, Los Hombres Calientes (Irvin Mayfield, Bill Summers, Jason Marsalis, dm…) reste bien ancré dans le golfe du Mexique avec un «Autumn Leaves» revu à la sauce afro-cubaine. On enchaîne avec un somptueux «Summertime» magnifié par un maître de la clarinette néo-orléanaise, Dr Michael White (voir aussi notre chronique de son album en leader –indispensable–, Tricentennial Rag, encore chez Basin Street Records). Sobrement accompagné d’un banjo (Seva Venet) d’une contrebasse (Mark Brooks) et d’une batterie (toujours Jason Marsalis, aux balais), il livre une interprétation saisissante, in the tradition. Sa composition «Give It Up», pétillante de swing, tient tout autant la distance. Enfin, c’est un héritier de Fats Domino et d’Henry Butler qui conclut le disque: Davell Crawford (né en 1975) est l’un de ces phénomènes que produit encore régulièrement New Orleans. Organise, pianiste et chanteur à la forte personnalité, maîtrisant les registres du jazz, du blues, du gospel, de la soul comme de la musique classique, il nous donne un aperçu détonnan
t de son talent sur «Big Boss Man» (un blues de Luther Alisson) et un original, «Don’t Ever Be Blue/Ode to Louisiana», un joli gospel en quasi piano solo (très légères percussions de Bill Summers). Voilà vingt bougies soufflées avec entrain et qui donnent envie de se plonger dans le catalogue riche et bigarré (mais aussi inégal) de Basin Street Records et dont on espère de nouvelles productions à l’image d’une scène néo-orléanaise porteuse d’un jazz enraciné et en perpétuel renouvellement.
rôme Partage
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West Coast Series: Jazz & Swing Orchestra
Billy Hitz and His Orchestra, The Greig McRitchie Band

Bill Hitz and His Orchestra: Music for This Swingin' Age (12 titres)
The Greig McRitchie Band: Easy Jazz on a Fish Beat Bass (12 titres)
Titres et personnels détaillés dans le livret
Enregistré les 21 mai & 9 juillet 1956, Hollywood; 17, 18 juillet & 1er août 1956, Hollywood
Durée: 1h 14' 06''
Fresh Sound Records 959 (Socadisc)


West Coast Series: Jazz & Swing Orchestra
Sam Trippe and His Orchestra, Bob Rogers Orchestra

Sam Trippe and His Orchestra: Explosion! (9 titres)
Bob Rogers Orchestra: All That and This Too (9 titres)
Titres et personnels détaillés dans le livret
Enregistré: le 3 juin 1959, Hollywood; 8 et 22 février 1961, Hollywood
Durée: 1h 05' 51''
Fresh Sound Records 958 (Socadisc)


Pour dire vrai, j'ignorai l'existence de ces disques. Je suppose que c'est la notoriété des instrumentistes, de section et des solistes, qui a motivé leur réédition. Ce sont des «pointures» de la Côte Ouest qui peuvent «tout jouer», ce que le métier de «requin de studio» impose. Si on se place d'un point de vue jazz, ces albums n'ont pas l'indispensabilité des Duke, Count, Lunceford, Dizzy, voir même Gerald Wilson. Si on se place sur le plan musical, bien qu'anecdotiques et typées, ces musiques sont superlativement jouées. C'est la grande époque de Stan Kenton et son influence est écrite dans les notes de l'album de Bill Hitz:«this album is a prime example of the progressive movement»! Que n'a-t-on enfanté pour l'idéologie du progrès (soutenue par les critiques dits de jazz!). De la musique «en dehors» du peuple. Ce Bill Hitz qui prend tous les solos de clarinette (le plus «cool» possible: son neutre, sans vibrato... Benny Goodman est monstrueusement hotà côté) signe là le premier disque sous son nom dont il partage les arrangements avec Lyle Murphy (né en 1908) adepte du système dodécaphonique d'Arnold Schönberg. D'où une écriture parfois complexe, comme dans «Diga Diga Doo» (thème «retraité» sinon maltraité, après une introduction de timbales par Larry Bunker. Bravo au 1er trompette Conrad Gozzo!). La plupart des solos de sax ténor sont de Buddy Collette, et sont bons: «Something Blue», «Sampan», «Open House», «Status Quo»... En revanche, ce doit être Bill Ulyate (ts), getzien, dans «Fair and Warmer» (on entend ici et ailleurs un sax soprano en section, non mentionné). Notons l'excellence de Dick Nash (tb) dans «In a Sentimental Mood» et «Do You Know What Love Is». Milt Bernhart (tb), moins sweet, intervient dans «Stompin' at the Savoy» (bonne introduction de Gerald Wiggins, p). Le bon trompette solo est Ray Linn («Something Blue», «But Not For Me»). Pas d'identification des solistes dans le livret! Les solistes Buddy Collette (as, fl), Larry Bunker (vib) et Ray Linn (tp: «Sometimes I'm Happy», «Grieg's Bread») font le lien avec l'autre réédition du CD, un album de l'arrangeur Greig McRitchie qui, à l'inverse, se veut «Easy Jazz». «Jeepers Creepers» nous est donc proposé en pré-twist avec un Shelly Manne qui se plie au simplisme de ce genre à venir (on est en 1956). C'est de la variété, évidemment bien jouée par les requins d'Hollywood. La séance du 18 juillet est la plus originale associant une section de trombone (Joe Howard, Herbie Harper, tb, George Roberts, Marshall Cram, btb), deux sax (Collette, as, Marty Berman, bs) et une bonne rythmique (Russ Freeman, p, Larry Bunker, vib, Tony Rizzi, g, Joe Mondragon, b, Shelly Manne, dm): «McRitchie Doodle», «Fishbeat Blues», «Sophisticated Swing». Ici ou là les alliages de sonorités sont intéressants («Lonely Night» avec la flûte de Collette). Le premier trompette, Uan Rasey, est remarquable, apte aux shakes dans l'aigu («Runnin' Wild», «Shuffle Off to Buffalo»). Du rock’n’roll très orchestré «pour le peuple» dansant (un «jazz business» déjà). L'autre CD est plus intéressant. Le trompette Sam Trippe (1923-1959) a réuni des «inconnus» de talent pour les arrangements directs du trombone Ray Sikora (1937-1998). L'album débute par un explosif «Dress Blues» (avec un screamer, Roy Caton, né en 1927, et deux sax ténor solides, Jay Migliori et Sid Miller). Section de sax très «brother» dans «Grumpy», toujours avec Jay Migliori (1930-2001), ex-Kenton et Herman, en solo (bon boulot de Charles Harris, dm). Migliori au son large et rude à la fois, est la vedette de «How High the Moon» où il est véloce et swing. Plutôt hard bop Bob Mitchell (tp), ex-Lunceford et Basie (!), en solo dans «Bela's Back in Town». Sam Trippe, gillespien, décédé quatre mois plus tard, joue en solo «You Go To My Head». Ralph «Diz» Mullins (avec sourdine), encore en activité en 2017, et Don Cinquemani, deux trompettistes bop nés en 1929 jouent en soliste dans «Ride Around the Block» qui vaut aussi pour Sikora (genre Rosolino) et Migliori. Ces deux-là interviennent également en solo dans «It's a Wonderful World». On a un bonus track, «Wail Street». Un big band du niveau de ceux de Woody Herman. Le vibrahoniste Bob Rogers, élève de Jimmy Giuffre en composition, réuni un big band dès 1959. En 1961, on y retrouve Jay Migliori à l'alto. Les cuivres ne sont pas bien connus sauf Dave Wells (btp, tb). Par contre Bill Perkins (ts), Jack Nimitz (bs) et Gary Peacock (b) nous sont familiers. Même efficacité et style (meilleur batteur: Roy Roten) que Sam Trippe et Woody Herman. L'album débute par un «This Too» influencé par le Basie du moment (avec de bons solos signés, Nimitz, Kip Dubbs, tp, Dave Wells, btp). Migliori est l'auteur d'un solo vertigineux dans «Bluesy»; Gary Peacock est excellent derrière le solo de piano de Len Stack (auteur du thème). Stack est l'arrangeur de cette «Shadow Waltz» d'Harry Warren: bons solos de Nimitz, Perkins et remarquables lignes de basse (quel son!). Kip Dubbs s'est inspiré du «Li'l Darling» de Neal Hefti pour ce «A Minute Before I Go» arrangé par Ken Farrar (Bill Perkins, au son plus consistant que celui de Getz, solo). C'est dans un «Mood Indigo», curieusement up tempo, que se signale Bob Rogers au vibraphone. On l'entend aussi en solo dans «Midnight Lace» ainsi qu'Al Lasky (fl). Court solo de Gary Peacock dans «Alone Together» qui termine le disque. Ce CD Trippe/Rogers est à découvrir pour les amateurs de big bands.
Michel Laplace
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Romain Vuillemin
Why Not?

Charleston, Young at Heart, My Blue Heaven, Si tu vois ma mère, Farewell Blues, Passion, I’ve Found a New Baby, Stardust, My Melancholy Baby, Flèche d’or, I Surrender Dear, Louisiana Fairstyle, Gypsy Swing
Romain Vuillemin (g, voc), Stephan Nguyen (g), Edouard Pennes (b), Guillaume Singer (vln) + Jean Dousteyssier (cl), Benjamin Dousteyssier (as), Mathieu Naulleau (p)
Enregistré en avril 2018, Paris
Durée: 45’
18’
Autoproduit VOC8397 (romainvuilleminquartet.wordpress.com)


S’inscrivant dans le perpétuel renouvellement de la tr
adition Django, Romain Vuillemin, la trentaine, est natif de Dole (Jura). Il débute au piano à l'âge 8 ans et passe à la guitare deux ou trois ans plus tard. D’abord intéressé par le rock, il découvre la musique de Django Reinhardt à l’âge de 18 ans. Il multiple dès lors les contacts avec les guitaristes de la communauté manouche: en particulier Ritary Gaguenetti et Drom Blanchard, tous deux également originaires de Dole; le second, qu’il rencontre durant ses études à Besançon, le guide dans son apprentissage, essentiellement autodidacte. Une année de séjour Erasmus en Angleterre l'initie à la scène Django d’Outre-Manche où il trouve ses premiers engagements professionnels. De retour en France, il enchaîne les collaborations (le Canadien Denis Chang, Stochelo Rosenberg, Ritary Gaguenetti, Adrien Moignard…). En 2011, il s’installe définitivement à Paris et décide de se consacrer exclusivement au jazz, créant, cette même année, son quartet. Quelques temps après, il intègre l’Umlaut Big Band, dirigé par Pierre-Antoine Badaroux (as), puis le Collectif Paris Swing au sein duquel il s’inscrit dans la filiation d’Eddie Lang.
Ce parcours cohérent l’amène à présenter un second album en quartet, Why Not?, constitué de standards de la swing era (surtout) et de compositions directement issues de l’univers djangolien. Sur ces dernières («Flèche d’or» de Django, Gypsy Swing» de Samson Schmitt), l’interprétation est véloce, rythmé par la pompe, comme cela s’entend fréquemment chez les musiciens évoluant dans cette esthétique. Son approche des standards «américains» est plus intéressante: «Charleston» de James P. Johnson met en valeur le grappellien Guillaume Singer, dans un beau dialogue avec le leader, tout à fait dans l’esprit du Quintette du Hot Club de France; tandis que le guitariste, loin des démonstrations de virtuosité, est tout en sensibilité sur «Young at Heart» de Johnny Richards; invité sur «Si tu vois ma mère» le jeune clarinettiste Jean Dousteyssier est à son affaire, de même que sur le savoureux «Farewell Blues». Quant à la version quelque peu hispanisante du «Passion» de Tony Murena (ajoutant ainsi la dimension musette), très épurée, elle est superbe. Enfin, sur «New Baby, Stardust», Romain Vuillemin révèle ses qualités de crooner à la voix légèrement voilée –et non sans charme. Pourvu qu’il n’en abuse pas.
Un disque dont la bonne facture vient contredire les propos de Romane, reproduits dans le livret, lequel y évoque des «musiques d’un autre âge». Bien au contraire, Romain Vuillemin en réaffirme toute la fraîcheur. 
rôme Partage
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Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueMem' Ory
Ragtim' Ory

Chrysanthemum, The Entertainer, The Suffragette, Bis Scott Rag, Le Petit Nègre, Chicken Reel, La Marseillaise, Solace, Le P'tit Quinquin*, Rubber Plant Rag, A Real Slow Drag*°, Sensation, Tiger Rag
Michel Bonnet (tp, fl, ld), Patrick Bacqueville (tb, voc*), Guy Bonne (cl), Jacques Schneck (p), Christophe Davot (g, voc°), Enzo Mucci (b), Michel Sénamaud (dm)

Enregistré les 5, 6 & 7 mars 2018, Draveil (91)

Durée: 52’ 21’’

Frémeaux & Associés 8563 (Socadisc)

Ces musiciens sont bien connus chez nous dans la mouvance jazz traditionnel et mainstream. Ensemble, sous la direction de Michel Bonnet, ils ont trouvé un "son" d'orchestre en s'inspirant des formations du tromboniste Kid Ory. Cette fois, l'idée est d'appliquer cette sonorité collective à des morceaux non enregistrés par Kid Ory (si on oublie «Tiger Rag»). La tendance ici est au rag (ragtime jazzifié). Certes James Scott (1885-1938) n'aurait pas été satisfait, lui qui a écrit «Don't Jazz Me-Rag (I'm Music)» (1921). James Scott est d'ailleurs l'auteur de cette jolie valse, «The Suffragette», jouée en collective assez près du texte donc avec respect (belle musique). On remarquera en passant au thème suivant, «Bis Scott Rag», combien le 3/4 est moins enclin au swing que le 4/4 sur tempo médium. Ce thème de Claude Bolling est un bon tremplin à d'excellents solos. Michel Bonnet cherche le vibrato à la Mutt Carey dans la citation de coda. Patrick Bacqueville ici comme dans tous ses solos a totalement retrouvé le style de Kid Ory avec sourdine et une belle puissance. Scott Joplin est à l'honneur avec «Chrysanthemim» (1904), «A Real Slow Drag» (tiré de l'opéra Treemonisha, 1911), «Solace (A Mexican Serenade)» (1909) et «The Entertainer» (1902). Dans «The Entertainer» qui fut enregistré en 1947 par Mutt Carey et par Bunk Johnson, nous trouvons que Michel Bonnet est près de la version de Bunk dans les ensembles, tandis que son solo avec sourdine harmon à tube est plus jazz (pas de solo de trombone!). «Solace» est très bien exposé en duo par Davot et Bonnet (sourdine clear tone), rejoints par le piano, la clarinette puis tout d'orchestre. De la belle musique, de la jolie trompette et un bon arrangement. «Le Petit Nègre» de Debussy (1909) est exposé en piano solo avec respect, puis nous avons un excellent arrangement orchestral et d'excellents solos de Bacqueville et Christophe Davot. La batterie lance une version swing du «P'tit Quinquin» (1853). Elle lance aussi «La Marseillaise» qui nous surprend moins puisque George Lewis l'a plusieurs enregistrée. Patrick Bacqueville joue en solo (paraphrase) dans le plus parfait style Ory. Le tempo médium est parfait dans «Sensation» (Lamb & Joplin, 1908). Quand Michel Bonnet joue dans le derby, il nous fait penser à Ken Colyer lui-même disciple de Mutt Carey. Signalons que tous les choix de tempos sont parfaits; c'était aussi un point fort de Kid Ory. Enfin, «Rubber Plant Rag (Moulin à café)» de George Cobb (1909) met très bien en valeur Guy Bonne, mais aussi Bacqueville et Enzo Mucci. Un disque qui vous aidera à vivre.
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Bex-Catherine-Romano
La Belle vie

Elsa M., La Belle vie pour Maurice, Tropisme, Dans la forêt, Il piacere, Letter From My Mother, December, Twice a Weel, Tompkins Square
Emmanuel Bex (org), Philip Catherine (g), Aldo Romano (dm)

Enregistré en 2018, Paris

Durée: 59’ 18’’

Sunset Records 024 (L’Autre Distribution)

Trois musiciens européens, et non des moindres, réunis dans la forme du trio classique, orgue, guitare, batterie, voilà de quoi allécher. Ce trio fut constitué une première fois au Sunset dans les années 1990, mais il n’avait jamais enregistré. Tous les morceaux, sauf deux partiellement en médium, sont pris sur tempo lent: là, pas de tricheries possibles, pas de notes enfilées à la vitesse du son; il y faut du feeling, de l’imagination mélodique, et harmonique. Un beau mariage lyrique, guitare orgue, sur «Il piacere» cette belle mélodie de Romano, l’orgue en avant, qui se démarque des façons habituelles de traiter l’orgue Hammond. Une valse lente «Letter from My Mother», de Catherine,jouée avec une grande émotion par le guitariste, en one notes, en octaves ou en trémolos, en contraste avec les attaques tranchantes de l’orgue, ou bien avec des sons orgue d’église. Aldo Romano est ici un modèle de discrétion efficace, et qui renoue avec ce bon vieux chabada si oublié aujourd’hui au profit de figures colorantes ainsi par exemple sur «December», derrière un magnifique solo d’orgue. Les morceaux sont composés alternativement par chacun des musiciens, et tous sont en relation particulière avec leur auteur.
Un trio qui joue avant tout, simplement, dans le plaisir du partage. Un disque de grande sérénité peuplée du plaisir d’un jazz à cœur ouvert, et qui repose aussi sur de belles subtilités harmoniques. A notre époque où la vitesse et l’impatience priment sur tout, il faut prendre le temps d’écouter et de savourer ce disque beau comme de merveilleux nuages, dirait Baudelaire.

Serge Baudot
© Jazz Hot 2019

Olivier Anthony Theurillat Jazz Quartet
1st Set

When It's Sleepy Time Down South, Hotter Than That, The Very Thought of You, It Don't Mean a Thing, My Foolish Heart, Take the ‘A’ Train, The Seductress, Yardbird Suite, I Remember Maurice André
Olivier Anthony Theurillat (tp), Gérald Bringolf (p), Bernard Fedi (b), Denis Vonlanthen (dm)

Enregistré les 2 et 3 juillet 2017, La Chaux-de-Fonds (Suisse)

Durée: 51’ 27’’

Indesens 118 (
www.indesens.fr)


Olivier Anthony Theurillat est, après Roland Hug, le second trompettiste notoire que La Chaux-de-Fonds a donné. Hug, récemment décédé, fut d’ailleurs un fan de son quartet. Trompettiste de formation classique, Theurillat a été attiré par l'univers jazz. Par chance, pour lui comme pour nous, il a pu rencontrer Wynton Marsalis (Lausanne, 2012) ce qui lui donne une dimension culturelle qui manque, aujourd'hui, à tant de produits des «école de jazz». Aux conseils d'interprétation de Wynton, Theurillat a eu l'humilité d'ajouter l'apprentissage auprès de plus vieux que lui. Ainsi, il n'a pas loupé en 2013 l'occasion de jouer à La Chaux-de-Fonds avec le Middle Jazz Trio... qui est devenu cet Olivier Anthony Theurillat Jazz Quartet! Il y a le pianiste Gérald Bringolf, 78 ans au moment du disque, qui a joué avec Mezz Mezzrow, et le contrebassiste Bernard Fedi de deux ans son cadet, qui a eu l'occasion d'accompagner Bill Coleman, Clark Terry, Albert Nicholas et Ernie Wilkins. Plus jeune, le batteur Denis Vonlanthen a eu une solide expérience en big band. Ce Jazz Quartet joue aussi avec des invités, comme la chanteuse américaine Sandy Patton. En dehors de ce «I Remember Maurice André» (inspiré de la Toot Suitede Bolling), le groupe revisite des standards en alternant les tempi. Tout commence par l'hommage à Louis Armstrong. Pas de la copie, mais bien de la musique d'aujourd'hui, cependant avec un swing extériorisé appréciable. «When It's Sleepy Time Down South» est exposé avec sensibilité et musicalité. Changement de tempo pour l'improvisation (en sourdine). Bringolf n'est pas en reste pour le swing distingué sur l'excellent jeu de balais de Vonlanthen et les rondeurs de la ligne de basse de Fedi (qui prend un bon solo). Certes, me direz-vous, l'influence de Wynton Marsalis est perceptible. C'est inévitable lorsqu'on a étudié auprès de ce maître de la fin du XXe siècle et c'est générationnel (même marque sur Fabrizio Bosso, Renaud Gensane, Nicolas Gardel...). L'arrangement de «Hotter Than That» qu'Armstrong a rendu célèbre est dans la mouvance «parade» du New Orleans d'aujourd'hui, joué en trio avec un très bon concours de Fedi et de Vonlanthen qui a pigé le drumming de là-bas. On se calme avec la superbe ballade «The Very Thought of You» (très jolie cadence en coda). Là, comme dans «My Foolish Heart» (mystérieuse introduction de Bringolf) et l'exigeante «The Seductress» (en duo avec piano, morceau tiré de l'album Standard Time vol.3 de Wynton Marsalis), Olivier Theurillat a une sonorité superbe et un excellent sens du phrasé (à cette époque il jouait une trompette Adams). Nous aimons sa maîtrise du vibrato, élément expressif négligé ou absent chez d'autres aujourd'hui. Theurillat qui aime les sourdines, se rend digne de la profession de foi ellingtonienne, «It Don't Mean a Thing if Ain't Got That Swing» (1931). Denis Vonlanthen y est bien mis en valeur. L'autre référence au Duke est le «Take the ‘A’ Train» de Billy Strayhorn (1941); introduction créative de Denis qui m'évoque un autre citoyen suisse, Daniel Humair. Le groupe n'oublie pas un clin d'œil, élégant et mélodique, à Charlie Parker avec «Yardbird Suite» (1946); le trio rythmique balance bien. Un disque qui devrait satisfaire les amoureux de belle trompette... Une programmation en festival serait la bienvenue.

Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueOlivier Collette
Phi

Seagull’s Flight, Sweet, Simple and Beautiful, Goldmine, Introspection, Between a Tear and a Smile, Hepta, Twisted Minor Blues, Brazilian Sunflowers
Olivier Collette (p, arr), Bert Joris (tp, flh), Peter Hertmans (g), Victor Foulon (b), Daniel Jonkers (dm)
Enregistré les 26 et 27 juin 2018, Ittre (Belgique)
Durée: 1h
Hypnote Records 010 (hypnoterecords.com)


Olivier Colette explique sa démarche dans les notes de pochette de l’album: «avant tout, l’objectif était que la musique soit mélodieuse, harmonieuse, agréable à écouter». Une réussite! Car le leader n’est pas qu’un architecte des sons, il possède aussi une âme habitée par la grâce. On est charmé par les songs: «Introspection», «Sweet, Simple and Beautiful»; on pense à Toots Thielemans à l’écoute de «Between a Tear and a Smile»: une mélodie et un rythme chaloupés qui l’auraient séduit. Compositeur et pianiste élégant, sur tous les morceaux, Olivier Collette a choisi ses accompagnateurs avec soin. Peter Hertmans s’illustre avec «Seagull’s Flight», «Hepta» et plus encore sur «Twisted Minor Blues»; son tempo et l’accompagnement en accords sur les tournesols du Brésil sont en strass et paillettes. Quant à Bert Joris c’est incontestablement la plus belle sonorité de cuivres qu’on puisse trouver en Belgique. Alors pourquoi se priver («Introspection», «Sweet, Simple and Beautiful» et «Between a Tear…» au bugle)? On épinglera aussi les thèmes de «Goldmine» et «Brazilian Sunflowers» exposés en alternance: guitare/piano pour le premier, guitare/trompette pour le second. On apprécie Daniel Jonkers pour le jeu aux balais sur «Sweet, Simple and Beautiful»; le drive et les breaks sur le néo-bop «Hepta». Victor Foulon est efficace, juste et particulièrement intéressant en solo sur «Seagull’s Flight», «Twisted Minor Blues» et «Brazilian Sunflowers». Olivier Collette n’a pas besoin d’arracher ou de distorsionner; il compose riche, il joue naturel. Une détente et un régal.
Jean-Marie Hacquier
© Jazz Hot 2019

Cliquez sur la pochette pour écouter des extraits du disqueJason Marsalis with The 21st Century Trad Band
Melody Reimagined: Book 1

Ratio Man Strikes Again, Off the Rails, Just as Cool as the Other Side of the Pillow, Soot Sprites, A Peaceful Silence, Bourbon Street Ain't Mardi Gras, Passionate Dancer, Never Forget the 23rd Letter, 80*
Jason Marsalis (vib), Austin Johnson (p), Will Goble (b), Dave Potter (dm) + Delfeayo Marsalis (tb*), Ellis Marsalis (p*)
Enregistré: le 21 décembre 2016, New Orleans
Durée: 58'50''
Basin Street Records 0305-2 (basinstreetrecords.com)

Cet album très plaisant est dédié, a posteriori, à la mémoire de sa mère, Dolores Ferdinand Marsalis, décédée en juillet 2017 presque un an après cette séance. Jason Marsalis, désormais bien intégré au paysage jazziste comme batteur et aussi vibraphoniste, a déjà utilisé le nom de 21st Century Trad Band (2014). C'est faire beaucoup d'honneur au présent siècle qui, à ce jour, n'a strictement rien offert de musicalement neuf ou essentiel. D'ailleurs, Jason reprend ici un vieux procédé qui consiste à imaginer une nouvelle mélodie sur la trame harmonique d'un standard...du XXe siècle! A titre de rappel, Bennie Harris et Charlie Parker ont construit «Ornithology» en 1946 sur la grille harmonique de «How High the Moon» composé par Nancy Hamilton et Morgan Lewis. A l'origine, c'était pour détourner les droits vers les improvisateurs qui jusque-là enrichissaient les compositeurs de Tin Pan Alley, etc. Par «Trad», Jason entend post-bop. Au vibraphone, Jason Marsalis a l'élégance de Milt Jackson dans «A Peaceful Silence», l'un des meilleurs titres de l'album, fondé sur «Peace» d'Horace Silver et «Silence» de Charlie Haden. Le plus souvent son jeu perlé rappelle celui de Bobby Hutcherson (par exemple dans «Soot Sprites» construit sur «Seven Steps to Heaven» de Victor Feldman et enregistré par Miles Davis). Ce style hutchersonien donne au disque un climat Blue Note de la seconde partie des années 1960. D'autant plus qu'Austin Johnson n'est pas sans évoquer McCoy Tyner («Ratio Man Strikes Again» construit sur «Traneing In» de John Coltrane) et Dave Potter prolonge plus la voie tracée par Elvin Jones et Tony Williams que celle de Connie Kay. Malgré l'instrumentation, on n'entend pas de parenté avec le MJQ. Dave Potter, formé à la Florida State University, actuellement fixé à Atlanta a déjà un CV bien rempli (Marcus Roberts, Eric Reed, Marcus Belgrave, etc…). Il est mis en valeur dans «Never Forget the 23rd Letter», titre qui ne ressemble pas au «Avalon» dont il tire ses harmonies. Originaire de Caroline du Nord, Will Goble (né en 1983) a une sonorité et une approche solistique qui s'apparentent au style de Charlie Haden («Off the Rails» tiré de «You've Stepped Out of a Dream»). Il introduit «Just as Cool as the Other Side of the Pillow» dérivé de «Willow Weep for Me» et «Sportscenter», puis il joue un ostinato sur lequel Jason Marsalis improvise. Il y a des changements de tempo et surtout un bon solo de contrebasse. Jason Marsalis est partout excellent en musicalité. Ses improvisations se nourrissent parfois de citations (exemple: quelques mesures du «Sir Duke» de Steve Wonder dans son solo sur «Bourbon Street Ain't Mardi Gras» tiré du célèbre «Bourbon Street Parade» de Paul Barbarin). L'album se termine par «80» qui, pour le signataire, est le meilleur titre du CD (référence à un anniversaire d'Ellis Marsalis). C'est fondé sur la progression harmonique de «The Very Thought of You», revue par Hank Jones et qu'Ellis Marsalis interprète en introduction. Delfeayo Marsalis joue ensuite en wa-wa, suivi d'un solo de même émotion par Jason (le jeu de balais de Dave Potter est pertinent). On apprécie aussi les rondeurs de la contrebasse de Will Goble derrière le solo d'Ellis Marsalis. Sans effet wa-wa, Delfeayo conclut avec une belle sonorité et un phrasé admirable. Si c'est ça le XXIe siècle, grand merci au XXe!
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019

Sophie Bourgeois
This Is New

This Is New, Just One of Those Things, I’m Through With Love, Ces petits riens, Oblivion, All of You, Mack the Knife, I’ve Got the World on a String, One Hand One Heart
William Lecomte (p, arr), Nolwenn Leizour (b), Samuel Lecomte (dm)

Enregistré en octobre 2015, Paris

Durée: 43'34''

Autoproduit (sophiebourgeoisjazz.wordpress.com)

Bien qu'ayant fréquenté Claude Bolling, étudié avec Michelle Hendricks, et Christiane Legrand, et souvent joué dans les festivals de Périgueux, Montségur, Arcachon ou Bordeaux, la chanteuse Sophie Bourgeois ne profite pas encore d'une notoriété digne de son talent. Lorsqu'elle était enfant, son grand-père vendait (et collectionnait) des disques de jazz à Marmande et son père l'emmenait écouter les divas du jazz en concert à Bordeaux (ce qui lui a donné une solide culture et forgé un goût très sûr pour les grands standards). Quelques années plus tard, lui est venue l'envie de reprendre en les faisant siennes quelques-unes de ces mélodies intemporelles, quitte à les rudoyer un peu.
Pour ce premier CD (fortement marqué par son actuelle proximité avec David Linx, son mentor), elle est entourée d'un trio mené par le pianiste et arrangeur William Lecomte (élève de Bernard Maury et pianiste régulier de Jean-Luc Ponty), avec également Samuel Lecomte, son frère, à la batterie (formé à l'école Dante Agostini de Paris) et la contrebassiste Nolwenn Leizour, élève de Hein Van De Gein et de Jean-François Jenny-Clark. Reprendre «Mack the Knife» en tempo de samba hyper lente, «Just One of This Things» en afro cubain, «Ces petits riens» (de Serge Gainsbourg) façon tango, ou, «Oblivion» (d'Astor Piazzola sur les paroles en français de David McNeil),scatter sur «This Is New» de Kurt Weil, «All of You» de Cole Porter «One Hand, One Heart» de Leonard Bernstein, ou «I've Got the World on a String» d'Harold Arlen, n'est pas à la portée de la première vocaliste venue... Mais Sophie Bourgeois se joue de toutes ces difficultés avec aplomb et élégance. Elle est, il est vrai magnifiquement soutenue, par une section rythmique très homogène et qui nous offre aussi quelques moments d'improvisation très convaincants.
Daniel Chauvet
© Jazz Hot 2019

Odidrep
Bean Soup

Hanid, Odidrep, Mop Mop, Bean Soup, My Ideal, Rifftide, Kerry, Stuffy, The Nearness of You, Bean and the Boys, Riffin' and Jivin', Spotlite, Get Set, Disorder at the Border, Vignette
Michel Bonnet (tp), Michel Bescont (ts), Jacques Schneck (p), Leigh Barker (b), Stéphane Roger (dm)
Enregistré les 11-12-13 juin et 5-6 septembre 2018, Davreil (91)
Durée: 1h 02' 17''
Camille Productions MS 012019 (Socadisc)

Rendre hommage à Coleman Hawkins, le Bean, n'est pas de refus! Surtout par une équipe comme celle-ci qui maîtrise le vocabulaire mainstream et la syntaxe swing. On comprend bien par le choix des thèmes qu'on veut souligner le fait qu'Hawkins fréquenta «les modernes» comme le sous-estimé Howard McGhee en 1945 («Mop Mop», «Stuffy», «Rifftide», «Bean Soup»). C'est un alibi à offrir un bon programme qui sort un peu des sentiers trop fréquentés. Il n'y a rien de bop ici (des exposés à l'unisson ne résument pas le genre). Stéphane Roger est plus dans la lignée de Zutty Singleton et Sid Catlett (qui ont certes joué pour Diz et Bird) que de Max Roach et Art Blakey qui ont respectivement gravé «Bean and the Boys» (1946) et «Disorder at the Border» (1952) avec Hawk. Michel Bascont, tout à fait excellent, n'évoque que rarement le pape du ténor (un peu dans «Kerry») mais plutôt Gene Sedric («Odidrep» pour «Perdido»). Ceci dit, c'est sans importance car tout le disque est de l'excellent jazz. Chacun des souffleurs propose une belle ballade: Michel Bascont dans un style personnel, loin de la version du Bean, interprète «My Ideal» (notons le solo avec archet, autour du thème, de Leigh Barker), et Michel Bonnet avec un son de cornet donne un beau «The Nearness of You». Le CD débute par «Hanid» (pour «Dinah») que Hawk a enregistré en 1958 avec Roy Eldridge et Hank Jones, deux influences que l'on remarque dans ce disque. Tout le monde intervient en soliste (ou alternative pour le batteur) dans ce titre. C'est Roy Eldridge qu'évoque surtout, dans ce contexte, Michel Bonnet qui joue avec beaucoup de tempérament («Mop Mop», «Bean Soup»). On admire son drive («Rifftide»). Cette source commune explique une convergence expressive avec Jérôme Etcheberry («Kerry», «Stuffy»). Il y a en plus, chez Michel Bonnet, l'influence du cornet, sensible dans «Spotlite» où il donne une touche Rex Stewart à l'excellente alternative avec Michel Bescont. Enfin, Michel Bonnet aime et connaît les sourdines. Leur emploi enrichit le son de l'orchestre. Leigh Barker manipule l'archet avec talent («Disorder at the Border», version conclue dans l'aigu par Michel Bonnet). Les exposés à deux voix sont un délice («Vignette», etc.), le son plein de Michel Bescont, le métier du trompettiste et le swing de la rythmique sont les points forts de ce disque mieux qu'agréable.
Michel Laplace
© Jazz Hot 2019