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JAZZ RECORDS • Chroniques de disques en cours •
Ces chroniques de disques sont parues exclusivement sur internet de 2010 (n°651) à aujourd’hui. Elles sont en libre accès.4 choix possibles: Chroniques en cours (2022), Jazz Records/alphabétique (2010 à 2022 sur internet), Jazz Records/chronologiques (2010 à 2022 sur internet), Hot Five de 2021 et 2022.
En cliquant sur le nom du musicien leader dans le programme des chroniques proposées, on accède directement à la chronique. Toutes les autres chroniques sont parues dans les éditions papier de 1935 (n°1) à février 2013 (n°662). A propos des distinctions, elle ne résument que la chronique, pour sacrifier à la tradition déjà ancienne des notations et à la mauvaise habitude moderne d'aller vite. Nous pouvons résumer l'esprit de ces niveaux d'appréciation par un raccourci qualitatif (Indispensables=enregistrement de référence, historique; Sélection=excellent; Découverte= excellent par un(e) artiste pas très connu(e) jusque-là; Curiosité=bon, à écouter; Sans distinction=pas essentiel pour le jazz selon nous). Cela dit, rien ne remplace la lecture de chroniques nuancées et détaillées. C'est dans ces chroniques de disques, quand elles sont sincères, c'est le cas pour Jazz Hot, que les amateurs ont toujours enrichi leur savoir. |
Au programme des chroniques
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2021 >
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Des
extraits de certains de ces disques sont parfois disponibles sur
Internet. Pour les écouter, il vous suffit de cliquer sur les pochettes
signalées par une info-bulle.
© Jazz Hot 2022
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  Eddie Harris
Live at Fabrik Hamburg 1988
Blue Bossa, La Carnaval, Freedom Jazz Dance, Ice Cream,
Ambidextrous, Vexatious Progressions, Eddie Who?, Get on Down
Eddie Harris (tp, ts, p, voc), Darryl Thompson (g), Ray
Peterson (b),
Norman Fearrington (dm)
Enregistré le 24 janvier 1988, Hambourg (Allemagne)
Durée: 47’ 25” + 49’ 34”
Jazzline Classics/Fabrik/NDRkultur 77106
(www.jazzline-leopard.de/Socadisc)
Les lieux du jazz en Allemagne de l’Ouest ont accueilli le
meilleur du jazz dans le courant des années 1970-80, et nous avons déjà chroniqué
certaines des productions –des nouveautés rafraîchissantes malgré leur âge– de
cette mémoire qui par bonheur a été enregistrée. Il faut croire que la ville de
Hambourg, un port, était propice au jazz, puisqu’en dehors de la Fabrik, le
club qui accueille cet enregistrement, il y avait une autre place forte du jazz,
Onkel Pö dont nous vous avons entretenus largement à propos de belles
rééditions pour James Booker, Louis Hayes et Junior Cook, Louisiana Red, Woody
Shaw, le Timeless All Stars avec Harold Land, Cedar Walton, Curtis Fuller,
Bobby Hutcherson, Buster Williams, Billy Higgins… (cf. notre index
disques). Ces tournées européennes permettant de découvrir la
génération du jazz qui avait été sacrifiée sur l’autel de la consommation de
masse à la fin des années 1960, ont également porté ces groupes d’un jazz de
culture, fier et puissant de sa mémoire, en France, en Italie, en Belgique et
Hollande.
Si ces artistes ont pu enregistrer des disques pour le label
du tourneur Wim Wigt, Timeless Records et de quelques autres indépendants, les
musiciens ont aujourd’hui disparu pour la plupart, et la mémoire de leurs prestations
en live sont plus souvent conservées
dans les souvenirs des amateurs survivants et dans les revues de jazz qui ont
rendu compte de ces concerts que sur la «cire» des enregistrements. Le son a
souvent disparu, et lorsqu’on a la chance, grâce à cette vague de rééditions
allemandes, de pouvoir retrouver des enregistrements en live de cette époque, on se rend compte de cette incroyable vie du
jazz de ces temps, de l’incroyable niveau artistique, de l’impensable
(aujourd’hui) adhésion du public, où des amateurs devenus très professionnels se
sont remontés les manches pour transmettre au public leur passion, ce qu’ils
avaient reçu de leurs aînés, et ont donné un second souffle au jazz qui avait
failli disparaître sous le rouleau compresseur des loisirs de
masse après 1965.
Des festivals et des clubs européens, se partageant l’année
(de l’automne au printemps pour les clubs, l’été pour les festivals), ont
vraiment fait renaître le jazz de ses cendres du début des années 1970 à la fin
des années 1990, avant que la musique en ligne et la nouvelle économie de
bourrage de crâne par écran n’assassine au XXIe siècle, le siècle du chaos, la
production discographique indépendante de jazz et que la consommation de masse
alliée à la politique de subventions ne vident le jazz des places qui portent
son étiquette au profit d’une «offre» commerciale, ludique, complaisante et
d’animation des foules. L’opération «covid pour tous», à caractère nazie, a
fini le travail de négation d’une culture qui avait traversé un siècle de
tempêtes grâce à son indépendance, par la force de conviction de ses artistes
née d’une histoire d’esclavage sublimée, et par celle de ses amateurs qui ont
essayé de la faire survivre.
Ce double disque d’un Eddie Harris, parfaite synthèse de la
musique afro-américaine qui a illuminé la planète, populaire et aimée des
publics, témoigne de ce temps, où l’art était encore un peu indépendant, et
pouvait réunir joyeusement mais sans complaisance des amateurs du monde entier,
en Europe et ailleurs. Il y a chez lui le magnifique son de saxophone, le jazz,
le swing, les racines, le blues, le rhythm and blues, le funk, le caractère hot de l’expression, de la danse, et le
plaisir de partager, toujours depuis ses enregistrements avec Les McCann à
Montreux de la fin des années 1960 qui
l’ont rendu si populaire, jusqu’à ces tournées à Hambourg, heureusement
immortalisées ici ou à Berlin au Jazz Club Quasimodo, la même année (Timeless
289). Eddie Harris, c’est la grande histoire d’un artiste populaire qui a ses
lettres de noblesse sur le mythique label Atlantic aux côtés de Ray Charles et
d’autres, qui n’a jamais sacrifié son expression au commerce malgré son succès
public, et qui est sans doute aujourd’hui un peu oublié, car il est mort avec
le siècle en 1996. L’élite qui détient la mission d’Etat de dire ce qui est
mémoire n’aime pas l’expression populaire.
Mais heureusement, le filet laisse parfois s’échapper
quelques perles. La Fabrik, qui accueille ce concert, une scierie à l’origine,
fut reprise en 1971 pour être convertie en lieu culturel, une utopie de ces
temps où la destruction du monde ouvrier, de son esprit, de sa force de résistance,
s’est cachée derrière le mirage d’un redéploiement vers la culture. Après un
incendie en 1977, le lieu a été repensé en cathédrale culturelle, et s’il a été
le lieu d’un bel événement du jazz en 1988 (et certainement d’autres, nous
espérons les voir réémerger du néant), on peut s’interroger sur ce qu’il s’y
passe de comparable aujourd’hui en 2022: en regardant le programme de cette
rentrée 2022 à l’occasion de cette chronique, il ne fait aucun doute que dans
trente-cinq ans on n'aura aucune envie parallèle de voir rééditer ce qui s’y
tient en 2022.
Cela dit, ne boudons pas cette pêche miraculeuse, avec un
Eddie Harris toujours aussi généreux, du classique «Blue Bossa» avec une belle
introduction a capella et une citation de John Coltrane, de la joyeuse et
iconoclaste «Freedom Jazz Dance», qui évoque Roland Kirk (Eddie Harris joue d’un
nombre incalculable d’instruments, parfois ensemble, chante, et quelle voix!),
un autre Kirk à l’unisson au clavier et au saxophone, un grand moment de free
jazz, toutes portes ouvertes –sans pédanterie: du grand art!–, à l’incantatoire
«Eddie Who?», un échange avec le public comme à l’église, une église baptiste
bien entendu.
Eddie Harris, un grand bluesman («Get on Down» avec un
Darryl Thompson qui remet Jimi Hendrix au centre du village du blues où est sa
place), vous entraîne dans les sphères les plus élevées d’un siècle de jazz sans
vous écraser de son savoir et de son talent pourtant immense!
Eddie Who? Si vous
voulez la réponse, il suffit d’écouter ces deux heures de vie incandescentes...
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  Frédéric Viale
Toots simplement
Bluesette, Scotch in the Rocks, Only Trust Your Heart, The
Dragon, Waltz for Sonny*, Cool and Easy*, For My Lady, Toots simplement*, What
a Wonderful World, Fundamental Frequency, Skylark, Bluesette (alt. take), Hard
to Say Goodbye
Frédéric Viale (melowtone), Andrea Pozza (p), Aldo Zunino
(b), Adam Pache (dm) + Emanuele Cisi (ts)*
Enregistré en avril 2021, Turin (Italie)
Durée: 1h 05’ 48’’
Diapason 008 (https://fredericviale.com)
Nous connaissions déjà (un peu) Frédéric Viale, 45 ans, repéré
dans de précédentes chroniques (Jazz Hot
n°635 et n°684) comme héritier
d’une tradition d’accordéonistes imprégnés par le jazz, de Tony Murena, qui
enregistra avec Django Reinhardt, au versatile Richard Galliano dont le père,
Lucien, fut son professeur (Richard Galliano et Frédéric Viale sont natifs de Cannes). Frédéric Viale nous revient avec un bel hommage au grand Toots
Thielemans, dont nous continuons de célébrer le centenaire en cette année 2022.
L’originalité de ce tribute est, qu’à
cette occasion, l’accordéoniste a troqué son «piano à bretelles» contre un
«melowtone», un nouvel instrument au nom ellingtonien conçu en 2020 par Philippe-Anatole
Tchumak, alias Anatole Tee, qui le définit comme un «harmonica à clavier
expressif» dans les notes du livret. Facteur de pianos et d’accordéons,
inconditionnel de Toots Thielemans, Anatole Tee a ainsi donné, au bout de dix
années de recherche, naissance à cet hybride entre l’accordéon (pour les
touches), le mélodica (pour l’embouchure) et l’harmonica (pour le son). Et il a
suffi d’une rencontre entre l’inventeur (de l'Hérault) et le musicien autour de leurs passions
communes pour l’accordéon et Toots Thielemans, pour que Frédéric Viale offre au
melowtone son baptême de l’air (jazz) avec ce Toots simplement.
Pour ce qui est du disque lui-même, le répertoire choisi est
irréprochable: essentiellement des morceaux du Baron, dont l’incontournable
«Bluesette», proposé avec deux prises différentes, et quelques-unes des
compositions qu’il avait l’habitude de jouer: «Only Trust Your Heart» de Benny
Carter, «What a Wonderful World» de Bob Thiele et George David Weiss et «Skylark»
d’Hoagy Carmichael. A cela s’ajoute un original fort à propos signé Frédéric
Viale, lequel a donné son titre à l’album: «Toots simplement». Aux côtés du
leader, on retrouve des fidèles: le Génois Aldo Zunino et l’Australien, romain
d’adoption, Adam Pache, ainsi que le Turinois Emanuele Cisi, présent sur trois
titres. Tous sont de solides solistes, ayant chacun croisé la route des plus
grands, notamment, et c’est un de leurs points communs, celle de Clark Terry. Ce
groupe très italien est complété par un autre Génois –d’ailleurs partenaire
régulier d’Aldo Zunino– l’excellent Andrea Pozza. La proximité azuréenne de
Frédéric Viale explique sans doute cette longue complicité qui se vérifie pour
évoquer le Belge le plus remarquable de l’histoire du jazz. Une évocation
pleine d’allant, légère et pétillante comme un Prosecco, à contretemps de la
pesanteur de l’époque, notamment sur le magnifique thème de Toots, «For My
Lady», porté par le swing de la rythmique et le lyrisme d’Andrea Pozza, à
l’appui desquels Frédéric Viale déroule une expressivité d’une saisissante
profondeur. Effet intéressant du melowtone sur les morceaux lents ou médium
comme celui-ci, le phrasé de Frédéric Viale se rapproche de celui de Toots,
tandis que sur les morceaux plus rapides, comme «Scotch in the Rocks» la
volubilité du jeu d’accordéon ressurgit. Là aussi, le trio Pozza-Zunino-Pache imprime
un réjouissant dynamisme. On apprécie également les interventions d’Emanuele
Cisi, ténor racé, tout en rondeur et suavité sur «Cool and Easy».
Un disque qui fait du bien et démontre toute la vitalité et la pérennité de
la musique du grand Toots, baignée de la chaleur populaire de Django, infusée par le musette de l’immigration italienne en Belgique et en France et célébrée par le jazz d'outre-Atlantique.
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 Ian Hendrickson-Smith
The Lowdown
The Lowdown, Savin’ Up, 10:30, Nancy (With the Laughing Face),
I Should Care, Don’t Explain
Ian Hendrickson-Smith (as), Cory Weeds (ts), Rick Germanson
(p), John Webber (b), Joe Farnsworth (dm)
Enregistré le 3 novembre 2019, Englewood Cliffs, NJ
Durée: 42’ 23’’
Cellar Live 110319 (www.cellarlive.com)
The Lowdown est le
neuvième album du saxophoniste Ian Hendrickson-Smith dont nous avions déjà
chroniqué les excellents Live at Smalls de 2008 et de 2014 (un troisième volume a également fait l’objet d’une
captation en 2017). Il s’agit cette fois d’un disque réalisé en studio et pas
n’importe lequel puisque l’enregistrement a eu lieu dans le mythique Van Gelder
Studio. Ce disque marque vingt ans d’amitié
entre l’alto, new-yorkais d’adoption depuis trente ans, Ian Hendrickson-Smith, et
le ténor canadien Cory Weeds, pour un duo de sax qui met en avant deux belles
sonorités sur cet instrument. Cory Weeds a eu par le passé
l’occasion d’inviter son camarade dans son club de Vancouver, The Cellar
(2000-2014) et l’accueille depuis plusieurs années sur son label Cellar Live dont
nous soulignons, au fil des chroniques, la qualité des productions. Au piano, on
retrouve un de ces (encore) jeunes passeurs de la tradition jazzique, Rick
Germanson, né comme ses deux partenaires au début des années 1970, et dont les
états de service parlent d’eux-mêmes: des collaborations suivies avec Louis
Hayes, Pat Martino, Russell Malone et une cinquantaine d’albums en sideman
avec Wayne Escoffery, Jeremy Pelt, Charles Davis ou encore Neal Smith. Le
quintet est complété par deux «aînés» (de la décennie précédente), deux piliers
des sections rythmiques, John Webber et Joe Farnsworth, longtemps associés à
Harold Mabern, Eric Alexander et George Coleman, parmi d’autres jazz masters.
Ce line-up des plus solides nous propose un opus dense qui s’ouvre sur trois bonnes compositions du
leader à commencer par «The Lowdown», inspirée par la disparition tragique du batteur Lawrence
Leathers, dit «Lo», assassiné en juin 2019 auquel l’ensemble du disque est dédié («lowdown» signifie «vérité»
et «low-down» criminel). Cette complainte, pleine de swing et d’énergie, est en quelque sorte une transposition dans l'esprit bop, des second lines funéraires de New Orleans dont Ian Hendrickson-Smith est originaire. «Savin’ Up» donne l’occasion,
après l’exposé du thème par le leader et un premier solo, d’apprécier la
finesse de la section rythmique avec une savoureuse intervention du pianiste au jeu percussif, de même que sur le très dynamique «10:30»,
introduit par Joe Farnsworth, auteur d'un bon chorus.
Le batteur insuffle de la nervosité au duo de saxophonistes.
«Nancy (With the Laughing Face)» est joué dans un tempo plus rapide qu’à
l’accoutumée maintient le dynamisme rythmique de
l’album. Pour «I Should Care», Ian Hendrickson-Smith a
emprunté les arrangements à David Hazeltine. Le disque se clôt en douceur avec
un superbe «Don’t Explain», en écho à la mélancolie exprimée dans le morceau
d’ouverture. Ian Hendrickson-Smith et Cory Weeds y sont remarquables. Encore un album réussi en mémoire du regretté Lawrence Leathers, dont la mort prématurée a profondément marqué la communauté des musiciens new-yorkais (voir également l'hommage rendu par Orrin Evans sur un disque aussi enregistré à l'automne 2019).
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 Willie Jones III
Fallen Heroes
Something for Ndugu, Fallen Hero, CTA, Trust, Truthful Blues,
Annika's Lullaby, To Wisdom the Prize, I've Just Seen Her, Jackin' for Change
Willie Jones III (dm), Justin Robinson (as) 3,4,5,7, 9,
Sherman Irby (as) 2,3, 6, Steve Davis (tb), George Cables (p) 2,3,5,6,7, Isaiah
J. Thompson (p) 4,8,9, Gerald Cannon (b), Renee Neufville (voc) 4
Enregistré les 21 janvier et 29 août 2020, Englewood Cliffs, New
Jersey
Durée: 49’ 37”
WJ3 1027 (www.wj3records.com)
L’excellent batteur Willie Jones III (Jazz Hot n°669 et n°624),
producteur pour le label qu’il a créé WJ3 sur lequel paraissent de belles
découvertes, comme récemment Isaiah J. Thompson qui est présent sur quelques
titres ici, propose avec Fallen Heroesce qui pourrait être son huitième enregistrement en leader. Comme les batteurs
en général, il a déjà une solide et longue carrière de sideman, et il a ainsi
côtoyé depuis le début des années 1990 le meilleur du jazz, des légendes
disparues comme Hank Jones, Horace Silver, Phil Woods, Cedar Walton ou des
artistes contemporains de haut niveau comme Eric Reed, Cyrus Chestnut, Steve
Turre. Il nous propose ici un disque d’hommages à certains des disparus de la
période récente avec qui il a joué ou qui ont contribué à son art. Le premier
titre, un solo de batterie, est ainsi dédié à Leon Ndugu Chancler (1952-2018),
batteur qui a eu une brillante carrière dans le jazz et pas seulement, qui a
enregistré avec Miles Davis, Herbie Hancock, George Benson, John Lee Hooker,
mais aussi avec les stars de la variété internationale comme Lionel Richie et
Michael Jackson.
Les autres dédicataires de cet enregistrement sont les
regrettés Roy Hargrove, Larry Willis, Jimmy Heath, Jeff Clayton,
autant d’artistes de haut niveau qu’il a côtoyés, accompagnés, et qui ont
enrichi son univers.
Au niveau du répertoire, il y a quatre originaux de Willie
Jones III, trois compositions de Larry Willis, une de Roy Hargrove, le célèbre «CTA»
de Jimmy Heath, plus une composition de Jeremy Pelt, présent sur cet
enregistrement, et un standard de Charles Strauss.
Pour ce disque émouvant mais aussi très dynamique, il a fait
appel à de bons accompagnateurs, que ce soit la section rythmique avec
l’indispensable George Cables ou en alternance l’incroyable Isaiah J. Thompson au piano, et Gerald Cannon à la basse, avec les cuivres de Jeremy Pelt (Louis Hayes, Gerald Wilson, Wayne Shorter,
Al Foster, Vincent Herring…), Justin Robinson,
Sherman Irby (Marcus Roberts, Betty
Carter, Roy Hargrove, Elvin Jones, McCoy Tyner, Wynton Marsalis), Steve
Davis (Jazz Hot n°604).
Renee Neufville, au chant sur un thème, vient compléter cette excellente
formation.
Maureen Sickler est, comme souvent pour ce label, responsable
de l’enregistrement et du mixage dans le cadre du célèbre studio du regretté
Rudy Van Gelder. On est donc dans l’excellence à tous les niveaux pour cet
artiste, l’un des plus grands batteurs de jazz de sa génération. La finesse de
son jeu («Trust»), sa musicalité, son drive, son énergie et sa capacité à
construire des chorus sans remplissage ou démonstration, comme cette
introduction pour Ndugu, en font l’un des batteurs essentiels de l’avenir du
jazz.
Dans un répertoire où originaux et reprises se partagent, le
blues reste omniprésent dans l’expression, dans la forme ou l’esprit. Jeremy
Pelt et Steve Davis viennent renforcer cet attachement au jazz de culture; et
que dire des deux pianistes d’exception l’ancien, George Cables, toujours aussi
magnifique («Truthful Blues») et le jeune Isaiah J. Thompson, toujours aussi
étonnant de maturité sur tempo lent («I've Just Seen Her») avec Jeremy Pelt, ou
rapide («Jackin' for Changes») en digne descendant de McCoy Tyner aux côtés des
dynamiques Sherman Irby et Jeremy Pelt qui échangent de bons chorus, avec le drive de Mr.
Willie Jones III et l’excellent Gerald Cannon.Cet opus, comme la plupart de ce que nous recevons,
est daté d’avant ou du début du covid, et cela s’entend.
On souhaite, pour le jazz, que Willie Jones III continue dans cet esprit, comme
artiste et producteur. Il est déjà l’un de ceux qui lui permettront peut-être
de retrouver ses vertus créatives, en restant ancré sur ses racines et ses
valeurs humaines, car dans ce rôle d’artiste-producteur, il peut fédérer les
nouveaux talents avec sa sûreté de discernement et le doigté de son accompagnement, le jeune
pianiste ici en témoigne.
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 Orrin Evans and The Captain Black Big Band
The Intangible Between
Proclaim Liberty, This Little
Light of Mine, A Time for Love, That Too, Off Minor, Into Dawn, Tough Love, I’m
So Glad I Got to Know You
Orrin Evans (p, voc), Josh
Lawrence (tp), Thomas Marriott (tp), Sean Jones (tp, flh), David Gibson (tb), Reggie
Watkins (tb, kb), Stafford Hunter (tb), Todd Bashore (as, fl), Caleb Wheeler
Curtis (as), Immanuel Wilkins (as, ss), Troy Roberts (ts), Stacy Dillard (ts,
ss), Joseph Block (kb), Luques Curtis, Eric Revis, Dylan Reis (b), Anwar Marshall,
Jason Brown, Mark Whitfield, Jr. (dm), The Village (voc)
Enregistré le 1er octobre
2019, New York, NY
Durée: 1h 04’ 55’’
Smoke Sessions Records 2003 (smokesessionsrecords.com/uvmdistribution.com)
L’œuvre du pianiste Orrin Evans s’inscrit dans la grande
tradition des pianistes qui cultivent une certaine forme d’originalité dans
leur approche libre de l’instrument tout en prolongeant un classicisme post-bop
issu d’Andrew Hill, Jaki Byard voire McCoy Tyner. Ancien élève de Kenny
Barron, sa vision globale du piano et du jazz en général, tout en privilégiant
l’esprit d’ouverture, a servi de passerelle à une nouvelle génération de musiciens. Les lecteurs de Jazz
Hot (n°673, 2015) ont découvert le pianiste à travers une belle
rencontre où il évoquait sa relation particulière avec les musiciens de
Philadelphie et son rôle de leader dans les diverses formules qu’il affectionne
du trio au big band. Originaire de la petite ville de Trenton, NJ, comme le
saxophoniste Richie Cole, il est devenu à 47 ans, l’un des musiciens les plus
intéressants de New York. C’est le quatrième album de son Captain Black Big
Band et, là encore, on reste séduit par cette volonté de rapprocher les
générations et les idiomes dans un jazz contemporain toujours aussi exigeant,
s’éloignant de certaines facilités. Son big band est une famille musicale qu’il
nomme «The Village» et qui fonctionne aussi légèrement qu'un quintet, dans une filiation
post-bop souvent modale, à la frontière de formes plus libres, où la forte
personnalité du pianiste apporte un équilibre. La formation repose sur une base
de musiciens qui sont des fidèles de la scène de Philadelphie et parfois au-delà,
avec lesquels Orrin Evans a collaboré dans divers contextes, tels les
trompettistes Sean Jones et Josh Lawrence, les contrebassistes Luques Curtis et
Eric Revis ou les trombonistes David Gibson et Reggie Watkins.
Dans ce nouvel opus, on est souvent plus proche par l'esprit d’un nonet ou
tentet, à l’exception d’une audacieuse version d’«Off Minor» en grande formation avec quatre contrebassistes et
deux batteurs. Le premier thème, «Proclain
Liberty», est plein d’ironie sur la situation politique américaine, d’où
les citations de «Star-Spangled Banner»et de «O Christmas Tree».
D’emblée, Orrin Evans affirme sa maturité, puisant surtout chez McCoy Tyner
cette puissance et ce jeu en accords, doublé d’une sonorité brillante et d’une
inventivité rythmique dans le style d'Ahmad Jamal. «This Little Light of Mine», arrangé par le leader, est un
savoureux gospel où le ténor coltranien de Troy Roberts (un fidèle aussi du regretté Joey DeFrancesco) est mis en valeur, tout
comme le superbe solo de Sean Jones au bugle sur le classique «A Time for Love», mêlant technique et musicalité. La composition originale d’Orrin Evans «That Too», d’une rare complexité rythmique, débute par un
chorus incisif de Stafford Hunter (tb), plein d’autorité, puissant et
expressif, qui laisse place au duo alto-soprano de Todd Bashore et Immanuel
Wilkins. La forme d’«Off Minor»est l’un des grands moments du disque, le Fender Rhodes de Joseph Block donnant
des couleurs en contre-chant au piano d’Orrin Evans qui martèle les touches
débordant de dissonances et de cascades de notes dans un torrent de liberté.
Orrin Evans
rend aussi un bel hommage au regretté Roy Hargrove à travers sa
composition «Into Dawn» dont le
swing permanent laisse place à l’aventureux «Tough Love» d’Andrew Hill où le leader
déclame un poème de son frère évoquant la/(l’im)possibilité d’entrer dans le cercle
vertueux de l’amour dans un contexte soumis aux affres de la société
contemporaine. L’album se clôt sur un autre tribute dédié au batteur Lawrence Lo Leathers parti également trop tôt: «I’m So Glad I Got to Know You». Un album à retenir dans la
discographie de ce pianiste passionnant tant dans son rôle d’arrangeur que de
compositeur et soliste de premier plan.
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 Roberto Magris
Duo & Trio: Featuring Mark Colby
Cool
World!, Bellarosa, Some Other Time, Melody For "C”, Papa’s Got a Brand New Rag,
Cherokee, Old Folks, Samba Rasta, In the Springtime of My Soul, A Rhyme For
Angela, Blues For Herbie "G”
Roberto Magris (p), Mark
Colby (ts, ss) 1, 3, 5, 7, 9, 11, Elisa Pruett (b), Brian
Steever (dm) 2, 4, 6, 8, 10, Pablo
Sanhueza (perc) 4, 8
Enregistré les 2 novembre 2012 (2, 4, 6, 8, 10, ),
Lenexa, KS, et le 7 novembre 2019 (1, 3, 5, 7, 9, 11),
Chicago, IL
Durée: 1h 05’ 27”
JMood 022 (www.jmoodrecords.com)
On connaît bien Roberto Magris pour la densité et la qualité
de sa production phonographique depuis plus de trente ans, notamment, dans les
années 2000-2010, au sein du label JMood de Kansas City dirigé par Paul Collins. Sa
récente interview dans Jazz Hot en 2021 a confirmé la complexité et la sensibilité d’un globe-trotter qui a
découvert le jazz avec une curiosité rafraîchissante, de l’Europe centrale avant la
disparition du rideau de fer jusqu’aux Etats-Unis, dans la plupart de ses
régions.
Son jazz, post coltranien ou post bop selon les moments, est
le fruit d’une culture savante, mélangeant la tradition et l’originalité,
réunissant les standards, les compositions du jazz et ses originaux, sans ostentation, dans l’esprit jazz le plus intègre, avec une volonté
de recherche et une filiation par l’esprit avec McCoy Tyner. Ses inspirations
sont les grands artistes du jazz comme ici Elmo Hope, Sonny Clark, Andrew Hill,
et la volonté d’enrichir une tradition toujours présente (Noble, Weill,
Bernstein). Il a partout, dans un long parcours, fédéré des artistes autour de
son œuvre, signe d’une personnalité affirmée, et il a réuni des ensembles de
qualité pour ses projets, avec quelques fidèles comme ici les excellent(e)s Elisa
Pruett (b), Brian Steever (dm). Il a fait de belles
rencontres comme par le passé Idris Muhammad, Al Tootie Heath, Herb Geller, et
ici le regretté Mark Colby.
Le
saxophoniste, Mark Colby, sous-estimé comme beaucoup dans cette musique, est pourtant né à
Brooklyn, au cœur du jazz, le 18 mars 1949 (son père a joué avec Benny Goodman), et il a côtoyé Gerry Mulligan, Ramsey Lewis, Chuck Mangione, Maynard Ferguson,
Dr. John, Wilson Pickett, Phil Woods, etc., sans parler de nombreuses
collaborations hors jazz dans la grande variété américaine. Mark Colby, disparu
le 31 août 2020 à Elmurst, Illinois, des suites d’un cancer, a été aussi un
enseignant de renom, dernièrement à Chicago, à la DePaul University, où il
s’était installé, puis au Elmhurst College. Son premier enregistrement en
leader a été réalisé en 1977 (Serpentine
Fire, CBS) et son dernier, autoproduit en 2016 (All or Nothing at All). On se souvient d’un hommage à Stan Getz en
2005 qui donne l’esprit de son jeu, un beau son de ténor dans la tradition,
avec ce qu’il faut de poésie pour mettre en valeur le répertoire choisi avec
Roberto Magris.
Cet
enregistrement de 2019, en duo avec Roberto pour 6 des 11 thèmes de cet album,
est son dernier. Il met justement en relief les belles qualités d’improvisation
et de son grâce aussi à la complicité d’un pianiste, tout aussi attentif à la
beauté de la musique, qui établit un magnifique contrepoint. Le thème en
ouverture, «Cool World!», de la plume du leader comme le pourtant classique «Papa’s Got a Brand New Rag», est une merveille, très émouvant, à l’instar des suivants
comme «Some Other Time» de Leonard Bernstein, «Old Folks» de Mort Shuman. «In
the Springtime of My Soul» est l’occasion d’écouter Mark au soprano, dans une
belle atmosphère conçue et mise en ouvre par Roberto Magris.
Pour
compléter ce disque qui a sans doute été écourté en raison du covid puis des
problèmes de santé de Mark Colby, Roberto Magris et Paul Collins ont eu
l’intelligence d’intercaler entre les 6 prises avec Mark Colby, 5 prises en
trio ou quartet réalisées en 2012. Le second thème en trio est la belle
composition d’Elmo Hope, «Bellarosa», brillamment mise en valeur par un Roberto
qui évoque, pour nous, Jaki Byard, avec ses enchaînements de cascades de notes,
comme il le fait sur «Papa’s Got a Brand New
Rag», sans perdre
la moëlle de la musique du compositeur. Elisa Pruett est une pétillante bassiste
(«A Rhyme for Angela») et apporte comme Brian Steever, sa fidèle contribution à
la musique du leader. Il y a encore ce «Cherokee» pris sur tempo medium-lent où le pianiste met en avant l'aspect harmonique alors que l'aspect rythmique et le tempo rapide sont en général privilégiés.
Cette partie du disque tisse
une trame cohérente sur le plan de l’esprit qui alterne avec bonheur en regard des
thèmes en duo piano-saxophone. Elle nous conduit, par un beau «A Rhyme for Angela» de Kurt
Weill, vers le dernier thème en duo avec Mark Colby «Blues for Herbie G», on suppose
Herb Geller, autre partenaire de Roberto Magris,
disparu en 2013. Une conclusion de haute volée qui place cet enregistrement
sous le signe d’une émotion fondée transcendée en musique.
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 Ignasi Terraza
Intimate Conversations With Andrea Motis, Scott Hamilton & Antonio Serrano
Pick Yourself Up (SH), Que reste-t-il de nos Amours? (AM),
Confirmation (AS), O Meu Amor (AM), An Emotional Dance (AS), Shiny Stockings
(AM), You Call It Madness (SH), Cristina (AM), People (SH), Luiza (AM), Bye Bye
Blackbird (AS), Temps de Canvis (SH), Alfonsina y el Mar (AS), My Crazy Rhythm
(AM)
Ignasi Terraza (p), Scott Hamilton (ts), Andrea Motis (tp,
voc, ss, perc), Antonio Serrano (harm)
Enregistré les 27 juillet 2019, 10 janvier 2020 et 23
janvier 2020, Barcelone
Durée: 1h 03’ 15”
Swit Records 33 (www.switrecords.com)
Un disque d’Ignasi Terraza, c’est le bonheur assuré! Une
joie de vivre et une spontanéité qui lui viennent peut être du fait
que sa perception de la réalité n’est pas ordinaire, et qu’il a trouvé dans
cette musique, le jazz, ce monde parfait qu’on a du mal à isoler avec notre
regard. Croiser Ignasi, sentir sa poignée de main, entendre sa musique, tout
concourt à vous mettre dans de bonnes dispositions d’esprit, à mieux comprendre
le monde d’émotion qu’il construit avec son œuvre. Il est heureux de jouer, de
vivre, et il le fait sentir avec un naturel porté par une imagination débordante, sans maniérisme, et par un abord de la musique particulier. La mélodie et la
communication avec l’autre, les autres, sont chez lui un absolu, un don, comme en
témoigne une nouvelle fois ce bel opus, parfois joyeux, toujours émouvant, où
il dialogue tour à tour avec trois artistes qui possèdent également cette
énergie positive et ces qualités de sensibilité.
Une personnification du beau son, Scott Hamilton, dans le registre des standards jazz réinventés
comme le pétillant «Pick Yourself Up», les langoureux «You Call It Madness»,
«People», où le ténor allie le son feutré inspiré de Ben Webster, et le phrasé de
Lester Young, un héritage aussi de Stan Getz, en fait à la manière de Scott
Hamilton car sa synthèse est parfaite et originale, l’un des plus beaux sons du
ténor de notre temps, et du jazz plus largement.
L’original et talentueux harmoniciste Antonio Serrano, lyrique parmi les
lyriques, est une belle découverte pour nous: original par le son et par une
technique hors norme, il n’en est pas moins expressif, mélodique et marie avec
sensibilité son discours avec le pianiste pour de magnifiques versions de
«Confirmation» de Charlie Parker, d’un standard «Bye Bye Blackbird» joyeux, et de
l’émouvant «Alfonsina y el Mar», du pianiste Ariel Ramirez, qui déroule la
nostalgie de l’Argentine au même titre que «An Emotional Dance», un original
d’Ignasi Terraza, qui évoque la culture d’Europe du Nord de ce bel instrument
porteur de tant d’humanité, surtout joué par un artiste comme Antonio Serrano.
Enfin, la chaleureuse Andrea Motis, musicienne jusqu’au bout
des ongles, sur plusieurs instruments (tp, ss, perc) dont une voix, elle aussi
naturelle, sur tous les registres, que ce soit le rêve brésilien («O Meu Amor»,
«Luiza»), les traditionnels du jazz revisités ou réinventés, «My Crazy Rhythm»,
un original d’Ignasi, le beau «Cristina», dédicacé à sa fille, chanté en
catalan où Andrea conclut au saxophone, «Shiny Stockings» de Frank Foster ou
l’immortel «Que reste-t-il de nos amours?» de Charles Trenet. Sa présence
instrumentale à la trompette, aux percussions (pandeiro) est aussi naturelle
que sa voix, comme sur l’introduction de «O Meu Amor» (voix-percussions, avant
une entrée aérienne d’Ignasi): un vrai plaisir qui confirme une belle
personnalité parfaitement en phase avec Ignasi. Ces artistes cultivent l’amour de la mélodie, le plaisir de jouer avec Ignasi Terraza, un poète dans l’âme, généreux par son sens du
partage avec son public, par un souci de perfection et pourtant une ouverture, une
volonté de faire plaisir sans système, sans complaisance, sans
fausses barrières. Il est partout lui-même, lumineux comme son sourire. On
évoque régulièrement Ignasi dans le cadre des chroniques, et nous vous avons
déjà décrit un art du piano entre classicisme et modernité, un
swing et une écoute de ses compagnons malgré un style qui prend beaucoup de
place sur le plan sonore. Il est capable de faire appel à ses réminiscences
classiques comme dans ses introductions («Luiza») ou dans sa belle version de
«Que reste-t-il de nos amours?», de swinguer comme un fou («My Crazy Rhythm»)
ou avec émotion et élégance avec Scott Hamilton, Antonio Serrano et Andrea
Motis. Ignasi remplit l’espace avec tout son cœur et pourtant sans jamais
étouffer ses compagnons auxquels il réserve le meilleur, sa qualité d’écoute,
son tact et son enthousiasme, ses embellissements. Du grand art dans ce
registre du dialogue musical qui fait référence à l’esprit du jazz même quand le
répertoire s’en éloigne.
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 Vincent Herring
Preaching to the Choir
Dudli's Dilemma, Old Devil Moon, Ojos De Rojo, Hello, Fried
Pies, Minor Swing, In a Sentimental Mood, Preaching to the Choir, Granted
Vincent Herring (as), Cyrus Chestnut, Yasuhi Nakamura (b),
Johnathan Blake (dm)
Enregistré les 20-21 novembre 2020, New York, NY
Durée: 1h 05’ 52”
Smoke Sessions Records 2101 (smokesessionsrecords.com/uvmdistribution.com)
Les publications de ce label, qui adosse ses productions à
son activité en club à New York, sont toujours de haute qualité, et à la
hauteur d’une programmation essentiellement tournée vers ce que nous appelons
dans Jazz Hot «le jazz de culture». Ici, entre deux épisodes du covid, en août et novembre 2020,
on retrouve un all stars autour du leader réunissant deux générations, les déjà
anciens Vincent Herring (1964) et Cyrus Chestnut (1963), proches de la
soixantaine, et les confirmés Yasuhi Nakamura (Tokyo, 1982) et Johnathan Blake
(1976), la quarantaine, et qui donc n’en sont plus à leurs débuts. La
conséquence logique en est une musique aboutie et sûre d’elle-même, avec des
artistes qui confirment leur personnalité en pensant d’abord à la perfection de
leur expression, d’autant qu’il s’agit de reprendre le flambeau du jazz après
cet épisode surréaliste qui a vu la culture, dont le jazz, totalement
disparaître sur ordre et
grâce à la manipulation de la peur, une réalité que décrit bien Vincent Herring, avec ses mots, dans le livret.
Le leader ne s’y trompe pas en effet qui inaugure les liner
notes de Shaun Brady par cette formule volontariste: «Nous devons avoir espoir pour le futur. (…) Je suis reconnaissant d’être
ici, reconnaissant de sortir un nouveau disque et reconnaissant d’avoir la
chance de m’exprimer musicalement», et il ajoute dans l’interview réalisée par Ted Panken qui accompagne le bon
livret: «En effet, je savais qu’il
pouvait s’agir de mon dernier disque. Je ne le disais pas aux autres, mais
cette pensée était constamment dans mon esprit».
Il a choisi pour cette renaissance provisoire, qui n’a été
dans les faits qu’une bouffée d’oxygène entre deux trous noirs culturels, un
message jazz assez direct, une sorte de prière-sermon d’optimisme et d’espoir,
et pour cela d’être entouré du splendide Cyrus Chestnut, d’une rythmique de
qualité, avec l’exceptionnel Johnathan Blake, une des grandes valeurs de la
batterie, qui fut l’élève par le passé de Vincent. Si on ajoute que Vincent
Herring, qui faisait déjà la couverture des 65 ans de Jazz Hot pour le n°568,
est un sérieux saxophoniste alto, qui évoque quelque peu dans ce preach un spécialiste du moaning, le ténor Booker Ervin (en moins
accentué) par sa manière de traîner sur la note, incantation autant que
lamentation, on comprend que cette œuvre mérite une écoute attentive. On évoquait le jazz de culture, et on retrouve en effet le
swing, le blues, la musique religieuse, l’expressivité, en un mot les
caractéristiques natives du jazz réunies dans cette belle heure, avec, malgré
les masques qui semblent avoir été de rigueur (les photos sur le livret), une
belle énergie («Fried Pies»…), ce qui est en soi une performance: essayez de
vous exprimer avec un masque, a fortiori quand il s’agit de faire de l’art… Il
faut, plus que de la concentration, une capacité peu ordinaire d’abstraction du
réel. Heureusement, le saxophoniste n’est pas masqué.
Pour ce retour momentané à la vie, le répertoire a choisi
une forme de sécurité; il est constitué de
compositions de Vincent Herring (l’inaugurale, presque joyeuse, dédiée à Joris
Dudli, la seconde qui est le morceau-titre de cet album, un preach avec le call-response du leader et de Cyrus Chestnut, et un côté
incantatoire dans la voix de Vincent Herring, plutôt volontariste); de Cedar
Walton (un classique «Ojos de Rojo» très enlevé où Johnathan Blake fait admirer
son drive); de Wes Montgomery (le hot«Fried Pies» très énergétique);de Duke Ellington (un intense «In a Sentimental
Mood»); de Joe Henderson («Granted» sur tempo rapide avec un brillant chorus de
Cyrus Chestnut); de Cyrus Chestnut, le pétillant «Minor Swing» sans rapport avec
Django.
Trois standards complètent l’enregistrement, dont l’immortel «Old Devil
Moon» gravé par Sonny Rollins au Village Vanguard en 1957, où le leader
fait parler en 2020 le blues dans un moodplutôt nostalgique, loin de l’effervescence créatrice d’alors. Les deux
standards de Lionel Richie et Stevie Wonder respectent l’esprit «variété» des
auteurs, tout en jouant sur l’inventivité de ce beau quartet.
Dans cet environnement balisé, autant sur le plan des
artistes que du répertoire, le message passe parfaitement, avec quatre artistes
conscients brutalement d’une urgence de s’exprimer dans un monde qui ne sera
plus jamais «comme avant», même si «avant» était loin d’être parfait: la
liberté d’expression a d’autant plus de valeur qu’on en est privée plus ou
moins totalement.
La seule interrogation que laisse ce disque, réussi sur
le plan artistique, est d’ordre philosophique: l’espoir, ce devoir dont parle
Vincent Herring, n’est-il que cet opium des peuples par lequel les religions et
les pouvoirs illusionnent les peuples après les avoir apeurés?
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  Tommy Vig
Tommy Vig 2022: Jazz Jazz
In Memory of Monk*, In Memory of Dizzy*,
In Memory of Fats Waller*+, In Memory of Beethoven I*, In Memory of the
Hungarian Folk Song*, Puella*°, Cantiuncula*°, Desiderium*°, Cantio*°, Veni*°+,
In Memory of Beethoven II°°, Budapest 1956**
Tommy Vig (vib*, dm*°°, p°, kb*,
lead**), David Murray (ts)*, Roger Kellaway (p)+, Roger Lee Vig (dm)+, reste du
personnel détaillé dans le livret
Dates et lieux d’enregistrements non
précisés
Durée: 59’ 06’’
Nemzeti Kulturalis Alap ([email protected])
Tommy Vig, «institution
jazzistique hongroise à lui tout seul», comme nous le notions dans une précédente
chronique, livre ici une sorte de testament musical en proposant une synthèse entre la
musique classique européenne et le
jazz, ainsi qu'entre le free (ce qu’il appelle la «musique atonale») et la musique de big band. Les cinq premiers morceaux sont des dédicaces. Avec «In Memory of
Monk» on retrouve effectivement bien l’esprit du pianiste, notamment dans la longue
et dense intervention du leader au vibraphone. Notons d’ailleurs que Tommy Vig
joue sur cet album de plusieurs instruments sur la plupart des morceaux, dont
un synthétiseur lui permettant d’assurer l’ensemble de la section rythmique
(probablement en rerecording). Après le dynamique «In Memory of Dizzy», également
bien dans le ton (avec János Hámori à la trompette), «In Memory of Fats Waller»,
après un démarrage swinguant, dans la lignée des orchestres de Stan Kenton, opère
une bifurcation vers le free avec la complicité de Roger Kellaway, de Roger Lee
Vig (le fils de Tommy) et de David Murray, invité sur tous les titres, à l’exception du dernier, et qui était déjà présent sur le précédent
disque. Pour la première
version de «In Memory of Beethoven», le big band reprend, en les déclinant en
diverses variations, les premières mesures du thème principal de «L’Hymne à la
joie» (qui est aussi l'hymne de l'Union européenne). Une autre façon d’aborder la rencontre entre jazz et classique que les sempiternels essais de jazzification des grands maîtres
européens. «In Memory of the Hungarian Folk Song», joliment introduit
par un David Murray à fleur de peau, ne perd non plus jamais de vue le jazz, mais étrangement sans référence à la musique tzigane hongroise, qui a pourtant inspiré Franz Liszt et Johannes Brahms, et sans référence à Django Reinhardt, pourtant le seul «Européen» ayant été invité par Duke Ellington aux Etats-Unis. Les cinq morceaux
qui suivent, conservent cet équilibre savant entre swing, passages free et
motifs classiques, appuyés sur le sens de la mélodie que déploie Tommy Vig
dans ses compositions. La deuxième version de «In Memory of
Beethoven», incorporant une section de cordes (The Máv Strings), penche d’avantage vers une musique
symphonique assez cinématographique (ce qui n’est pas sans rappeler que
Tommy Vig travailla plusieurs années pour Hollywood).
Enfin, la dernière
pièce, «Budapest 1956», une commande passée à Tommy Vig par l'Etat hongrois, se situe à part
du reste de l’album. D’une part, en raison de son format (il s’agit d’une suite
de 15’), d’autre part, parce que le big band cède ici la place à un orchestre
symphonique (The Máv Orchestra) sous la direction du compositeur. De façon encore plus marquée que sur l’œuvre précédente, le jazz s'efface au profit d'une musique contemporaine au service du récit national hongrois.
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 Melissa Lesnie / Jean-Baptiste Franc
Starlit Hour
Starlit Hour, Let’s Get Lost, Jim, You’re Driving Me Crazy,
Don’t Explain°, Inside This Heart of Mine, You Took Advantage of Me, I Cover
the Waterfront, After You’ve Gone*,
Sophisticated Lady°, Standing Still, Anitra’s Dance, Trolley Song, September
Song, I Found a New Baby*, Sweet Dreams, Stardust
Melissa Lesnie (voc), Jean-Baptiste Franc (p), Victor
Pitoiset (g)*, Serena Manganas, Aramis Monroy (vln)°, Valentin Chiapello
(viola)°, Sabine Balasse (cello)°
Enregistré du 9 au 11 décembre 2020, Issy-les-Moulineaux (92)
Durée: 52’ 37’’
Autoproduit (melissalesnie.com)
 Melissa Lesnie and Jean-Baptiste Franc
The Wonderful Things to Come
Rainy Afternoon in the Latin Quarter°, The Wonderful Things
to Come, Let’s Pick Up Were We Left Off*, Remember When, I Will Always Be There
for You, Gabrielle*, It’s a Lovely Lovely Thing, A Grand Way to Live, Not so
All Alone, The Leaves Are Turning Brown, Do You Want to Go to France?, I’m
Getting Over You*, Painter Song
Melissa Lesnie (voc), Jean-Baptiste Franc (p), William
Brunard (b), Jonathan Gomis (dm), Jacques Gandard (vln, récitant°), Daniel
Garlitsky (vln), Caroline Berry (viola), Mimi Sunnerstam (cello) + Paul Millet
(voc)*
Enregistré en 2022, Paris
Durée: 37’ 13’’
Twee-Jazz Records (melissalesnie.com)
Originaire de Sidney, où elle a étudié la musicologie au
conservatoire, Melissa Lesnie vit à Paris depuis 2013. Nous l’avions découverte
en juin 2020, entre deux confinements, à la terrasse de la Péniche Le
Marcounet, à l’occasion d’un bœuf avec l’ami Larry Browne (tp, voc). C’est
plutôt sur les scènes «off» du jazz qu’on rencontre la chanteuse, entre
brasseries chics (Deux Magots) et grands hôtels (Lutetia) mais aussi dans de
nouveaux lieux pour le jazz comme Le Serpent à Plumes, place des Vosges. Elle
s’y produit généralement en petite formation, accompagnée d’un guitariste, tel
Victor Pitoiset, présent sur le premier disque, ou Ziggy Mandacé, sinon d’un
pianiste, en particulier Jean-Baptiste Franc –dont nous vous avons parlé
récemment– avec lequel elle a enregistré deux albums.
Le premier, Starlit
Hour, qui est également le premier disque de Melissa Lesnie, est un
parcours à travers les standards et les grandes compositions du jazz, plus deux
bons originaux du pianiste (aussi entendus sur son propre album), «Standing
Still» et «Sweet Dreams». La plupart des titres sont joués en duo, ce qui donne
à l’ensemble une atmosphère d’intimité et de la profondeur aux thèmes joués.
Melissa interprète avec sobriété et conviction le répertoire jazz, notamment
les titres immortalisés par Billie Holiday («Jim», «Don’t Explain», «Sophisticated
Lady»…) qu’elle évoque en partie par sa sensibilité aiguë. Son partenaire,
tantôt garnérien, tantôt dans la tradition stride («You’re Driving Me Crazy»),
lui offrant un superbe écrin. L’ajout des cordes sur deux titres, «Don’t
Explain» et «Sophisticated Lady», s’intègre bien à l’alchimie du duo, tout en
rappelant, là encore, l’immense Billie et son fameux album Lady in Satin. La version que donne ici
Melissa Lesnie de «Don’t Explain» est en tous les cas fort réussie, émouvante
et sincère. De même, la guitare de Victor Pitoiset apporte sur «After You’ve
Gone» et «I Found a New Baby» un ingrédient swing supplémentaire qui vient
enrichir le dialogue voix/piano.
Le second opus de Melissa Lesnie et Jean-Baptiste Franc, The Wonderful Things to Come, bénéficie des qualités des deux
interprètes sur un songbook original
signé du pianiste, chanteur, compositeur, chef d’orchestre, producteur (entre
autres!) JC Hopkins, excepté «Gabrielle» de Jean-Baptiste Franc. Originaire de
Californie, installé à Brooklyn, NY depuis plus de vingt ans, c’est là qu’il a
créé le JC Hopkins Biggish Band qui a notamment accueilli Jon Hendricks, Andy
Bey, de même que Norah Jones et Madeleine Peyroux. Ses compositions, de bonne
facture, s’inscrivent dans la tradition des chansons de Broadway dont les
jazzmen ont fait des standards. Les morceaux présentés sont joués pour
l’essentiel en quartet (voix et section rythmique), toujours avec le même swing
épuré, sinon accompagnés d’un violon grappellien («Let’s Pick Up Were We Left
Off») ou d’un ensemble à cordes sur des arrangements de bon goût de Daniel
Garlitsky («Not so All Alone», «The Leaves Are Turning Brown»). Trois titres
comportent un invité vocal, Paul Millet (inconnu de nous), malheureusement pas
à la hauteur des autres participants. L’ensemble est sympathique, entre jolies
ballades –«Painter Song»– et chansons plus
légères comme «Do You Want to Go to France?».
Reste à prolonger le plaisir par le live, sur des scènes parisiennes, parfois
méconnues des amateurs qui ont le mérite de permettre, encore en 2022, à des artistes
comme Melissa Lesnie et Jean-Baptiste Franc de faire vivre le jazz en live.
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 Ricky Ford
The Wailing Sounds of Ricky Ford
Ricky's Bossa, Fer, The Wonder, That Red Clay, The Essence
of You, The Stockholm Stomp, Angel Face, Paris Fringe, I Can't Wait to See You,
Paul's Scene, Frustration, Mabulala
Ricky Ford (ts), Mark Soskin (p), Jerome Harris (b), Barry
Altschul (dm)
Enregistré le 25 juin 2021, Astoria, NY
Durée: 51’ 30’’
Whaling City Sound 135 (www.whalingcitysound.com)
Un nouveau disque de Ricky Ford, c’est toujours un
événement. Et celui-ci est non seulement d’une qualité supérieure mais
particulièrement émouvant. Car tout dans ce disque nous ramène à l’histoire du
leader. Les musiciens qui l’accompagnent sont de
vieux copains qui se sont illustrés dans le jazz, dans des voies diverses. Il y a le contrebassiste Jerome Harris, avec qui il a étudié au
New England Conservatory, à Boston, le pianiste Mark Soskin et le batteur Barry
Altschul,
qu’il connaît depuis sa période new-yorkaise dans les années 1980. Chacun d’eux
a un lien très fort avec Sonny Rollins. Ricky Ford nous racontait son
admiration pour l’aîné dans son interview (Jazz Hot n°668).
En préparant cette chronique, Jerome Harris nous disait voir encore son camarade en 1973, âgé de 19 ans, jouer
avec Rollins: «Ricky était un jeune
phénomène au ténor. A cette époque, beaucoup étaient influencés par Coltrane.
Lui était l’un des rares à s’intéresser à la génération d’avant. Sonny et Ricky
sur une même scène, c'était comme voir le maître et son disciple.» Un autre
compagnon de route, John Betsch, nous confiait également: «On avait
l'habitude de le taquiner et de l'appeler affectueusement Ricky Rollins». Ce disque confirme à l'évidence les qualités explosives de son, d'impulsion de Ricky Ford qui ont fait la légende de Sonny Rollins et, si on écoute plus attentivement, cette véhémence de l'expression de Coleman Hawkins qui est la racine de cette tradition de son («The Essence of You», «Angel Face», «Frustration»…).
Ce n’est pas tout: à partir des années 1980, Jerome
Harris et Mark Soskin accompagnent aussi le Colosse, notamment dans les tournées européennes d'été. Si l’ombre de Rollins plane sur cette musique dès le premier thème («Ricky’s Bossa») et le caribéen «Paris Fringe», ce disque n’est pas un hommage: c’est plutôt et surtout l’histoire d’une amitié entre ces musiciens, et d’un retour aux sources dans lesquelles Rollins a une place de choix. C'est aussi le cas pour
Jerome Harris qui travaille ces dernières années essentiellement avec le
clarinettiste David Krakauer, dans son groupe Klezmer Madness, comme pour Barry
Altschul, une figure originale du free, qui joue ici la «musique de sa jeunesse», comme il
nous le disait. Tous jouent un jazz gorgé de blues ancré dans l’Histoire, ce qui n'empêche pas quelques échappées dans le monde d'un free jazz de culture («The Wonder») qui est l’une des facettes de Ricky Ford qui prolonge souvent, dans d'autres contextes, par sa musique et ses arrangements, l'univers de Charles Mingus. A l'origine de ce projet, Neal Weiss, le fondateur du label Whaling City Sound, basé à New
Bedford, près de Boston, avait proposé à Ricky Ford d’enregistrer un disque autour
de Paul Gonsalves et Harry Carney. Le premier, originaire de New Bedford a été remplacé par Ricky Ford dans l’orchestre de Duke Ellington en 1973.
Le second a grandi dans le même quartier que Ricky à Boston. Après s’être
plongé dans leurs discographies, le ténor a exhumé puis enregistré deux thèmes
peu connus illustrés par Harry Carney, «Mabulala» et «Frustration», au sein de l'orchestre du Duke. Rappelons que Paul, Duke et Harry ont disparu tous les trois en 1974. Pour Gonsalves, le choix
s’est révélé un peu plus ardu, Ford ayant déjà enregistré des thèmes aussi
fameux que «Chelsea Bridge» ou «Happy Reunion» dans ses livraisons précédentes.
Pour l’inclure, il a donc composé «Paul’s Scene», et on retrouve dans la sonorité et l'articulation des phrases de Ricky Ford des évocations, plutôt des accents, de Paul Gonsalves comme dans «I Can't Wait to See You» et «Mabulala». Si Ricky a choisi «The
Essence of You» de Coleman Hawkins, «Frustration» de Duke Ellington, «Angel Face» d'Hank Jones, «Mabulala» de Kenny Graham, «The Stockholm Stomp» d'Al Goering, le répertoire fait principalement appel à des compositions
originales de sa plume, de la bossa à la ballade, en passant par un morceau
plus free: douze thèmes en tout, chacun de 3 à 7 minutes. Le leader a préféré
plus de thèmes et moins de chorus longs. Il assume, et parle volontiers d’un format se
rapprochant du concerto. Cet enregistrement, dans une forme «traditionnelle», permet en particulier d'apprécier la splendide sonorité du ténor, un drive et une puissance qui deviennent rares… On espère retrouver ce
magnifique quartet en live sur les scènes du jazz.
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  Jean-Baptiste Franc
Garner in My Mind
Que reste-t-il de nos amours?, Octave 103, I’m Confessin
That I Love You, S’Wonderful, My Silent Love, Gabrielle, Passing Through,
Pastel, Michelle/Yesterday, Valse de l’adieu, Sweet Dreams, Chopin Impression,
Girl of My Dreams, Where or When, Standing Still, Penthouse Serenade, Anatolie,
I Believe/I Thank You Lord*
Jean-Baptiste Franc (p), Yann-Lou Bertrand (b), Mourad
Benhammou, Erik Maunoury* (dm)
Enregistré le 17 juin 2021, Antony (92)
Durée: 1h 06’ 00’’
Ahead 840.2 (Socadisc)
Petit-fils de René (cl) et fils d’Olivier (ss),
Jean-Baptiste Franc est issu d’une lignée de musiciens marquée par la figure
tutélaire de Sidney Bechet: le premier l’accompagna, le second joue sur le
propre instrument du maître et en compagnie de son fils Daniel Bechet (dm). Une
telle imprégnation suscita sans surprise une vocation musicale précoce chez
Jean-Baptiste qui commence à pianoter dès ses 3 ans, prend ses premières
leçons à 6 ans, puis entre au conservatoire. A 12 ans, il part en tournée avec
Gilbert Leroux (wb) et, deux ans plus tard, avec son grand-père. A 17 ans, en
2001, il se produit au Lincoln Center de New York avec Daniel Bechet. En 2002,
il enregistre son premier disque en trio avec Gilles Chevaucherie (b) et Duffy
Jackson (dm), Jammin’ Rue Pigalle (autoproduit). Il poursuit depuis une carrière dans la sphère du jazz dit «classique», passant, selon les contextes, du stride au swing et jusqu'au gospel. On l’entend
régulièrement aux côtés de son père, de Daniel Bechet ou dans diverses
formations, accompagnant aussi des chanteuses comme Melody Federer ou Melissa
Lesnie. Il n’est pas rare de le voir jouer sur son antique piano portable, ce
qui lui permet de se produire dans n’importe quel bistrot ou dans la rue.
C’est dans l’optique du centenaire de sa naissance, le 15
juin 1921, que Jean-Baptiste Franc a décidé de rendre hommage à Erroll
Garner en lui empruntant en partie des éléments stylistiques caractéristiques, en particulier l'approche rythmique propre au grand pianiste de Pittsburg, PA, avec la main gauche qui marque les temps en léger décalage avec la main droite pour accentuer la pulsation swing et l'attaque. Un quasi travail de reconstitution que Jean-Baptiste, doté d'un beau toucher, assure avec ses propres outils forgés dans la tradition du piano stride. L'évocation est réussie; on reconnaît la patte Garner dès le premier titre («Que reste-t-il de nos amours?», Charles Trenet), comme
sur ses compositions «Octave 103», «Passing Throught», «Pastel» comme sur «S’Wonderful» sur lequel ressurgit le
stride cher à Jean-Baptiste. Le corpus garnérien
est abordé dans les grandes largeurs, du piano classique revu à la sauce
Garner, tel «Chopin Impression» –auquel Jean-Baptiste ajoute une
réjouissante «Valse de l’adieu» stride–, aux reprises jazzés de la musique pop commerciale des années 1960 comme «Michelle-Yesterday»
(Lennon-McCartney). Jean-Baptiste Franc joint quelques jolies
ballades de son cru: «Gabrielle», «Sweet Dreams», qui se prêtent moins aux
«garnérismes», ainsi que «Standing Still», plus en phase avec la thématique du disque.
Soulignons la
finesse de l’accompagnement assuré par le jeune contrebassiste Yann-Lou
Bertrand et le toujours impeccable Mourad Benhammou qui, sur le dernier morceau, laisse les baguettes à Erik Maunoury pour un gospel qui joint deux
titres: «I Believe» d’Ervin Drake et «I Thank You Lord» du pianiste et
organiste Allan Tate (né en 1945, il accompagna notamment Sister Rosetta
Tharpe), ami et mentor de Jean-Baptiste qui le rencontra dans une église
de Harlem en 2008 avant de le faire venir en France à partir de 2011. Un
thème à part du reste de l’album.
Jérôme Partage
© Jazz Hot 2022
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 Clovis Nicolas
Freedom Suite Ensuite
The 5:30 PM Dive Bar Rendezvous*, Freedom
Suite Part I, Interlude, Freedom Suite Part II, Interlude, Freedom Suite Part
III, Grant S., Nichols and Nicolas, You or Me?, Dark and Stormy, Fine and
Dandy*, Speak a Gentle Word, Little Girl Blue
Clovis Nicolas (b), Brandon Lee, Bruce Harris*
(tp), Grant Stewart (ts), Kenny Washington (dm)
Enregistré le 23 décembre 2016, Brooklyn, New
York, NY
Durée: 55’ 25’’
Sunnyside Records 1495 (https://clovisnicolas.com/Socadisc)
Ce superbe album de Clovis Nicolas, enregistré en 2016 et publié en 2018, évoque la tradition post bob d’un jazz intemporel. Le contrebassiste y propose une relecture personnelle et une
prolongation originale de la fameuse Freedom Suite de Sonny Rollins, enregistrée en février 1958, dont le titre évoque une époque de luttes, celles pour les Droits
civiques, issues d’un besoin vital d’émancipation dans une Amérique
ségrégationniste. Divisé en trois parties et relié par deux courts interludes originaux, l’ensemble est
un modèle de créativité et de swing. Là où Sonny Rollins explorait la formule
du trio avec Oscar Pettiford et Max Roach, dans un tour de force
d’équilibriste, Clovis Nicolas y ajoute la trompette de Brandon Lee (et de Bruce Harris sur deux titres) qui joue en contre-chant autour du ténor de Grant Stewart, new-yorkais
d’adoption lui aussi mais natif de Toronto.
La présence de Kenny Washington,
l’un des batteurs les plus complets et techniques de sa génération, apporte un
soutien sans faille au quartet par sa qualité de frappe et un sens du swing
tout en nuances, notamment aux balais dans la seconde partie de la Freedom
Suite. D’ailleurs, on se souvient de sa participation au trio de Tommy
Flanagan sur l’album Jazz Poet qui reste un modèle du genre dans
l’exercice des balais rappelant Denzil Best ou Jo Jones au sein du trio de Ray
Bryant. Cette formule sans piano permet au contrebassiste-leader d’endosser un
rôle à la fois harmonique et mélodique au sein de la rythmique. Une couleur
singulière que l’on découvre dans la première partie de la Freedom Suite même
si on reste proche de l’original dans l’esprit. La troisième partie
débute sur un tempo rapide avec une exposition de thème dans un esprit hard bop
laissant la place au jeu puissant et au fort vibrato de Grant Stewart qui
délivre de longues phrases sinueuses.
Clovis Nicolas est un ancien élève diplômé du
Conservatoire supérieur de musique de Marseille et l’un des sidemen les plus en
vue du milieu des années 1990. Recherché pour son sens du rythme et sa capacité
à assurer une assise à n’importe quel soliste, le jeune Clovis Nicolas a arpenté
les clubs de la Capitale en se produisant derrière Brad Mehldau, Vincent
Herring, Dee Dee Bridgewater, Stefano Di Battista, les Frères Belmondo, etc. Il
s’installe à New York, il y a tout juste vingt ans, et se produit dans les
clubs prestigieux tels que le Smalls Jazz Club, le Smoke Jazz Club, le Blue
Note, Le Dizzy’s Club sans oublier le Lincoln Center, le Kennedy Center ou le
Birdland, et il enregistre également auprès de diverses générations de jazzmen tels
que Peter Bernstein, James Williams, Harry Allen, Cedar Walton, Jeremy Pelt,
Willie Jones III, Carl Allen, Freddie Redd, Frank Wess, Jeb Patton, Branford
Marsalis.
En 2009, il rejoint le programme jazz de Juilliard School
et en ressort diplômé après avoir étudié avec
Ron Carter et Kenny Washington. Une forme de légitimité s’installe pour ce
jeune musicien qui ne cesse d’imposer une forte personnalité musicale qu’il
explore dans ses projets de leader. Il s'inscrit dans la tradition de l'instrument entre
Oscar Pettiford et Ron Carter pour la beauté de sa sonorité boisée, son sens de
la mise en place et surtout un goût pour l’aspect mélodique que l’on retrouve
sur sa version de «Little Girl Blue».
Sa Freedom Suite Ensuite va au-delà de
l’œuvre de Rollins pour explorer quelques standards et compositions comme ce «The 5:30 PM Dive Bar Rendezvous», un
thème où Bruce Harris est tout à fait à l’aise dans son évocation du blues tout
en sobriété dans la lignée d’un Thad Jones avec une sonorité brillante. Ce
thème qui ouvre le disque illustre parfaitement ce qui pourrait être une forme
de définition du jazz avec une superbe walking
bass doublée d’un accompagnement riche du batteur toujours à l’écoute, se
jouant à la fois des silences et de l’espace avec un souci permanent de
swinguer.
Grant Stewart (né en 1971) est
lui aussi une vieille connaissance de Clovis Nicolas, venu s’immerger dans la bouillonnante vie new-yorkaise. Depuis l’âge de 19 ans, il est devenu une figure de la scène
jazz de la grande pomme en peaufinant sa formation auprès des générations
passées comme Al Grey, Clark Terry, Harold Mabern, Louis Hayes, Jimmy
Cobb, Cecil Payne, Curtis Fuller tout en prenant des cours avec Donald Byrd et
l’incontournable Barry Harris. Il est le ténor idéal d’une telle séance avec
une filiation évidente avec le Rollins des années 1950, développant un puissant
vibrato tout en intégrant des éléments du Dexter Gordon de la période
Blue Note, notamment sur la deuxième partie de la Freedom Suite sous
forme de ballade. Le blues «Grant S.»,
est une composition de Clovis Nicolas évoquant son ami saxophoniste où ce
dernier s’illustre avec brio et musicalité tant sur le plan harmonique que
rythmique, avec swing, confirmant la filiation Rollins voire Joe Henderson
pour son lyrisme introverti. La composition de Kay Swift, «Fine and Dandy», pris sur un
tempo vif nous fait apprécier la
volubilité et le brio du jeu de Bruce Harris ainsi que le placement
rythmique du leader impeccable sur sa walking
bass soutenue par un batteur
d’exception. L’un des sommets du disque est un hommage à Herbie
Nichols, l’un des pianistes les plus originaux du jazz moderne avec Elmo Hope,
Jaki Byard ou Andrew Hill. Sur «Nichols
and Nicolas», il y a une forme de classicisme straight ahead,
presque monkien. Avec cet album, tout à fait réussi, Clovis Nicolas confirme les promesses tant sur le plan des compositions que de son jeu, solide et musical, dans une quête de la belle note et de l'originalité.
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 Hilary Kole
Sophisticated Lady
Sophisticated Lady°, Old Devil Moon*, The Best Thing for You
(Would Be Me)°, Somebody Loves Me°, Make Me Rainbows°, Love Dance°, In a
Sentimental Mood°, Let’s Face the Music and Dance*, Round Midnight°, It’s You
or No One°, The Sweetest Sounds°
Hilary Kole (voc, arr*), Chris Byars (fl, cl, as, arr°), Tom
Beckham (vib), John Hart (g), Adam Birnbaum (p), Paul Gill (b), Aaron Kimmel
(dm)
Enregistré en 2020, Montclair, NJ
Durée: 57’ 56’’
Autoproduit (www.hilarykole.com)
Jusqu’à la réception de ce disque, enregistré en 2020, nous
n’avions pas connaissance de la chanteuse et pianiste Hilary Kole (Hilary
Kolodin de son vrai nom), pourtant bien établie sur la scène new-yorkaise.
Enfant de la balle, elle est issue d’une famille liée au monde du spectacle: un
père chanteur à Broadway, Robert Kole, qui l’initie au jazz et au chant, une
mère actrice et mannequin durant son enfance et une grand-mère maternelle, pianiste
formée à la Juilliard School, qui fut l’une des premières femmes impresario dans
les années 1930. Cet environnement artistique propice l’amène à se tourner très
jeune vers la composition: dès ses 12 ans, elle reçoit une bourse annuelle pour
participer aux ateliers d’été de la Warden School. Après ses études secondaires,
elle intègre la Manhattan School of Music avec en tête l’idée de devenir compositrice
de musiques de films. Elle y approfondit sa connaissance du jazz et finit par s’orienter
vers le chant. Encore étudiante, elle devient la
chanteuse de l’orchestre maison du célèbre restaurant Rainbow Room (1998-99) où
elle fait son apprentissage des standards. Elle s’engage ensuite sur la voie de
la comédie musicale, participant à la création du spectacle Our Sinatra (qu’elle a coécrit) qui
connaîtra des milliers de représentations, y compris au Birdland en 2003. Devenue la compagne de son propriétaire, Gianni
Valenti, elle y monte l’année suivante un autre spectacle, Singing Astaire, et multiplie les apparitions sur les grandes
scènes du jazz, dont le Lincoln Center, le Carnegie Hall, le Blue Note de
Tokyo, les festivals de Montréal et Umbria Jazz. Sous la houlette de Gianni
Velenti, elle enregistre entre 2006 et 2010 une série de duos avec
Hank Jones, Cedar Walton, Kenny Barron, Benny Green ou encore Michel Legrand,
qui feront l’objet d’un album sorti en 2010, You Are There (Justin Time). Une autre de ses grandes rencontres avec Oscar Peterson, en 2007, donnera quatre
titres. En 2008, elle grave son premier
album, Haunted Heart (Justin Time),
produit par John Pizzarelli.
Hilary Kole traverse ensuite, à partir de 2011, une période
difficile, marquée par sa séparation avec Gianni Valenti et une longue bataille
juridique qui entrave sa carrière et empêche la parution des titres avec Oscar
Peterson, toujours inédits. Avec des moyens plus artisanaux, elle sort en 2014
et 2016 deux nouveaux albums toujours de bonne facture, A Self Portrait et The Judy
Garland Project (Miranda Music). Sophisticated
Lady, un autoproduit, est son sixième opus.
Hilary Kole est dotée de qualités d’expression certaines –diction, swing, timbre
chaleureux– et propose ici un album au répertoire balisé: des
standards et des grandes compositions du jazz, à commencer par celles de Duke
Ellington, avec le morceau-titre, «Sophisticated Lady», et «In a Sentimental
Mood» arrangés avec goût et originalité par Chris Byars et avec de bons solos de Paul Gill et John
Hart. Sur les ballades, Hilary Kole fait passer l’émotion sans maniérisme. Sa version de «Round Midnight» (Thelonious Monk), introduction a capella puis duo voix-guitare, est originale. Autre réussite, «Old Devil Moon» (Burton Lane) dont elle a écrit les arrangements. Là aussi, l'accompagnement est sobre. Sur les morceaux rapides, Hillary Kole déploie ses
talents de scatteuse, comme sur le très énergique «The Best Thing for You»
(Irving Berlin), où l'on remarque le vibraphoniste Tom
Beckham et Chris Byars au saxophone alto. Le très enlevé «The Sweetest Sounds» (Richard Rodgers) conclut l'album dans l'esprit Swing Era. Un bon disque de jazz vocal.
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 Charles Mingus
Mingus: The Lost Album From Ronnie Scott's
CD1: Introduction, Orange Was the Color of Her Dress Then Silk
Blues, Noddin' Ya Head Blues
CD2: Mind-Readers' Convention in Milano (aka Number 29), Ko Ko (Theme)
CD3: Fables of Faubus, Pops (aka When the Saints Go Marching in), The Man Who Never Sleeps, Air
Mail Special
Charles Mingus (b, comp, lead), Jon Faddis (tp), Charles
McPherson (as), Bobby Jones (ts, cl), John Foster (p), Roy Brooks (dm, scie musicale)
Enregistré les 14-15 août 1972, Ronnie Scott’s, Londres
Durée: 51' 39'' + 30' 42'' + 1h 03' 11''
Resonance Records 2063 (www.resonancerecords.org/Bertus France)
La musique de Charles Mingus est indispensable, surtout dans
nos époques de propagande normalisatrice en Occident, dans nos sociétés post
démocratiques; «post» parce qu’elles ne le sont plus, une réalité aussi nuisible
pour l’art que dans la vie quotidienne. Un constat par l'absurde, indispensable pour comprendre que le
désordre organisé, une définition réaliste des sociétés réellement
démocratiques, diverses, foisonnantes, subversives, contradictoires par principe critique, est
nécessaire à la richesse de l’expression, de la création et plus largement de
la vie. S’il restait un écologiste ou un scientifique sincères, il expliquerait
que la diversité des espèces et des virus favorisent la vie. C’est aussi vrai
en art.
C’est vrai en jazz, on le sait depuis New Orleans et Storyville, et
Charles Mingus, par la voix de Louis Armstrong ressuscitée par John Foster («Pops»)
sur un «When the Saints» inattendu, en donne ici une illustration aussi
pétillante qu’inédite: littéralement mingusienne. C’est encore perceptible avec
le «Fables of Faubus» qui le précède, une protestation contre le Gouverneur «démocrate»
(les guillemets s’imposaient déjà) de l’Arkansas, Orval Faubus, qui décida en
1957 d’envoyer la Garde nationale pour empêcher une dizaine d’étudiants
afro-américains de fréquenter la High School de Little Rock, droit qu’ils
avaient gagné en justice. C’est évident dans le contenu, joyeux ou revendicatif
transparent du monde sonore de Charles Mingus. Car le jazz, jusqu’à 2020, n’a
jamais eu peur de s’opposer à l’inacceptable, de faire entendre sa voix et sa
philosophie, d’être dans la vie, d’être la vie. C’est même un fondement
essentiel de son caractère expressif: de Louis Armstrong et Duke
Ellington jusqu’à John Coltrane et Archie Shepp, en passant par Dizzy Gillespie
et Charlie Parker, Mahalia Jackson, B.B. King, toute la communauté du jazz, dont ses créateurs majeurs, a pris partie dans le débat démocratique, et c’est pour
cela qu’on pouvait encore parler de démocratie, la violence de ce temps n'étant qu'une expression, parmi d'autres, de ce débat.
Cela dit en introduction de ce somptueux coffret de trois
disques offert par le Charles Mingus Sextet au début des années 1970 et mis à
jour –les bandes étaient dans les archives de Charles Mingus que gère sa veuve,
Sue Mingus–, produit par notre habituel chercheur d’or qu’est Zev Feldman de
Resonance Records, secondé pour cette entreprise par David Weiss qu’on connaît
par ailleurs comme brillant trompettiste, arrangeur et compositeur des Cookers.
Ils viennent de documenter la musique de Charles Mingus de cet été 1972, qui ne
soulève pas moins de nostalgie que l’été 42 et pour des raisons plus profondes.
Comme toujours, les informations du livret, très généreux de
64 pages, sont précises, avec des textes clairs pour resituer le contexte, la participation de Sue Mingus, Mary Scott, la veuve de Ronnie Scott, Christian
McBride toujours présent pour l’excellence, avec encore une précieuse interview de
Charles Mingus et Charles McPherson sortie des archives d’un bon connaisseur
britannique, Brian Priestlay (Mingus: A
Critical Biography, 1984). On peut compléter les infos par recoupement: le
séjour du 1er au 15 août du sextet au Ronnie Scott’s n’a
pas terminé la tournée européenne, mais il s’est placé en son centre: après une
apparition au Festival de Newport en jam, délocalisé à New York par George
Wein, le 6 juillet 1972, Charles Mingus a tourné en Europe, en festival et en clubs, avec
ce groupe les 20 juillet 1972 à Nice (Dizzy Gillespie, p, voc, tp, intègre le groupe sur deux titres), 30 juillet à Pescara. Si l’affiche du
Ronnie Scott’s atteste de sa présence à Londres du 1er au 15 août, avec cet enregistrement les 14-15 août, il semble bien que le 12
août, le sextet a profité d’un jour de relâche pour jouer aux Pays-Bas
(Loosdrecht). La tournée s’est ensuite prolongée en Allemagne de l’Ouest
(Munich) le 17 août, en Suède (Emmaboda Jazz Fest) le 19, en France
(Châteauvallon, en quartet, sans Jon Faddis et Bobby Jones), pour se terminer
au Danemark (le Jazzhus Montmartre) le 28 août, avec un invité de marque du
sextet, Dexter Gordon, un autre représentant hot de la Côte Ouest, contemporain du contrebassiste.
Il est donc possible aux amateurs des pays européens de se
souvenir de ce formidable groupe de Charles Mingus avec Jon Faddis, Charles
McPherson, Bobby Jones, John Foster et Roy Brooks illuminant les scènes d’autres
festivals (cf. discographie détaillée dans Jazz Hot n°557, n°558, n°559). Les performances sont
partiellement documentées et, c’est le cas à Londres avec ce disque, la scène
du Ronnie Scott’s, enregistrement qui était jusque-là inédit pour le grand
public.
N’importe quel amateur du grand contrebassiste se souvient
de la scie musicale, instrument hors norme dont Roy Brooks étirait les accents
du blues, et de ce style jungle réacclimaté par Charles Mingus au sens où il
adapte le foisonnement sonore ellingtonien à son univers, parfois par des
couleurs hispano-mexicaines, parfois par sa vision free au sens afro-américain
des années 1960-70 de l’improvisation collective, donnant à chacun des
musiciens comme le faisait Duke Ellington, une totale liberté pour parler avec sa
voix dans un collectif d’une construction aussi savante que virtuose: une
écriture en live qui ne doit pas
s’imaginer sans des siècles de culture, sans des jours et des années de
complicité artistique, comme en témoigne la présence en 1972 de Charles
McPherson, déjà à ses côtés depuis 1964, et qui fait encore référence en 2019 à
la musique de Charles Mingus, dans la forme et l’esprit (cf. Jazz Dance Suite).
Charles Mingus, c’est une sonorité d’ensemble, une énergie, une liberté, une
poésie et une imagination à nulle autre pareilles, et pourtant c’est du jazz,
c’est du blues, formel ou par l’esprit, dont les racines plongent au plus
profond de l’histoire collective et de l’inconscient individuel, car il
revendique en permanence ces deux dimensions de son être.
Charles Mingus, c’est aussi une violence assumée, celle des
vexations subies, celle de la vie à conquérir, celle de la nécessité de lutter
pour aimer, partager, s’exprimer, et sa musique en est autant pétrie (de
violence) que de ses autres qualités de douceur, de poésie et d’amour: à (re)lire: Beneath the Underdog/Moins qu'un chien, par Charles Mingus.
«Orange Was the Color of Her Dress, Then Silk Blues» est une
illustration de ces dimensions paradoxales de son vécu, mais aussi de son grand
talent de conteur. Cette composition fut écrite par Charles Mingus pour une réalisation télévisée, A Song
of Orange in It, de Robert Herridge
à la fin des années 1950. Le cinéaste avait de la suite dans les idées,
puisqu’il avait déjà donné en 1957 The
Sound of Jazz avec Billie Holiday, Ben Webster, Lester Young entre autres…
Ces 32 minutes sont mises en valeur par les discours croisés
de Jon Faddis, Charles McPherson, Bobby Jones, John Foster et Roy Brooks,
formidablement impulsés par un bassiste omniprésent, relançant sans arrêt ses
compagnons, d’une musicalité dont on ne mesure jamais la virtuosité,
multipliant les scènes, les climats, les accents du plus aigu au plus grave,
du plus pianissimo au plus vivace, de la plus grande douceur à la plus grande
violence. C’est une parfaite illustration de cette liberté sans limite de la
musique de Charles Mingus au service d’un récit: du Grand Art qui sublime la
vie.
«Noddin’ Ya Head Blues» un blues classique (le blues de tête) dans la forme,
introduit par un chorus de contrebasse de plus de trois minutes dont Mingus a
le secret, puissant et musical, est un régal pour chacune des interventions, la
voix et le piano de John Foster, les chorus de Charles McPherson et Jon
Faddis, ou le soutien très inventif de Roy Brooks: dans l’esprit et toujours
moderne, avec la voix de chacun et l’empreinte de Mingus. Il permet d’entendre
Roy Brooks jouer de la scie musicale, et de constater l’effet, inoubliable,
produit sur le public.
Le CD2 est entièrement consacré à la version de 30’ de
«Mind-Readers' Convention in Milano», une composition foisonnante, des récits qui s’entrecroisent, sur fond d’ensembles structurés, caractéristique de ce talent d’écriture exceptionnel de Mingus
conjugué à celui de musiciens totalement impliqués dans cette
écriture: un film en cinémascope, avec ces variations de tempos dont il a fait
une marque de fabrique, ces échappées free sur fond de tension parfaitement architecturée qui donne l’illusion d’un big band quand il y a six musiciens. Il
n’y a jamais l’impression qu’une note est faite au hasard, et le contrebassiste
invente, drive les changements de tempos, de mélodies, de climats, suivi par
des musiciens qui occupent 30 minutes sur 30 à se confronter, à dialoguer à
six, à paraître inventer sur l’instant une œuvre dont les fondements semblent
pourtant être écrits avec un soin minutieux tant les ensembles, les unissons
sont précis, tant les alliages sonores, à la manière d’un autre Ellington, sont
propres à la musique de Charles Mingus. Simplement passionnant!
Il reste à vous parler de «The Man Who Never Sleeps».
Commencé sur un dialogue Faddis-Mingus, cette belle composition déjà au
répertoire en 1970, est un classique mingusien sur tous les plans: la diversité
des atmosphères, de l’intensité, des tempos, alternant le rêve, les émotions… Servi par les arrangements qui semblent démultiplier le nombre de musiciens, par les
variations de tempos sans jamais faire disparaître le swing, la respiration, par
les chorus émouvants de chacun des musiciens, ce titre est encore un témoignage que la
musique de Charles Mingus est l’un des grands univers à sa place dans
l’Olympe des pères créateurs du jazz qui ont fait du siècle du jazz
une expression sans équivalent dans l’histoire de l’art.
La conclusion en deux minutes up tempo sur «Air Mail Special» mâtinée de «Ko Ko» est l’issue
joyeuse de ces plus de deux heures de voyage au paradis de Charles Mingus
ramené sur terre par la volonté et le talent de Zev Feldman.
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 Wawau Adler
I Play With You
For Leo, Le Soir, Jazzy Populair, Manoir de mes rêves, For
Holzmanno, Cherokee, I Play With You, What Is This Thing Called Love,
Martinique, La belle vie, Samois-sur-Seine, Chicago
Wawau Adler (g), Alexandre Cavaliere (vln), Denis Chang (g), Hono Winterstein (g), Joel
Locher (b)
Date et lieu d’enregistrement non précisés
Durée: 53’ 10”
Edition Collage/GLM Music 604-2 (www.glm.de, wawau-adler.com)
Les amateurs de jazz, dont les lecteurs de Jazz Hot, commencent à bien connaître
Wawau Adler dont nous vous avions commenté le précédent enregistrement (Happy Birthday Django 110),
et si cette découverte vous a intéressés, nul doute que ce bon disque, qui
réunit les mêmes musiciens, avec un invité imprévu, Denis Chang, venu du Canada,
que Wawau a convié en reconstituant un quintet dans la tradition de la
formation de Django Reinhardt, avec trois guitares, un violon et une
contrebasse.
Nous avions présenté les membres du quartet de base dans la
chronique précédente, nous n’y revenons pas (il suffit de s’y reporter), et on
vous précise que Denis Chang n’est pas un inconnu puisque nous avions commenté en
2007 son premier enregistrement, Flèche
d’or, pour l’historique label norvégien, Hot Club Records, de Jon Larsen (Supplément Jazz Hot n°644),
sur lequel il a aussi enregistré, en 2009, Deeper
Than You Think. Ce natif de Montréal, pédagogue réputé, a collaboré
avec le regretté Pat Martino et a créé la DC Music School (denischang.com), où il enseigne la tradition de Django et pas seulement. Denis Chang a choisi
depuis longtemps de s’exprimer dans la tradition de Django, et pour cela, il a
parcouru avec curiosité l’Europe et l’histoire de cette tradition. Sa
virtuosité, obligée pour cette culture, nous le dit. On distingue ses
interventions à la guitare par sa manière plus sèche par rapport au leader.
Dans I Play With You,
Wawau Adler a alterné six de ses compositions avec une de Django («Manoir de
mes rêves») et cinq standards, qu’ils aient ou non été repris par Django.
Le quintet attaque par un original de Wawau, «For Leo»,
peut-être dédié à Leo Slab, le livret ne le précise pas. Wawau Adler nous fait
comprendre pourquoi il fait référence au bebop avec ses unissons de guitares et
violon bien intégrés à la pompe.
«Le Soir» de Loulou Gasté (1908-1995, orchestre de Ray Ventura)
que Line Renaud, sa compagne, interpréta accompagnée par Loulou à la guitare,
dans une veine déjà héritée de Django, quand il tressait ses arabesques autour de la voix de Jean Sablon, est une composition très poétique.
Introduit par l’excellent Alexandre Cavaliere, Wawau y fait des merveilles,
avec cette touche de nostalgie qui nous rappelle ce que la chanson française
doit au jazz et à Django. «La Belle vie», l’immortel de Sacha Distel (Jazz Hot n°601),
guitariste de jazz et chanteur populaire, neveu de Ray Ventura, précise
l’inspiration de Wawau autant que son goût pour cette savante synthèse
musicale.
«Jazzy Populair» confirme le talent de Wawau pour des
compositions bien intégrées à la tradition tout en illustrant son attachement au
bebop; ce qui donne une réelle personnalité à sa manière. Un esprit qu’on
retrouve dans les acrobatiques standards «Cherokee» ou «What Is This Thing
Called Love», dignes dans leurs échanges virtuoses entre musiciens des
interprétations bebop d’outre-Atlantique auxquels ils font référence.
«For Holzmanno», un
bel original, où les unissons guitares-violon lancent des improvisations
savoureuses (Alexandre Cavaliere et le leader), a été composé en hommage à Holzmanno
Winterstein, un ami, confrère et complice de Wawau (né en 1952), évoqué en 1997
dans le cadre d’un bel article consacré à Siegfried Maeker qui produisit
l’indispensable série Musik Deutscher
Zigeuner (Jazz Hot n°540)
qui réunit cette grande famille musicale d’outre-Rhin où Wawau plonge ses
racines.
«I Play With You», un autre original, est une ballade poétique introduite à l’unisson violon-guitare, avant que Wawau en donne sa lecture dans son style qui respire, serein, où Alexandre se fait oiseau; un moment de rêve de cet enregistrement. «Martinique», sur tempo médium, propose un swing joyeux et des improvisations en liberté.
Enfin Django est omniprésent, sans jamais écraser, car Wawau
maîtrise l’histoire et son récit: par l’original «Samois-sur-Seine», où percent
poésie et nostalgie, et des harmonies proches de l’esprit du dernier Django,
dans la veine qu’exploita et développa Babik; mais aussi par un «Chicago» qui
renvoie à l’esprit originel de l’entre-deux guerres. Django est enfin présent par l’une
de ses compositions, «Manoir de mes rêves» joliment introduite par Alexandre
Cavaliere, et développé par Wawau Adler avec maestria, avant qu’Alexandre reprenne
la parole et que Wawau apporte un contre-chant in the tradition.
Du bel ouvrage, comme l’ensemble de ce disque plein de
fougue et de maîtrise, avec des musiciens à la hauteur du projet que leur a
proposé Wawau, Denis Chang comme Hono Winterstein, Joel Locher comme Alexandre
Cavaliere. On peut découvrir en live le groupe de Wawau Adler au Festival Django Reinhardt de Samois le 24 juin 2022 à 18h.
I Play With You est un indispensable nécessaire au moral des amateurs dans le contexte morose d’une création jazzique qui a
beaucoup de mal à se relever du covid. Le salut viendra-t-il de la tradition de Django, si rétive, depuis la nuit des temps, à tout confinement?
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 Christian McBride & Inside Straight
Live at the Village Vanguard
Sweet Bread, Fair Hope Theme, Ms. Angelou, The Shade of the
Cedar Tree, Gang Gang, Uncle James, Stick & Move
Christian McBride (b, comp), Steve Wilson (as, ss, comp), Warren
Wolf (vib, comp), Peter Martin (p), Carl Allen (dm)
Enregistré du 5 au 7 décembre 2014, New York, NY
Durée: 1h 19' 45''
Mack Avenue 1192 (www.mackavenue.com)
S’il a joué de nombreuses fois en sideman au Village
Vanguard depuis 1990, Christian McBride (né en 1972) a attendu 2006 pour y
proposer sa musique en leader et y revenir en 2007, dans des formules
acoustiques pour suivre les recommandations de Lorraine Gordon, peu sensible aux
expérimentations rhythm & blues du bassiste, comme il le raconte avec humour
dans le livret. C’est en 2007 qu’y naît ce groupe qui associe à son quartet
(Steve Wilson, Carl Allen et alors Eric Reed) un jeune vibraphoniste, Warren
Wolf, dont les compositions, un jeu brillant et la sonorité colorent cet
ensemble, avec parfois un clin d’œil à l’esprit third stream («Gang Gang») du Modern Jazz Quartet. Warren Wolf
n’est pas le seul compositeur, Chris McBride propose quatre compositions, et
Steve Wilson, une. Le répertoire est donc original.
Le groupe fut baptisé «Inside Straight» au Monterey Jazz Festival en 2008, et
poursuivit son chemin dès 2009 au Village Vanguard où Christian McBride devint
un invité annuel du mois de décembre. Peter Martin remplaça Eric Reed, et c’est
en décembre 2014 qu’a été enregistré la matière de ce disque, qui sort en 2021 sur
le bon label Mack Avenue qui édite les enregistrements du bassiste depuis 2008.
Christian McBride a donné à ce label de très bons enregistrements, avec
différentes formations, du big band au trio. On peut citer The Movement Revisited (1082) en 2013, Bringin' It (1115) en 2017, New
Jawn (1133) en 2017, For Jimmy, Wes
and Oliver (1152) en 2019, et déjà, en trio, un autre Live at the Village Vanguard (1099), enregistré en octobre 2014,
soit deux mois avant ce quintet. Le dessin de couverture, style bande dessinée,
est dans le même esprit.
La publication ne respecte pas la chronologie, et c’est sans
importance car la musique de ces enregistrements vaut vraiment d’être
immortalisée. Cela nous donne une idée de l’appétit musical de Christian
McBride qui aborde avec tant de brio des projets aussi variés, toujours dans
l’esprit de la grande musique afro-américaine, parfois très lourds pour la
mise en œuvre comme The Movement
Revisited. Ici, c’est en live au
Village Vanguard, et on ressent à l’écoute le drive propre à ces enregistrements
au contact du public aussi bien que l’aboutissement d’une musique post bop
d’une réelle perfection, où les musiciens sont totalement investis.
Cet enregistrement bénéficie de la complicité des deux
«anciens» complices du leader, Carl Allen, magnifique batteur qui a fait la
couverture de Jazz Hot n°584 et de Steve Wilson, saxophoniste à
l’impressionnante discographie (Michel Brecker, Donald Brown, James Williams,
Ralph Peterson, Chick Corea, la liste est sans fin), qui était au sommaire du Jazz Hot n°577, tous les deux nés en 1961. Peter Martin (né en
1970) est un brillant pianiste, un fidèle des tournées de Christian McBride,
qui a accompagné le gotha du jazz, de Betty Carter à Dianne Reeves, de Johnny
Griffin à Wynton Marsalis en passant par Roy Hargrove, Joshua Redman, Terence
Blanchard et beaucoup d’autres… Warren Wolf, le benjamin (né en 1979), outre ses talents de
compositeur, possède une sonorité brillante personnelle, une attaque et une
expression sur son instrument dignes de tous les éloges, bien que son enregistrement personnel sur ce même label (Reincarnation) déprécie ses qualités, et cet ensemble est
d’une cohésion, d’une complicité qui font merveille sur tous les tempos.
Quand on connaît les qualités du leader, contrebassiste
virtuose, au swing inébranlable, à la puissante sonorité, aux riches arrangements,
capable d’entraîner et de dynamiser son groupe, comme un Charles Mingus ou un
Art Blakey, on comprend que la musique de ce quintet ait passionné l’assistance
dont on perçoit les réactions. On peut partager ce bon moment grâce à cette
édition de Mack Avenue, et si le label poursuit, comme d’autres, l’édition des
inédits d’avant le covid, nous pourrons ainsi encore rêver d’un monde englouti,
celui d’une liberté que le jazz a portée depuis sa naissance.
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 Alvin Queen Trio
Night Train to Copenhagen
Have You Met Miss Jones?, Bags Groove, I Got It Bad (and
That Ain't Good), Farewell Song, Quiet Nights of Quiet Stars (Corcovado), The
Days of Wine and Roses, Goodbye JD,
Tranquility in the Woods (I skovens dybe stille ro), D &
E, Georgia on My Mind,
Night Train, C Jam Blues, People, Moten Swing, Some Other
Time
Alvin Queen (dm), Calle Brickman (p) Tobias Dall (b)
Enregistré les 22-23 mars 2021, Elsinore, Danemark
Durée: 53’ 02”
Stunt Records 21062 (www.sundance.dk/www.uvmdistribution.com)
«Alvin Queen a l'un
des sons de batterie les plus hot» nous dit le producteur danois de cet
excellent disque, le pianiste Niels Lan Doky, qui fut un temps parisien
d’adoption. Il présente avec compétence dans le texte du livret ce double
hommage à Oscar Peterson (après le précédent O.P.: A Tribute to Oscar Peterson,
de 2018, paru sur le même label)
et au Danemark, une terre d’accueil du jazz.
Alvin Queen qu’on ne présente plus (il était en couverture
de Jazz
Hot n° 572), a fait
et continue de faire le bonheur du jazz en Europe et dans le monde, et d’un
nombre considérable de formations, du trio au big band, depuis plus de 50 ans,
et parmi elles avec Oscar Peterson, un sommet parmi d’autres car c’est
l’altitude qu’il fréquente.
C’est aussi un hommage au Danemark, car outre les attaches
personnelles d’Alvin, Oscar y a aussi compté de prestigieux membres de son trio,
des natifs comme Niels-Henning Ørsted Pedersen ou adoptés comme l’autre grand
batteur américain, Ed Thigpen. Quand on rajoute que le manager au long cours
d’Oscar Peterson, Norman Granz, a épousé en dernière noce Mme Grete Lingby, une
Danoise, et qu’il est enterré –ce que nous dit Niels– à Ordrup, une localité du
Danemark, on comprend que le Danemark et son entourage scandinave ont été une
autre patrie du jazz parmi les plus accueillantes pour les musiciens
afro-américains et leur musique. On peut citer parmi une longue liste les grands Ben Webster,
Dexter Gordon, Oscar Pettiford, Kenny Drew; on pourrait rappeler les clubs
mythiques comme les labels de grande qualité qui ont abondamment enregistré et documenté
cette musique à l’égal de ce que la France a produit de mieux.
Alvin Queen, la générosité incarnée, humainement et
musicalement, pour qui la belle chanson «Les Cireurs de souliers de Broadway»,
interprétée par Yves Montand, semble avoir été écrite (paroles, Jacques
Prévert-Musique, Henri Crolla), rend ainsi hommage à une magnifique histoire de
rencontres respectueuses et artistiques, une de celles qui, sans être en
Amérique, a fondamentalement contribué à l’histoire et à la richesse du jazz.
Il rend même un double hommage en choisissant ce label, ce producteur avec
lequel il a joué et dont il a intégré un titre dans cet opus, et les musiciens du
cru, les bons Calle Brickman, suédois de naissance, et Tobias Dall, né au
Danemark et qui accompagne régulièrement Niels Lan Doky.
On est donc en terrain connu, avec des acteurs qui partagent
des liens récents et anciens, au-delà de leur naissance, et à aucun moment
Alvin Queen ne fait sentir qu’il est une légende et le leader en écrasant de sa
présence, laissant beaucoup d’espace et de respiration à son trio, à la
musique, comme il sait le faire, avec un drive précis et fertile, aussi bien
sur les caisses que sur les cymbales, avec de sobres et percutants chorus, pour
emmener ses jeunes compagnons, qui accomplissent leur part du chemin vers
le langage profondément blues d’Alvin Queen, comme en témoigne ce «Night
Train», immortalisé par Oscar, et repris sans complexe par les «jeunes» du trio
ou un «C Jam Blues» au punch indéniable.
Le répertoire est d’ailleurs classique, des compositions
jazz (Duke Ellington, Oscar Peterson, Milt Jackson, Bennie Moten, John Lewis,
Jimmy Forrest), des standards (Rodgers & Hart, Carmichael, Mancini & Mercer,
Jobim, Bernstein), un titre de Niels Lan Doky, on l’a vu, et un traditionnel
danois, qui ressemble à un hymne, laissé à l’initiative de Calle Brickman.
Alvin Queen a cette faculté –la liste impressionnante de ses
collaborations (https://alvinqueen.com) de Joe Newman (à 12 ans en 1962,
avec Zoot Sims, Art Davis, Hank Jones et Harold Mabern ensemble) à Charles
Tolliver en passant par Horace Silver– d’être parfait dans tous les courants du
jazz, en restant lui-même, ce formidable technicien doté d’une expression
unique, né du petit
cireur de souliers (La fugitive petite
lumière/Que l’enfant noir aux dents de neige/A doucement apprivoisée, selon les
mots de Prévert) un enfant prodige (il est né dans le Bronx en 1950) qui a
ébahi les Max Roach, Art Blakey, Elvin Jones, Charli Persip, Mel Lewis, réunis en
1962 pour la soirée annuelle des batteurs au Birdland, et qui a été assis à la batterie par Elvin Jones au Birdland lors du passage de John
Coltrane (1963). Il a continué à cirer encore quelques temps les chaussures,
choisissant en particulier celles de Ben Webster, Thelonious Monk, Art Blakey –pour joindre l'utile à la passion– avec sans aucun doute ce même sourire éclatant qui ne le quitte pas… Un vrai moment de jazz par un trio qui accomplit
encore ce miracle de la transmission, ici de plusieurs mémoires et générations qui
se croisent, en faisant simplement ce que le jazz a toujours fait: de l’art, de
la musique dans un esprit profondément humain, populaire. On imagine la chance et
l’émotion que les jeunes, bassiste et pianiste, de cet enregistrement ont
ressenties...
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 Monty Alexander
Love You Madly
CD1: Arthur’s Theme, Love You Madly, Samba de Orfeu, Sweet
Lady, Eleuthra, Reggae Later
CD2: Blues for Edith, Fungii Mama, Consider,
Montevideo, Body and Soul, Swamp Fire, SKJ
Monty Alexander (p), Paul Berner (b), Duffy Jackson (dm),
Robert Thomas Jr. (perc)
Enregistré le 6 août 1982, Fort Lauderdale, FL
Durée: 45’ 42’’ + 46’ 21’’
Resonance Records 2047 (resonancerecords.org/Bertus France)
Le bon label patrimonial Resonance Records édite avec le
soin qui le caractérise un live inédit de Monty Alexander, capté en 1982 au
Bubba’s Jazz Restaurant de Fort Lauderdale, FL, club fondé par Bob Shelly, actif
de la fin des années 1970 aux années 1980. Le lieu, décontracté et typique du
sud de la Floride, a accueilli les grands noms du jazz, dont Art Blakey, Stan
Getz, Sonny Stitt et Ahmad Jamal qui y enregistrèrent. Quant à Monty, un coup
d’œil à sa riche discographie (cf. Jazz Hot n°611) suffit à se
figurer l’intensité de son activité en ce début des années 1980: pas moins
d’une vingtaine de disques entre 1980 et 1982, en leader et en sideman,
notamment avec Ray Brown, Herb Ellis et Milt Jackson.
Le riche livret illustré, d'une quarantaine de pages, qui accompagne l’album, propose une interview de chacun des membres du groupe, menée
entre juin et août 2020 par Zev Feldman qui a supervisé cette édition avec le savoir-faire qu’on lui
connaît. Monty y raconte les circonstances de cette enregistrement: l’ingénieur du son Mark Emerman, rencontré un peu plus tôt,
lui propose de venir enregistrer son concert au Bubba’s et lui offre la bande,
restée pendant près de quarante ans dans les archives du pianiste. Monty évoque
aussi brièvement la vie jazzique de Fort Lauderdale avec ses deux motels, The
Apache et The Rancher, où se produisait Ira Sullivan, ainsi que la Hampton
House où il se rappelle avoir vu Cannonball Adderley et Junior Mance, de même
qu’il y a noué des amitiés avec plusieurs musiciens. Autant d’indices attestant
de la vitalité de la scène jazz de Miami et de ses environs (Fort Lauderdale
est à moins de 50 km), comme le démontrent d’ailleurs plusieurs enregistrements des années 2010 d’un
autre pianiste, l’Italien Roberto Magris, notamment avec Ira Sullivan.
Monty est ici en quartet. A la contrebasse, le jeune Paul
Berner a fait ses armes dans l’orchestre de Lionel Hampton. Comme il le raconte
à Zev Feldman, c’est Reggie Johnson qui lui a conseillé de se présenter à Monty
de sa part. Il joue dans son trio entre 1981 et 1983 mais n’apparaît pas dans
la discographie du pianiste en dehors de ce disque. En 1990, après d’autres
collaborations prestigieuses, il partira s’installer définitivement aux
Pays-Bas. A la batterie, Duffy Jackson a enregistré son premier disque en
sideman, Here Comes the Sun, en 1971,
avec Monty Alexander, bien que n’étant encore alors que lycéen (cf. Tears). Depuis, ils se sont retrouvés à de nombreuses reprises sur
scène et en studio, d’autant que Duffy a des attaches en Floride. Aux
percussions, Robert Thomas, Jr., est originaire de Miami. Lui aussi a débuté
très jeune auprès de Monty dont l’influence a été déterminante et explique dans
le livret avoir également énormément appris aux côtés de Duffy Jackson. On
connaît sa participation à Weather Reaport (1980-1986), laquelle ne l’a pas
empêché de retrouver ponctuellement Monty. On comprend dès lors l’osmose qui
caractérise ce quartet dégageant une énergie et une vitalité exceptionnelles.
Quel que soit le registre,
Monty est extraordinaire, déployant une inventivité impressionnante. L’album débute par une superbe ballade, «Arthur’s Theme», à laquelle Monty Alexander
donne un relief particulier par son jeu percussif et des accélérations du
tempo. La pulsation très vive de Duffy Jackson donne une intensité
supplémentaire. Les autres ballades abordées sont autant de trésors de
subtilité: «Love You Madly», le classique ellingtonien qui donne son nom à
l’album, «Sweet Lady» et «Consider» deux compositions du pianiste, de même
qu’un autre incontournable, «Body and Soul» d’une splendeur renversante! Le
Monty caribéen n’est jamais bien loin, de «Samba de Orfeu» (encore le soutien
d’une grande densité de Duffy Jackson!) à «Fungii Mama», en passant par «Montevideo»,
où le leader, volubile, cite quelques mesures de «Caravan» puis quelques autres du
thème du film Brazil; entre les deux, un solo
explosif de Duffy déclenche l’enthousiasme du public. Un autre thème de
Monty, «Reggae Later», évoque évidemment la Jamaïque et le courant musical qui
lui est associé, tout en restant très ancré dans le swing. On y
entend les interventions de Paul Berner, au son chaleureux, et Robert Thomas
Jr. imprimant aux congas un groove propre aux Caraïbes. Incandescent de swing,
véloce et flamboyant, Monty Alexander assure le spectacle sur les morceaux
particulièrement toniques comme «Swamp Fire» ou les réjouissants «Blues for Edith» et «SKJ», de Milt
Jackson, un feu d’artifice où le blues n’est pas
oublié, un must! Mis à jour par Resonance Records, cet inédit de 1982 ravira les amoureux de Monty Alexander au sommet de son art et les amateurs de jazz en général.
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 Louis Hayes
Crisis
Arab Arab, Roses Poses, I’m Afraid the Masquerade Is Over*, Desert
Moonlight, Where Are You?*, Creeping Crud, Alien Visitation, Crisis, Oxygen, It's
Only a Paper Moon
Louis Hayes (dm), Abraham Burton (ts), David Hazeltine (p),
Dezron Douglas (b), Steve Nelson (vib), Camille Thurman (voc)*
Enregistré les 7-8 janvier 2021, Astoria, NY
Durée : 55’ 52”
Savant Records 2192 (www.jazzdepot.com/Socadisc)
Ce qui distingue, entres autres caractéristiques, l’amateur de jazz
réside dans sa capacité de réception d’une musique qui ne date pas forcément du
jour, de pouvoir s’abstraire du présent pour n’écouter que la musique, et la
resituer dans son contexte, sans penser que c’est une «musique de vieux» parce qu'elle n'est pas du jour.
L’amateur de jazz, indifférent au temps qui passe, écoute ainsi des musiciens de différentes
époques avec le même plaisir, du moment que la musique correspond à son choix, sa
sensibilité et qu’elle est de qualité. C'est un échange libre entre amateur et artiste. Cette
qualité vient sans doute du fait qu’ils ont grandi avec le jazz et savent découvrir une
musique récente ou ancienne avec la curiosité de vrais mélomanes.
Cette nature d’écoute lui a également été offerte par une
musique, un art qui d’emblée ne s’est pas figé sur des modes liées à l’instant,
et qui a évolué, s’est diversifié en s’appuyant sur la transmission de codes
culturels, d’un langage commun à un peuple et aux générations, plus que sur la rupture, même le free jazz en
dépit de tous les discours artificiels plaqués à partir du développement de la
société de consommation par une critique pas aussi savante qu'elle le prétendait.
Ainsi l’amateur de jazz-blues a appris à connaître tel ou
tel artiste en le situant dans un grand ensemble culturel, ce qui lui permet en
2022 de continuer à écouter avec le même plaisir le jazz du temps de Louis
Armstrong, Charlie Parker, John Coltrane ou Wynton Marsalis, de Count Basie à B.B. King et Ray Charles, sans avoir cette
atrophie de l’oreille qui pousse un auditeur-consommateur à trouver vieillie une
musique dont il n’apprécie pas les valeurs parce qu’il n'en a pas les clés, la compréhension, la sensibilité, parce qu'elle est pratiquée par des
artistes d’une autre génération, parfois encore en vie car les musiciens de jazz
vivent leur musique de leur jeunesse jusqu’à leur dernier souffle en restant eux-mêmes: leur langage d'artiste est ce qui en fait l'originalité. La musique n’est
pas un jeu, une mode, un métier mais une raison de vivre, une affirmation d'existence: «être ou ne pas être», toujours…
Cette valeur qui naît par l’activation permanente d’un
patrimoine sonore du jazz sans cesse repris (rééditions ou relectures par les
plus jeunes), par ce lent travail pédagogique de dialectique entre le passé, le
présent et le futur, qui a fait du jazz une musique pas comme les autres, est
essentielle aux artistes, soit qu’ils la vivent dans le vivier d’origine, la
communauté du jazz aux Etats-Unis, soit dans ses dépendances un peu partout dans
le monde. On voit d’innombrables réinventions de la vie du jazz fertilisé par l’humus du
passé (la chronique des disques en fourmille).
La magie est encore plus grande quand on a la chance de
tomber sur un disque comme celui-là réunissant plusieurs générations de cette belle histoire
du jazz, où avec autant de respect que de liberté, la musique traduit cette
éternelle modernité du jazz qui tient à sa capacité de partager, cette
solidarité musicale qui réunit ici un magnifique ancien, Louis Hayes,
extraordinaire batteur qui a presque l’âge de Jazz Hot (il est né à Detroit en 1937), apparu dans le jazz dans
ces années 1950 effervescentes, pour le bebop et pas seulement car toute la société américaine est en mouvement. Le jazz, en pleine maturité, crée le fonds d’une art exceptionnel à la mesure des événements.
Retrouver Louis Hayes en 2021, avec un clin d’œil malicieux
au covid («I’m Afraid the Masquerade Is Over», et l’album est intitulé Crisis) pour un opus qui réunit autour
de lui, sans aucun hiatus d’expression, des artistes dont la plus jeune,
Camille Thurman est née en 1986, soit 50 ans après lui, dans une musique libre,
sans académisme en dépit de sa sophistication, est ce miracle qu’offre le jazz
aux amateurs sans âge. L’énergie de cette musique après une telle période de
léthargie atteste que le chaudron du jazz a encore ce pouvoir de subvertir, de dépasser, de ne pas se faire aveugler par les fausses urgences de la propagande.
Savant Records nous propose cette pièce d’orfèvrerie où Louis
Hayes se délecte visiblement à tresser la trame par la beauté de son jeu aussi
précis que foisonnant, aussi brillant sur les cymbales que précis et nerveux
sur les caisses. Je ne vais pas vous dresser le portrait de notre ancien, il faisait
en 2018 encore la couverture de Jazz Hotavec une interview subtile et profonde, à son image (Jazz Hot n°685), et sa monumentale discographie qui suit ses mots dit mieux que de longs
discours la contribution qu’il a apportée au jazz.
On goûte ici l’esprit de sa musique faite d’une
solennité, d’une intensité, d’un dynamisme et d’une poésie dont les amateurs de
jazz ont le privilège, bien que l’esprit n’en date pas de 2021. On compte ainsi
parmi les compositeurs Joe Farrell, Bobby Hutcherson, Lee Morgan, Freddie
Hubbard, des standards, ainsi qu’une composition de Louis Hayes, une de Steve
Nelson, l’excellent vibraphoniste présent sur cet enregistrement, et une de
Dezron Douglas, le bassiste de ce quintet qui est au diapason de son aîné,
totalement investi dans le jazz (Cyrus Chestnut, Eric Alexander…), leader par
ailleurs. A leur côté, David Hazeltine, un habitué de la scène
new-yorkaise post bop, leader également, a déjà accompagné Louis Hayes,
mais aussi Brian Lynch, Jim Rotondi, et bien d’autres.
Abraham Burton est un beau son de ténor héritier de Sonny
Rollins («It’s Only a Paper Moon») sans renoncer à des accents coltraniens dans
«Oxygen», parfaitement à l’aise dans ce registre. Camille Thurman, la
benjamine, par ailleurs saxophoniste membre du Jazz at Lincoln Center
Orchestra, chante ici, et nous rappelle qu’elle avait aussi un talent vocal au début des années 2010 (concours Sarah Vaughan).
L’ensemble est remarquable de complicité: l’esprit poétique
(«Desert Moonlight», «Alien Visitation») y côtoie l’intensité («Creeping Crud»
arrangé par Anthony Wonsey, «Crisis» de Freddie Hubbard, «Arab Arab» de Joe
Farrell), et le blues est l’esprit de la musique qui nous
plonge dans le meilleur des univers post bop, d’Art Blakey à Woody Shaw dont
Louis Hayes fut un compagnon régulier. Steve Nelson est brillant, Abraham Burton comme à son
habitude puissant et classique, et l’omniprésence, le drive de Louis Hayes nous
dit qu’à l’instar du jazz, les artistes n’ont pas d’âge.
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 Swingin' Affair
Fait sa B.O.
Star Wars Medley, Il était une fois la révolution: thème principal, Tontons Flingeurs Jingle / Tamoulé (Les Tontons flingueurs), Sirba
(Le Grand blond avec une chaussure noire), La Chanson d’Hélène (Les Choses de
la vie), Tontons From Ipanema, La Marche des gendarmes (Le Gendarme de
Saint-Tropez), Le Bon, la brute et le truand: thème principal, Tontons Bop, Raider’s
March (Les Aventuriers de l’arche perdue), My Heart Will Go on (Titanic),
Tontons Tutu, Clara 1939 (Le Vieux fusil), Les Sept mercenaires: thème
principal, Tontons Ballade, Reality (La Boum), Medley Nino Rota, Tontons Rock, Speak
Softly Love (Le Parrain), Tontons Bayou
Olivier Defays (as, ts, fl), Philippe Chagne (ts, cl, bcl),
Philippe Petit (org), Sylvain Glévarec (dm, sifflet)
Enregistré du 10 au 12 mai 2021, Maisons-Alfort (94)
Durée: 1h 00’ 25’’
Frémeaux & Associés 8589 (www.fremeaux.com/Socadisc)
Le compagnonnage du jazz et du cinéma, les deux arts du XXe siècle, est une thématique
explorée de multiples fois. Il
est moins fréquent de consacrer un album à des thèmes musicaux célèbres du
cinéma français, américain et italien, étrangers au jazz pour la plupart, mais jazzifiés
pour l’occasion.
C’est la démarche entreprise par le quartet Swingin’ Affair
(une référence directe à Dexter Gordon, le musicien-acteur né à Los Angeles), soit Olivier Defays, Philippe Chagne,
Philippe Petit et Sylvain Glévarec, quatre musiciens unis par une longue
complicité. Pour autant, si les œuvres qu’ils ont sélectionnées ne sont pas
jazz à l’origine, le jazz est présent dans l’univers de la plupart de leurs
compositeurs, lesquels ont pu donner au sein de leurs foisonnantes productions
des thèmes jazz, de Nino Rota (Hurricane)
à Ennio Morricone (Corleone), en
passant par Vladimir Cosma (Un éléphant
ça trompe énormément) et François de Roubaix (Le Samouraï). De même les musiques de certains
compositeurs se prêtent à un traitement swing, celles
de Nino Rota en particulier, du fait d’une proximité naturelle évidente à l’écoute du medley reprenant des thèmes issus
d’Amarcord, Les Nuits de Cabiria et Huit
et demi. A l’inverse, il paraissait plus périlleux d’aborder sous l’angle
jazz la musique d’un John Williams connu pour ses succès hollywoodiens comme Star Wars, au générique d’inspiration
wagnérienne, et sa solennelle «Imperial March» qu’on croirait ici sortie du
répertoire de Benny Goodman!
Si l’on soupçonne, sans doute à juste titre, les
musiciens de quelque malice, il faut saluer le travail d’arrangement
réalisé par Olivier Defays, Philippe Petit et Philippe Chagne. Ainsi nos «Tontons swingueurs» se sont amusés
à faire de l’indicatif des Tontons
Flingueurs («Tamouré» de Michel Magne) un fil rouge humoristique qu’on
retrouve régulièrement, accommodé à des sauces différentes: bop, west coast,
voire à la Miles époque Tutu. Dans la
série des adaptations improbables, on note les thèmes de Titanic ou de La Boum et son sirupeux slow «Reality», signé Cosma, que le quartet
revisite grâce au B3 groovy de Philippe
Petit. Pour la peine, on paraphraserait bien Audiard et ses Tontons: les
jazzmen ça ose tout, c’est même à ça qu’ont les reconnaît!
On retiendra en particulier les vraies pépites de cette
galette: d'excellentes versions du thème principal d'Il était une fois la révolution d’Ennio Morricone, avec
un superbe duo de sax, et de celui des Sept mercenaires d’Elmer Bernstein, très dynamique (bon soutien de
Sylvain Glévarec), le magnifique «Speak Softly Love» de Nino Rota (Le Parrain), «La Chanson d’Hélène» de
Philippe Sarde (Les Choses de la vie), remarquablement exposée à la clarinette basse par Philippe Chagne et au ténor par
Olivier Defays, et enfin l’incontournable «Sirba» de Vladimir Cosma (Le Grand blond avec une chaussure noire), swinguant à souhait, qui nous embarque au son de la flûte d’Olivier
Defays et de l’orgue de Philippe Petit dans un monde musical entre Lalo Schifrin et Neal Hefti. Ce titre est aussi un clin
d’œil du fils, Olivier Defays, au père, Pierre Richard, amateur de jazz avéré, qui
a d'ailleurs rédigé quelques lignes en tête du livret. Un disque des plus sympathiques, à l’image de ses interprètes, et
empreint de nostalgie pour un cinéma populaire.
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