The Tnek Jazz Quintet
Plays the Music of Sam Jones

Unit Seven, Bittersuite, Some More of Dat, Lillie, O.P., Del Sasser, Tragic Magic

Kent Miller (b), Antonio Parker (as), Benny Russell (ts, ss), Darius Scott (p),

Greg Holloway (dm)

Enregistré à Springfield, VA (prob. 2019)

Durée: 38’ 39’’

Tnek Jazz (www.tnekjazz.com)

 

Contrebassiste –et violoncelliste– incontournable des décennies 1950 à 1970, Sam Jones (1924-1981) a fait les belles années du label Riverside avec lequel il a gravé une part importante de sa discographie exceptionnelle, tant par son ampleur que par sa qualité hors du commun, dans les formations de Cannonball Adderley, Thelonious Monk, Bobby Timmons, Blue Mitchell ou en leader. On le retrouve aussi auprès de Dizzy Gillespie, Oscar Peterson, Red Garland, Sonny Stitt ou encore de Cedar Walton dans des séances produites par Blue Note, Prestige, Verve, Muse… Autant dire qu’il est l’une des pièces maîtresses de ces trésors fabuleux qui ont constitué le jazz de culture dans la seconde moitié du XXe siècle. De plus, Sam Jones a laissé une œuvre de compositeur qui compte plusieurs thèmes parmi les plus joués du répertoire jazz.

C’est à un autre contrebassiste, Kent Miller, que nous devons ce tribute à la musique écrite par Sam Jones. Né en 1957 à St. Louis, MO, c’est là qu’il a suivi ses études musicales, ainsi qu’à Kansas City, MO, –un des grands terroirs du jazz– se formant notamment auprès de Wendell Marshall, un ancien de chez Ellington. En 1984, il s’installe à New York où il est engagé par Dave Burns (tp, 1924-2009) tout en prenant des leçons avec Rufus Reid, Ray Drummond puis Ron Carter. Il intègre ensuite le big band de Ray Abrams et les formations de Carl Allen, Chico Hamilton, Lynne Arriale, John Hicks, Stanley Cowell ou encore T.K. Blue. Depuis 1995, il est basé à Washington, DC et parcourt les scènes des environs. Kent Miller a sorti trois albums sous son nom sur son label Tnek Jazz entre 2016 et 2018, des enregistrement en quartet sur lesquels on retrouve déjà les membres de son Tnek Jazz Quintet, tous musiciens expérimentés et de la même génération que le leader, dont l’activité se déploie également sur la Côte Est, entre New York et Washington.

Originaire de Boston, MA et vivant à Baltimore, MD, Darius Scott a débuté au piano après ses études universitaires en découvrant Scott Joplin. Il est, tout comme Kent Miller, membre du quintet de Michael Thomas (tp) qui anime la scène jazz de Washington depuis plus de vingt ans. Natif de la capitale fédérale, le batteur Greg C. Holloway a effectué une première partie de carrière dans les orchestres de l’Air Force. Revenu à la vie civile, il a joué avec Hank Jones, Aretha Franklin, Jimmy Heath, Nnenna Freelon, entre autres. Originaire de Baltimore où il réside aujourd’hui, le ténor Benny Russell a vécu une vingtaine d’année à New York après ses études. Il y a fondé la New York Jazz Association, un ensemble de dix-sept musiciens qui a notamment compté dans ses rangs Tom Harrell, Cecil Bridgewater, Steve Turre et Onaje Allan Gumbs. Il a également occupé diverses fonctions d’enseignant à New York et Baltimore et a été chargé de différents projets culturels comme la célébration des 100 ans de Count Basie en 2004 sous l’égide du Maryland Conservatory of Music. A ces quatre mousquetaires s’ajoute l’altiste Antonio Parker, le benjamin de ce quintet. Né à Philadelphie, PA, et vivant à Washington, il a traversé l’Afrique comme «jazz ambassador» de l’USIA (United States Information Agency) et compte lui aussi quelques belles collaborations avec Betty Carter, Illinois Jacquet, Christian McBride ou encore Roy Hargrove, quatre caractères forts.

L’album démarre sur les chapeaux de roues avec «Unit Seven» –enregistré pour la première fois en 1962 par Sam Jones sur Down Home (Riverside)– dont le swing capte l’oreille immédiatement. La section rythmique, magnifiée par le drive de Greg Holloway, les notes chaloupées de Darius Scott et les lignes de basse de Kent Miller, imprime d’emblée la pulsation tandis que les deux sax exposent le thème avec conviction. «O.P.», qui provient également de Down Home, (mais avait été enregistré par le quintet de Cannonball Adderley sur Plus, dès 1961, comme l’ont révélé les «bonus» de la réédition sur CD dans les années 1980) évoque bien sûr Oscar Peterson auquel le pianiste rend hommage avec un jeu particulièrement volubile. Quant au leader, solide rythmicien, il ouvre le jubilatoire «Some More of Dat» où l’on a tout le loisir d’apprécier son beau son ample et boisé. Chaque titre de ce disque est d’ailleurs un régal, une fête autour d’un jazz d’une superbe expressivité, porté par un groupe qui célèbre avec enthousiasme son art, qui est son bien commun. Autre moment fort, «Del Sasser» –gravé par Cannonball en 1960 (Them Dirty Blues, Riverside)– introduit par le groovissime Greg Holloway, offre un terrain de jeu parfait à l’alto virevoltant d’Antonio Parker et au ténor intense de Benny Russell, également à leur affaire sur la magnifique ballade «Lillie» où Kent Miller intervient avec poésie. Ce disque se conclut sur une composition de Kenny Barron, «Tragic Magic» que le pianiste avait enregistré en 1979 au sein du trio de Sam Jones sur The Bassist! (Interplay).

The Tnek Jazz Quintet offre ainsi un nouveau témoignage de l’extraordinaire vitalité des scènes locales du jazz aux Etats-Unis, notamment sur cette côte nord-est éclipsée, vue de loin, par l’astre new-yorkais, qui pourtant regorge de musiciens de haut niveau depuis le début du jazz. L’autre mérite de cet enregistrement étant de rappeler l’immense talent de mélodiste de Sam Jones dont la mémoire mérite d’être davantage célébrée. Bravo à Kent Miller et ses complices d’en avoir pris l’initiative .

Keith Loftis
Original State

Oak Cliff, Premonition, Fall's Beauty, Brigitte's Smile, The Intangible, Smoke & Mirrors, Wifi Addiction, For The Love of You, Weaver of Dreams

Keith Loftis (ss, ts), John Chin (p), Eric Wheeler (b), Willie Jones III (dm)

Enregistré le 12 juillet 2018, New York City

Durée: 1h 11’ 13”

Long Tong Music 002 (www.keithloftis.com)

 

Même si les notes de livret et le texte de promotion ne le disent pas, ce beau disque est directement inspiré par la musique de John Coltrane, celle qui chez Prestige en particulier explorait les ballades avec déjà cette manière si particulière de faire des arpèges au saxophone ou de tenir la note sans vibrato et avec beaucoup de douceur et d’intensité.

Nul doute que Keith Loftis en a lui-même une pleine conscience, car son «Weaver of Dreams», immortalisé par son grand devancier (1959, Cannonball and Coltrane, Mercury), est non seulement une évocation de l’original, mais elle se termine par une révérence explicite sous la forme de cette fameuse harmonique en double note qui reste la signature de John Coltrane.

Ce n’est pas la seule influence sur le plan musical, mais il y a dans la musique de Keith Loftis qui compose six des neuf thèmes, une volonté certaine de se rattacher à ce courant soulful et intense du jazz post bop. Il possède une belle sonorité et sa façon de s’attarder sur le temps pour apporter les inflexions de ténor et plus d’expression en font un lyrique dans la tradition du jazz de culture.

Né en 1971, il a sensiblement le même âge que le regretté Roy Hargrove avec lequel il partage l’origine texane, puisqu’il est né à Dallas, et avec qui il a étudié à la Booker T. Washington High School of the Visual and Performing Arts; Keith et Roy étaient condisciples. Keith a eu par la suite un beau parcours, puisqu’il a accompagné entre autres Benny Carter, Cedar Walton, Frank Foster, Alvin Batiste, Clark Terry, Ray Charles, Abdullah Ibrahim, Michael Carvin, et bien sûr Roy Hargrove, cela explique sans doute l’authenticité de son expression et ses belles qualités d’instrumentiste.

Mais là ne s’arrêtent pas les curiosités de Keith, puisqu’il a joué pendant 13 ans au Carlyle Hotel aux côtés de Chris Gillespie (p, voc),  et il est aussi investi dans la musique de film (Black Out de Jerry LaMothe, sur la grande panne d’électricité de 2003 à Brooklyn). Il participe avec la chanteuse et éducatrice Ruth Naomi Floy à The Frederick Douglass Jazz Works comme aux projets de Chris McBride, projets qui replacent le jazz au cœur de l’histoire sociale américaine et de l’histoire afro-américaine particulièrement.

Tout cela pour apprécier ce qui fait le fonds culturel d’un artiste de jazz et qui nous vaut cette belle œuvre où il est magnifiquement entouré par John Chin (le pianiste né à Séoul en 1976, Corée), Eric Wheeler (le bassiste né à Washington, DC, en 1980) et l’essentiel Willie Jones III (dm) qu’on ne présente plus (Jazz Hot n°669). On pourrait penser que ce disque est un classique tant il possède les codes de cette expression et qu’il est précis dans ses références.

Le livret nous apprend que l’année 2018 où est enregistré ce disque n’est pas simple pour Keith Loftis qui a perdu son père, et on suppose que cette précision doit avoir sa part dans la profondeur de ce disque. Elle ne s’est pas non plus bien terminée, puisque Roy Hargrove, l’ami de jeunesse, a disparu en novembre. Mais l’année 2018 a laissé cet enregistrement de qualité, sur ce qui semble le label de Keith Loftis.

Du jazz contemporain qui swingue, sur fond de blues et de spiritual, on en a particulièrement besoin en nos temps sans mémoire.

Philip Catherine
75: Live at Flagey

Letter From My Mother, Hello George, Seven Teas, So in Love, Smile, Bluesette, Piano Groove, You Don’t Know What Love is, We’ll Find a Way, Grand Nicolas, Nineteen Seventy Fourths, Mare di Notte, Dance for Victor Part 1 & 2

Philip Catherine (g), Nicola Andrioli (p, kb), Bert van den Brink (p), Bert Joris (tp), Philippe Aerts (b), Nicolas Fiszman (eb, g), Antoine Pierre (dm), Gerry Brown (dm), Isabelle Catherine (voc)

Durée: 1h 18’

Enregistré le 3 novembre 2017, Bruxelles

Outnote Records 636 (https://outhere-music.com/Outhere)

 

Etrange ou opportun? Cet enregistrement live à Flagey à l’occasion du 75e anniversaire de Philip Catherine est publié pour ses 80 ans (27 octobre 2022). Quand on connait le souci de l’auteur de nous laisser des témoignages de qualité, on comprend mieux l’hésitante attente. Est-ce à dire que cette galette-souvenir ne présente aucun intérêt? Que nenni! Il faut aborder l’écoute comme un reportage où la célébration prime sur la reproduction sonore (ambiance caverneuse, mixages approximatifs ou saturés sur «Letter From My Mother»). Pour célébrer son 75e, Philip Catherine avait invité quelques amis et choisi un line-up étonnant avec deux pianos, deux basses et deux batteries: une expérience qu’il a renouvelé en 2022. Voici donc le reflet de cette audace avec ses instants de grâce, mais aussi ses racolages à force d’intros libres, de breaks, de chases, de tempos appuyés…

Discret, Bert Joris sonne en fond de scène comme s’il était gêné d’avoir été choisi («Piano Groove»). Cette présence legato, le guitariste l’avait déjà développée dans quelques enregistrements avec Tom Harrell. Sur «Hello George», les deux pianistes rivalisent en créativité; Bert van den Brink s’élance, puissant, monkien; Nicola Andrioli répond, plus léger, luxuriant; suivent des chases intéressants qui précèdent un solo remarquable de Philippe Aerts et les 4/4 autoritaires du jeune Antoine Pierre. Avec «Seven Teas» on retrouve l’écriture fine et les belles harmonies qui font la signature de Philip Catherine. C’est sur ce troisième thème en vagues montantes et descendantes qu’il lance les deux batteurs et les deux bassistes. Joli solo de Nicola Andrioli ponctué une octave en-dessous par son confrère hollandais. Les mélodies riches de Cole Porter sont appréciées par le guitariste belge («So in Love»). Comment ne pas jouer «Smile» à la suite? Après un clin d’œil à Toots Thielemans («Bluesette»), «Piano Groove» est envoyé fast tempo par Philippe Aerts ouvrant, après un solo du trompettiste sur les chases inspirés des pianistes, un nouveau solo impérial d’Aerts et les 4/4 qu’affectionne Antoine Pierre. Avec «You Don’t Know What Love is», Philip introduit sa fille Isabelle avec sa voix fluette, à la limite du décrochage. Chet’s Mood? Bert Joris, à la trompette bouchée, colorie joliment le velouté de la chanteuse. Changement de registre avec l’accompagnement shuffle de Gerry Brown et la guitare basse de Nicolas Fiszman sur «We’ll Find a Way». Accompagnements qui arrivent en contraste de la guitare réverbérée et des vagues de Nicola Andrioli aux claviers. «Grand Nicolas» ne m’apparaît pas indispensable, pas plus que «Nineteen Seventy Fourths» de John Lee qui nous ramène à la décennie jazz-rock. Avant de conclure, on revient avec bonheur sur la formule quartet (g, p, b, dm) avec «Mare di Notte»: une composition de Nicola Andrioli, sorte d’image des clapotis bleus. En codas: deux lectures du thème-signature de Philip Catherine: «Dance for Victor» avec featuring de Bert Joris (partie 1) et mise en avant de tous les partenaires (partie 2).

Résultat de la carte blanche offerte par Flagey à Philip Catherine: quatorze photographies de soixante ans de musiques partagées, de complicités et d’hommages. Il faut vivre cette écoute avec les oreilles du spectateur .

Brandon Goldberg featuring Ralph Peterson
In Good Time

Authority, Circles, Time, Nefertiti, Monk's Dream, Stella By Starlight, El Procrastinador,

Someone to Watch Over Me, Ninety-Six, Send in the Clowns*

Brandon Goldberg (p), Ralph Peterson (dm), Josh Evans (tp), Antoine Drye (tp)*, Stacy Dillard (ss, ts), Luques Curtis (b)

Enregistré les 20-22 novembre 2020, Astoria, NY

Durée: 1h 06’ 40”

Brandon Goldberg Music BSG 1002 (www.brandongoldbergpiano.com)

 

Le miracle du jazz continue d’opérer quand on écoute ce type d’enregistrement, aussi accompli, qui a pour leader un pianiste d’une quinzaine d’années (en 2020), secondé par des musiciens déjà confirmés, dont le regretté et magnifique Ralph Peterson à qui est dédié ce disque. Il y a encore et entre autres Josh Evans, trompettiste de talent (cf. Jazz Hot n°677), et un très bon Stacy Dillard aux saxophones qui a déjà enregistré en leader quatre albums –à notre connaissance– pour Criss Cross Jazz et Smalls Records en particulier, avec Orrin Evans, Donald Edwards parmi d’autres.

Le leader qui a fait son premier enregistrement (Let’s Play) à 12 ans avec rien moins que Ben Wolfe (b) et Donald Edwards (dm), est certainement un surdoué, mais si l’on se fie à cet enregistrement, c’est aussi un curieux, un savant, épris de jazz, qu’il a étudié et qu’il respecte car rien ne tourne à la démonstration dans ce disque. Tout est dans l’esprit des aînés sans volonté d’imposer son nom ou sa présence, si ce n’est qu’il en est (aussi) le producteur avec comme associé Ralph Peterson, qui introduit cet enregistrement par quelques mots, et qui n’est sans doute pas pour rien dans cette réalisation et dans le chemin choisi par Brandon Goldberg. Brandon est enfin l’auteur original («El Procrastinador») de quatre des neuf thèmes de cet enregistrement, le reste étant des standards ou des compositions du jazz («Nefertiti» de Wayne Shorter, «Monk’s Dream»…).

Nous avons affaire à un phénomène, n’en doutons pas sur le plan de la précocité, à un virtuose sur le plan instrumental, mais après tout il suffit d’écouter pour apprécier de la bonne musique de jazz qui en met en valeur toutes les caractéristiques (swing, blues, originalité comme «Stella by Starlight», poésie…), et de se dire que la maturité n’attend pas le nombre des années; c’est parfois une acquisition qui se manifeste dès les premiers mois après la naissance. Au piano, c’est un vrai régal («Monk’s Dream»), et si on peut déjà parler de miracle, on pourra parler de révélation s’il poursuit son chemin avec un tel respect de la musique de jazz et autant d’originalité. Le jazz n’a pas fini de nous surprendre, c’est la force d’un art dont les racines sont si profondes que même le totalitarisme normalisateur de la société post-covid qui s’installe n’a pas encore réussi à en brûler les racines. Brandon Goldberg pourrait bien mériter un jour son nom en termes artistiques, et c’est tout ce que nous souhaitons pour le jazz. Signalons enfin que Josh Evans, Stacy Dillard apportent à cet enregistrement tout leur engagement, et que la section rythmique est à la fête avec en particulier un Ralph Peterson fondamental!

Le disque se conclut sur un duo intense piano-trompette avec Antoine Drye sur un thème de Stephen Sondheim. Le livret nous apprend à propos de ce thème que le pianiste Benny Green est aussi pour ce jeune homme non seulement une inspiration mais un guide en jazz. Il y a parfois des miracles qui trouvent leurs explications.

Carlos Henriquez
The South Bronx Story

The South Bronx Story, Hydrants Love All, Boro of Fire, Moses on the Cross, Momma Lorraine, Soy Humano, Black (Benji), Guajeo De Papi, Fort Apache, Hip Hop Con Clave,

Carlos Henriquez (b, coro, guiro, rec), Terell Stafford (tp), Michael Rodriguez (tp), Marshall Gilkes (tb), Jeremy Bosch (fl, voc, coro), Melissa Aldana (ts), Robert Rodriguez (p, ep), Obed Calvaire (dm), Anthony Almonte (cga, coro)

Date et lieu d’enregistrement non communiqués

Durée: 1h 03’

Tiger Turn 4164275228 (www.carloshenriquezmusic.com)

 

Dirigé et produit par Carlos Henriquez, contrebassiste connu dans le jazz pour sa participation depuis plus de vingt ans au Jazz at Lincoln Center Orchestra dirigé par Wynton Marsalis, cet enregistrement propose une suite musicale, dans l’esprit ellingtonien, évoquant le quartier de son enfance, le South Bronx, peuplé par la communauté d’origine portoricaine. Il est presque inutile de préciser que cette belle composition en plusieurs tableaux mêle la tradition latine au jazz avec un savoir-faire et un naturel qui s’expliquent par son appartenance à ce quartier de New York, par ses origines portoricaines qui lui ont permis de grandir en écoutant Eddie Palmieri, Tito Puente, Celia Cruz et tant d’artistes de la musique latine, et par son implication dans le jazz depuis de nombreuses années. C’est le troisième enregistrement en leader du bassiste, et il fait suite à un précédent consacré à la rencontre de Dizzy Gillespie et de la musique afro-cubaine (Dizzy con Clave).

Les arrangements pour ce nonet respectent bien sûr les codes de la musique latine mais portent aussi la griffe du gardien du rythme du Jazz at Lincoln Center Orchestra, et bien sûr tout en racontant l’histoire de son quartier avec son accent latin, Carlos Henriquez n’en utilise pas moins les ressources du jazz comme par exemple dans «Black» où il récite cette histoire. On pourrait penser, pour changer un peu, que dans son œuvre de musique latine, Carlos Henriquez utilise la couleur jazz. En fait, la nature même de la composition tire plutôt l’ensemble vers le jazz, et finalement la couleur est plutôt latine comme on peut le constater dans «Guajeo De Papi» ou dans l’hommage au célèbre ensemble-collectif «Fort Apache» de Jerry Gonzalez. C’est donc pleinement une œuvre de jazz car Carlos Henriquez a choisi ici de raconter son histoire, celle de son enfance avec les moyens du jazz, de s’adresser à l’ensemble des Américains dans le langage qui lui est propre sur le plan artistique, le jazz, même si par moment, il retourne à ses racines musicales avec une nostalgie certaine et une véritable fierté car il sait tout ce qu’il doit à cet environnement populaire des rues du South Bronx («Hip Hop con Clave»). La synthèse entre ces mondes est comme une marque de fabrique, et Wynton Marsalis, qui possède aussi quelques-unes de ces racines dans son héritage néo-orléanais, n’est pas le dernier à utiliser cette couleur dans ses univers, et c’est sans doute pour cela qu’il a choisi Carlos Henriquez pour en faire l’une des bases de son orchestre.

Cette fresque a été jouée pour la première fois à Jazz at Lincoln Center en 2018 et a reçu un très bon accueil. Si l’orchestre comprend des musiciens latins de l’univers d’origine de Carlos Henriquez, on remarque également la présence de Terell Stafford (cf. Jazz Hot n°563) et Obed Calvaire, membres du JLCO, de Melissa Aldana, la saxophoniste ténor d’origine chilienne, installée à New York depuis 2005, fille et petite-fille de saxophonistes, qui est la première femme à avoir gagné le concours Thelonious Monk; on note aussi la présence de Marshall Gilkes, un tromboniste qui a fait le bonheur de nombreux big bands (Maria Schneider, Vanguard Jazz Orchestra…) mais aussi d’ensembles de musique latine ou latin-jazz (Machito, Chico O’Farrill, Giovanni Hidalgo…).

Le disque de Carlos Henriquez a évidemment un caractère autobiographique et c’est ce qui fait son authenticité, au-delà de sa bonne réalisation.

La musique de Duke Ellington est une richesse inépuisable ouvrant de multiples possibilités de relectures dont celle proposée ici par Claude Tissendier dont le talent d'arrangeur donne à entendre une orchestration inhabituelle: un duos d’anches combinant, selon les morceaux, sax alto, baryton, clarinette et clarinette basse, accompagnés par une rythmique sans piano, auxquels se rajoute une voix utilisée comme un troisième instrument soliste. Un travail qui se situe dans lignée de son fameux Saxomania, dont le dernier opus, New Saxomania, proposait une configuration comparable. On retrouve d’ailleurs ici les partenaires habituels de Claude Tissendier: l’excellent Philippe Chagne, la solide rythmique tenue par Jean-Pierre Rebillard et Alain Chaudron qui imprime swing et énergie (un régal sur «Smada»), ainsi que la chanteuse Laurence Allison qui intervient sur la plupart des titres dont le choix s'équilibre entre thèmes les thèmes les plus célèbres du partenariat Duke Ellington/Billy Strayhorn et d'autres moins joués.

Le contraste de registre, alto/baryton sur «Take the "A" Train», clarinette/baryton sur «Rockin’ in Rhythm» ou clarinette/clarinette basse sur «On a Turquoise Cloud», sur lequel se superpose la voix claire de Laurence Allison, donne davantage d’ampleur au quintet –qui de ce fait donne l'impression d'une formation plus étoffée–, de relief à l’interprétation et remplit sur le plan harmonique l’espace habituellement occupé par le piano. La sobriété de ces arrangements met superbement en valeur la perfection mélodique ellingtonienne, comme sur «Solitude» où Laurence Allison expose le thème avec le soutien nuancé des deux clarinettes et des balais d’Alain Chaudron. De même, le beau dialogue entre l’alto et le baryton sur «Isfahan», ainsi que «Morning Glory» où raisonnent les mesures profondes de Jean-Pierre Rebillard, mettent en avant les remarquables qualités d’expression de Claude Tissendier et Philippe Chagne.

Une évocation du Duke qui démontre de nouveau le caractère particulier du jazz où chacun peut puiser, chercher, formuler de nouvelles propositions qui viennent enrichir son corpus où d'autres viendront puiser à leur tour. Un savoir-faire à l'ancienne où le patrimoine, loin d'être remplacé, est le matériau même de l'imagination.

Autre all-stars, le Black Art Jazz Collective propose avec Ascension un répertoire bop de haut-vol, entièrement original, à l’exception d’une composition de Jackie McLean, «Twin Towers», sans lien avec le 11-Septembre puisque ce morceau a été écrit dans les années 1990 pour ses étudiants de la Hartt School (Hartford, CT). Ces titres sont principalement soit des tributes aux maîtres, soit des rappels à la Mémoire. Larry Willis est ici de nouveau honoré avec «Mr. Willis» de James Burton III qui y fait une intervention pleine de sensibilité. Le tromboniste (la quarantaine) est, à l’instar de Wayne Escoffery, un ancien élève de la Hartt School, puis de la Juilliard School où il enseigne aujourd’hui. Il est passé par les big bands les plus prestigieux, ceux de Ray Charles, Jazz at Lincoln Center, Lionel Hampton, Roy Hargrove et Count Basie Orchestra. Sensiblement du même âge, Victor Gould a dédié son «Iron Man» bien évidemment à Harold Mabern (Eric Alexander avait écrit pour lui un morceau du même nom, mais sans parenté mélodique, «The Iron Man»). Il a démarré sa carrière avec Donald Harrison, Wallace Roney, Branford Marsalis, Ralph Peterson, Jr., parmi d’autres. Son beau jeu percussif, qui fait également mouche au Fender («For the Kids» de Jeremy Pelt), est en parfaite osmose avec la section rythmique complétée par Rashaan Carter (1986) et Mark Whitfield, Jr. (1990). Formé auprès de Buster Williams, Reggie Workman et Ron Carter, le robuste bassiste a notamment accompagné Wallace Roney, Sonny Simmons, Marc Cary et David Murray. Le batteur, fils du guitariste Mark Whitfield, a tenu les baguettes pour Kenny Garrett, Sean Jones, Charnett Moffett ainsi que Chico Freeman. Il a remplacé Ralph Peterson, Jr. qui nous a quittés dans le quartet de Wayne Escoffery (cf. interview).

Jesper Thilo Quartet
80: Live at JazzCup

Oh Gee!, Body and Soul, Just Friends, If I Had You, Blue 'n' Boogie, Sweets to the Sweet, Tenderly, I Remember April, Memories of You, Like Someone in Love, Stardust, Lester Leaps In/Montmartre Blues
Jesper Thilo (ts, cl*), Søren Kristiansen (p), Daniel Franck (b), Frands Rifbjerg (dm)
Enregistré les 4-5 février 2022, Copenhague (Danemark)
Durée: 1h 16’ 09’’
Stunt Records 22062 (www.sundance.dk/www.uvmdistribution.com)

Jesper Thilo est une figure de la scène jazz danoise. Né à Copenhague le 28 novembre 1941, d’une mère actrice-pianiste et d’un père architecte, il débute à la clarinette à l’âge de 11 ans et, de 14 à 19 ans, joue (aussi du trombone) dans diverses formations de jazz traditionnel. Bien que déterminé à devenir musicien de jazz professionnel, il étudie la clarinette classique à l’Académie danoise royale de musique tout en intégrant, de 1960 à 1964 puis de 1967 à 1974, l’orchestre d’Arnved Meyer (tp, 1927-2007) qui fut le fondateur et l’animateur d’une institution indépendante au rôle central dans la vie jazzique danoise, le Danish Jazz Center (1971-1997). C’est d’ailleurs lui qui convainc Jesper Thilo de passer au saxophone et lui donne l’occasion d’accompagner ceux qui seront ses deux modèles sur cet instrument: Ben Webster et Coleman Hawkins desquels il s'inspire pour sa sonorité ronde et puissante. Benny Carter, Harry Edison et Roy Eldridge compteront également parmi les grands guests de l'Arnved Meyer Orchestra durant cette période au cours de laquelle Jesper Thilo développe aussi une carrière personnelle, cofondant en 1965 un quintet avec Torolf Mølgaard (tb, 1939) et Bjarne Rostvold (dm, 1934-1989). De 1966 à 1989, il est également membre du DR Big Band (Danish Radio Big Band), notamment sous la direction de Thad Jones (tp, 1923-1986), entre 1977 et 1978, lequel finira ses jours à Copenhague. Dans les années 1980, on entend également Jesper Thilo aux côtés d’Ernie Wilkins (s, 1922-1999) –autre musicien américain qui a passé ses dernières années au Danemark–, de Will Bill Davidson (cnt, 1906-1989) et de Niels Jørgen Steen (p, 1939), un ancien «collègue» de chez Arnved Meyer. Depuis, Jesper Thilo se consacre principalement à ses propres formations et continue de bâtir une solide discographie rythmée par des rencontres prestigieuses avec Kenny Drew (Swingin' Friends, Storyville, 1980), Clark Terry (Tribute to Frog, Storyville, 1980), Harry Edison (Jesper Thilo Quintet Featuring Harry Edison, Storyville, 1986), Al Grey (Al Grey & Jesper Thilo Quintet, Storyville, 1986), Sir Roland Hanna (This Time It's Real, Storyville, 1987), Hank Jones (Jesper Thilo Quintet Feat. Hank Jones, Storyville, 1991), Tommy Flanagan (Flanagan's Shenanigans, Storyville, 1993), Johnny Griffin (Johnny Griffin and the Great Danes, Stunt, 1996), Alvin Queen (This Is Uncle Al, Music Mecca, 2001), Ken Peplowski (Happy Together, Nagel Heyer, 2002) ou encore Scott Hamilton (Scott Hamilton Meets Jesper Thilo, Stunt, 2011).
Sur ces deux albums, Jesper Thilo se produit avec son quartet habituel, doté d'une bonne rythmique. Le pianiste Søren Kristiansen (1962) s’inscrit dans la tradition d'Oscar Peterson et vient d’ailleurs de sortir un album intitulé The Touch: Plays the Music of OP & NHØP (Storyville). Outre Jesper Thilo, il accompagne depuis de longues années une autre grande personnalité de la scène danoise, Jørgen Svare (cl, 1935) et a également eu l’occasion de jouer avec des légendes telles qu’Harry Sweets Edison, Al Grey, Clark Terry, James Moody et Art Farmer. Le bassiste suédois Daniel Franck (43 ans), installé au Danemark depuis 1997, a à son actif une consistante discographie en sideman et a cumulé les collaborations de dimension internationale: Joey Calderazzo, Kenny Werner, Kirk Lightsey, Jonathan Blake, Benny Golson, Scott Hamilton, Kurt Elling, Tootie Heath, Eric Alexander… Son frère, Tomas, est saxophoniste ténor. Enfin, le batteur Frands Rifbjerg (1964) a étudié au Kongelige Danske Music Conservatory avec Thad Jones et poursuivi sa formation à New York. Il a notamment accompagné Clark Terry, Horace Parlan et Phil Woods. Au vu du parcours des protagonistes, les conditions étaient largement remplies pour donner deux très bons enregistrements, d'autant que le répertoire joué, pour l’essentiel des standards, est irréprochable.

Swing Is the Thing a été enregistré en 2019 au studio The Village Recording de Copenhague. Il débute sur une superbe version de «Just Friends», introduit par les roulements de batterie du subtil Frands Rifbjerg qui maintient la pulsation swing de bout en bout de l'album. Jesper Thilo expose le thème avec une magnifique fluidité. Le langage parlé ici est indéniablement celui du jazz de culture, tel que les grands musiciens européens sont capables de le porter, avec engagement, swing et vitalité. Outre le dialogue particulièrement dynamique entre le ténor et la batterie sur ce premier titre, on peut également apprécier le jeu très aéré de Søren Kristiansen qui donne lieu à de belles interventions, notamment sur «I'll Never Be the Same» qui compte un chorus mettant en valeur la sonorité charnue et tout en reliefs de Daniel Franck. Le reste du disque est du même tonneau, y compris lorsque le quartet donne à entendre une version jazzée d'un classique de la chanson danoise, «Det Var En Lørdag Aften (It Happened One Saturday Night)» qu’on pourrait attribuer sans peine à Cole Porter! Le titre «Nature Boy», propose une émouvante interprétation livrée par Jesper Thilo à la clarinette, avec sa fille, Rebecca Thilo Farholt, invitée sur ce morceau.
80: Live at JazzCup est le souvenir discographique des concerts donnés pour les 80 ans de Jesper Thilo au club JazzCup. On y retrouve les mêmes qualités que sur le disque précédent, avec un Jesper Thilo d'une remarquable intensité dans l'expression, soutenu avec énergie par sa section rythmique, tout aussi convaincante dans ses prises de parole en solo. Ici la chaleur du live ajoute encore au plaisir de la musique, servie avec maestria, d’un suave «Body and Soul» jusqu’au blues fiévreux de «Blue 'n' Boogie» et «Montmartre Blues» qui clôt l’album. On y trouve aussi une autre version de «Just Friends» avec un supplément d'âme dû à la scène. 

Jesper Thilo est l’un des grands du jazz en Europe et nous rappelle l'enracinement de la scène jazz en Scandinavie. Il ne faut pas se priver d’en découvrir la richesse.

Randy Napoleon
Rust Belt Roots

S.O.S.*, When They Go°, Grant's Tune*, The Man Who Sells Flowers°, Beaux Arts*, Jean De Fleur°, Sunday Mornin'°, Doujie°, The Tender Gender°, The Presence of Fire°, Listen to the Dawn*, Lyresto°, Wes Like°, The Man Who Sells Flowers
Randy Napoleon (g), Xavier Davis*, Rick Roe° (p), Rodney Whitaker*, Paul Keller° (b), Quincy Davis*, Sean Dobbin° (dm)
Enregistré les 28 mai et 3 juillet 2018, Ann Arbor, MI
Durée: 1h 15’ 32’’
OA2 Records 22193 (www.originarts.com)

Nous avons découvert Randy Napoleon à l’occasion de l’hommage que Jazz Hota rendu à Freddy Cole lors de sa disparition en juin 2020.
Né en 1978 à Brooklyn, NYC, Randy a grandi à Ann Arbor, MI (à proximité de Detroit), et fait ses premiers pas sur scène au sein du Ann Arbor Pioneer High School dirigé par Louis Smith. D’autres musiciens de la région ont également contribué à le former et à lui permettre de forger son identité musicale. En 1999, Randy Napoleon s’établit à New York et commence à tourner avec Benny Green (2000-2001), le Clayton-Hamilton Orchestra (2003-2004) et Michael Bublé (2004-2007). Dans la foulée, il démarre sa collaboration avec Freddy Cole auquel il restera fidèle jusqu’à son décès. Depuis 2013, il est revenu vivre dans le Michigan pour enseigner à l’université. Rust Belt Roots (allusion à la «ceinture de rouille»: les Etats industriels des Grands Lacs en déclin) est son septième album sous son nom. Il y rend hommage à trois guitaristes majeurs, tous originaires du Midwest: Wes Montgormery (Indianapolis, IN), Grant Green (St Louis, MO) et Kenny Burrell (Detroit, MI). Le répertoire choisi est majoritairement puisé parmi leurs compositions (avec un titre de Buddy Montgomery (p,vib), le plus jeune frère de Wes), le reste provenant de bons originaux signés du leader.

L’enregistrement de l’album s’est fait en deux temps, avec deux rythmiques distinctes mais tenues par des musiciens venant tous du Michigan. On connaît Xavier Davis en particulier pour sa participation au big band de Chris McBride et au Black Art Jazz Collective. Son frère batteur, Quincy, a accompagné notamment Tom Harrell, Benny Green et Hank Jones. Tandis que Rodney Whitaker était dans les groupes de Marcus Belgrave, Terence Blanchard et Roy Hargrove. On retrouve ce premier ensemble sur le morceau d’ouverture, le très dynamique «S.O.S.» (Wes Montgomery) que le guitariste introduit avec une vélocité et des accents dans l'esprit du grand Wes. Le groove de la section rythmique se manifeste également sur «Beaux Arts» (Buddy Montgomery) avec un Randy Napoleon tout en subtilité et élégance comme sur «Listen to the Dawn» (Kenny Burrell).

La seconde équipe est constituée de deux figures de la scène jazz du Michigan, parmi celles qui ont accompagné les débuts du jeune Randy Napoleon: le pianiste Rick Roe enseigne depuis plus de trente ans à l'université et en cours privés, tandis que Paul Keller, parmi d’autres activités, dirige son propre big band tous les lundis à Ann Arbor depuis 1989. Tous deux ont environ la soixantaine, et ils ont eu l’occasion de jouer avec des musiciens de dimension internationale, à l’instar du batteur Sean Dobbins (1975), qui se produit régulièrement avec ses Modern Jazz Messengers et son Organ Quartet. Tout aussi swinguant, ce second quartet met en valeur plusieurs beaux thèmes: le pétillant «Doujie» (Wes Montgomery), l’intimiste «The Tender Gender» (Kenny Burell) ou le réjouissant «Sunday Mornin'» (Grant Green) avec un bon solo blues de Paul Keller. Randy Napoleon y déploie un jeu imprégné de la tradition de la belle guitare de jazz, alliant une virtuosité certaine à l'indispensable couleur blues qui confirme le sous-titre du disque: «Plays Wes Montgomery, Grant Green & Kenny Burrell». On prend également plaisir à écouter les titres de son cru, comme la jolie ballade «The Man Who Sells Flowers», en solo à la fin du disque. Entre énergie bop, swing et soulfullness, Randy Napoleon porte avec ses complices un jazz in the tradition d'une belle facture.