Il y avait longtemps que nous n’avions plus pu écouter un quartet post bop in the tradition! Bart Defoort et Salvatore La Rocca, 59 ans, sont venus nous rappeler que l’ossature de l’orchestre de modern jazz se joue en quartet. A leurs côtés, deux hollandais qui ont pas mal bourlingué en Belgique: Ron Van Rossum et Sebastiaan De Krom; ils figuraient d’ailleurs aux côtés de Bart Defoort lorsqu’il reçut le «Django d’Or» de la Sabam en 2008 pour le meilleur album de l’année.  On se rappelle Ron Van Rossum comme sideman de Jacques Pelzer au Lion s’envoile (Liège, années 1970). Il aurait, parait-il, abandonné la musique et le piano jusqu’à la reconstitution du quartet de Bart Defoort. Quant à Sebastiaan De Krom, lauréat du concours des jeunes au défunt «European Jazz Contest» au début des années 1980, il s’est fait oublier en émigrant à Londres où on le trouve régulièrement dans la rythmique du Ronnie Scott's.

Le décor planté, on attendait les vétérans. Pas de problème pour Sal La Rocca puisqu’aujourd’hui encore il reste le bassiste le plus demandé sur nos scènes. Il nous offrit deux compositions magnifiquement charpentées: «North Area» et «Dire Non». Quant à Bart Defoort, il faut avouer qu’on avait un peu perdu sa trace  en-dehors du Brussels Jazz Orchestra. D’un grand classicisme, on admire sa sonorité chaude et sa créativité («With You»). Sebastiaan De Krom est de classe internationale même si, emporté par son grand professionnalisme il a parfois tendance à pousser. Son toucher aux baguettes comme aux brosses est léger, terriblement swing. Ron Van Rossum fera dans l’économie avant de s’affirmer par une très jolie composition –«Inspirity »–  introduite longuement à la basse avant les solos inspirés du pianiste et du batteur.  La cohésion, hésitante en début de concert, va s’affirmer au fil des titres qui sont autant des compositions de l’un et de l’autre. Mon grand âge fit qu’il me fallut renoncer au deuxième set afin de rester relativement en forme et revenir le lendemain (à suivre).


Ziv Ravitz Trio: Ziv Ravitz (dm), Reinier Baas (g), Haggai Cohen-Milo (b), Jazz Station, 19  mai 2023
On aime bien Ziv Ravitz en Belgique: il accompagnera d’ailleurs Nicolas Fiszman (g) pour son concert à Flagey le 27 mai prochain. Ce n’est pas non plus la première fois que ce sympathique batteur israélien se produit à la Jazz Station. Kostia, Yannick et Charlotte lui ont, de commun accord, offert une carte blanche de deux jours, avec deux groupes différents. Pris par des occupations extra-musicales, je n’ai pu assister qu’au premier des concerts, le vendredi. Mais aux deux parties, cette fois!

Le batteur, tout sourire, est présent, souple et attentif derrière ses invités; son solo-seul en fin de concert est renversant! On est ravi par le jeu du bassiste («Sandwich») en solos comme en trilles partagées avec le guitariste. Quant au guitariste, Reinier Baas, qu’en dire? Du bien et du mal. Du bien par sa créativité, du mal par la sonorité rock de sa Gibson plate. Et puis, il a tendance à mettre le volume à fond la caisse. Trop de «brillance» aussi! A côté de cela, il est la vedette de ce soir par ses compositions qui flirtent allègrement avec la musique post-yiddish. Son expression est intense, en solo l’accord est sonné pleines cordes avant son déroulé en single notes. Son jeu, touffu, est très volubile (trop?). Le guitariste parcourt le manche et se joue des harmonies. Singulièrement il n’utilise que des faux-barrés qui lui permettent de faire sonner le mi grave comme une dominante. C’est surprenant mais peu envoûtant…! Après «The Dragon», j’ai mieux aimé «Silent Wish»!

Mercoledì 5 aprile lo Stockfish di Nizza, "la più grande tra le piccole sale” come amano definirla gli appassionati, ha ospitato un riuscito doppio concerto jazz. La tradizione di sostenere la scena locale facendo esibire giovani musicisti in apertura di serata dà i suoi frutti permettendo alle giovani leve del jazz transalpino una bella ribalta ed a noi l'occasione di testarne la maturazione. Cyril Galamini, trombonista classe 1997, ha guidato con sicurezza un quartetto completato da Schneor Dasniere-ini alla chitarra e dalla sezione ritmica composta da Sofian El Mabrouk e Max Miguel. Un bel suono ed un fraseggio sempre alla ricerca della melodia sono le  caratteristiche principali del leader che, dall'iniziale "Soulville” di Horace Silver alla chiusura monkiana di "Well, you needn't” ha accompagnato piacevolmente il pubblico in una rilettura della storia del jazz moderno. Non sono mancate alcune composizioni originali, sue e del chitarrista, oltre alla classica "Line for Lyons” di Mulligan a testimonianza della predilezione per gli anni 50 senza divisioni in steccati tra cool e bop.

Mercredi 5 avril, le Stockfish de Nice, «la plus grande des petites salles» comme aiment à l'appeler les passionnés, a accueilli avec succès un double concert de jazz. La tradition de soutenir la scène locale en faisant jouer de jeunes musiciens en ouverture de soirée porte ses fruits, permettant aux talents en herbe du jazz transalpin d'être mis à l’honneur, et à nous, l'occasion de tester leur maturité. Cyril Galamini, tromboniste né en 1997, dirigeait avec assurance un quartet complété par Schneor Dasniere-ini (g), Sofian El Mabrouk (b) et Max Miguel (dm). Un beau son et un phrasé toujours à la recherche de la mélodie sont les principales caractéristiques du leader qui, du «Soulville» d'Horace Silver en début de concert à la conclusion monkienne de «Well, You Needn’t», a agréablement fait voyager le public dans une réinterprétation de l'histoire du jazz moderne. Il y avait quelques compositions originales du leader et du guitariste, ainsi que le classique «Line for Lyons» de Gerry Mulligan témoignant de la préférence pour les années 1950 sans barrière entre cool et bop.

La deuxième partie de la soirée était consacrée au pianiste italien installé depuis longtemps en France, Giovanni Mirabassi. Son trio, composé du jeune bassiste Clément Daldosso et de son collaborateur historique Lukmil Perez, batteur cubain, a été rejoint par le saxophone torrentiel de Guillaume Perret qui, dans cette version acoustique, a montré qu'il pouvait rivaliser en termes de son et de phrasé avec les meilleurs représentants de son instrument. Le répertoire live a été entièrement extrait du récent album The Swan and the Storm, et le New Quartet démontre qu'il a assimilé les compositions, les jouant ici avec plus de fougue et de liberté que lors de l'enregistrement en studio. Le thème oblique «Getting Nasty», en hommage mélodique à «Red for Fred» de son collègue Fred Hersch, le groove presque inattendu de «Go With the Flow», en contrepoint à la mélancolie de la chanson-titre sur le temps qui passe, «Cinquantuno», l'âge de Mirabassi au moment de sa composition, sont le signe d'une nouvelle maturation du pianiste. Du musicien introverti et mélancolique de ses débuts à l'artiste complet, Giovanni Mirabassi porte en lui la poésie et l'élan rythmique, secondé par l'excellent soliste Perret et l'impeccable section rythmique.

Comme rappel inattendu, les quatre ont choisi d'interpréter une composition inédite qui sortira bientôt dans le CD de Lukmil Perez en leader, avec la participation de Chucho Valdés en guest. Un peu de Cuba clôturait donc une soirée capable de satisfaire le goût du public qui remplissait la salle, faisant cohabiter histoire et modernité, poésie et rythme, comme seul le bon jazz peut le faire.

Fabrice Alleman (ss, ts, voc, whistlle)/Reggie Washington (b, eb), Jazz Station, 10 février 2023
Ce mois-ci, Kostia Pace a choisi de nous proposer des concerts solo, duo ou des associations instrumentales non-conventionnelles. Ainsi, cette semaine, à la veille du concert solo de Lionel Loueke auquel je ne pus assister, il offrait de venir découvrir, le vendredi soir le duo entre Fabrice Alleman et Reggie Washington. Surprise: la salle est pleine malgré l’absence de bières d’Orval depuis plus de deux semaines!
Après le quart d’heure académique –une tradition dans les pays latins–, les musiciens ouvrent sur «Nardis» de Bill Evans, contrebasse et sax-soprano. La suite du concert, comme annoncé, fait la part belle aux compositions de Wayne Shorter et John Coltrane. Pour «Beauty & the Beast», Reggie Washington empoigne la basse électrique alors que Fabrice Alleman ajuste une anche sur le soprano et se lance. Pour le middle-part, il ponctue chaque séquence de deux notes au saxo par deux notes chantées à l’aigu, call & answer, entre l’instrument et la voix. Suit «Lennie’s Lament» de Trane. Reggie Washington garde la basse électrique alors que Fabrice Alleman saisit le ténor, ajuste l’anche et le bocal, le porte à ses lèvres, le repose et reprend le soprano. Après un solo de guitare-basse, Fabrice chante dans la même tessiture que le soprano. Son second solo, il le donne au ténor et part dans les suraigus. Au long du concert, il hésitera souvent entre s’exprimer au ténor ou au soprano. Mais c’est incontestablement au soprano qu’il est le plus à l’aise! Perfectionniste sans doute, il change l’anche qu’il grignote et suce avant chaque morceau. Concession aux «saucissons»  ensuite, les musiciens nous livrent un «Sweet Georgia Brown» endiablé avec un solo en respiration continue et une coda sur «Salt Peanuts». Pour clôturer la première partie, les compères jouent «Wayne’s Thang» de Kenny Garrett avec, de nouveau des reprises soprano-voix et le thème sifflé par Fabrice qui invite le public à le suivre pareillement… ou à peu de choses près!
La seconde partie reprend avec «Infant Eyes» de Wayne Shorter (eb+ss), suivi par l’imparable «My Favorite Things», version Coltrane (b+ss, eb+ss) et «26-2» (ts+b) du même John. Après le salut à la salle, les jazzmen lancent «Sunny». Reggie Washnington est superbe à la guitare-basse. Le public réclame un deuxième et court rappel et c’est «Four», contrebasse et sax-ténor. En mémoire de ce très bon concert et nonobstant un petit côté show assumé par Fabrice (sifflet, voix), je garde dans ma mémoire émerveillée la sonorité de Fabrice Alleman. Je me suis même fait la réflexion: C’est sans doute un des plus beaux sons de soprano que j’aie entendu depuis Sidney Bechet.

Introducing Eliott Knuets: Eliott Knuets (g), Olivier Collette (p), Stéphane Guillaume (ts, ss, fl),
Sam Gerstmans (b), Pierre Hurty (dm), Les Lundis d'Hortense, Jazz Station, 15 février 2023
Des vents favorables avaient soufflé à mes oreilles: tu dois absolument écouter Eliott Knuets, un guitariste de 19 ans appelé à un bel avenir. Pour m’en convaincre, j’avais marqué d’une pierre blanche la date du mercredi 15 février à mon calendrier troglodytique. Bien installé, le dos à la colonne et face à la scène, j’ai commencé par tester une bière inconnue puisqu’il n’y a toujours pas d’Orval dans les frigos de la Jazz Station! Après le quart d’heure habituel, les musiciens montent sur scène à la suite d’un «gamin-une-guitare-à-la-main». Sam Gerstmans est à la contrebasse, Olivier Collette au piano, Pierre Hurty aux drums et puis un saxophoniste dont le nom et le visage ne me sont pas inconnus, Stéphane Guillaume, de Paris, France.
Le premier morceau du premier set est déjà une composition du jeune guitariste, «Cranes», écrit sans doute un 31 octobre, jour d’Halloween! Il expose le thème aux doigts avant de prendre le solo au plectre. La technique est parfaite en allers-retours; on peut déjà être rassuré quant aux recommandations reçues! Stéphane Guillaume, réjouit, prend la deuxième partie, d’une belle sonorité pleine. «Into The Storm» est co-écrit par Eliott Knuets et Olivier Collette qui n’est autre que l’oncle de la vedette et son mentor. La musique s’envole, forte et swingante. On note que le guitariste ne regarde jamais la position de ses doigts sur le manche. Malgré un fast-tempo, juste un œil au lutrin pour la suite des accords. Il use d’une Gibson semi-plate et non découpée; les notes sont vibrées à chaque césure. Ça balance grave et plus encore lorsque Stéphane Guillaume prend un solo éblouissant. Suivent un nouveau solo d’Elliott, un autre d’Olivier Collette et un premier de Pierre Hurty. J’avais découvert ce dernier à l’occasion d’un tournoi des jeunes talents au festival de Dinant, il y a... quelques années, avant le covid. Que de progrès accomplis par ce batteur, quelle assurance! Encore un original d’Eliott Knuets, «Strange Feeling», avec un superbe solo de Sam Gerstmans. Je ne vous décrirai pas Sam Gerstmans: il est parfait sans doute, le meilleur bassiste belge qu’on ait eu depuis le départ pour la France de Philippe Aerts! On poursuit avec «Body and Soul» entamé seul par le guitariste avant la suite des solos, sax ténor, guitare, piano et la reprise du thème. Le dernier morceau du premier set est une compo récente d’Eliott Knuets qu’il intitule, faute de mieux, «Blues».
Pour la deuxième partie, nous aurons droit à deux compositions d’Olivier Collette, «Bounce» et  «Cascatinha», une rumba exposée en unisson piano et flûte. Mais aussi et encore trois originaux d’Eliott Knuets, décidément prolifique: «Happy Tune», «Circles» avec Stéphane Guillaume au soprano et «Little Song» avec de belles relances de Pierre Hurty. Les bravos n’en finissent pas et le rappel ne manquera  pas à l’appel. «How Deep Is the Ocean» nous vaut de superbes 4/4 joués en trio guitare/basse/batterie.
Minuit! Voici, l’aube sur une découverte importante, un successeur aux Reinhardt, Thomas et Catherine dans la dynastie des guitaristes belges qu’on peut retrouver sur le dernier disque d’Olivier Collette, Heptone Colours. Choix judicieux et majeur pour ce concert des Lundis d’Hortense!

All'interno della variegata programmazione del Monte-Carlo Jazz Festival, la serata che destava maggiore interesse negli appassionati era quella del 9 novembre 2022 in cui la Salle Garnier ospitava la reunion del gruppo di all-stars composto da Joshua Redman, Brad Mehldau, Christian McBride e Brian Blade. Era il lontano 1994 quando un quartetto di promettenti giovani pubblicava quel MoodSwing, sotto il nome di Redman, che oggi rappresenta un classico del modern mainstream. Quei musicisti, nel frattempo assurti a stelle di prima grandezza, hanno continuato a collaborare ed incontrarsi in vari progetti fino alla reunion culminata nei dischi RoundAgain (2020) e LongGone (2022) ed alla tournée tuttora in corso.

Il concerto monegasco ha confermato il livello di interplay quasi telepatico sviluppato negli anni dal quartetto e la continua ricerca di nuove soluzioni all'interno di strutture che tengono insieme tradizione e modernità. Il concerto, iniziato con due composizioni di Redman tratte dal nuovo disco LongGone («Long Gone» e «Kite Song»), ha messo in luce la crescita espressiva di un combo in grado di passare dall'esuberante postbop delle origini ad una musica in grado di inglobare anche influenze provenienti dalla musica colta soprattutto grazie allo stile di Mehldau ma pure nella ricerca timbrica dei sassofoni di Redman. I voli improvvisativi dei due principali solisti sono stati impeccabilmente stimolati e sostenuti da una delle ritmiche più swinganti della scena contemporanea in cui McBride, sia nello stile che in composizioni come la blueseggiante «Floppy diss», rappresenta l'anima più dichiaratamente afro-americana. La ballad «Sweet Sorrow», che apriva il disco MoodSwing con una atmosfera di rarefatta intensità, ha rappresentato uno dei momenti di maggiore intensità di un live che, in un'ora e mezza, non ha mai avuto momenti di cedimento. La vitalità di Redman, l'introversa sapienza armonica di Mehldau ed il gioco di rimando continuo fra McBride e Blade hanno scaldato il pubblico «costringendo» il gruppo ad un doppio bis. Se il primo, tratto dal disco di Mehldau Highway Rider a cui Redman partecipò, sembrava programmato gli applausi persistenti hanno portato i quattro a sciogliersi nel trascinante blues finale a dimostrazione di come pure le strutture armoniche più semplici sappiano sempre, nelle mani giuste, riservare emozioni e sorprese.

Ed è questo il segreto del jazz che, quando evita di cercare contaminazioni a tutti i costi, resta la migliore sintesi fra la complessità armonica europea ed il trascinante ritmo africano.

Au sein de la programmation variée du Monte-Carlo Jazz Festival, la soirée qui a suscité le plus d'intérêt chez les passionnés est celle du 9 novembre 2022 où la Salle Garnier a accueilli les retrouvailles du groupe all-stars composé de Joshua Redman, Brad Mehldau, Christian McBride et Brian Blade. Cela fait longtemps en 1994 que le quartet de jeunes artistes prometteurs sortait ce MoodSwing, sous le nom de Redman, qui représente aujourd'hui un classique du courant moderne. Ces musiciens, entre-temps devenus des stars de premier ordre, ont continué à collaborer et à se rencontrer dans divers projets jusqu'aux retrouvailles aboutissant aux albums RoundAgain (2020) et LongGone (2022) et à cette tournée toujours en cours.

Clermont-Ferrand est une ville spacieuse, calme, accueillante, sans pièges à touristes, où il fait bon vivre, dans le souvenir de la lave des volcans, appelés puys en Auvergne.

Comme toujours, à l’origine d’un festival de jazz, on trouve quelques passionnés kamikazes. C’est ainsi qu’en 1988, Xavier Felgeyrolles, qui organisait déjà des concerts, décida de passer à la vitesse supérieure pour créer, avec son association, un festival, qui en est à sa 35e année! Ce festival fonctionne uniquement avec des bénévoles, une quarantaine au moment du festival. Seuls quelques techniciens sont rémunérés au coup par coup.

Programmé en dehors de la saison d'été, la programmation est principalement constituée de musiciens et de groupes qu’on voit rarement, ou pas du tout, dans les autres festivals. C’est l’originalité et la saveur de Jazz en Tête qui organise deux concerts par soir à partir de 20h.

18 octobre

Grève oblige, trains supprimés, je rate les deux premiers concerts, et pas des moindres: Jet All Stars 22 avec Steve Nelson (vib), Kenny Davis (b), Biily Kilson (dm); puis Gonzalo Rubalcaba (p) et Aymée Nuviola (voc)…

19 octobre

Premier train supprimé. Un deuxième est bon mais j’arrive en gare à 19h33. Le concert de 20h a du retard. Ouf! M’y voilà assis, prêt à l’écoute.

Jim Rotondi Quintet

Au cours du concert, dans un français parfait, Jim Rotondi nous conte une anecdote touchante. En 2002, à Jazz en Tête, il était avec un groupe auquel le festival avait adjoint une traductrice. Après le concert, il invita celle-ci au restaurant, elle accepta, et depuis, dit-il, j’habite avec elle. Bien sûr, le morceau suivant «Julie» lui sera dédié.

Jim Rotondi (tp, flh) a débuté chez Lionel Hampton puis joué avec le Big Band de Charles Mingus, George Coleman, etc. C’est un trompettiste au son déclamatoire dans l'esprit new orleans, d’une grande maîtrise sur toute la tessiture, une puissance et une vélocité rares dans le suraigu. Un phrasé qui va de Louis Armstrong jusqu’à Wynton Marsalis en passant par les boppers. A la contrebasse Darryl Hall, bien connu chez nous, à la pompe aérienne et joyeuse. Danny Grissett est au piano, dans la descendance Teddy Wilson, parfait dans ce quintet. Jon Bouteiller est un sax ténor rentre dedans au gros son texan, qui atteint la suavité de Stan Getz sur les tempos lents. Il est aussi l’arrangeur ainsi que le compositeur de quelques morceaux. Le clou du programme c’est Jason Brown à la batterie. Un régal! Je n’avais plus entendu ces friselis, ces froissements, ces caresses des balais depuis longtemps. Aux baguettes, c’est l’incendiaire, le réchauffement climatique garanti. Un quintet roboratif, solide, collectif, in the tradition. Pas loin des Jazz Messengers. Cela fait du bien de revenir au jazz mainstream, histoire de remettre le train sur ses rails…

Mark Guiliana Jazz Quartet

J’ai entendu pour la première fois le batteur Mark Guiliana dans le disque ultime de David Bowie (Black Star) aux côtés de jazzmen, dont Donny McCaslin (s), et j’avais dressé l’oreille. Depuis il est devenu le phare de la nouvelle génération. Tel qu’on l’a entendu ce soir, il est ce qu’on appelle un batteur africain, à la façon Dennis Charles, toutes proportions gardées, c’est-à-dire qu’il joue des tambours frappés, les roulements sont très rares chez lui. Il réussit à marquer le temps tout en l’encadrant de figures rythmiques. Dans son long solo, c’étaient les rugissements des lions dans la forêt. Batteur atypique qui sort des coloristes à la mode. En soutien il est étincelant, sans fioritures, ça pulse. Avec le pianiste Jason Lindner on peut croire parfois qu’on entend Debussy et Fauré jouant du jazz. Grande richesse d’accords dans l’accompagnement. Jasper Høiby est un contrebassiste à la pompe bebop, d’une vélocité incroyable, très mélodique dans ses solos. J’ai gardé le meilleur pour la fin, le saxophoniste Jason Rigby, dans la descendance de Coltrane, grande puissance, énergie sans faille. Il joue concentré, dans le recueillement. Il développe de longues mélodies sur des ostinatos du groupe, jusqu’à la transe. Toute la musique de ce groupe, tout à fait dans le jazz d’aujourd’hui, repose sur ces longues mélodies qui rendent l’écoute si prenante, avec quelque chose de religieux.

Jason Lindner (p), Jasper Høiby (b), Jason Rigby (ts), Mark Guiliana (dm),

Jazz en Tête, Clermont-Ferrand, 19 octobre 2022 © Serge Baudot

20 octobre

Mino Cinelu

Mino Cinelu ou l’art de la scène. Il trône vêtu de blanc entouré de ses percussions, et de temps en temps, se déplace vers l’avant scène ou vers ses musiciens, dégageant ainsi une présence heureuse. Il joue de la batterie debout. Toujours décontracté et souriant en pleine connivence avec ses deux compères Tony Tixier (p, clav), et Raynald Colom (tp). Deux Martiniquais et un Américain, pour le meilleur, dans ce trio hors norme formé spécialement pour Jazz en Tête. Le jeu de trompette de Raynald Colom montre une ressemblance avec le jeu des trompettistes des Balkans, la puissance en plus. Il nous gratifiera d’un solo absolu plutôt recherché, mélodie tendance orientale, captivante, avec des intonations qui font croire à une trompette à quatre pistons, mais il n’y en a que trois. Le pianiste joue de ses claviers avec grande aisance. Le groupe joue beaucoup sur les ostinatos des claviers assurant une légère hypnose qui fait entrer dans la musique. A certains moments, Mino Cinelu se sert d’une sorte de tambour électronique duquel il sort des sons incroyables. Il utilise tout son matériel avec maestria. S’emparant de sa guitare, il nous offre une chanson éclatante, à l’orée du gospel ou du chant africain. A noter un émouvant hommage à Joe Zawinul qui nous a quittés en 2007. Et Mino Cinelu a le rythme dans la tête et dans le cœur. Certes il y eut quelques facilités, quelques flottements, broutilles tant le concert était dense, fougueux et enthousiasmant.

Tony Tixier (p), Mino Cinelu (perc), Raynald Colom (tp),

Jazz en Tête, Clermont-Ferrand, 20 octobre 2022 © Serge Baudot

Samara Joy

On m’avait beaucoup parlé de Samara Joy. Et la voilà qui apparaît, souriante, vêtue d’une courte robe rose, dans l’éclat de sa jeunesse. Elle s’adresse gentiment, longuement, au public. D’ailleurs elle va parler, trop, entre chaque chanson; elle raconte des histoires, des anecdotes, à un public non anglophone… Mais avec une telle candeur, une telle joie, que ce public est ravi. On sent en elle le besoin de se faire aimer.

Dès les premières notes, on se demande d’où lui viennent ce talent, ses possibilités vocales, son sens du jazz. On la compare souvent à Ella Fitzgerald, elle n’en a ni la puissance rythmique, ni ce swing communicatif. Elle est absolument dans la descendance de Sarah Vaughan, avec encore plus de possibilités vocale. Elle passe de l’extrême grave contralto au suraigu soprano, caracolant, cascadant là-haut, avec une aisance, une souplesse, une douceur qui défient l’imagination, au niveau d’une cantatrice. Elle atteint la puissance des chanteuses gospel (les vraies!).

Elle est accompagnée par le remarquable pianiste Vincent Bourgeyx qui suit la chanteuse dans toutes ses ruptures et inflexions, Mathias Allamane toujours solide et inventif à la contrebasse, un son boulet de canon, et Malte Arndal à la batterie, très classique, mise en place exemplaire et qui tient le groupe à la baguette. Très bon trio classique avec de la pêche et la joie de jouer. Soutien cinq étoiles pour la chanteuse.

Samara Joy est bien meilleure sur les standards que sur des compositions nouvelles. Plus à l’aise, décontractée. Entre autres un «‘Round About Midnight» complètement renouvelé, on entend dans la mémoire celui joué par Miles et Coltrane. Il s’en dégage un charme et une émotion sans pareilles. Vraiment du grand art. Et surprise des surprises, elle chante divinement «La Mer», en français, sans accent, alors qu’elle dit ne pas parler français. D’autres grands moments sur «Memories of You», «I Remember You», «September Song», et d’autres…Et puis un morceau a cappella, sans failles, d’une pureté absolue, dans lequel elle fit montre de toutes ses possibilités. Au fond elle pourrait se passer d’accompagnement! A Jazz Diva is Born.

21 octobre

Biréli Lagrène, Solo Suites

Un concert solo guitare. Diable! Beaucoup passerait leur chemin. Biréli Lagrène, vêtu de blanc, entre en scène sa guitare à la main. Il s’assoit derrière le micro, enserre sa guitare. Seul en scène, pas d’appareils, pas de pédales. Une guitare acoustique, c’est tout, mais pour lui c’est un tout qui signifie beaucoup, qui signifie qu’on peut jouer une musique sublime sans de multiples accessoires, qu’on peut justement pratiquer une musique au zénith.

Un lyrisme à la Django, une technique époustouflante, une virtuosité hallucinante, au service de sa musique. Incroyables la rapidité des doigts, la rapidité des enchaînements d’accords: sa guitare est un orchestre à elle toute seule. Exemple: il joue l’introduction de «Birdland», accords pleins, on entend Weather Report. A l’autre extrême, on a quelques notes d’une partita de Bach, et même carrément un morceau d’une œuvre de Bach, swinguée. On aura une longue et merveilleuse suite partant de «‘Round About Midnight», à la fois étincelante et lyrique, qui glisse vers «Les Feuilles mortes» et d’autres chansons connues. Réjouissant! Ce diable de guitariste nous a tenus en haleine pendant plus d’une heure, et on en redemandait…

Eduardo Farias Brazilian Trio

Le Brésil et le jazz ont toujours fait bon ménage. La nouvelle génération ne dément pas cette perception. Eduardo Farias vient des favellas. Il a appris le piano à l’église et jouait chez lui sur une planche où il avait dessiné les touches blanches et noires. Depuis, il a fait un long chemin, jouant de plusieurs instruments, composant, enseignant. Un musicien complet. Il a étudié et joué avec tout le gratin de la musique brésilienne et son écoute des grands pianistes de jazz: Bill Evans, Gonzalo Rubalcaba, Brad Mehldau, etc. Il s’est donné une technique prodigieuse avec une vélocité de formule 1: le Biréli Lagrène du clavier! Ce qui se démontra sur «April Child». Grand improvisateur, il n’oublie jamais la mélodie dans ses envolées. C’est un pianiste de la joie, de la chauffe et de l’enchantement. Un hommage émouvant à Carlos Jobim.

A la batterie, Antonio Carlos Harlando joue dans la cour des très grands batteurs. Des frappes sèches qui bloquent un roulement par exemple, chose rare aujourd’hui une utilisation quasi continue des cymbales, une mise en place et un swing à faire danser Satan. Il écoute les autres et les propulsent, avec la pompe sanglante et le contrepoint de la contrebasse d’Hermeto Coridor. Certes la bossa et la samba sont souvent présentes, mais depuis Stan Getz on sait que ça jazze parfaitement.

Un invité surprise, le saxophoniste Baptiste Herbin, qu’Edouardo présente comme son grand frère. Dès les premières notes, on sent la connivence entre les deux. C’est un saxophoniste mélodique et incantatoire, visant à la transe lui aussi, par de longues phrases sur un son puissant. Pas de déballage, seulement de la musique.

Premier rappel, «Vera Cruz», avec un solo de batterie embrasé. La salle en liesse. Deuxième rappel, une samba piano-sax à vous envoyer vivre au Brésil. Troisième et long rappel, «The Girl of Ipanema», le pianiste seul donne toute sa ferveur, son émotion, sa sensibilité, prouvant que la musique n’est pas qu’un orage de notes, même si c’est bien aussi. Un concert des plus généreux qui galvanisa le public.

22 octobre

Grabriel Fernandez Mundo Trio

Le saxophoniste Gabriel Fernandez est né à Montevideo (Uruguay) mais a fait ses études musicales à Clermont-Ferrand. Il fait partie des musiciens de jazz d’Auvergne, c’est donc, comme on dit, le régional de l’étape. Un jeu sobre, mélodique, plutôt mainstream, de la conviction et de l’engagement. Malheureusement, il est accompagné par un guitariste laborieux, à côté de ses pompes, rarement en place, ne jouant que des plans. Une insuffisance compensée par Jean-Luc Difraya qui tient la batterie et les percussions. Il est également un chanteur haute-contre, et lorsque son chant éclate comme les grandes orgues de la cathédrale, le groupe s’envole, hélas pour peu de temps. C’est un batteur dans la tradition qui a joué avec tout le gratin du jazz français. Mais pourquoi diable s’est-il entêté à accompagner de longs morceaux basés sur le tango, mais détournés, au cajon, instrument anti jazz au possible, alors qu’il avait tous les tambours du monde. Il y eut quand même de belles réussites comme la ballade sur un tango de 1932 de Carlos Gardel.

Jean-Marie Frédéric (g), Gabriel Fernandez (ts), Jean-Luc Difraya (dm),

Jazz en Tête, Clermont-Ferrand, 22 octobre 2022 © Serge Baudot

The Mountain Four All Stars

Quatre grands du jazz réunis pour la circonstance. Ils ont tous joué à Jazz en Tête à un moment ou un autre, mais jamais ensemble. Le guitariste et chanteur Lionel Loueke, au jeu parcimonieux mais profond, chaque note a son poids; il joue parfois staccato, peut monter au brasier. Il chante d’une voix bien timbrée tout en jouant des rythmes avec les lèvres, épaulés par le batteur Antonio Carlos Harlando qu’on avait entendu avec Eduardo Farias, et qui remplaçait Eric Garland; il était en feu balayant tambours et cymbales, propulsant le groupe, rallumant le Puy de Dôme. Joe Sanders est remplacé par un contrebassiste indien, Harish Raghavan, de la grande école de la basse jazz, une pompe démoniaque, des solos inattendus, des notes boulets de canon et quel swing! Une découverte qui rend heureux. Au sax ténor, Walter Smith III. Il joue constamment avec Ambrose Akinmusire ou Eric Harland. Il a progressé en écoutant tous les grands saxophonistes de Charlie Parker à Coltrane et Wayne Shorter, il est un condensé de ces deux maîtres, et pas seulement. Sûrement l’un des saxophonistes les plus intéressants de la jeune génération, le plus inventif. Tout de noir vêtu, debout au centre du groupe, yeux fermés, statue du commandeur. C’est parti pour une longue introduction rubato qui va monter en pleine exaltation, dans un jeu collectif, le quartet en osmose totale. Les morceaux seront bâtis sur ce modèle, à l'exception des interventions en solo. On aura, entre les incendies, des morceaux très lents, rêveurs, qui vous titillent tous les nerfs. Le jazz est merveilleux, il suffit que des musiciens se rencontrent et jouent ensemble, et ça fonctionne du feu de dieu.

En plus des concerts, tous les soirs, dans le bar de l’Océania, se tenait une jam-session très fréquentée jusqu’à l’aurore. Ça jazzait dur autour d’un verre. Et dans les couloirs et les ascenseurs de l’hôtel toujours du jazz pour vous accompagner. L’originalité de Jazz en Tête, en dehors de la programmation est d’organiser des concerts Hors les Murs dans le Puy de Dôme, plus d’autres concerts et actions diverses.

Dans le Hall de la Maison de la Culture on pouvait flâner devant quelques œuvres photographiques. Des photos noir et blanc de musiciens de jazz, immortalisés par Michel Vasset. D’autres noir et blanc également de «Women in Jazz» très impressionnantes de Patrick Del Corpo. Et des dessins jazz de Cabu, qui rendent joyeux. Il écrivait: «Le jazz, ça me rend dingue. J’esquisse quelques pas de swing et je danse dans ma tête.»

Tout est dit. Après ce festival pas comme les autres, le jazz nous danse dans le corps et dans la tête.

Jean-Pol Schroeder a concocté pour l’ouverture un cocktail vidéo intitulé Peace and Jazzqui, de manière anachronique, de Louis Armstrong à Don Cherry, nous plonge dans ce creuset commun à notre musique: «liberté, égalité, solidarité» mais aussi contestation et révolution. Bam Trio (Maxime Moyaerts, org, Bastien Jeuniaux, g, Arnaud Cabay, dm) occupe la scène à partir de 20h. Le jeune Cabay (fils du vibraphoniste Guy Cabay) n’est, semble-t-il, pas encore arrivé à maturité. Bastien Jeuniaux (g) séduit par un toucher souple, juste, mélodieux; Maxime Moyaerts (org) ne nous surprend plus, mais c’est toujours avec grand plaisir qu’on apprécie son groove puissant à la manière d’un Jimmy McGriff ou d’un Lou Bennett (faut pas l’oublier celui-là)!

La clôture de la première journée était placée sous le charme, la grâce, la puissance et le timbre chaleureux de Pascale Elia (voc) et son Homin’In Quartet: Pascal Mohy (kb), Werner Lauscher (b) et Adrien Verderamé (dm). On n’a pas oublié la jolie chanteuse liégeoise. Partie sur la West Coast en 2005, elle nous est revenue en 2019 après cinq ou six albums, après des tournées internationales dont le Japon. Avec un répertoire de standards, quelques compositions et un amour particulier pour la bossa nova («Desafinado»), elle enchante par un timbre profond, justement nuancé et une présence (puissance) qui ne cède en rien aux grands noms de l’histoire américaine («Con Alma», «I’ll Never Be Another Me, Another You», «The Man I Love», «What Is This Thing Called Love»…). Werner Lauscher (b), 59 ans, natif d’Aix-la-Chapelle, est sérieusement implanté en Belgique (Pepinster); il joue et accompagne la plupart des solistes belges et les étrangers de passage (Bob Mintzer, Charlie Mariano, Joachim Kuhn…); son jeu est solide, parfaitement juste et volubile quand il le faut; sa modestie va de pair avec le timide mais talentueux pianiste liégeois Pascal Mohy (ici au Fender Rhodes). Adrien Verderamé (dm) –le frère de Mimi– est moins présent sur la scène jazz bien qu’ayant déjà accompagné Pascale Elia en 1995. Rien n’est à jeter dans ce quartet soudé qui swingue et séduit.

Pour débuter l’après-midi du samedi, quatre cents personnes se pressaient autour des tentes, de la musique, de la bière et des saucisses. Volle backcomme on dit à Bruxelles et à Bilzen, carton plein pour les francophones du Sud! Dès 18h, dans la première tente, un big band baptisé «Slim Bigband Vitzkids» réunissait sous la direction d’un prof' de sax alto un ensemble de jeunes issus des académies hollandaises de Heerlen et Maastricht, mais aussi d’Aix-la-Chapelle. Une belle illustration de ce qu’on nomme ici «l’Euregio». Etonnante cette formation jouant des chansons jazzy émaillées de solos par de très jeunes musiciens, comme ce tromboniste de 6 ans et ces deux batteurs qui alternent et qui doivent avoir entre 8 et 10 ans («Moanin’»).

Comme d’habitude, la journée du samedi est dédiée au jazz manouche. Et, comme de bien entendu, il fallait un descendant de la dynastie Reinhardt. Ce soir, ce sera Dylan (g), auteur de «For Austin» et d’une jolie ballade dédiée à son fils. Le trio intitulé «Sweet Caravan» est conduit par l’excellent Jean Borlée (b). La guitare rythmique est dans les mains de Jérôme Nahan, facteur d’instrument, ami de Dylan. Au répertoire: «Bluesette», «Les Valseuses» de Stéphane Grappelli, «All the Things You Are» et, en rappel, rien moins que «Yardbird Suite» de Charlie Parker. Le jeune Reinhardt livre un jeu clair, séduisant mais sans grandiloquence alors que Nahon, surprend, et pas toujours agréablement, par ses choix lorsqu’il s’affiche en soliste.

Clou du festival: Joachim Ianello (vln) Trio avec les solides Nicolas La Placa (g) et Nicolas Puma (b). En invité, Rocky Gresset (g), le soliste véloce de Thomas Dutronc. La musique suscite l’hystérie d’un public connaisseur et/ou imbibé de bières. «Stompin’ at the Savoy», «Pent up House», «Si tu savais», «For Sefora» (le tube de Stochelo Rosenberg), «Webster» et «Troublant Bolero» de Django, «Cherokee» et, en rappel: «I can’t Give you Anything but Love». Comme il se doit, les tempos sont soutenus, rapides et, en prime, une corde en moins à l’archet. Joachim Iannello, qu’on avait déjà entendu là-bas avec Johan Dupont (p) est un musicien de très grande classe, inspiré et créatif à souhait. Rocky Gresset (g) ne s’en laisse pas compter sur le compte de l’intensité et de la vitesse; la rythmique est inébranlable; snaps de Nicolas Puma (b), accompagnement rythmique sûr de Nicolas La Placa qui prend même de très beaux solos à la guitare sèche. Fin de cette deuxième journée idyllique! Tiens, il y a eu un violent et court orage sur le dernier thème? J’ai failli ne pas m’en apercevoir!

Depuis 1999, une semaine par an, l’association du Festival de Big Band invite le jazz à l’Enclos de la Charité et y reçoit des big bands de tous horizons et de toutes tendances, en cela fidèle aux objectifs de départ, à savoir diffuser auprès du plus grand nombre une musique universelle et belle. Dans cet esprit, des tarifs abordables sont pratiqués, ainsi que la gratuité pour les deux premières soirées, et pour les enfants de moins de 12 ans, ce qui permet d’intéresser un public local qui vient se régaler en famille. Le tout dans une ambiance chaleureuse, avec le côté guinguette pour trinquer et se restaurer.

Une logistique énorme pour une ville d’environ 21 000 habitants, dont la pérennité est rendue possible par l’aide généreuse des partenaires publics et privés, une participation massive de bénévoles passionnés, et une direction artistique qui sait renifler les bons coups et les talents en devenir. Et puis les big bands, c’est aussi un plaisir des yeux!

En 2022, le programme proposait, comme toujours un choix artistique aussi varié que l’est le jazz, faisant toujours une place aux artistes locaux sans se priver de la découverte d’artistes de tous les horizons et de projets originaux comme ces hommages à Brassens et Ray Charles. En ouverture, le 1_^er août les TartOprunes, incontournables et toujours en évolution; le Big Band de Pertuis, at home, sous la direction de Léandre Grau, le directeur artistique du festival et le pédagogue, inépuisable dans toutes ses fonctions. Le 2 août: What Elle’s, sextet féminin au swing affirmé; le Kinship Orchestra, sur une idée originale: des thèmes inspirés des écrits de Jorge Luis Borges. Le 3 août: The Yellbows, quartet déjanté tendance New-Orleans; Le Hérault Big Band dans un hommage à Georges Brassens. Le 4 août: Holy Bounce Orchestra, pour un retour vers les années 30 et les clubs de Harlem; Le Barcelona Big Band Blues & Uros Perry, dans un hommage à Ray Charles qui a mis le feu à l’Enclos de la Charité d’après les échos que nous en avons eus! Les absents ont toujours tort…

Nous étions là, le 5 août et, en première partie, nous avons apprécié le Hot Sugar Band & Nicolle Rochelle de retour d’une tournée américaine. Le groupe présente un programme très swing des années trente, en hommage à Eleanora (Fagan), la Billie Holiday des débuts. Nicolle Rochelle, qui a déjà à son actif une réincarnation de Josephine Baker, s’est coulée dans une très belle robe années folles à franges et paillettes; et le ramage s’accorde au plumage dans un registre légèrement plus aigu que Billie, mais elle en a intégré le blues, l’expressivité, le phrasé et cette façon «lazy» de traîner sur certaines fins de phrases. Le groupe: Bastien Brison (p), Julien Didier (b), Yves Le Carboulec (tp, arr), Corentin Giniaux (cl, ts, arr), Jonathan Gomis (dm, arr), Clément Trimouille (as, cl, arr), Bastien Weeger (g), est un ensemble bien rodé (il existe depuis 2011), dont l’orientation première était le lindy-hop, jusqu’à la rencontre avec Nicolle et Billie. Ils nous offrent de beaux échanges sur «With Thee I Swing», «What a Little Moonlight Can Do» où clarinette, sax, trompette et voix se répondent sur un tempo sauvage, le grave et emblématique «Don’t Explain», «What a Night, What a Moon, What a Girl»… Le répertoire s’élargit à un «April in Paris» chanté en français, sur lequel le groupe sonne à la Basie, d’un «Love You Madly» évoquant Ella Fitzgerald, «Darn That Dream» en duo voix-piano, plus nostalgique, et un final avec le classique «Swing, Brother, Swing» où la chanteuse fait montre d’un certain talent d’entertainer. Assurément un groupe à suivre!

  

Nicolle Rochelle (voc) et le Hot Sugar Band, Pertuis, 5 août 2022 © Ellen Bertet

Sur la grande scène, Nola Spirit Big Band, c’est le spectacle du Big Band Brass de Dominique Rieux (tp), David Cayrou (bs) et leurs quinze musiciens, dont le dernier projet r évoque la musique de New Orleans. On y compte Dominique Rieux (tp, dir. musicale), Tony Amouroux (tp), Cyril Latour (tp), Rémi Vidal (tb), Michel Chalot (tb), Baptiste Techer (tb), David Cayrou (bs, co-dir.), Bastien Maury (sax), Jean-Michel Cabrol (sax), Pascal Pezot (sax), André Neufert (dm), Thierry Ollé (clav), Julien Duthu (b), Florent Hortal (g). Pour que la fête soit complète, ils se sont adjoints les services du crooner anglais Gead Mulheran, veste et bottines léopard, et de la danseuse Angie Larquet, paillettes et plumes, qui vont intervenir tout au long de la soirée pour décoincer les arthroseux et les timides. «Louisiana 1927» (Randy Newman), est un blues joué à la guitare par Florent Hortal et la section de cuivres. Il rappelle la terrible crue du Mississippi de la même année, qui fit 250 morts, et la résilience incroyable de la ville. Mais on passe vite à des ambiances plus festives, avec des thèmes plus funk ou rhythm & blues qui commencent à chauffer la salle. Les deux entertainersn’hésitent pas à descendre de scène, et c’est parti! L’avant-scène se transforme vite en piste de danse pour une soirée de musique à fond la caisse, entrainée par un orchestre à l’énergie contagieuse, qui enchaîne les échanges et les chorus (Tony Amouroux/Cyril Latour). La soirée ne pouvait se terminer qu’avec un «When the Saints Go Marchin’ In» qui fait l’unanimité!

  

Nola Spirit Big Band, Pertuis, 5 août 2022 © Ellen Bertet

Le 6 août, place au Belmondo Quintet: Stéphane Belmondo (tp, bugle), Lionel Belmondo (fl, ts), Laurent Fickelson (p), Sylvain Romano (b), Mathieu Chazarenc (dm). Chez les Belmondo, le jazz est depuis toujours une affaire de mémoire, comme ce petit intermède drôle entre Lionel Belmondo et Léandre Grau qui se remémorent leur rencontre, en 1982, lorsque Lionel a monté son premier big band dans sa compagnie pendant le service militaire. Les deux frères ont perdu leur père, Yvan, sax baryton, en 2019, et lui rendent hommage avec un morceau lent et nostalgique de leur plume («Song for Dad»), tiré de leur dernier enregistrement, Brotherhood, sorti en 2021. Il contient une autre révérence à Yusef Lateef («Yusef’s  Tree») en souvenir de leur collaboration en tournée et sur disque au début des années 2000. Le quintet est resté centré sur une musique très proche des racines, influencée par Coltrane, Yusef Lateef, Sonny Rollins et Wayne Shorter («Wayne’s Words», écrit par Lionel). Cette mémoire est le fondement d’une culture jazzique très profonde et d’une expression qui n’a jamais eu besoin de se distancier du jazz, vécu comme un rêve, comme c’est le cas des grands créateurs de cette musique. Les Frères Belmondo respirent le jazz depuis toujours, et c’est ce qui fait la beauté de leurs interprétations, sensibles et directes. Bien soutenus par une solide section rythmique avec les excellents Laurent Fickelson, Sylvain Romano et Mathieu Chazarenc qui appartiennent aussi à cette tradition post bop ancrée dans le jazz de culture, Stéphane et Lionel ont confirmé leur statut de premier plan parmi les aînés aujourd’hui, en restant toujours accessibles.

 

  

Laurent Fickelson (p), Sylvain Romano (b), Stéphane Belmondo (tp),

Lionel Belmondo (ts), Mathieu Chazarenc (dm), Pertuis, 6 août 2022 © Ellen Bertet

En seconde partie d’une soirée intitulée «Remember Jaco», le Multiquarium Big Band rendait hommage à Jaco Pastorius sous la direction d’André Charlier et Benoît Sourisse. Biréli Lagrène, la guest star très attendue de l’événement –et pour cause car il croisa la route du légendaire Jaco– joua l’Arlésienne, bloqué sur un tarmac quelque part en Europe… Petit moment de stress pour le directeur artistique lorsqu’il fallut annoncer à une cour comble l’absence de Biréli et son remplacement. Mais il y avait certainement une bonne étoile au-dessus de Pertuis, surtout un public compréhensif et un réseau efficace qui ramena de Nîmes Léo Chazallet et sa basse Fender, pasfretless comme celle du maestro, mais peu importe car Léo Chazallet est aussi un surdoué de son instrument –sa vie en musique a commencé à 3 ans. Il a fréquenté le Conservatoire de Montpellier sous la férule de Serge Lazarevitch, et il y a côtoyé Dominique Di Piazza entres autres maîtres. Il a même étudié la contrebasse avec Louis Petrucciani et Pierre Boussaguet. Léo Chazallet n’est pas un inconnu, et le public est aussi venu pour le Multiquarium et ses dix-sept musiciens de haut niveau déjà reconnus pour la plupart. Theshow can go on! Les projets d’André Charlier (dm) et Benoît Sourisse (p, kb) sont motivés par la nécessité de transmettre les musiques et les œuvres des musiciens qui ont enthousiasmé leur jeunesse, sous forme d’hommage, comme cela se fait dans la tradition du jazz. Ce soir, c’est le parcours de Jaco Pastorius en big band qui est évoqué, sur des arrangements de Stéphane Guillaume, Benoît Sourisse et Pierre Drevet, avec les thèmes du répertoire ou de la plume du maître: «(Used to Be a) Cha Cha», «Continuum», où s’illustre Léo Chazallet, «The Chicken» de Pee Wee Ellis, «Barbery Coast», «Palladium» de Wayne Shorter (avec Pierre Drevet)…

  

Multiquarium Big Band, Pertuis, 6 août 2022 © Ellen Bertet

Par la qualité des arrangements, le choix du répertoire, le ton est bien là, les solos s’enchaînent sur un fond où dominent les ensembles de cuivres mêlant jazz, rock et funk, avec une pêche incroyable! C’est techniquement abouti en même temps que porteur d’une émotion, d’un drive certain et d’une joie palpable des musiciens à faire revivre cette musique de leur jeunesse. La formation compte de beaux instrumentistes; on retient par exemple les interventions percussives des Charlier père et fils, d'Eric Poirier (tp), Benoît Sourisse (p), et il faudrait énumérer tout l’orchestre pour chacun des chorus car le Multiquarium Big Band est un véritable all stars de la scène du jazz en France avec les Claude Egea, Pierre Drevet, Julien Ecrepont, Eric Poirier (tp), Fred Borey et Pierre-Marie Lapprand (ts), Lucas St-Criq (as), Stéphane Chausse (as), Fred Couderc (bar), Gil Farinone, Damien Verherve, Didier Havet, Philippe Georges (tb), Léo Chazallet (eb), Pierre Perchaud (g), André Charlier (dm), Nicolas Charlier (perc), Benoît Sourisse (p, Hammond B3). Le public ne s’y trompe pas.

La soirée s’est naturellement terminée sur un blues, la musique fondatrice sans laquelle cet orchestre, ce festival et notre passion ne seraient pas là ce soir! Un bel orchestre de musiciens de talent, une musique spectaculaire, à l’énergie, il n’y a rien de tel pour conclure ce beau panorama de big bands, un monde en soi de l’univers du jazz, fait de travail (la mise en place), d’homogénéité, de solidarité, d’écriture, d’arrangements mais aussi d’improvisation car nous sommes dans le jazz.

En ce début juillet, Art Expression présentait, suivant la formule initiée et portée par le regretté Roger Mennillo et par la très active Chris Brégoli sur près d’un quart de siècle, ses deux soirées consacrées au piano. Le jardin Joseph Richaud, encore vert en ce début juillet, accueille agréablement un public d’habitués dont la fidélité ne se dément pas au fil des éditions. Fidèles aussi, les soutiens institutionnels et privés qui accompagnent le festival, notamment la mairie de St-Cannat, pour qui le festival et l’activité de Jazz Expression reste un enjeu culturel.

Thibaud Mennillo-Leportois 
© Ellen Bertet

Le vendredi 8 juillet, à 20h30, nous partons en voyage: Thibaud Mennillo-Leportois, petit-fils de Roger, par ailleurs ingénieur et gérant de société, a posé les doigts sur un clavier il y a 2 ans pour ne plus le lâcher. Disons quand même que le jazz a fait partie de son univers dès le premier biberon, distillé par ses deux amateurs de parents à la collection de disques impressionnante. Et tout est là, dans ce programme bien nommé «Spiritualité», dans cette première suite solo de 40 minutes où s’exprime une culture jazz protéiforme et très personnelle. Il livre un monde habité de multiples influences, où dominent Thelonious Monk et McCoy Tyner, mais aussi Bill Evans. Son programme se poursuit avec cette fois une pièce courte à l’ambiance africaine: jeu sur les cordes, double flûte qui imite les chants d’oiseaux. Le pianiste termine son set avec «One Day My Prince Will Come», porté par une grande expressivité. Intériorité, gravité, ressenti profond: on se doute que le grand-père Roger a été un guide déterminant dans le parcours musical du petit-fils, qui se définit lui même comme «pianiste de jazz moderne», et qui se projette déjà avec passion dans cette voie.

   

Kirk Lightsey (p), Piero Odorici (ts), Darryl Hall (b), Jerome Jennings (dm) © Ellen Bertet

George Cables, qu’on attendait en deuxième partie, a malheureusement été hospitalisé la veille du concert (à Paris, il a depuis pu rentrer dans son pays). C’est à une autre légende du clavier, Kirk Lightsey, que la providence trouvait libre ce soir-là, que revint la direction du quartet, aux côtés de Piero Odorici (ts), Daryl Hall (b) et Jerome Jennings (dm). Kirk Lightsey, qui porte ses 85 ans avec une vivacité et un brio plus que réjouissants, est paradoxalement plus connu comme accompagnateur, alors qu’il déploie en scène une aura et une présence «royale» qui en font un leader incontestable. Il possède une liberté d’expression sans limites, un sens du récit, et son sourire permanent témoigne d’une réelle joie de jouer, de partager. Piero Orodici, avec un son chaud et profond au sax ténor, se situe dans la lignée mélodique des Coltrane et Pharoah Sanders. Il a débuté le sax à 10 ans, et la liste de ses collaborations, de ses débuts professionnels avec Sal Nistico et Steve Grossman à Cedar Walton, Dee Dee Bridgewater, Cyrus Chestnut, Alvin Queen, Enrico Pieranunzi et Roberto Gatto… est aussi longue qu’éloquente! Il nous a gratifiés de belles impros, en parfait équilibre avec ses partenaires, dont Darryl Hall, qu’il côtoie depuis 2017.Darryl Hall, from Philadelphia, a choisi de se fixer en France, mais il reste très actif sur les circuits internationaux. Musicalement très proche des racines américaines, il possède un swing subtil mais affirmé, un jeu tout en nuances et très mélodique. Jerome Jennings, quoique rare en France, n’est pas un parfait inconnu: à 42 ans, chef résident de l’orchestre de la Juilliard School, compositeur, il a à son actif des collaborations avec, entre autres, Sonny Rollins, Wynton Marsalis, Christian McBride, The Mingus Big Band, Benny Golson… C’est un musicien engagé socialement dans la communauté afro-américaine, en cohérence avec un parcours musical très centré sur la tradition. Il a une présence sonore remarquable, d’une finesse et d’une variété de motifs impressionnants. C’est un quartet de «leaders» qui a ravi ce soir-là les spectateurs.

   

Laure Donnat, Cédrick Bec, Ugo Lemarchand © Ellen Bertet

Le samedi 9 juillet, le Quartet de Laure Donnat (voc), avec Ugo Lemarchand (p, ts), Lilian Bencini (b), Cédrick Bec (dm) ouvrait la soirée. Après sa relecture en 2010 de Billie Holiday, Laure Donnat continue d’explorer avec respect et bonheur le répertoire des grandes chanteuses américaines. Ce soir, elle évoque, avec une voix qui a gagné en puissance ou dont elle utilise plus la puissance au service de l’expression, Abbey Lincoln, une de ses influences majeures («Throw It Away»), Nina Simone (le très jouissif et déclamatoire «Four Women», appuyé par les mailloches de Cédric Beck), ou Janis Joplin, avec son «Ode au Capitalisme»! Bref des vocalistes de choc, fortes femmes, shouters aux profondes racines blues. Sur les traces de Roger, Ugo Lemarchand est également très impliqué dans l’association Jazz Expression, animant une grande partie des ateliers jazz. Il délaisse parfois le sax, son instrument de prédilection, pour évoquer au piano le jeu de Roger Mennillo («Séquence») avec maîtrise et sensibilité. Lilian Bencini (b), autodidacte, s’est fait rapidement un nom dans le monde du jazz. Il accompagne la chanteuse dans la vie, sur scène et sur disques, sur des projets en duo (Billie Holiday) et plus récemment sur le projet Voix Divines. Cédrick Bec (dm) a acquis très vite une notoriété nationale, et n’a cessé de multiplier les rencontres –de Ben Aronov, Archie Shepp à Wynton Marsalis– et les tournées qui l’on conduit jusqu’en Chine. Capable de se couler dans tous les styles et les formats, c’est un batteur léger, élégant et très efficace. Le quartet a conclu sur «My Foolish Heart», énergique à souhait.

 

   
 Jason Brown, Luke Sellick, Monty Alexander © Ellen Bertet

Pour la conclusion du Festival, le Monty Alexander Trio, avec Jason Brown (dm) et Luke Sellick (b) était de retour. Encore, me direz-vous! Mais oui. Si on ne compte plus les passages de Monty Alexander à St-Cannat –le dernier en 2017 au château de Beaupré–, le public ne boude jamais et revient toujours plus nombreux, sûr de passer une très bonne soirée, car le pianiste est là pour le plaisir du public et le bouche-à-oreille fonctionne toujours. Crinière et barbe blanches, toujours très classe en costard noir, il a naturellement dédié son concert à l’ami Roger Mennillo, disparu depuis son dernier passage, pour une prestation moins «éclectique» que lors de son dernier passage, plus recentrée sur la double culture jazz et jamaïcaine, dont il a une conscience aigüe et qu’il pratique avec un enthousiasme égal et un profond ressenti. Les deux courants ne luttent pas, ils se complètent pour donner naissance à un groove omniprésent, forgé par trois-quarts de siècle (son âge –pardon Monty!) passés devant un clavier! Pour témoins, ses disques Rasta Monket Harlem-Kingston Express, ponts culturels jetés de l’Atlantique Nord au golfe du Mexique! Le leader laisse volontiers la parole à ses partenaires, et c’est avec bonhommie qu’il quitte son siège et, inquisiteur ou amateur, les regarde jouer: Jason Brown a été l’élève de Billy Hart, tandis que Luke Sellick suivait l’enseignement de Ron Carter à la Juilliard; autant dire que la base est solide et dynamique! Et le leader peut donc à loisir développer ses improvisations, se laisser aller à sa fantaisie, du Steinway au mélodica, avec une énergie naturellement «renouvelable» avec «Skamento», «Love Notes» ou «No Woman, No Cry» qui chavire le public.    

Voici le scoop: au prochain concert à St-Cannat, Monty chantera! Son dernier album, Love Notes, un recueil de chansons romantiques accompagnées au piano, est sorti le 19 août!