Ils sont revenus à leurs premières amours! Après une année perturbée par un certain virus qui a imposé une session estivale (voir notre chronique de 2021->ancre) à un festival qui se joue depuis six ans les pieds dans la neige, la sympathique équipe de Jazz’Alp a réanimé l’hiver pour une édition qui a fait la part belle aux découvertes, y compris locales. Large sourire aux lèvres pour la petite équipe de Jazz’Alp à l’issue de la dernière soirée du festival. Les concerts de cette sixième édition ont presque tous fait le plein dans la salle du Chardon Bleu toute de bois vêtue. Adieu masques, ausweis et autres «solutions» hydroalcooliques. Place à la liberté d’écouter la note bleue dans de bonnes conditions grâce aux bons soins de bénévoles dévoué(e)s, grâce à un accueil chaleureux et grâce aussi à un ingénieur du son au-dessus de tout soupçon.

A L’Alpe-du-Grand-Serre, au sud du département de l’Isère, on est loin, très loin, des grosses machines festivalières de l’été. En témoigne l’attention portée au pays et à ses gens. Nous sommes ici en Matheysine, entre Trièves et Oisans. A deux pas de la métropole grenobloise, certes, mais quand même déjà ailleurs. Dans les Alpes; dans l’alpe; dans la montagne en somme. Hier encore, autour de La Mure, capitale de la région, les gueules noires extrayaient du sous-sol un anthracite de premier choix. Les exploitations ont fermé il y a vingt-cinq ans. Ne restent plus que quelques corons et autres chevalements pour dire le passé industriel et, surtout, une vitalité culturelle qui doit sans doute beaucoup aux anciennes solidarités ouvrières. A preuve, le dynamisme de l’enseignement musical. Hier, ces petites écoles rurales formaient le creuset qui alimentait les fanfares locales. Aujourd’hui, elles font naître nombre de petites (et de grandes!) formations que l’équipe, réunie autour de Gérard Duchamp, sémillant président du festival, tient à présenter le plus souvent possible en ouverture de soirée. Place aux amateurs. Aussi.

L’atelier jazz de l’école de musique de La Mure s’est ainsi associé à l'ensemble La Lyre de Bourg-d’Oisans pour assurer la première partie de l’ETC quintet le mercredi 9 mars. Sur le (petit!) plateau (et même parmi le public!), pas moins de vingt-deux musiciens! Et des bons! Moyenne d’âge? Trop compliquée à calculer! Mais de très jeunes adolescents côtoient sur scène des papys et des mamies! Pour le jazz, la relève est bel et bien là. Sous la houlette du saxophoniste Laurent Nyssen, un très joli travail d’ensemble, avec de somptueux arrangements autour de quelques ballades et gospels bien choisis.

En témoigne aussi la soirée de clôture, dont la première partie a été confiée à l’Afro Collectif Roizonne, une sympathique bande de fous furieux. Fous, surtout, de l’afro beat du batteur d’origine nigériane Tony Allen et de Fela Kuti. Eux viennent de la vallée tout à côté. Quelques milliers d’habitants tout au plus, une poignée d’éleveurs, une petite route qui serpente dans les alpages… Un caractère qu’a bien su saisir un mien ami, Emmanuel Breteau qui vient de publier sur ce petit pays un livre de photographies noir & blanc, magnifique! Derrière les montagnes (éditions Bizalion, Arles). Bref, une «alpinité» quasi-emblématique qui contraste fortement avec cette musique qui transpire l’Afrique par tous ses pores et qui ne rechigne d’ailleurs pas aux thèmes engagés («Colonial Mentality», «Water No Get Enemy») voire aux discours militants sur la ségrégation, l’exploitation du continent ou les ravages de la corruption. Percussions à gogo, une belle section de cuivres, une stratocaster qui sait faire des «cocottes» funky et la voix habitée d’Alizée Réant, tout était présent pour inciter à la danse si la salle n’était si… petite!

Murielle Souet, 6 mars 2022 © Pascal Kober

Autre belle surprise parmi les premières parties, le sextet Soleme dont Murielle Souet, la chanteuse et saxophoniste, est également… élue d’une petite commune des alentours. Sur scène, une instrumentation atypique sans aucune batterie. Au répertoire, des reprises de standards quelque peu transfigurés, comme cette version très lente du «Footprints» de Wayne Shorter, l’esprit presque latin de ce «Solar» de Miles Davis, ce touchant chorus de flûte de Marc Souet sur «Agua de Beber» ou encore un «Night and Day» joliment introduit a capella. La soirée se poursuivra avec Ultra Light Blazer, une formation qui mêle le rap à des rythmiques extrêmement complexes interprétées avec une belle précision mais, hélas!, à un volume sonore bien trop élevé pour le lieu…

Le lendemain, la trompettiste de Tatanka doit faire face à des problèmes de santé. Son trio est donc remplacé au pied levé par celui de… l’ingénieur du son du festival, Pascal Billot, qui outre son oreille attentive aux mixages, est également (très bon) saxophoniste et guitariste. D’ailleurs, comme son alto traîne toujours à ses côtés, la tradition à Jazz’Alp veut qu’il soit invité à venir faire le bœuf presque chaque soir! Ce lundi, c’est donc avec sa propre formation qu’il assure le concert. Le trio Barock (Pascal Billot et Michel Teyssier, g, Sergio Zamparo, fl voc) est issu de L’Artisterie, un collectif de musiciens qui avait magnifiquement accompagné notre confrère Robert Latxague au Jazz Club de Grenoble pour ses lectures de textes issus de son livre Tourments d’amour (éditions France Libris). Il propose là des compositions fines et délicates, subtilement dérangées par la gouaille et l’expressivité du chanteur, et ira même jusqu’à inviter sur les deux derniers rappels, Joris Loïodice, le jeune batteur du groupe qui assurait la première partie, Between Ukulélé, issu de l’école de musique de Vizille.

Relâche le lendemain, du moins côté musique vivante, avec la projection de Bird, le film que Clint Eastwood avait consacré en 1988 à la vie de Charlie Parker. Poignant, bien sûr, mais le confort des sièges ne se prête guère à 2h40 de projection… Le mercredi, l’ETC quintet, rend, quant à lui, hommage, dans son intitulé-même, à Charles Mingus, avec cette abréviation de «Eat That Chicken», un thème du grand contrebassiste. Oh Yeah! C’est d’ailleurs au hard bop que les musiciens se réfèrent dans leurs (excellentes!) compositions, doublées d’un travail époustouflant sur les arrangements, les interprétations et la qualité du son de chacun des instrumentistes. On retiendra notamment «58» écrit par Camille Virmoux, le contrebassiste, ou encore «Seul B», un blues signé par le saxophoniste Benoît Charguereau. Des thèmes originaux comme on aimerait en écouter plus souvent. Seul bémol: l’absence d’un chorus du contrebassiste dont je subodore qu’il aurait pu être très musical.

Je vous ai déjà dit, l’an passé, tout le bien que je pensais d’Olivier Chabasse, l’un des rares à jouer de l’étonnant Grand Stick Chapman. Il revient cette année mais dans une formation radicalement différente qui réunit autour de lui le batteur Joël Allouche et le saxophoniste Alain Debiossat, fondateur du groupe Sixun dans les années 1980. Même lorsqu’il n’y a pas le moindre instrument harmonique comme sur ce «Dolphin Dance» d’Herbie Hancock, quelle belle musicalité et quelle qualité d’écoute entre ces trois-là! Avec leur version de «Come Together» des Beatles, c’est comme si Marcus Miller s’était lui-même invité au concert…

Filip Verneert (g) et Gil Lachenal (b),

11 mars 2022 © Pascal Kober

Je ne saurai clore cette chronique sans évoquer le jazz de création du très européen Filip Verneert & Enrique Simón quartet. Le premier est belge et développe un jeu de guitare lyrique au son aussi moelleux que celui de son compatriote Philip Catherine. Le second est espagnol et enseigne le piano à Murcia quand il ne compose pas pour cette formation. Ils sont ici accompagnés par le batteur espagnol Pedro Vázquez ainsi que par Gil Lachenal, l’un des tous meilleurs contrebassistes français qui sait «groover» tout en faisant chanter sa «grand-mère». L’ensemble nous régalera ce soir-là d’arrangements très écrits (pas facile de faire jouer ensemble deux instruments aussi proches harmoniquement que la guitare et le piano) qui ne sont pas sans rappeler parfois l’art du contrepoint en musique classique mais sans jamais oublier la liberté de l’improvisation. Et quelles improvisations! Bref, une belle réussite à poursuivre avec l’écoute de leur premier album, Lucentum.

Enfin, il ne faut pas quitter l’Alpe-du-Grand-Serre sans souligner les nombreux à-côtés de Jazz’Alp, tout aussi riches que la programmation elle-même. Ainsi une centaine d’élèves des écoles du pays ont-il été invités à assister en matinée à une petite causerie musicale autour de l’histoire du jazz (essentielle en ces temps pétueux!) animée par Olivier Chabasse et le guitariste Jean-Philippe Watremez. Ainsi Raphaël Serfati a-t-il tenu tout au long du festival, un stand de livres, d’albums, de CDs autour de la note bleue et de numéros de Jazz Hot. Un libraire singulier qui a fondé il y a à peine quatre ans une librairie à Mens, petite commune de moins de 2000 habitants, dans laquelle il propose plusieurs dizaines d’ouvrages sur le jazz! Ainsi, enfin, de François Drapier, graveur, peintre et… trompettiste messin, qui a été invité chaque soir à venir dessiner les musiciens en direct et qui a pu exposer d’étonnants croquis saisis sur le vif. Belle alliance entre les arts du spectacle et les arts visuels qui laisse présager de sympathiques prolongements à Jazz’Alp. Longue vie à toute l’équipe (qui veut s’agrandir: contactez-les!). On se retrouve l’an prochain autour d’un murçon.

Herbie Hancock, Sanremo, 31 octobre 2019 © Umberto Germinale

Herbie Hancock et ses musiciens, Sanremo, 31 octobre 2019 © Umberto Germinale

Che dire di Herbie? Si è diviso tra pianoforte, varie tastiere, vocoder e keytar con la solita classe senza prevaricare i colleghi e, anzi, lasciando loro parecchio spazio prendendo esempio, anche in questo, dal suo grande mentore Miles Davis. E, in fondo, i percorsi dei due musicisti sono assimilabili nel loro passaggio da una musica impegnata a progetti maggiormente fruibili dal grande pubblico. Dopo avere eseguito alcuni brani nuovi Hancock ha regalato ai fans le composizioni che attendevano con ansia. Quindi "Chameleon", "Actual proof" e l'immancabile "Cantaloupe island" hanno riportato in auge gli anni 70 del progetto "Headhunters" col suo concentrato di suoni elettrici e funk a piene mani. Il genio di Hancock, dal rivoluzionario secondo quintetto di Miles in avanti, è fuori discussione ma la strada intrapresa negli ultimi decenni parla un linguaggio diverso da quello che molti appassionati, me compreso, auspicherebbero.

Però, sulla soglia degli 80 anni, il pianista di Chicago ha energia da vendere ed un notevole senso dello spettacolo. Oltre alla gratificazione per avere aperto le strade battute oggi dai succitati Glasper e compagnia il buon Herbie si gode le standing ovations tributategli dal suo fedele pubblico in giro per il mondo. Per chi cerca le nuove vie del pianismo jazz contemporaneo è giusto rivolgersi altrove.

OKYS

Commençons par la facette internationale. Othella Dallas(-Strozier), 94 ans, née à Memphis a reçu le 13_^e Swiss Jazz Award 2019 le 23 juin, jour où on a diffusé au cinéma Otello, le film d'Andres Bruetsch, What Is Luck?, qui lui est consacrée. Le 22 juin, elle a attiré du monde pour sa prestation en quartet dans du blues mais pas seulement («Route 66», «September Song»,...). Le 23 juin, à Piazza, suite de standards délivrée avec finesse de style par Fabrizio Cattaneo (tp), Alfredo Ferrario (cl) et Marco Raggi (ts) bien soutenu (g, b, dm). Pas moins swing, George Washingmachine (voc, vln) et David Blenkhorn (g) étaient soutenus par David Torkanowsky (p, inspiration débordante), Victor Nyberg (b) et Andreas Svendson (dm) à l'hôtel Castello-Seeschloss. Dernière prestation du groupe australien, the Syncopators, à Piazzetta, le 24, avec des remplaçants dont l'Allemand Herbert Christ (tp), dans un répertoire jazz classique. Et plaisir de réentendre «Absolutely Positively» de Jabbo Smith!

Répertoire très fouillé dans la veine rhythm’n’blues/rock’n’roll (Chuck Willis, Lonnie Johnson, etc.) par le groupe de Cat Lee King (p, voc), le 24 juin. Le combo est excellent avec un sax ténor hurleur, Mathias Luszpinski et une rythmique qui pulse: Stéphane Barral (b) et Simon Boyer (dm).
Le 25, c'est en trio que les Fats Boys ont joué à Piazza: Adriano Bassanini (tp, voc), Thomas Winteler (cl, ss), Brenno Boccadoro (p).
A l'hôtel Ascovilla, le 26, le seul groupe dans la pure tradition des anciens de la Nouvelle Orléans, l'International Jazz Band de Geoff Bull (tp, voc): Philippe de Smet (tb), John Defferary (cl), John Richardson (p), Luc van Hoeteghem (bjo, g), Bob Culverson (b), Thomas Young (dm, disciple de Sammy Penn): des thèmes qu'on ne joue plus ailleurs («When You and I Were Young, Maggie», «Dream» exposé au trombone, etc). Peu après, Ellen Birath (voc) offre un rhythm’n’blues sympathique (Solomon Burke, etc). Thomas L'Etienne (ts, cl) a introduit la chanteuse de Philadelphie, Monique Thomas. L'accompagnement était bon et on a remarqué la classe de Jan Luley (p) qui, en hommage à Dr. John, a chanté «Iko Iko», version Dixie Cups.
Le clou de ce domaine de la programmation a été le concert du 27 devant une foule subjuguée, du Monty Alexander Trio: Hassan J.J. Shakur (b) et Jason Brown (dm). Un début de programme typiquement Monty Alexander (swing, volubilité de jeu et changements de tempo) avec, notamment un long «The Story of the Hurricane». Puis, Monty Alexander a rendu hommage à Nat King Cole. 
Le 28, Al Copley (p, voc) s'est produit pour quelques initiés non indisposés par la chaleur. Le Dutch Swing College Jazz Band ne compte plus les membres d'origine, mais c'est toujours un répertoire dixieland joué on ne peut plus dixieland.

Leroy Jones, Ascona, 25 juin 2019 © Michel Laplace

Abordons la particularité fondatrice du festival que sont les artistes de New Orleans, conviés à Ascona. Leroy Jones, Jr. y est venu à partir de 1995. Pour l'accompagner, la formation d'Uli Wunner (cl, as) est excellente: Tom Kincaid (p), Karel Algoed (b), Frederick Van den Bergh (dm). Ce que Leroy a développé et qu'aujourd'hui une majorité néglige, c'est l'«individual code»: quatre notes suffisent pour l'identifier. C'est un Leroy Jones en grande forme qui s'est produit le 25 juin sur la scèneN«ew Orleans» («When You're Smiling», «Hindustan»,...). Puis c'est la remise à Leroy, par Nicolas Gilliet du «Ascona Jazz Award 2019», saluée par une courte fanfare jouée par Ashlin Parker à la tête de la Trumpet Mafia (Manolo, Michel, Annia, etc).
Le 27, la famille Masakowski, Steve (g) et ses enfants Sasha (voc) et Martin (b) ont proposé une musique délicate sur des thèmes connus («Basin Street Blues», «Exactly Like You», etc.). Quatre ans après son triomphe de 2015, le New Orleans Jazz Orchestra (NOJO) fut la colonne portante de cette édition. Le NOJO, cette fois sous la direction d'Adonis Rose, s'est aussi décliné en combos et en brass band. Dès le 22 juin, on put apprécier Leon «Kid Chocolate» Brown (tp, voc) au sein du NOJO, complété par Ricardo Pascal (ts), Viktor Atkins (p), Jason Steward (b) et Adonis Rose (dm) avec, pour certains titres, Steve Glenn (sousaph) et Nayo Jones (dm). C'est sous la direction de Leon Brown, trompettiste au son brillant (il joue une trompette King de 1934) que nous avons entendu un groupe funky à souhait: Michael Watson (tb, voc), David Torkanowsky (p), Amina Scott (b) et Gerald Watkins (dm).
Hommages à Harold Battiste et à Dr. John («The Monkey Speaks His Mind»). Nous retrouvons Michael Watson en quartet le 25, entouré d'Atkins, Amina Scott et Gerald Watkins. Chanteur agréable, Watson est un tromboniste qui a la même consistance de son qu'un Trummy Young.
Retour d'Adonis Rose, le 26, avec les mêmes que 4 jours plus tôt et Michael Watson en plus. Ce dernier a chanté un «Body and Soul» qui compte dans les meilleurs moments.
Devant une foule respectable, le big band complet s'est produit...sans Davell Crawford (annoncé), le 28 (Viktor Atkins, p). L'orchestre a un drive indiscutable: Barney Floyd (tp1, screamer), Leon Brown, Ashlin Parker qui a invité Laurent Dessaints et Francesca Zuriati (tp), Michael Watson (tb, voc), Terrence Taplin, Chris Butcher (tb), Jerome Ansari (as), Ricardo Pascal, Ed Peterson (ts), Travari Broone (bs), Amina Scott (b), Gerald Watkins en alternance avec le chef, Adonis Rose (dm), Alexey Marti (perc) et Steve Glenn dans la finale (tu). Le programme nous a fait voyager de Jelly Roll Morton à Michael Jackson. C'est l'autre clou du festival avec Monty Alexander!

L'innovation cette année fut la résidence du 23 au 29 juin, du trompette Ashlin Parker à l’Aula Magna du Collegio Papio. Ashlin qui a fêté ses 37 ans pendant le festival, le 21 juin, a amené avec lui sa «philosophie» Trumpet Mafia lancée en 2013: c'est le plaisir de se rencontrer, de partager et d’apprendre. En fait c'est comme une master class: mise en forme physique (pour une meilleur capacité respiratoire), les émissions de son soufflées (non attaquées) et le bend, travail rythmique, les riffs en progression d'accords (le blues), l'appel/réponse et l'appel/répétition, la «liminalité», la théorie musicale (la progression par quarte) et enseignement de thèmes («Li'l Liza Jane», «And Ain't My Fault») que Trumpet Mafia a joué en parade le 28, avec le TINOLA Brass Band local (+ Francesca Zuriati, tp).
La plus grosse parade donnée par Trumpet Mafia fut le 26 sous un soleil de plomb («Joe Avery's Tune»). Allant de 10 à 79 ans, les membres de cette Trumpet Mafia comptaient (avec un noyau stable et un turn over) Leon Brown, Manolo Maestrini, Aya Takazawa, Michel Laplace, Oscar Morandi, Tiziano Codoro, Adriano Bassanini, Jacques Rohner, Stany Andenmatten, Carlo Longo, Manuel Faivre, Laurent Dessants (également tp), les sousaphones Andrea Menghetti et Steve Glenn

C'est un groupe très swing qui a lancé cette mouture 2019, le Pat Giraud Reunion Quartet, à 13h45 sur la place, le 25 juillet. De la musique hot en pleine fournaise (41° à l'ombre): «Blues de la chauffe» (!) de Pat Giraud, «Exactly Like You», «Gee Baby», «The Cat» de Jimmy Smith, «When I'm Beginning to See the Light», «Sunny Side of the Street» (!), «Caravan» par Pat Giraud (org) disciple avoué de Jimmy Smith, Nicolas Peslier (g) parfois dans l'esprit de Wes Montgomery («Canadian Sunset»), Eric Jaccard (dm) et le grand retour à Marciac après douze ans d'absence de Michel Pastre (ts) toujours dans la lignée d'Illinois Jacquet (quel son!). Puis Olivier Temime (ts, ss) a joué les compositions ou les arrangements de John Coltrane («Summertime», «My Favorite Things») dans le style du quartet John Coltrane, en compagnie de Laurent Fickelson (p), Sylvain Romano (b), Philippe Soirat (dm). Enfin Jérôme Etcheberry (tp), devenu excellent chanteur –il ne copie personne–, a pris le relais en compagnie de David Blenkhorn (g), Raphaël Dever (b), Mourad Benhammou (dm). Du jazz de qualité («Sometimes I'm Happy», «Pennies From Heaven», «If I Could Be With You», «Linger Awhile», «September in the Rain»,...).

Wynton Marsalis, Veronica Swift, Walter Blanding, Marciac, 26 juillet 2019 © Michel Laplace

Le premier concert non pop, sous le chapiteau, s'est tenu le 26 juillet. Après une prestation du chanteur soul, Gregory Porter flanqué d'un sax tonique, Tivon Penniquott, un moment d'exception nous a été proposé par Wynton Marsalis en quartet augmenté de Veronica Swift (voc), une révélation. Le projet était la musique de Dizzy Gillespie et Charlie Parker. Promesse tenue. Parker est très assimilable, ce qui n'est pas le cas de Gillespie dont le propos n'était jamais prévisible et que peu sont parvenus à approcher dans sa complexité et originalité (c'est par le biais du courant Fats Navarro-Clifford Brown que la trompette bop a fait des petits). Wynton Marsalis a «marsalisé» Gillespie, sans trahison et loin de toute tentative de copie. Beau programme lancé par «Be Bop», thème typiquement gillespien et pas simple. Wynton Marsalis y a pris un solo très véloce et technique, et Veronica Swift a immédiatement séduit par un scat vivant, pas scolaire. Elle intervint dans le thème comme un instrument. C'est «Anthropology» qui suivit, introduit par Carlos Henriquez (b) et Veronica qui expose ensuite le thème en évoquant Sarah Vaughan. Beau solo de trompette avec sourdine bol, Veronica chante «How High the Moon» avec les contre-chants de Walter Blanding (ts), belle alternative entre Wynton Marsalis et Dan Nimmer (p) et retour au thème en scat. Veronica Swift (née en 1994) laisse ces messieurs interpréter «My Little Suede Shoes» exposé par Nimmer (le pont par Blanding). Admirable solo de Nimmer avec des lignes de basse d'Henriquez parfaites. Wynton Marsalis prend un solo avec la sourdine straight, pas bop, plus mélodique qu'harmonique avec quelques effets en growl. Après le bon solo de Blanding, il reprendra un court solo, suivi de celui du batteur Francesco Ciniglio. L'ensemble reprend le thème en coda (le pont par Henriquez). Blanding s'efface devant Veronica pour «Au Private» qui donnera lieu à un grand dialogue entre elle et Wynton Marsalis (avec la sourdine plunger). Retour à Gillespie avec «Dizzy Atmosphere» sans voix et exposé à l'unisson par trompette et sax ténor. Dialogue entre Marsalis et Blanding, bon solo grogné d'Henriquez. Veronica Swift donne une belle version d'«Embraceable You» (très proche de Sarah Vaughan dans le maniérisme vocal). Wynton Marsalis intervient en solo, superbe de musicalité. C'est un thème du pianiste Hod O'Brien (père de Veronica), «The Diffusion of Beauty» qui est exposé en scat. On y remarque les block chords de Dan Nimmer dans son solo. Sans chanteuse, le quartet se lance dans «Hot House» de Tadd Dameron exposé à l'unisson par les souffleurs. Son généreux de Walter Blanding au ténor dans son solo. Belle alternative contrebasse-batterie. Dans «Cherokee» lancé avec vivacité par la trompette, Veronica chante les paroles dans le style de Sarah Vaughan puis improvise en scat avec swing et inspiration. Wynton Marsalis prend un solo curieux comme il sait aussi faire et termine de façon abrupte. Un seul bis: «All the Things You Are»: Veronica Swift chante les paroles (beau soutien aux balais), Wynton Marsalis prend un solo très «vocal» avec le plunger, Blanding utilise pour la seule fois de la soirée le soprano, et Nimmer sollicite quelques block chords. C'est fini, et on reste sidéré par autant de talent! Gillespie et Parker ne pouvaient mieux espérer. L'un des meilleurs concerts du festival, si ce n'est le meilleur.

Isaiah Thompson, Sam Chess, Wynton Marsalis, Julian Lee, Alexa Tarantino,
Camille Thurman, Marciac, 30 juillet 2019 © Michel Laplace

Le deuxième concert de Wynton Marsalis s'est tenu le 30 juillet et fut d'une autre nature (compositions originales). L'instrumentation de ses Young Stars of Jazz s'y prêtant, on a retrouvé le son de ses septets des années 1990 («No Surrender»): outre Wynton Marsalis (tp), il y avait Sam Chess (tb), Alexa Tarantino (as, fl), Camille Thurman (ts, ss), Isaiah Thompson (p), Carlos Henriquez (b), T.J. Redick (dm). Julian Lee (ts) s'est ajouté à partir du quatrième morceau. Carlos Henriquez n'est pas un nouveau, sauf comme compositeur et il a là beaucoup contribué, notamment avec «Time to Wake Up» (introduction de contrebasse, bon solo d'alto, appel-réponse entre Chess et Marsalis avec le plunger), «Lost Rhythms of Our Soul» (belle alternative entre Wynton Marsalis et Alexa Tarantino à l'alto reprenant souvent les phrases du chef) et surtout «Moses on the Cross» qui sollicite la flûte et des passages chantés par les membres de l'orchestre (Wynton Marsalis y a pris un solo spectaculaire de drive). Wynton Marsalis a écrit «The Struggle to Become Aware» où T.J. Redick a pris un solo, mais surtout aussi Sam Chess (belle sonorité, discours bien construit, intensité allant crescendo) sur des lignes de basse parfaite. Le meilleur fut «Something About Belief» sur tempo lent, introduit par la rythmique (Redick aux balais). Le thème collectif (Lee, présent, ne joue pas) sonne ellingtonien. Isaiah Thompson a pris un solo sobre et swing, le passage d'alto et ténor (Tarantino et Thurman) est chantant, auquel s'ajoute un Sam Chess dans le style de Lawrence Brown. Suivent une alternative entre Tarantino (entre Johnny Hodges et Wes Anderson) et Wynton Marsalis (avec le plunger), un solo de Carlos Henriquez (son massif genre Mingus) et une vocalise de Camille Thurman. Superbe. Un seul bis, «Talk About You», où Chick Corea s'est joint au groupe (Isaiah Thompson, puis Chick Corea, puis quatre mains).

Nous avons maintenant une relève qui commence à se distancier de l'influence initiale de Wynton Marsalis (58 ans!). Le jeune Noé Codjia, 25 ans, a su séduire sur la place, le 2 août, par la qualité de sa sonorité et son sens des nuances au service de solos bien construits, équilibrés. Son phrasé est souvent véloce à la Leroy Jones: «Second Line/Bourbon Street Parade», «When I Grow Too Old to Dream». C'est à la Nouvelle Orléans, il y a trois ans, qu'il s'est fait des amis (buddies) qui constituent autour de lui ce Buddy Jazz Club 5tet: Nicolas Laroza (tb, voc), Camille Holzer (g), Nicolas Oustiakine (b, voc), Ophélie Luminati (dm). Le soir même, 2 août, c'est sous le chapiteau que Nicolas Gardel allait rejoindre les étoiles de la trompette. Il a œuvré à Marciac de nombreuses années (au Bis, à L'Astrada, et comme sideman sous le chapiteau). Pour cette prestation, il a choisi l'exigeant challenge du duo trompette et piano. Comme en 1928 entre Louis Armstrong et Earl Hines, on a trouvé la même virtuosité, souplesse et complicité artistique entre Nicolas Gardel et Rémi Panossian. Il a donné des morceaux originaux où il est puissant et lyrique («Dive With Me», «The Mirror»). L'atmosphère peut être sombre comme dans «EMY (Endless Memory of You)» (discrète influence classique). La recherche sur le son, sans excès, c'est par exemple le début ad lib d'«Amaterasu» où il place le pavillon au-dessus de la table d'harmonie du piano. Mais Nicolas Gardel, c'est surtout un son de trompette (charnu, chantant), un drive foudroyant, des facilités dans l'aigu et, par ailleurs, beaucoup d'inspiration dans l'improvisation, le tout convenant au jazz qu'il a délivré dans «I Fall in Love too Easily» (quelques growls, mais surtout virtuosité et swing), «I Got Rhythm» (Panossian a le même niveau et swingue), «Lean on Me» –intégrant «Things Ain't What They Used to Be»– (inflexions, drive et en coda, shakes vers l'aigu), «Caravan» et en bis «Autumn Leaves» (avec sourdine harmon). Le public copieux et réceptif leur a fait un triomphe.

Mozes, Nonnie et Stochelo Rosenberg, Marciac, 27 juillet 2019 © Michel Laplace

Sous le chapiteau, la guitare fut à l'honneur. Les trois premiers morceaux du spectacle de George Benson sont toujours les plus intéressants car ils rappellent le bon guitariste qu'il a été, sa sonorité personnelle est intacte (27/7). Avec la famille Rosenberg, on n'est jamais déçu. Au trio réduit à deux (Stochelo, g, Nonnie, b) fut ajouté en diverses combinaisons, du duo au quintet: Mozes Rosenberg (g, plus jeune frère de Stochelo), Johnny Rosenberg (g, voc) et Sani van Mullem (b). Le répertoire choisi est vaste allant de Django Reinhardt (2_^e bis: «Minor Swing») à Stochelo Rosenberg («For Sephora» en bossa) et Mozes Rosenberg («Mozology») en passant par Stevie Wonder. Les standards comme «Stomping at the Savoy» et «I Got Rhythm» sont «reinhardtisés». Stochelo (toujours en premier) et Mozes se relayent en solo. Johnny est strictement rythmique, mais il est aussi un bon crooner («The Old Fashion Way» de Charles Aznavour, «My One and Only Love», «I Got Rhythm» où il vocalise à l'unisson avec la guitare de Stochelo). Une soirée virtuose et swing (31 juillet). Le relais fut passé au RP Quartet qui avec un savoir-faire sympathique font (sur)vivre «la musique de Django» dans un répertoire qui va de Django («Nuages», «Blues en mineur», «Minor Swing») à John Coltrane (son arrangement de «Body and Soul», 1960; «Giant Steps»): Bastien Ribot (vln, disciple de Didier Lockwood), Edouard Pennes (g solo), Rémi Oswald (g), Damien Varaillon-Laborie (b) (1_^er août).

Au nombre des bonnes surprises, il y eut le Meeting quintet, passé en effectif complet le 30 juillet matin: Malo Mazurié (tp), Giacomo Smith (as, cl), Bastien Brison (p), Edouard Pennes (b), David Grebil (dm). Programme orienté swing avec deux souffleurs virtuoses: «You Do Something to Me», «When I Grow Too Old to Dream», «Can We Be Friends?», «Muskrat Ramble», «Kiss Me to Build a Dream On» (sans Mazurié), «I May Be Wrong But I Think You're Wonderful», «Liza», «New Orleans», etc. Le 6 août, nous retrouvons Mazurié, Pennes et Grebil (directeur artistique) dans le Gumbo quintet avec Pablo Campos (p) pour accompagner l'agréable Cecil L. Recchia dans des arrangements parfois inattendus de thèmes de la Nouvelle Orléans d'aujourd'hui («St. James Infirmary» sur tempo vif avec scat; «Bourbon Street Parade» à la Jamal).

En bref, Baptiste Herbin (as) s'est inspiré du disque Cannonball Adderley Quintet in Chicago (6/8, intéressante suite «Dis Here»/«Stars Fell on Alabama»/«Limehouse Blues», avec introduction à la Bobby Timmons de Simon Chivallon), Géraud Portal a restitué le son massif de contrebasse et les couleurs orchestrales de Charlie Mingus en quintet sans piano (6/8: Quentin Ghomari, tp -clarté à la Clarence Shaw, César Poirier, as lyrique et plus sage que Dolphy, Boris Blanchet, ts, Lucio Tomasi, dm: «Haitian Fight Song», la belle ballade «Self-Portrait in Three Colors»), Philippe Léogé a proposé en quintet l'ambiance Blue Note et d'Horace Silver avec Adrien Dumont (flh, lignée Art Farmer) (12/8: «Gregory Is Here» de Silver, «Driftin» d'Hancock, etc.) et c'est dans des compositions originales comme «Blueland» (de Gérard Poncin) et «La Route bleue» (Poncin-Cabrol) que Jean-Michel Cabrol (ts) a dévoilé un genre charnu à la Fats Theus (12/8).

Du côté world/pop/rock qui a un public, Orlando Poleo a présenté Laurent Maur (hca, disciple de Toots Thielemans) et Renaud Palisseaux (p, bon «Round Midnight», 5/8), Christian Scott (tp) dont l'ambition est de «redefine what this music means» a mis en vedette l'excellent Lawrence Fields (p) et l'impressionnant Max Mucha (b) dans «West of the West» (7/8), l'Australien Alex Stuart (g) a su mettre en valeur l'excellente sonorité d'Arno de Casanove (tp) aux côtés d'Irving Acao (ts, p) (12/8, «An Afternoon With Kiefer»)

Comme chaque année, c'est le Festival Bis qui clôt l'événement (14-15/8) et cette fois par du blues. Alexis Evans (g, voc), de Bordeaux, interprète ses compositions («Keep the Good Time in Your Mind», slow soul type sixties: «Come Home With Me»). Il chauffait l'assistance pour la prestation de Gladys Amoros (voc) excellemment entourée (Michel Foizon, g, Nico Wayne Toussaint, hca, Jean-Luc Fabre, b, Romain Gratalon, dm). Le moment de grâce fut lorsque Gladys Amoros a rendu hommage avec conviction à son idole Carrie Smith qu'elle a entendu dans la salle des fêtes de Marciac le 20 décembre 1997 («Smoke Like You»). La dernière prestation a donné lieu à un bœuf des deux groupes (Robin Magord, org, du groupe Alexis Evans, a des qualités) et les dernières notes sont «What a Wonderful World» (on peut rêver).

Toulon, Var

Jazz à Toulon, 30_^e Edition, du 19 au 28 juillet 2019

Yes, we can!!! La formule, quoique bien usée, pourrait être la devise de l’équipe du COFS qui faisait le pari, une certaine année ’89, de mettre sur pieds un festival de jazz entièrement gratuit, à deux pas des grandes machines de la Côte-d’Azur. Débuts discrets, mais la presse a vite fait de s’attacher à ce «Jazz is Toulon» devenu «Jazz à Toulon» qui se démarque par sa volonté d’ouverture au public le plus large sans céder aux effets de mode.

Et trente ans après, par l’addition de volonté et de bonnes volontés, d’engagement, de programmation de qualité, juillet respire encore le jazz, un jazz rassembleur et convivial qui remue l’amateur comme le passant curieux. La ville se prête au jeu, avec ses places qui trouent le lacis des ruelles du port; pas de problème pour les décors: une longue histoire a parsemé la vieille ville de façades idéales qui jouent avec la lumière, tandis que la grande scène du Mourillon s’offre l’horizon de la mer…

L’édition 2019 s’inscrit dans la continuité des 29 autres: donner à découvrir ce qui émerge de la scène jazz locale, nationale ou internationale, que ce soit à la marge ou in the tradition, faire voyager, enrichir, surprendre… Cette année, 17 groupes se partageaient la tâche, des animations ambulantes aux concerts de l’après-midi et du soir. Les tendances: du côté de la tradition revisitée, le public pouvait suivre dès le matin dans les travioles du port le quartet Swing Pocket Manouche pour une balade sur la piste de Django, ou s’offrir un petit détour par New Orleans en croisant l’Angel City Players de Michael Steinman sur un répertoire teinté de funk.
En point d’orgue de cette édition très spéciale, la soirée dédiée de l’hommage à Michel Petrucciani qui illumina de la plus belle des manières la première édition, il y a 30 ans… 

30_^e Jazz à Toulon, hommage à Michel Petrucciani: Stéphane Bernard, Louis et Philippe Petrucciani, Sylvain Ghio,
Jazz à Toulon, 28 juillet 2019 © Ellen Bertet

Roots encore, avec le trio Po’ Boys, groupe festif et local de trois compères fous de blues, qui nous en content l’histoire avec énergie par les voix de Claude Philip dit «Poupa Claudio» (voc, g), Didier Francisci dit «King Didou» (voc, hca), Philippe Thevenin dit «Daddy Yoggy» (perc).

Nostalgies. Le quartet Ananda Revival (Romain Thivolle, g; Geoffrey Nicolas, kbd; Jean-Christophe Gautier, b; Rudy Piccinelli, dm) est une fusion de générations réunies autour d’un projet, faire revivre le jazz électrique des années 1970, avec deux vieux routiers des circuits jazz et deux jeunes musiciens passionnés, tandis que Spirale trio tourne avec bonheur son regard vers un jazz acoustique inspirés des années 1980 avec Laurent Rossi (p), Philippe Brassoud (b), Jérôme Achat (dm).

Précédant l’hommage à Michel Petrucciani, le trio acoustique d’Alexis Tcholakian (Alexis Tcholakian, p; Lilian Bencini, b; Cedrick Bec, dm) délivre une musique fluide et apaisée, où se mêlent standards, thèmes de Michel Petrucciani et ses compositions personnelles, que l’on retouvera sur le volume 2 d’Inner Voice, un enregistrement qui sort en septembre prochain.

Les concerts du soir ont, comme à l’habitude, fait quelques détours par l’Afrique, la terre ancestrale, mais aussi par l’Amérique latine, l’Europe et les Etats-Unis, avec la mauvaise surprise (à Toulon, la pluie est rare) d’avoir eu à annuler le concert de Kenny Garrett le 27 juillet… Petit rappel de ce tour du monde:

Le 19 juillet, pas de jazz sans l’Afrique! le retour aux sources est assuré par Manu Dibango qui, à 85 ans, guide toujours l’afro-jazz à la tête de son Soul Makossa Gang, avec en special guest Manou Gallo, ex bassiste de Zap Mama. Energie et partage restent les leitmotiv de Papa Groove, qui poursuit son chemin de passeur infatigable entre l’Afrique, l’Europe et les USA.

Le 20 juillet, sur un autre versant de la mixité musicale, l’Afro Blue Project du chanteur et compositeur britannique Randolph Matthews est à la fois héritier de la soul, du jazz new orleans et du blues contemporain électrique. Avec une forte personnalité scénique, Randolph Matthews joue de sa voix et de son corps avec une gestuelle, un scat et des vocalises qui évoquent fortement Bobby McFerrin.

Le 22 juillet, le tour du monde se poursuit et on aborde le continent du jazz latin, avec le pianiste franco-péruvien et enfant de Toulon Manu Guerrero. Longtemps sideman de vedettes de la variété française, il se tourne avec bonheur vers le jazz avec son dernier album Nuevo Mundo.

Le 23 juillet, à un peu moins de 30 ans, la chanteuse franco-brésilienne Agathe Iracema a déjà une longue expérience de la scène, elle écrit ses thèmes et dirige son groupe depuis 2011. Ses atouts sont nombreux et indéniables: une voix naturelle et tonique, un vrai feeling et une facilité d’expression aussi bien dans le jazz que sur les bossas, ses deux cultures.

Le 24 juillet, Django toujours, qui fut un familier des places toulonnaises, sous les doigts du surprenant trio de Théo Ceccaldi (vln), Valentin Ceccaldi (cello) et Guillaume Aknine (g). Victoire de la musique 2017, Théo Ceccaldi réunit des influences très diverses, classique, jazz, musique improvisée et jusqu’au rock, pour une musique très travaillée, baroque et exubérante. Une création aux divagations réjouissantes.

Le 25 juillet, cross over jazz-classique avec la belle rencontre entre le quintet de Riccardo del Fra et l’Orchestre Symphonique de l’Opéra de Toulon. Rencontre improvisée, mais pas un territoire étranger pour Riccardo qui, issu du conservatoire, a gardé des liens avec le monde du classique tout au long de sa carrière dans le jazz.

Le 26 juillet, Tony Allen, pionnier et prophète de l’afro-beat, illustre un troisième volet de cette capacité à s’imprégner de cultures pour en extraire un élixir personnel. Après un parcours dans le funk, Tony Allen revient à un jazz cuivré avec son dernier disque, The Source, en hommage à Lester Bowie et Charlie Mingus.

Louis et Philippe Petrucciani, Jazz à Toulon, 2019 © Ellen Bertet


Nous nous sommes concentrés sur l’événement de la 30_^e saison de Jazz à Toulon qui se clôt sur le concert «coup de cœur», l’hommage à Michel Petrucciani, porté par ses deux frères Philippe (g) et Louis (b), et le quintet composé de Stéphane Bernard (p), Sylvain Rifflet (s), Olivier Miconi (tp), Mathias Allamane (b) et Sylvain Ghio (dm), dont certains anciens élèves des workshops des années 1990. Cette rencontre unique, préparée pour le festival, était un double anniversaire: celui de la venue de Michel Petrucciani à Toulon lors de la création en 1989, et un autre, plus triste, celui des 20 ans de la disparition du pianiste en 1999.

Pour évoquer la carrière musicale de leur frère, Philippe et Louis Petrucciani se présentent en scène, seuls, Louis d’abord pour un solo de contrebasse, puis Philippe à la guitare pour un «Brazilian Like» tout en nuances, porteur de souvenirs. Le quintet les rejoint et les suit sur quelques thèmes, puis occupe seul la scène faire revivre le répertoire de Michel Petrucciani. Les «jeunes» ont avancé dans la vie et dans l’expression, mais ont en commun une solide culture jazz: Olivier Miconi (tp) a été aperçu dans le Mojo Workin’ Band, une fanfare jazz aux accents caribbéens, et dans l’Attica Blues Big Band d’Archie Shepp. Sylvain Rifflet, titulaire d’un Django d’Or, ne compte plus les expériences et les incursions dans la musique expérimentale, sinon minimaliste. Mathias Allamane est un multi-instrumentiste et sideman recherché pour son adaptabilité, bassiste préféré d’Eric Legnini. Sylvain Ghio, batteur et percussionniste virtuose, d’une musicalité assez étonnante, complète la rythmique. Le rôle principal a été confié à Stéphane Bernard, dont le jeu, resté dans la ligne d’un jazz classique, précis et volubile, se prête idéalement à l’évocation du pianiste disparu.

Ce fut un hommage, parfois grave mais sans tristesse, sans contrainte non plus, chacun prenant sa part de liberté autour des thèmes de ou immortalisé par Michel Petrucciani : «Training», «Estate» ou «100 Hearts»… Tout le monde se rassemble autour de Philippe et Louis Petrucciani sur «A Little Piece in C for You» pour un final généreux, joyeux et très applaudi.

Une conclusion très émouvante pour cette édition-anniversaire de Jazz à Toulon: en ces temps où la culture et la mémoire ne pèsent plus très lourd dans la vision de technocrates mercantiles, et où «gratuit» sonne comme un blasphème ou un label de médiocrité, Jazz à Toulon renverse les préjugés, et reste une respiration essentielle, une exception culturelle à la française qui démontre que Yes, we can!!!

 Ellen Bertet
Texte et photos

Le festival fut lancé par un concert gratuit, le 17 juillet, qui rassembla un vaste public. Le lieu symbolique du Parvis des Archives et Bibliothèque Gaston-Defferre s’est transformé en un espace festif parfait pour accueillir un plateau aux multiples langages allant du groupe Delgrès, du duo de Mino Cinelu (perc)/Nils Petter Molvaer (tp) pour se terminer en beauté avec la rencontre du groupe Papanosh qui accueillait Roy Nathanson (s, voc) et Napoleon Maddox (voc).

Se voulant ancré dans un courant moderne, ouvert aux influences des musiques actuelles et du monde, l’esprit du festival était symbolisé par la carte blanche offerte à l’accordéoniste Vincent Peirani, le 18 juillet, qui combinait un riche mariage entre le jazz et des thèmes de différents pays servis par un plateau international avec le pianiste cubain, Harold Lopez Nussa, le batteur italien, Michele Rabia, le saxophoniste syrien, Basel Rajoub, le guitariste norvégien Elvin Aarset, soutenus par Vincent Segal (cello, b), Ballaké Sissoko (kora) et Stéphane Huchard (dm). Avec simplicité et talent, l’accordéoniste,  a rempli son contrat en nous faisant voyager de l’Italie au Mali, en passant par le Brésil, la Serbie ou encore les terres celtiques. Sur la Corniche, dans le cadre à l'antique du Théâtre Sylvain, cette création trouva le lieu idéal pour recevoir une véritable ovation.

Thomas Dutronc (g) et ses Esprits Manouches, le 19 juillet, et Chilly Gonzales (p, voc), le 20 juillet –concerts complets– firent aussi vibrer les gradins où un public de tous âges et très enthousiaste partagea son plaisir.

Les toits du Mucem et du Fort St-Jean ont accueilli, le 21 juillet, en front de mer, les prochaines escales offertes par Samy Thiebault (ts) avec son nouveau projet Caribbean Stories, le trio d’Omri Mor (p), le duo d’Elia Duni (voc) et Rob Luft (g) et un final flamboyant du Donny McCaslin (ts) Quintet qui revisitait son nouvel album, Blow.

Le 22 juillet, pour le retour sur la grande scène des Jardins du Palais Longchamp, le festival fit le pari de remonter sa production Marius et Fanny, un opéra jazz à partir de l’œuvre de Marcel Pagnol, dont la musique a été composée par Vladimir Cosma, où brilla un tonique big band autour des voix de d’Hugh Coltman, Irina Baïant, André Minvielle, The Voice Messengers et du conteur Tom Novembre.

Le 23 juillet, en lever de rideau du splendide Marcus Miller, le jeune chanteur José James rendit hommage à Bill Withers dans un rhythm’n’blues lorgnant vers le rap; à signaler, le guitariste Marcus Machado évoquant l’âme de Jimi Hendrix.
Marcus Miller (eb), comme à son habitude, fut brillant et proposa l’intégrale de son Laid Black Tour 2019 évoquant aussi l’esprit de Miles Davis avec la reprise de «Bitches Brew». Un grand groupe de funk/rhythm’n’blues au service d’un son moderne où chacun des musiciens eut son moment de gloire.

La soirée du 24 juillet célébrait les 20 ans de la Cie Nine Spirit, dirigée par Raphaël Imbert (s) et présenta la continuité de leur travail aux racines du blues avec comme invité spécial le guitariste-chanteur Eric Bibb. Le gâteau d’anniversaire fut à la hauteur de ses espérances.
Autre tradition, plus proche du rock, The Good, the Bad and the Queen, animé entre autres par Damon Albarn (chanteur de Gorillaz) emprunta des formes inédites pour célébrer leur dernier album Merrie Land et offrir une version riche et bigarrée notamment avec l’apport du batteur Tony Allen.

Le voyage continua, le 25 juillet, avec le septet du guitariste Juan Carmona qui chauffa l’atmosphère dans l’attente du magnifique Chucho Valdés.

Le pianiste cubain, habitué du festival proposait son projet Jazz Bata véritable machine rythmique des traditions cubaines ou chacun des percussionnistes nous enivra de sa folie. En grand maître de cérémonie et avec un talent inégalé, Chucho Valdés invita Yilan Cañizares (vln) et Kenny Garrett (ss, ts) qui chacun excellèrent sur des tempos dansant et festifs. Autre invitée de marque pour deux titres, la légendaire chanteuse Omara Portuondo dont le charme opère toujours et qui, avec son «Besame Mucho», fit lever le public. Chucho Valdés évoqua aussi la musique de son ami Michel Legrand, avec lequel il avait partagé en duo cette même scène et «tous les moulins de nos cœurs» firent des grandes envolées. Chucho Valdés a sans doute donné ce soir-là l’un de ses meilleurs concerts depuis son époque d’Irakere.

Le 26 juillet, changement d’atmosphère avec un plateau entièrement composé par John Zorn (as) qui présenta 33 musiciens répartis en une douzaine de formations et/ou solistes qui gravitent autour de sa planète musicale. Le projet baptisé Bagatelles Marathon (petite forme musicale dans la musique classique) est devenu motif à démontrer que les musiques, même dites ardues, peuvent se jouer devant un large public. Les différentes formules, dont certaines purent paraître difficiles, remportèrent l’adhésion du public qui pour ce marathon musical eut l’occasion d’être assis.

Et c’est une soirée féminine qui clôtura cette 20_^e édition, le 27 juillet. Sous un ciel menaçant, Fiona Monbet, jeune virtuose du violon, subjugua le public dans un répertoire issu de son nouvel album Contrebande. De tradition plus classique, elle rejoint l’esprit de ses maîtres, notamment Didier Lockwood. Son jeune quartet est à suivre.

Melody Gardot, toujours classe, nous offrit une version plus acoustique de son Live in Europe. A ses côtés, outre le violoncelle Artyom Manukyan renforcé d’un trio de violonistes arméniens qui donnèrent une couleur particulière au répertoire, le guitariste Longue Mitchell apporta une grande liberté. La soirée était parfaite jusqu’au moment où hélas le concert, sous la pluie, dut s‘interrompre.

OKYS

Jazz in Langourla, 2-4 août 2019

Langourla est un charmant petit village, de 500 habitants aujourd’hui, niché au cœur de la Bretagne et du Mené dont l’existence remonte sous ce nom à l’an 1000. Il existe depuis peu un regroupement de plusieurs villages, la commune nouvelle du Mené. Non loin de la forêt légendaire de Brocéliande (au sud-est), sa principale activité reste l’agriculture, et sa population vit d’abord de l’agriculture et de l’industrie agro-alimentaire.
Autour de la Mairie, de l’Eglise St-Pierre, de l’ancienne Tour St-Eutrope (XIIIe siècle) et du Café Le Narguilé, à l’origine du festival, se démène depuis plus de 20 ans, une équipe de bénévoles animée avec constance et conviction par Marie-Hélène Buron et Gildas Le Floch. Elle a donné vie à l’un des principaux événements jazzique de Bretagne, Jazz in Langourla qui en est à sa 24e édition cette année. Le jazz déborde aujourd’hui le cadre du seul festival de Langourla, car la solidarité des communes, des édiles des différents échelons administratifs et des habitants du Mené a permis de créer un engouement pour le jazz au pays du Mené, du 26 juillet au 9 août 2019, dont Jazz in Langourla est le temps fort. Il existe plusieurs associations, au-delà de l’équipe de Jazz in Langourla pour assumer tous les besoins de l’ensemble des activités culturelles de ce petit coin de paradis, en particulier une pour la logistique économique et matérielle (Office de développement culturel du Mené), une pour la restauration, etc. Tout ce beau monde, bénévole pour la quasi-totalité, s’agite pour donner à la vie locale un supplément d’âme, de convivialité, dans une atmosphère apaisée. Là, réside la performance car beaucoup d’entités interviennent en harmonie.
On comprend mieux alors la réussite de cet événement et la création du spectaculaire cadre champêtre du festival, à 300m de la Mairie, une ancienne carrière en amphithéâtre à côté d’un petit lac, aujourd’hui couverte qui permet le bon déroulement quels que soient les caprices d’un climat, clément au demeurant le plus souvent dans cette plaisante contrée.
Enfin, la dernière particularité de ce cœur de Bretagne, est la présence non négligeable d’une population d’adoption, anglaise principalement, et pas seulement de retraités. Il n’est pas rare d’entendre l’accent d’outre-manche se mêler aux conversations ordinaires des festivaliers au Narguilé, le bar-épicerie qui anime le village, le point chaud des after hours qui se prolongent chaque soir jusqu’à 3h du matin et plus si affinités, avec comme maître de cérémonie, Patrick, l’hôte idéal de ces fins de nuit parce qu’il garde l’esprit et son calme dans un lieu qui ressemble à la cabine des Marx Brothers dans Une Nuit à l’Opera. Cette année, les Belmondo boys comme l’orchestre de Raul De Souza et la formation de Claire Michael s’en sont donnés jusqu’à plus soif dans la jam animée avec talent par le trio de Dexter Goldberg. Nous n’avons pas assisté à la dernière soirée avec la formation Les Doigts de l’homme, et dont le point d’orgue était le concert avec Alain Jean-Marie et Sara Lazarus (Gilles Naturel, b; Philippe Soirat, dm); nul doute que la fête s’est prolongée tard dans la nuit en conclusion de cette édition.

Le Narguilé est aussi le lieu où les deux premiers jours se déroule le tremplin du jazz, une confrontation entre quatre groupes dont l’heureux élu inaugurera en 2020 la prochaine édition, comme ce fut le cas cette année pour l’excellent groupe Ultra Renard (Lucas Robin, vln; Morgan Bonnot, g; Priscilla Popiolek, g; Benjamin Clément,b) au milieu du village du Festival, en ouverture de cette 24^e édition: au menu, le répertoire de Django Reinhardt intelligemment modernisé de «Nuages» à «Place de Brouckère» parmi d’autres classiques, des standards du jazz comme «Honeysuckle Rose», et, très réussi, un «Fable of Faubus» de Charles Mingus. Une découverte!

Pour le premier soir, c’est Sébastien Giniaux (g), l’animateur de la master class, et Cherif Soumano (kora) qui ont inauguré la grande scène d’une carrière bien remplie (la capacité est d’environ 500 à 1000 personnes selon les besoins) dans un duo intitulé «African Variations». Si ces deux musiciens, en particulier Cherif Soumano, sont des virtuoses de leur instrument, ce fut très long à notre goût en raison d’une volonté de démonstration technique, au détriment de la musicalité, qui n’a pas sa place dans un festival de jazz.

Belmondo Quintet: Eric Legnini, Sylvain Romano, Stéphane et Lionel Belmondo, Tony Rabeson,
Langourla, 2 août 2019  © Yves Sportis

Le lendemain, c’est le trio vocal, La Vie en rose (Virginie Coutin, perc; Marie Mercier, p; Sophie Druais, b) qui ouvrit le bal en fin d’après-midi au centre du village du festival, dans un registre chanson jazzy. Le public apprécia une prestation pleine d’énergie et d’humour.

Claire Michael ouvrit la soirée sur la grande scène, avec une musique très écrite avec son compagnon de longue date, Jean-Michel Vallet, p. La matière se présente comme inspirée, encore une fois par John Coltrane, brillamment soutenue par un bassiste électrique de talent, Patrick Chartol, et un splendide batteur, Isaias Zaza Desiderio. En fait, malgré une sonorité de saxophones (Claire joue de tous les saxophones, de la flûte et chante ou vocalise) qui évoque le John Coltrane de l’album Crescent, les compositions et l’esprit font plutôt penser à un autre descendant de «saint John», Pharoah Sanders, bien plus qu’à Wayne Shorter revendiqué dans le programme. Claire Michael présentait à Langourla son nouveau projet, un ensemble de pièces courtes, modales, qui misent sur l’intensité du son, l’écriture soignée, les atmosphères. La puissance de la première inspiration fait place à une légèreté aérienne de ton à peu près générale («Vers la lumière», «Ce que c’est que l’amour», un complexe «Harpégic», «So Beautiful, So Lovely», «Mystical Way»), avec , changement de climat, un intense «Dream», où l’introduction et la conclusion laissent entendre la voix et le discours de Martin Luther King dans son fameux discours, et où Zaza Desiderio a offert un chorus exceptionnel soutenu par Patrick Chartol sur l’ostinato de «A Love Supreme» de Coltrane. Il parvient à faire chanter sa basse électrique. «La Mésange» fut la conclusion triste en référence au 13 novembre 2015… A noter un «Giant Steps», curieusement mis en place, pour rappeler au milieu de ce projet l’inspiration essentielle d’une bonne saxophoniste, originale et intègre dans son art. Sans doute en raison de la nouveauté et du caractère écrit, certaines parties ont paru parfois rigides sur le plan de l’expression; nul doute qu’avec le temps, la musique va mûrir et se libérer.

Raul De Souza, Mauro Martins, Langourla, 3 août 2019  © Yves Sportis

La seconde partie fut, pour nous, le moment le plus musical de cette édition, le plus naturel aussi et d’une certaine manière le plus hot au plan de l’expression, avec la légende brésilienne, le tromboniste Raul De Souza, qui a côtoyé le gotha de la musique brésilienne, mais aussi nombre de musiciens de jazz dont Sonny Rollins (Nucleus, Milestone). Aujourd’hui à plus de 85 ans (1934), il possède si intimement son art qu’il n’a besoin ni de pupitres, ni de partitions –un plaisir pour les photographes et une liberté pour la musique– pour se lancer corps et âme dans son expression, entouré par d’excellents musiciens, tout aussi naturels: Glauco Sölter (elecb), qui danse de la première à la dernière seconde, joue le maître de cérémonie, présente en français avec un sourire éclatant. Il y a encore un batteur puissant et pourtant délicat, possédant un bon drive, Mauro Martins (il vit en Allemagne aux côtés de sa compagne, chanteuse lyrique). Il y a enfin un brillant Leo Montana (p), qui apporte son inventivité et sa virtuosité. Tous démontrent par leur cohésion autour de Raul et par de passionnants chorus, que cette musique et ces musiciens sont portés par une âme, un inconscient collectif.

Leo Montana, Mauro Martins, Raul De Souza, Glauco Sölter, Langourla, 3 août 2019  © Yves Sportis

Raul De Souza est un excellent tromboniste (trombone basse), doué d’une sonorité veloutée et puissante, d’une dynamique exceptionnelle sur ce gros instrument, d’une musicalité très brésilienne –il fait chanter et danser ses notes. Il a choisi de faire la synthèse entre la musique brésilienne de ses racines et une manière très jazz, voire de faire danser la musique de Thelonious Monk («Well You Needn’t»). A l’occasion au saxophone ténor, il intensifie son message sur «Equinox» de John Coltrane, avant de revenir au trombone, moment que choisirent Claire Michael et Zaza Desiderio pour le rejoindre sur scène pour une conclusion très chaude et joyeuse de cette belle soirée.
Raul De Souza nous a gratifiés de près de deux heures de musique avec une énergie que ne laissait pas soupçonner son grand âge: commencé par «Vila Mariana», le thème dansant qui inaugure Blue Voyage, le récent enregistrement de Raul (Selo Sesc 0119/18), le concert a non seulement évoqué le disque mais aussi débordé ce répertoire avec «Rio Loco», «Violão Quebrado», «Saudade do Frank», un bel hommage à Frank Rosolino, le virtuose du trombone disparu, ami de longue date de Raul, avec encore «Bossa Eterna», un thème de João Donato, tous enregistrés sur le précédent opus Brazilian Samba Jazz (2016). Il y a eu également un «Céu E Mar» de Johnny Alf et un grand chorus de trombone de Raul sur ce thème, puis « A Vontade Mesmo», avec une manière très jazz d’aborder le répertoire brésilien, même si musique et musiciens ne cessent de danser.
Autour de Raul, le talent, la prévenance, les sourires et la complicité des musiciens de son orchestre ont apporté à l’ensemble de la soirée un bon état d’esprit, le public faisant une standing ovation pour la générosité de Raul, de l’ensemble des musiciens et pour une musique qui a fait danser les étoiles.

Jam in Langourla, Le Narguilé: 1/ Claire Michael, s; Zaza Desiderio, dm; Mauro Martins, b; Dexter Goldberg, p -
2/ Mauro Martins, dm; Glauco Sölter, b; Leo Montana, p, Langourla, 3 août 2019 © Yves Sportis

L’after hours, sans Raul qui récupérait de son concert, n’a pas manqué de piquant, et c’est encore à 3h du matin que musiciens et amateurs ont posé instruments et verres au Narguilé, après que Mauro (qui alterna la batterie et la basse), Glauco, Zaza, Claire, Leo, Dexter, Jean-Michel, Patrick, et beaucoup d’autres, venu(e)s faire la jam, aient gentiment enflammé une longue nuit de convivialité jazzique au pays des druides.

La suite, le dimanche, se passa sans nous, mais nul doute que Jazz in Langourla a poursuivi la fête pour le plus grand plaisir de tous. L’an prochain, c’est le quart de siècle, un important anniversaire en perspective, et on attend déjà ce que vont concocter Marie-Hélène, Gildas et leurs complices pour cette édition spéciale…

Yves Sportis
texte et photos

 

Joey DeFrancesco (ts), Troy Roberts (b), Ystad, 1er août 2019 © Jérôme Partage

     Mathias Algotsson (p), Claes Brodda (ts), Karl Olandersson (tp), Anders Norell (tb), Ronnie Gardiner (dm),
Claes Askelöf (eg), Ystad, 2 août 2019 © Jérôme Partage

Richard Galliano (acc) et Paolo Fresu (tp), Ystad, 2 août 2019 © Jérôme Partage

Joakim Milder (lead), Benny Golson (ts), Håkan Broström (as, à droite) et le Norrbotten Big Band, Ystad, 3 août 2019 © Jérôme Partage

Benny Golson (ts), Ystad, 3 août 2019 © Jérôme Partage

Anke Helfrich (ep), Lisa Wulff (b), Dorota Piotrowska (dm), Caecilie Norby (voc), 
Hildegunn Øiseth (tp), Nicole Johänntgen (ts), Ystad, 3 août 2019 © Jérôme Partage

La dernière journée du festival, le 4 août, a démarré tôt, à 9h, dans l'abbaye d’Ystad, construite au XIII_^e siècle. Nicole Johänntgen (ts, Jazz Hot n°675) nous y avait en effet donné rendez-vous pour une performance en solo à laquelle l’ambiance introspective des lieux se prêtait fort bien. Ce fut un concert donné d’un trait, soit une improvisation continue (avec un thème récurrent) d’une trentaine de minutes. Une méditation à la frontière entre le jazz et la musique répétitive de Philip Glass, compositeur contemporain américain.

Jill Johnson (voc) et le Monday Night Big Band, Södve, 4 août 2019 © Jérôme Partage

Omar Sosa (p), Geir Lysne (lead, de dos) et le NDR Bigband, Ystad, 4 août 2019 © Jérôme Partage

Luigi Grasso (bcl), Ystad, 4 août 2019 © Jérôme Partage

Mais le 10_^e festival d’Ystad nous avait réservé un final très réussi, au théâtre. A 18h, Omar Sosa (p, ep), accompagné de sa rythmique cubaine, interprétait ses propres compositions provenant de ses différents albums. Il recevait pour cela le renfort du NDR Bigband, une véritable institution issue de la radio publique NDR basée à Hambourg. Depuis 2016, l’orchestre est dirigé par le Norvégien Geir Lysne (s, fl, comp, arr). Nous avons par ailleurs eu la (bonne) surprise de reconnaître au sein de la section des saxophones le talentueux Luigi Grasso (bar, bcl, Jazz Hot n°675) qui a récemment quitté Paris pour s’installer à Hambourg, après avoir intégré le big band. De fait, le NDR Bigband est un ensemble de haut niveau et se situe un cran au-dessus des autres big bands entendus durant la semaine, tant par la qualité de ses solistes que par son intensité orchestrale. L’alliage avec Omar Sosa a ainsi fort bien fonctionné, le big band fournissant puissance et ampleur à la musique du Cubain, lequel y amenait sa pulsation singulière.

Jazz à l’Amirauté 2019, les mardis de juillet et d’août

On ne présente plus la charmante station balnéaire des Côtes-d’Armor (cf. nos précédents comptes rendus) à l'extrémité ouest de cette très belle côte d’Emeraude, où se déroule depuis plus de vingt ans (24^e édition), un festival de jazz sans concession commerciale, dans un parc très début de XXe siècle, avec des essences rares et un club de tennis, encore en terre battue, au centre duquel se trouve le château de l’Amiral qui fut le donateur de l’ensemble à la collectivité et qui a donné son nom à ce festival.
Sous les très grands pins (essences rares) qui l’entourent, la scène se donne des allures de pinède (suivez mon regard!) et le jazz qui est proposé à une assistance fort nombreuse (au delà de 1000 spectateurs chaque soir) rappelle qu’il est toujours possible de réunir un large public non spécialiste et populaire en programmant du jazz, du vrai, qui tire ses racines de la longue histoire d’amour que la France entretient avec cette musique venue du fond de l’Amérique.
L’originalité de ce festival, outre sa gratuité, est de réunir, tous les mardis des mois de juillet et d’août dans un cadre parfait, autant par son confort que pour l’écoute, amateurs de jazz, autochtones, public en vacances et musiciens de jazz, avec autant de plaisir pour les uns que pour les autres. Les conditions techniques sont aussi réunies (accueil, éclairage et son) pour parfaire cet événement.
On doit cette réussite qui dure maintenant depuis près d’un quart de siècle à une association, Jazz à l'Amirauté, d’une trentaine de bénévoles, tout aussi sympathiques, accueillants et efficaces les uns que les autres, une équipe que le responsable Elie Guilmoto anime avec doigté et avec le sourire. Ici, la convivialité est le maître-mot: donc pas de gros bras, de file d’attente, de tensions et de VIP. Tout concourt à faire de la soirée un pur moment de jazz et de plaisir partagé; les enfants (4 à 8 ans) ayant le privilège d’assister au concert au premier rang, et apprenant ainsi, année après année, l’attention, l’écoute de la musique en toute simplicité. Ça fonctionne sans problème. Cette année, les commerçants se sont davantage impliqués dans le festival, et le résultat en est une meilleure visibilité dans la cité, le personnel de plusieurs établissements partenaires arborant le tee-shirt aux couleurs du festival.

Festival Jazz à l'Amirauté 2019, le trio Philippe Duchemin invite Carl Schlosser © Yves Sportis

Ce mardi 30 juillet 2019, nous avons assisté à la soirée dévolue au président d’honneur du festival depuis de nombreuses années, le pianiste Philippe Duchemin, qui a toujours le souci de renouveler ses formules, ses formations, et qui propose ainsi, chaque année, d’excellents concerts avec des invités de marque, une année une chanteuse, une autre année un quatuor à cordes ou des instrumentistes réputés, toujours autour de son trio, la formule de base qu'il affectionne, dont les membres varient selon les projets.

En 2019, entouré d’une rythmique exceptionnellement soudée à la ville comme à la scène, car il s’agit des frères Christophe (b) et Philippe (dm) Le Van, jumeaux comme le révèle le pianiste avec humour, mais comme on le devine au premier coup d’œil. Philippe Duchemin a invité un saxophoniste-flûtiste, Carl Schlosser, dont la carrière longue et riche a connu quelques méandres et quelques rêves au-delà du jazz, mais qui n’a jamais perdu cet enracinement dans l’univers de sa jeunesse et la sonorité qui le lie à cette musique.

Au programme, du jazz trempé dans l’encre blues comme il se doit, avec, dans l’expression, le swing, la chaleur et la poésie qui ont permis deux heures de bonheur en ce mardi où les cieux ont été cléments.

Le répertoire et les compositeurs avaient été choisis avec le souci des belles mélodies et de l’énergie, et l’alchimie a fonctionné à merveille avec une variation des atmosphères, des tempos, des émotions, des moods. Au programme et dans le désordre, «Caravan» (Duke Ellington et Juan Tizol), «In a Sentimental Mood» (Ellington) à la flûte pour Carl, «Whisper Not» (Benny Golson) où Carl, cette fois au ténor, honore le son du compositeur, un émouvant «I Remember Clifford» pris sur tempo très lent, Philippe Duchemin rapsodiant et Carl Schlosser tirant des larmes de son pavillon. Il y a eu aussi le «Moanin’» très intense et puissant de Bobby Timmons pour confirmer l’ombre tutélaire d’Art Blakey, aussi présente que celle de Golson et d'Ellington, sur tout ce répertoire avec les press rolls de Philippe Le Van, les interventions blues très sonores de Philippe Duchemin, variant ses effets (classique et blues) et le beau son à la Benny Golson à nouveau de Carl Schlosser. Le public garde encore la mémoire de ces thèmes, de ce son (pour les plus avertis et anciens) et soutient volontiers la tension en tapant des mains, comme à l’église baptiste et en toute laïcité, instinctivement…

Le blues et le swing sont partout présents dans ce concert, avec le «Cold Duck Time» du grand et trop oublié Eddie Harris que Carl Schlosser rappelle à notre souvenir, Christophe Le Van optant pour la basse électrique sur le rythme funky, avec également le «Bag’s Groove» de Milt Jackson, introduit à la contrebasse par l’excellent Christophe Le Van, tranquille mais très au point d’autant que son complice de frère soutient de belle manière aux balais ses interventions de solistes, et ne se prive pas de belles interventions en chorus ou en 4/4 (ces échanges entre musiciens sur quelques mesures). Il y eut d’autres thèmes encore («Full Hause», «Old Man River», «Look Out», «Come Fly With Me»…), parfois sans l’invité, où le trio délivra son entente et son swing à la Peterson et/ou à la Duchemin, et c’est naturellement sur un blues que se termina le beau concert par un rappel pour ce quartet de jazz, une manière de rappeler que pour un public de 2019, le blues est encore et toujours une musique qui parle au cœur et à l’âme sans détour et qu’il reste l’indispensable marmite pour faire bouillir son jazz…

Christophe Le Van, Carl Schlosser, Philippe Le Van © Yves Sportis

On sait l’admiration pour Oscar Peterson de Philippe Duchemin, et dans sa manière, on retrouve cette dimension virtuose et une manière de jouer du trio, avec des envolées et une belle sonorité d’ensemble, souple et puissante, accompagnés de quelques touches de musique classique, une signature propre à Philippe Duchemin qui lui permet par ailleurs ses nombreux concerts avec quatuors classiques. Ici, c’est plus jazz et blues, et la présence de Carl Schlosser l’explique, en même temps qu'elle enrichit le mood de la formation. Carl Schlosser est cet excellent saxophoniste, flûtiste de première formation, qui a illuminé –et il continue– de nombreux big bands et orchestres (Gérard Badini, Claude Bolling, aujourd’hui le Duke Ellington Orchestra de Laurent Mignard), mais qui a aussi accompagné Dee Dee Bridgewater, Michel Petrucciani (sur son CV), mais la liste est bien plus longue et internationale…). Aujourd’hui partagé entre la scène et un studio d’enregistrement qu’il dirige avec talent, il vient de réaliser, comme ingénieur du son et musicien, l’enregistrement de Philippe Chagne, My Mingus Soul. Sa carrière d’ingénieur est riche de bon nombre d’excellents disques, comme le récent disque de Philippe Duchemin (Quiétis, cf. notre rubrique disques), d’un autre avec les Goldberg, père et fils (Michel et Dexter), et beaucoup d’autres, de belle qualité… Carl Schosser a encore d’autres cordes à son arc, y compris d’organisateur, on en garde pour un prochain article.

Au ténor, Carl Schlosser possède un son issu de la tradition du saxophone, travaillant maintenant (avec l'âge) sur le grain du son même s'il ne dédaigne pas jouer les gros sons, et à la flûte il développe autant de qualités de sonorité, jouant sur les sonorités doubles (un peu dans l'esprit de Roland Kirk mais plus calmement), variant les atmosphères sans jamais perdre ce qui fait son charme, un grain de poésie très jazz: l’homme est comme sa musique, rien d'étonnant donc.

Les frères Le Van sont ceux dont on ne parle pas assez en général car avec eux tout est huilé, parfait, une section rythmique d’une complicité rare, et qui convient parfaitement à un trio aussi dynamique que celui de Philippe Duchemin. Le trio était donc un très beau «véhicule» swing, à l’image de l’inspirateur Oscar Peterson, dans lequel s’est embarqué pour un soir Carl Schlosser. Le public et l’organisation ont adoré, on ne va pas les contredire… d'autant que les musiciens étaient très à l’aise sur scène.

Ce bon festival, vraiment de jazz, où on peut encore parler naturellement avec les musiciens avant ou après le concert, se poursuit jusqu’à la fin août; avis aux amateurs de belles soirées sous les étoiles! (www.jazzalamiraute.fr)

OKYS

Le Prima Lutz Trio, composé de la harpiste Christine Lutz, de son époux vibraphoniste Thierry Lutz et du contrebassiste Pierre Fénichel ouvrit les festivités. Pendant 45 minutes, il offrit des compositions originales, aux influences exotiques, agréables à entendre.

Après un long entracte, qui permit au public, affamé de jazz mais aussi soucieux de se sustenter de nourritures moins spirituelles, et le temps de placer le piano au centre de la terrasse, le maître de cérémonie présenta celui que les spectateurs attendaient avec impatience, le pianiste Kenny Barron.

C’est donc dans cet écrin de campagne provençale, par une chaude soirée d’été où la fraîcheur ose à peine poser son voile, qu’à son piano en solo Kenny Barron installa, avec la sensualité raffinée dont il a la magie, sa musique dans l’intimité de chacun. Il commença le concert avec un standard ancien, «Beautiful Love» de Victor Young, Egbert Van Alstyne et Wayne King (1931) sur le tempo de la tendresse, juste enlevé. Après les applaudissements, le silence s’installa dans l’assistance; même les cigales cessèrent leur aubade. Tous écoutaient sans perdre un silence.
Il poursuivit avec un medley ellingtonien où se répondaient en une sorte de nocturne recomposé les pièces de Duke et Swee’ Pea [«Lotus Blossom» (Billy Srayhorn, 1947), «Single Petal of Rose» (Duke Ellington, 1958), «Star Crossed Lovers» (DE et BS, 1944), «Passion Flower» (BS, 1944)]: moment de poésie qui contint le souffle des spectateurs avant qu’ils n’applaudissent.
Ensuite, il joua avec la même densité «For Abdullah» une composition nostalgiquement fraternelle, écrite en 1990 en l’honneur du pianiste sud-africain, Abdullah Ibrahim (de son premier nom de baptême Adolph Johannes Brand qui joua pour la première fois en Europe sur les planches de la Pinède Gould au Festival de Jazz d’Antibes Juan-les-Pins en 1963 sous le nom de Dollar Brand). Ce fut ensuite «Melancholia» (DE, 1954) et «Isfahan» (BS et DE, 1963, extrait de la Far East Suite), en forme d’élégies du soir.
Enfin vint le moment Thelonious Monk: une pièce de 1955, «Shuffle Boil» que Kenny déconstruisit avec intelligence et intelligibilité jusqu’à en redessiner, à la grande joie des spectateurs, la structure élémentaire stride héritée de James P. Johnson.
On revint après à un œuvre de Duke Ellington et Billy Strayhorn, «Day Dream» (1941) où perçait la mélancolie inquiète de cette période. Il enchaîna ensuite avec une autre composition personnelle enlevée et joyeusement descriptive, «Calypso», écrite, raconta-t-il, en 1961 lorsqu’il découvrit «Little Jamaica» à New York; au cours de ce morceau, il s’amusa à déconstruire la pièce jusqu’à sa structure élémentaire en forme de matrice de«Tea for Two». Le public bruissa de complicité.
Il insista ensuite sur l’univers des ballades poétiques de Monk en donnant une superbe version de «Monk’s Mood» (1946). En bis, il donna une interprétation épurée très modernisée d’une des plus anciennes compositions d’Eubie Blake, «Memories of You» (1930).

Il quitta le clavier sous les applaudissements nourris et chaleureux d’un public conquis par cette musique puissante et riche. Les personnes qui sortaient disaient leur bonheur d’avoir entendu une heure et demie de concert sans bruit. Et pour ne rien gâcher, en un endroit qui seyait au programme de la musique interprétée. Poliment, les cigales reprirent alors leur chanson.