Camilla Tømta est une chanteuse inconnue chez nous. Une voix étrange, difficilement définissable: un mélange de voix acidulée, à la fois enfantine et éraillée, avec du grain, restant volontiers dans le médium-grave, reposant sur un beau feeling, capable d’une puissance qui reste musicale. Elle chante les mots, sans fioritures, avec un engagement total. Sa voix déroute au premier abord, puis on est sous le charme. Camilla a composé cinq des dix thèmes, paroles et musique; des mélodies très blues, comme la plupart des titres de ce disque. On apprécie ses qualités de blueswoman sur les standards tels «Black and Blue» sur tempo très lent, ou encore cette splendide interprétation de «Black Coffee». Elle sait swinguer, il faut l’écouter sur «After You’ve Gone». Le groupe qui l’accompagne joue impeccablement cette musique. A noter l’originalité de l’emploi de la contrebasse et du violoncelle, ce dernier affectionnant les double cordes, ce qui donne un petit côté orgue. Un disque blues dans la tradition et une découverte réjouissante.

Le pianiste tunisien Moncef Genoud, aveugle de naissance, a appris la musique en Suisse dans sa famille adoptive, dont le père lui faisait écouter Louis Armstrong et Fats Waller; il en reste des traces dans son jeu de piano. Aujourd’hui, il enseigne l’improvisation jazz au Conservatoire de Genève. Il a joué avec une foule de pointures dont Bob Berg, Alvin Queen, Reggie Johnson, Harold Danko, Michael Brecker, Larry Grenadier, Dee Dee Bridgewater, Jack DeJohnette, Scott Colley, Grégoire Maret, pour n’en citer que quelques-uns. Dans son jeu, on entend toute l’histoire du piano jazz, de Fats Waller, Art Tatum aux grands d’aujourd’hui en passant par le blues. Walk With Me est le quinzième disque sous son nom. Quant au Suisse Ivor Malherbe, il a commencé par le piano classique à Lausanne avant de passer à la contrebasse jazz en 1978 subissant les influences des plus grands. Il a joué avec Toots Thielemans, Art Farmer, Bob Berg, John Stubblefield, Woody Shaw parmi d’autres. Des attaques nettes et claires, un son bien rond, une mise en place au cordeau, le sens du placement rythmique, harmonique, de la répartie, du soutien, et des solos mélodiques; toutes qualités qui assurent la réussite du duo.
«African Song» rappelle les connivences Abdullah Ibrahim/Johnny Dyani avec le même lyrisme. On appréciera «Odessa», avec une ligne piano aérée sur ostinato contrebasse, et le jeu mélodique d’Ivor Malherbe sur «My One and Only One», magnifiquement entremêlé à celui du pianiste. Moncef Genoud s’aventure avec bonheur sur le 7/4 sur un morceau justement intitulé «Sept Quatre» avec un petit côté blues; sur la valse également dans un hommage à Fats Waller, l’auteur de cette «Jitterburg Waltz», dans une interprétation absolument neuve et très prenante.Le pianiste possède une grande dextérité qu’il met seulement à profit pour quelques traits rapides. Rien n’est superflu chez lui, chaque note compte, chargée d’émotion ou de joie. Le duo a enfin pour atout de donner une version rafraichissante de standards archiconnus: écoutez «Lover Man», tout y est.

On a connu l’amour de Pierre de Bethmann pour les trios avec Prism. Il retrouve cet art majeur du jazz, pour un second album avec les excellents Sylvain Romano et Tony Rabeson, source d’une musique limpide, intérieure, impressionniste et forte. On mesurera d’ailleurs l’influence des Impressionnistes français sur «Forlane» de Maurice Ravel dans la première partie sur tempo lent; et l’art du jazz dans la deuxième partie en trio sur tempo rapide. A suivre le solo du pianiste avec la main gauche en contrepoint de la droite: de la dentelle subtile, avec un batteur qui s’insinue dans le jeu du pianiste. Dans «Começar de novo», la contrebasse est mise en avant, gros son, attaques à la fois nettes et puissantes, et ça chante; le piano s’empare d’un petit côté Bach très bien venu. On mesure la culture du pianiste, sans oublier quelque chose de Bill Evans. Un morceau assez époustouflant, qu’on ne s’attend pas à trouver interprété en jazz, le «Chant des Partisans» d’Anna Marly, devenu l’hymne de La Résistance. De Bethmann expose le thème à la main droite sur des ostinatos de la gauche, ce qui rend la mélodie dramatique et émouvante, avec un sacré engagement de la rythmique; la basse suit les harmonies et le batteur tapisse et propulse. S’ensuit un long solo de basse qui reprend quelques notes du thème, idem avec le piano, puis ça part en tempo très rapide où le batteur sort l’artillerie. Rien que pour ce morceau, il faut avoir ce disque. «Je bois» de Boris Vian et Alain Goraguer est une belle méditation très intériorisée, contrebasse-piano en osmose. «I Remember You» est pratiquement un solo de piano. A signaler, une autre perle: «Lascia la spina» de Haendel (Lascia la spina, cogli la rosa: laisse l’épine, cueille la rose; toute une philosophie), avec une longue introduction, très sombre, de laquelle émerge la mélodie, puis après des appels de basse, le pianiste improvise tout à fait dans l’esprit du thème original; un pur chef-d’œuvre.
Un grand et merveilleux voyage dans l’art du trio.

C'est une sorte de petit miracle. Le guitariste niçois Olivier Giraudo qui avait participé à cettesession d'enregistrement, à l'origine sans enjeu, a remué ciel et terre pendant de nombreuses années pour que ces bandes «oubliées» depuis novembre 2009 soient éditées. C'est enfin chose faite. Comme Luigi Trussardi nous a quittés en avril 2010 et François Chassagnite presque un an jour pour jour après, l'annonce de la publication de cette musique n'en est que plus émouvante (qu'on se rassure, aux dernières nouvelles, Charles Lolo Bellonzi va bien, et Olivier Giraudo tout autant). Bird Feathers (les plumes d'oiseau)peuvent faire référence à Charlie Parker, «the Bird) pour qui «Chass» débordait d'admiration; mais il produit pourtant ici une musique qui tient autant du bebop des origines que du cool, son avatar californien moins intense. On sait le respect de Chet Baker pour François Chassagnite, qu'il citait comme son trompettiste français préféré. À la trompette ou au bugle, François Chassagnite développe ici toute l'étendue d'un lyrisme retenu et presque pudique qui était sa marque de fabrique à la scène comme à la ville. Olivier Giraudo fait tourner les harmonies (c'est un quartet sans piano) et distille quelques solos de toute beauté. Pour la basse de Luigi Trussardi et la batterie de Lolo Bellonzi, c'est l'enfance de l'art, tout coule de source, et Chassqui le perçoit, se laisse aller à improviser en toute liberté. C'est splendide!

Kurt Elling a de grandes qualités d’interprète: c’est une voix, une belle personnalité qui donne à son expression une profondeur et une authenticité appréciables. Il sait choisir le répertoire qui correspond à ce qu’il veut révéler de lui; il sait donner à ses disques une construction, un sens; il a de solides bases esthétiques, y compris dans le jazz, pour choisir les musiciens qui l’accompagnent. Ici, on retrouve, pas forcément sur les mêmes thèmes, les membres de l’orchestre de Branford Marsalis (Joey Calderazzo, Jeff Tain Waits et Branford lui-même), la révélation Marquis Hill, originaire de Chicago, la ville également de Kurt Elling et de Stuart Mindeman, l’autre pianiste, du jeune guitariste John McLean, du bassiste Clark Sommers. Avec Branford Marsalis, il poursuit l’échange après Upward Spiral, enregistré il y a peu pour le même label. Avec Chicago, il affirme un enracinement. Kurt Elling construit son œuvre avec constance, avec ses fidélités, ses repères esthétiques et toujours le même souci de la qualité.
Cet enregistrement n’en est pas pour autant un album de jazz, même si le type de formation et l’accompagnement sont fortement teintés de cette couleur, et que le jazz fait régulièrement irruption sur ces thèmes. C’est un bon album de musique populaire, de variété, sans aucune complaisance, comme on a pu le dire naguères d’une chanson et d’un répertoire populaire de bon niveau. C’était vrai en France, aux Etats-Unis, même si progressivement la musique commerciale l’a remplacée. Kurt Elling renoue donc avec cette tradition, et même si ce n’est pas du jazz, c’est de la belle chanson colorée par le jazz, avec de beaux arrangements, de superbes contre-chants, de Branford en particulier, très lyrique, et la voix convaincante de Kurt Elling dans ce registre. Au répertoire, Bob Dylan (belle introduction qui rappelle évidemment les accents véhéments du protest song writer), Paul Simon, Peter Gabriel, mais aussi Jaco Pastorius, Leonard Berstein, Oscar Hammerstein et Johnny Mercer… La guitare de John McLean, traitée plutôt folk que jazz, et le lyrisme des Joe Calderazzo, Branford Marsalis, Jeff Tain Watts (très délicat, «The Enchantress»), servent avec intelligence une esthétique définie par le leader et son chant. Le traitement, très lent et expressif, de «Skylark», en point d’orgue de cet album, confirme l’originalité des choix de Kurt Elling, tout en le raccrochant par quelques fils, aussi solides que délicats, à l’univers du jazz. Un album au delà du jazz, «grand public» et de belle qualité.

Pour son troisième enregistrement en leader (après Brother Stoon en 2010 et Interférences en 2015), le brillant saxophoniste alto apporte, sur l’excellent label de jazz, Space Time Records, de Xavier Feylgerolles, en compagnie d’une très belle formation –un véritable all stars–, la confirmation que le jazz est une musique qui n’en a pas fini de se régénérer et de révéler quelques pépites dont on attend beaucoup parce qu’elles donnent déjà énormément. Baptiste Herbin, au solide parcours académique, qui a déjà croisé la route de musiciens de jazz de qualité (Alain Jean-Marie, Donald Brown, Steve Wilson, James Carter, Archie Shepp, Jerry Bergonzi, la liste est longue…), possède par lui-même une vitalité et une énergie étonnantes qui trouvent un écrin parfait dans cet environnement exceptionnel: le splendide Ali Jackson, installé en France récemment, l’indispensable Darryl Hall qui a adopté la France depuis de nombreuses années et qui illumine toutes les formations qui ont la chance de faire appel à son talent, et une autre révélation de ces dernières années, le pianiste brésilien, Eduardo Farias, dont les racines enrichissent le langage jazz.
Le jazz ici exposé puise aux sources revendiquées de Cannonball Adderley et John Coltrane (deux compositions du leader le rappellent), à une époque du jazz également, mais sans aucun mimétisme ou simplisme, puisque l’essentiel du répertoire est fait d’originaux de Baptiste Herbin, de belle facture, et la tonalité des compositions est d’une autre nature, plus contemporaine, personnelle, si l’on excepte les deux détours brésiliens par Pixinguinha (1897-1973), le grand saxophoniste, flûtiste et compositeur, et par un traditionnel du Brésil où Eduardo Farias est à son affaire, tout comme le très percussif Ali Jackson, sans oublier Baptiste Herbin qui donne une belle démonstration de sa virtuosité maîtrisée. Il y a enfin un trio (sax, b, dm) autour de «Poor Butterfly», très lyrique. La couleur brésilienne est par ailleurs présente sur l’une des compositions de Baptiste Herbin, «Idriss», ce qui permet d’apprécier une autre qualité du saxophoniste, son lyrisme, qu’il ne perd pas malgré sa technique exceptionnelle, avec un sens du récit, des inflexions, de l’expression la plus sophistiquée; une preuve de maturité précoce. Dernier élément de son jeu, sa sonorité, sans être la dimension la plus marquante de son expression, est tout simplement parfaite, bien ronde et brillante, à la hauteur du reste de ses qualités («The Sphere»).
Il ne manque rien à ce musicien, pas même une bonne culture jazz, une aisance naturelle, pour faire de lui l’un des beaux artistes du jazz, s’il y trouve la matière et les fondamentaux nécessaires à son inspiration et à son futur développement artistique (le jazz est un monde en soi, très riche) sans se perdre, comme d’autres parfois, tout aussi doués, dans des méandres musicales qui correspondraient moins à son tempérament, mais plus à celui d’une production moins savante que lui. Pour l’instant, tout va bien avec Space Time Records.

Fabien Mary réunit un all-stars autour d’une esthétique post-bop dans laquelle tous excellent. Mais là, il ne s’agit nullement d’exploiter un répertoire traditionnel du genre mais de mettre en valeur les compositions du leader, écrites à l’occasion d’un accident domestique l’empêchant de pratiquer son instrument, d’où le titre.
Sans lui souhaiter de se (re)casser un bras pour un prochain disque, on constate qu’il n’a pas perdu son temps dans ce repos forcé parce que cet enregistrement est passionnant par la tonalité des compositions qui évoquent de manière tout à fait originale ces atmosphères en contre-jour des ensembles des années 1955-1965, entre tension, nostalgie, poésie, lumière et nuit (Other New York Stories est le sous-titre), et plus largement l’esthétique d’une époque où les mélodies, pour être renouvelées, n’en possédaient pas moins cet attachement aux fondamentaux, le blues, le swing, une qualité d’expression individuelle des solistes, une tonalité d’arrangement, un drive permanent, une douceur tout en nuances. La formation, un octet sans piano, se prête à merveille à la richesse des arrangements, privilégiant les cuivres, et au caractère très construit de la musique (parties jouées à l’unisson). Chacun des musiciens y développe ce climat avec ses qualités de son et une approche de la perfection qui est un régal. Le leader y démontre son habileté déjà remarquée d’instrumentiste avec cette précision et cette économie qui cadrent parfaitement avec ses compositions, jouant souvent de riches alliages sonores des cuivres de son octet («Autumn Melodie») pour lancer les chorus. Fabien Mary, Pierrick Pédron, Thomas Savy confirment par leurs chorus leur implication dans une des belles esthétiques du jazz. Pour les amoureux de ces atmosphères, on souhaiterait entendre cette musique sur vinyle, un son qui, en restituant au mieux la chaleur et la profondeur, donnerait la pleine mesure de cette musique; la durée de cet enregistrement ne rend pas la chose impensable… Un beau disque.

Le texte de livret d’Yvan Amar qualifie cet enregistrement, déjà ancien mais inédit, de «hard bop». Sans le démentir, car il y a une indéniable filiation, on notera que les musiciens ont entendu le jazz des années 1960 à 1990 dans son ensemble pour parvenir à ce langage où l’on sent les apports et pas seulement du hard bop, de John Coltrane, Wayne Shorter, McCoy Tyner, Elvin Jones et bien d’autres… Comme d’ailleurs des pères du hard bop Horace Silver, Art Blakey, eux-mêmes, qui ont si bien intégré, et sans en perdre la fibre, avec leur éternelle jeunesse, l’évolution du jazz à travers les générations de nouveaux musiciens qui ont composé leurs Messengers. Jean Toussaint présent ici est d’ailleurs l’un de ces Messengers (Blakey, 1982-86) de la dernière décennie. Il existait un autre disque (ADJBK 001), réalisé à Quimper en 1995, de cette belle formation réunie par Gildas Scouarnec.
C’est donc un grand plaisir de retrouver ces enregistrements réalisés sous la direction de l’excellent contrebassiste, au beau son qui fait ressortir le bois de son instrument («Minor Mood»), à la barre d’un splendide quintet où les Peter King, Jean Toussaint, Alain Jean-Marie, Tony Rabeson irradient de leur classe un concert à la Maison de la Radio, diffusé dans le cadre d’une émission d’Yvan Amar et Maurice Cullaz (Transcontinentales,1996, 7 titres). Deux titres complètent ce coffret, enregistrés deux ans plus tôt, dans le même cadre, avec une formation voisine (Sylvain Beuf et Georges Brown au lieu de Jean Toussaint et Tony Rabeson, diffusés par Jazz Vivant, André Francis, 1994). Le beauté du jazz en concert est souvent fugace parce que pas ou mal enregistrée, et c’est donc une chance de voir ces deux disques restituer, avec un bon son, cette tension qui manque souvent aux enregistrements de studio. Nous avons rectifié dans la notice ci-dessus les petites imprécisions du livret.
Cinq des neuf compositions sont de Gildas Scouarnec, deux de Peter King, une de Sylvain Beuf, une de Jean Toussaint. Ces musiciens partagent un langage, et les deux disques présentent ainsi une réelle unité d’esprit, une sorte de communion autour d’une expression qui respecte les codes essentiels du jazz, du blues au swing. Sur le plan de la composition, Wayne Shorter, le compositeur qui illumine les années soixante, est la principale inspiration, et chacun des auteurs de ces disques y va de sa révérence (citation), avec talent, originalité et profondeur. Alain Jean-Marie est encore étonnant dans ce cadre, donnant une autre facette de son talent polymorphe (parfois dans la filiation de McCoy Tyner) qui témoigne d’une culture jazzique et de moyens peu ordinaires. Peter King est un aristocrate du saxophone alto: il possède cette conviction-authenticité qui le rend passionnant et attachant, comme instrumentiste, compositeur et comme personnage. Jean Toussaint, installé en Angleterre à cette époque, est simplement un Messenger, c’est-à-dire qu’il porte l’héritage et qu’il est ici dans son élément pour donner le meilleur de lui-même, et c’est magnifique! C’est une autre manière de complimenter une formation où Tony Rabeson est au diapason de l’enregistrement et de ses compagnons. Sur les deux titres enregistrés en 1994, signalons la présence du légendaire George Brown, une sorte de «bonus» de ce coffret.
Près de deux heures d’un beau jazz, intense, c’est le cadeau que nous font Gildas Scouarnec et l’excellent producteur catalan Jordi Pujol: il ne faut pas s’en priver!

Bob Ferrel (Jazz Hot n°565) est de ces musiciens trop peu médiatisés mais qui participent activement à la vitalité du jazz. Ils sont nombreux aux Etats-Unis ces artisans du jazz dont le périmètre d’activité se situe avant tout au niveau d’une ville ou d’un Etat; ils constituent un véritable maillage culturel sur le territoire des Etats-Unis et sont un élément essentiel de dynamisme et de transmission sur les scènes locales, même si on entend peu parler de leur action de notre côté de l’Atlantique. Elles ne manquent pourtant pas d’artistes de talent. On connaît Bob Ferrel, en France, d’abord pour sa participation au Spirit of Life Ensemble (SOLE) de Daoud-David Williams (perc). Et s’il reste un membre fidèle de cette formation basée à Jersey City, il mène aussi ses projets, produit régulièrement ses albums, parallèlement à une carrière d’enseignant. On retrouve sur le présent disque deux membres du SOLE: Rob Hencke (le directeur musical) et Dwight West qui a pris la suite du regretté Joe Lee Wilson comme chanteur du collectif.
Sur ce Jazztopian Dream, le tromboniste –dont il faut rappeler le début de carrière au sein du Duke Ellington Orchestra– revient sur son parcours, expliquant dans le livret (illustré de photos souvenirs) que chaque titre est «un reflet des différents groupes dans lesquels il a joué». Un parcours qui trace les contours d’un univers original, celui de «l’utopie jazz» de Bob Ferrel. «My Secret Love» ouvre le disque avec un leader volubile arborant un jeu des plus colorés. Les morceaux se succèdent avec des ambiances variées: latine, avec «Alter Ego» et «We Began With a Kiss», balade swing, avec «Poetry», bop déjanté, avec «Soul Bop» sur lequel Bob Ferrel varie les effets et fait montre d’une impressionnante palette technique. Les titres avec Dwight West, excellent, qui distille avec élégance sa chaleur et son swing, sont particulièrement réussis; «Yarbird Suite» est un joli hommage à Charlie Parker, «You’ve Got to Have Freedom», avec un bon dialogue trombone/voix, et «Everyday I Have the Blues» concluent le disque de façon réjouissante. L’humour de Bob Ferrel ne doit pas nous faire oublier la qualité de son expression et sa virtuosité sur son instrument. Ce disque en témoigne.

La filiation reste au centre de la tradition chez les Sinti. Dorado Schmitt la perpétue avec brillance en invitant Amati, son fils, à se joindre à lui sur ce Sinti du monde, son dernier album. Les phrases fusent et déboulent de part et d’autre. Les Schmitt sont en liesse. Il faut attendre «Ballade Romanez» pour que le tempo baisse un peu. Et là, c’est la délicatesse du phrasé qui transparaît. La dentelle se conjugue à la rythmique souple et enjouée. Les bends des cordes acier donnent le tournis. Après ce moment de latence et de repos, c’est sur la composition d’un«frère», que les deux artistes repartent dans l’exploration de leur galaxie swing: «Gloria Forever» d’Hubert Mayo est ainsi l’occasion d’entendre de très belles phrases des deux protagonistes. Ils atteignent ici un sommet de virtuosité, comme de nombreux guitaristes de la sphère Django, mais avec cette qualité mélodique qui distingue les grands. Puis, Dorado s’empare du violon pour délivrer une valse poignante, comme il sait si bien le faire, avant de revenir sur des standards. Tout d’abord «After You’ve Gone», joué de façon plus dilettante que ne le faisait Django, mais avec des explosions de notes sur la fin de certaines phrases, puis «How High the Moon». Là encore l’œuvre de Hamilton et Lewis bénéficie d’une jolie cure de jouvence tant par la façon de la présenter que par les éléments qui viennent l’enjoliver. La pompe par contre reste solide et bien dans l’esprit. Une belle réussite. La technique tire vers la guitare hawaïenne sur «Je suis seul ce soir». «My Blue Heaven» complète le menu du jour d’un Sinti du monde de grande qualité. Dorado, avec son fils Amati à présent, après avoir épaulé Sanson, continue de faire fructifier l’héritage de Django de la meilleure des façons qui soit, par la transmission familiale.

Voici un coffret de 6 CDs reprenant l’ensemble des 8 albums du Workshop de Lyon: Inter fréquences (1973), La Chasse de Shirah Sharibad (1975), Tiens! Les bourgeons éclatent (1977), Concert lave (1981), Musique basalte (1981), Anniversaire (1988), Fondus (1997), Chant bien fatal (1991), ainsi que des raretés et des inédits: Concert aux Ateliers, Lyon, 1979 et Arzana (2010). Le Workshop de Lyon s’appela d’abord «Free Jazz Workshop» et naquit de la rencontre de Jean Méreu et du trio de Maurice Merle en 1967. Il enregistra son premier LP en 1973 (Inter fréquences). Avec le second album (La chasse de Shirah Sharibad, 1975) et l’arrivée de Louis Sclavis, il prit l’appellation définitive de «Workshop de Lyon» et continue depuis une belle carrière avec pratiquement toujours le même personnel jusqu’en 2003, date de la mort du saxophoniste fondateur remplacé par Jean Aussanaire. Se revendiquant d’abord du free jazz américain, il se tourna vers la musique et la théâtralité de l’Art Ensemble of Chicago pour finir par inventer un folklore imaginaire mélangeant toutes sortes de musiques avec un grand sens de l’humour et du théâtre. Puis, leur musique évolua dans différentes directions, se voulant toujours innovante et grand public. Rappelons que le Worshop de Lyon fait partie de l’ARFI (Association à la recherche d'un folklore imaginaire) avec le Marvelous Band et le big band de la Marmite infernale.
Citons leur déclaration, car comment mieux définir leurs activités: «Depuis 1967 le Workshop de Lyon chante, invente, revisite, triture, tonitrue, démonte, reconstruit, désosse, innove, explore…improvise sa musique. Des dizaines de morceaux, des centaines de concerts, des tournées partout dans le monde, des rencontres musicales, des projets durables ou épisodiques et des disques.» Le Workshop regarde toujours vers l’avenir, mais il lui faut marquer ce cinquantenaire selon sa tradition: «En 2017, hurlons le sur les toits, crions le à pleins poumons… Le Workshop de Lyon paye sa tournée, avec, et aux membres fondateurs, épisodiques, remplaçants, invités ou nouveaux venus, tous partenaires potentiels pour fêter les 50 ans de carrière de ce groupe hors normes.»C’est toute l’histoire du Workshop enfermée et offerte dans ces 6 galettes. Le livret apporte les renseignements nécessaires. Un voyage à travers la chatoyante musique du Workshop de Lyon –les titres valent le détour–, un îlot dans le paysage de la musique improvisée contemporaine. Pour ceux qui ne connaîtraient pas cet univers, un abord par «Sophisticato» (CD6) permet un accostage en douceur.

Très beau big band, in the tradition, drivé par le splendide contrebassiste de jazz qui met ses talents de leader, d’arrangeur et de soliste au service d’un jazz finalement très classique dans sa forme, malgré une thématique moderne. Servi par des musiciens encore une fois de haut niveau, cette musique est une perfection de mise en place, de swing, et le blues ne quitte jamais le plateau. Dans le répertoire, on retrouve Freddie Hubbard et son «Thermo» immortalisé au sein des Messengers d’Art Blakey, «Sahara» de McCoy Tyner, «Full House» de Wes Montgomery, mais aussi trois originaux de Christian McBride et des standards («I Thought About You»), un bon équilibre mis en valeur par des arrangements sans maniérisme mais pas sans sophistication, laissant la couleur blues imprégner chaque thème. Inutile de préciser avec Christian McBride que l’énergie est au rendez-vous, et le jeu par section («Full House», avec un excellent chorus bien entendu de Rodney Jones) est un régal.
Le big band, avec une telle maîtrise et une telle invention, reste une des plus belles formations du jazz, et comme Christian McBride Big Band tourne en Europe cette année, à vous d’en profiter: sentir le souffle puissant d’un aussi bel ensemble est un privilège.

Hervé Sellin
Passerelles

Hervé Sellin fait partie des valeurs sûres du jazz en France. Du jazz et pas seulement pourrait-on ajouter. Validé par l’institution à laquelle il appartient en tant qu’enseignant de haut niveau (Conservatoire national supérieur de Musique de Paris), apprécié de grands du jazz (Dizzy Gillespie, Clifford Jordan, Johnny Griffin, Dee Dee Bridgewater…) et de la musique en général (Richard Galliano), on oublie trop souvent sa bonne discographie personnelle qui laisse toujours de belles traces, très personnelles. Ces enregistrements ont une forme de perfection qui n’étonne pas quand on sait l’exigence de ce musicien de talent, et ils ont souvent reçu un bon accueil critique. Sa solide culture classique d’origine, toujours présente dans son univers, même dans le jazz (comme ici, avec le beau «Always too Soon» de sa plume, et le disque Passerelles dans son ensemble), l’intensité de son travail depuis de longues années font de lui un excellent instrumentiste, arrangeur, inventeur, l’un des plus complexes en matière d’écriture mais aussi des plus respectueux du texte des autres musiciens (Thelonious Monk dans Always too Soon), respectueux aussi des musiques qu’il choisit d’interpréter, jazz, classique, tout en les marquant de son empreinte. Son beau toucher de piano, percussif ou perlé, complète une palette de qualités qui demanderaient encore à être détaillées, car elles vont au-delà de ces quelques mots.
Voici deux disques proches par la présentation (deux portraits issus de la même séance): l’un en quartet jazz, Always too Soon, dédicacé au grand saxophoniste alto Phil Woods, disparu en 2015, après une carrière exceptionnelle dans les traces revendiquées et assumées de Charlie Parker; le second disque présente une autre facette d’un Hervé Sellin établissant, comme le titre le dit, des passerelles entre l’univers classique et le jazz, le répertoire classique jazzé avec légèreté, une manière de confirmer que le jazz appartient aux musiques dites «savantes» autant par son présent que dans ses inspirations.
Le premier disque fait la part belle à un bon Pierrick Pédron, en raison de l’hommage à Phil Woods; le leader est brillant sur ce répertoire et curieusement, c’est sur le répertoire monkien, plus que sur celui classique du second disque, qu’Hervé Sellin reste près du texte et de la manière. Le bon quartet de jazz du premier disque déroule en effet un univers jazz finalement assez «classique», alors que sur le second opus, les musiciens sont nettement plus aventureux quant à la matière d’origine. Finalement, ces deux disques, écoutés ensemble, délivrent des informations supplémentaires sur le leader, et c’est une bonne manière de (re)découvrir Hervé Sellin, qui, comme nombre de ses pairs d’aujourd’hui, essaie avec beaucoup de conviction une synthèse entre deux traditions orale et écrite, savante et populaire. Cela correspond à la manière dont les musiciens approchent aujourd’hui la musique. Evidemment, dans la relecture classique, le blues et une certaine expressivité disparaissent par moments, mais il n’y a rien de négatif ni de mystérieux, juste un constat culturel qui ne diminue en rien la qualité musicale et l’intérêt de ces deux disques.

Peter Bernstein, qui faisait la couverture de Jazz Hot n°590 (2002), n’est plus à présenter depuis de longues années où il distille un jazz ancré dans ses fondamentaux, le blues, l’expression et le swing. Son jeu très mélodique possède la couleur du blues et même quand il aborde, comme ici, un répertoire plus personnel (cinq compositions originales) moins marqué par la tradition, sa belle sonorité continue de véhiculer délicatement cette couleur, et l’expression, le lyrisme restent bien présents. Ce qui donne un disque intéressant, une belle atmosphère, et c’est sans doute pourquoi ses cinq compositions débutent le disque avec un intermède brésilien («Tres Palabras»), repris de nombreuses fois par les chanteurs de variétés, mais la référence est plutôt à rechercher dans la version de Bobby Hutcherson (cf. livret); pour compléter ce répertoire, trois beaux thèmes, dont deux standards et une composition de Woody Shaw brillamment reprise.
L’orchestre est composé d’excellents musiciens qui offrent à Peter Bernstein une belle complicité, dans l’esprit. Il peut ainsi improviser en toute liberté, avec son beau sens de la mélodie («Tres Palabras»). Il n’abandonne jamais le langage du jazz et du blues («Cupcake») où il est tout à son aise. Un disque de Peter Bernstein, c’est une heure de belle guitare, d’une sonorité élégante au service du jazz, et ce disque, de l’excellent label Smoke Records, avec un bon texte de livret, le confirme.

Parmi les enfants des Jazz Messengers d’Art Blakey, on demande la famille One for All… Forcément, le nom du groupe rappelle le titre d’un des albums du légendaire batteur, et la devise toute française issue des Trois Mousquetaires de Dumas, qui convient si bien à la légendaire formation des Messengers et à ce groupe. Vingt ans après donc, car ils viennent de fêter leurs 20 ans (1997, la troisième décennie donc, le titre de l’album le dit) et, même avec quelques changements (John Webber remplace Peter Washington), c’est l’une des formations les plus soudées et les plus impressionnantes de cette redoutable galaxie hard bop new-yorkaise, avec à chaque instrument, un magnifique soliste, avec des complicités qui donnent aux ensembles une dynamique exemplaire, un groove sans pareil, avec une profonde assimilation des codes de cette musique (blues, swing et expressivité). En un mot, c’est un all stars d’une des esthétiques les plus brillantes du jazz, le hard bop. Tous ces musiciens sont parfaitement connus des amateurs de cette esthétique, ils en sont d’une certaine façon les champions actuels, et ils sont par ailleurs des leaders reconnus dotés d’une brillante discographie.
Chaque soliste est donc en mesure de prendre de beaux chorus, et c’est ce qui se produit sur ce répertoire composé pour la quasi-totalité d’originaux et d’un seul standard («It’s Easy to Remember»). Malgré ces originaux, la tonalité générale du disque ne surprend aucunement; on est en territoire connu d’une musique parfaitement maîtrisée et balisée, bien que rien n’y soit simple. La pulsation est intense, le drive obligé, comme le Maître Blakey le demandait. Les compositions sont in the mood et les remarquables Eric Alexander, Steve Davis, Jim Rotondi font étalage de leur classe de solistes et de leur entente dans les ensembles de cuivres aux sonorités recherchées, le tout soutenu par une section rythmique aussi souple que brillante et dynamique. Du grand Art (le jeu de mot s’impose) par d’exceptionnels musiciens!

(Rés)urgence aurait pu être un titre approprié pour cet enregistrement, car il date de 2012 et évoque également l’eau. Il a été exhumé par la sagacité de Michel Stochitch de Camille Productions et offert –c’est un vrai cadeau– aux amateurs de jazz. Urgence aussi car ce n’est que le premier enregistrement en solo, édité à ce jour, d’un des meilleurs artistes du jazz de notre pays, toutes époques confondues, né en France en 1963. En écrivant ce qui n’est pas une formule, on ne souhaite mésestimer personne dans cette longue et riche histoire, en matière de piano en particulier, simplement faire partager le talent de Philippe Milanta dont la place est aux côtés des meilleurs européens et américains du clavier. Il possède un toucher exceptionnel, apportant des nuances, du relief et des couleurs à son expression, au service d’une imagination hors des sentiers battus, le tout solidement rattaché à la riche tradition pianistique du jazz américain, l’ancienne comme la moderne. La dynamique de son jeu, la beauté de sa recherche harmonique sans artifice, la solidité de sa synthèse intemporelle en font un grand soliste, un concertiste ici, comme le sont les grands du piano jazz, et ce disque en solo sera une révélation pour beaucoup. On pourrait ajouter, pour ceux qui le découvrent, que Philippe Milanta est par ailleurs de cette sorte de sideman qui bonifie tout ce à quoi il contribue, car sa recherche est tendue vers la beauté plutôt que vers l'inattendu à tout prix: il est artiste dans l’âme.
On trouve dans ce bel enregistrement la filiation Duke Ellington-Billy Strayhorn et, bien sûr, Claude Debussy, peut-être parce qu’il est français, peut-être parce que Debussy est une influence majeure de la tradition du piano jazz, très présente en France ces derniers temps, et aussi aux Etats-Unis depuis de nombreuses années. Chez Philippe Milanta, Debussy n’est pas une culture classique mal digérée, un faire-valoir ou une mode, c’est simplement la perpétuation de cette mémoire dans le jazz. Il possède cet accent, le swing, indispensable à l’expression jazz, et ses rencontres lui ont fait le cadeau de pénétrer dans le secret du blues, contrairement à nombre de ses confrères, même parfois américains et talentueux, qui ne font que l’effleurer ou qui lui sont étrangers.
Dans ce disque, dix des quinze compositions sont de Philippe Milanta, avec parfois de curieux titres; les autres sont des standards ou des compositions du jazz, mais l’ensemble de l’enregistrement est construit comme un tout, une sorte de déambulation guidée dans l’univers intime du pianiste. On retrouve ce qui a bercé Philippe Milanta, notamment la tradition du piano de Pittsburgh (évoqué dans un titre), Erroll Garner («Born to Be Blue»), Billy Strayhorn souvent. Le jazz, à ce niveau d’expression, fait rêver, alors rêvons que Philippe Milanta puisse enfin développer sa discographie à la mesure de son talent, qu’il puisse aussi être programmé sur les scènes du jazz, et pas seulement en France. Il faut aussi qu’il le décide lui-même. Si nous honorons sur les scènes et dans les labels de jazz d’excellents artistes du piano, comme par exemple Fred Hersch, il faut aussi honorer le talent exceptionnel de Philippe Milanta, son pair sur le plan pianistique et de l’expression, bien plus profondément jazz par la nature de son expression sur le plan esthétique et culturel.
Wash est un bel enregistrement, enfin disponible; on regretterait pour le jazz de devoir attendre 2024 pour le prochain en solo ou en leader.