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Sur la route des festivals en 2018

Dans cette rubrique «festivals»
, tout au long de l'année 2018, vous pouvez accompagner nos correspondants lors de leurs déplacements sur l'ensemble des festivals, où Jazz Hot est présent. Les comptes rendus sont édités dans un ordre chronologique inversé (les plus récents en tête). Certains des comptes rendus sont en version bilingue, quand cela est possible; vous pouvez les repérer par la présence en tête de texte d'un drapeau correspondant à la langue que vous choisissez en cliquant dessus.

Le jazz en live reste une expérience irremplaçable, autant pour vous que pour les artistes et les organisateurs…

Nous remercions l'ensemble des Festivals de jazz pour l'accueil de nos correspondants sachant que c'est la condition pour tous de conserver la mémoire d'une des scènes importantes du jazz. Les budgets étant de nos jours soumis aux contraintes de l'austérité, et parfois aux affres de l'ignorance sur ce qu'est le jazz, il importe que les acteurs du jazz conservent à l'esprit cet enjeu essentiel
qu'est l'information pour la préservation du jazz. Pouvoir faire des photos et des commentaires, librement, pour la presse spécialisée, et en avoir les moyens par un accueil respectueux de la part des festivals et des autres scènes, est une des facettes de la liberté et de la richesse du jazz, et plus largement de la liberté de la presse et donc de la démocratie dont nous sentons le manque dans le quotidien…

Les comptes rendus des années précédentes restent disponibles dans notre boutique (accès libre pour la période de 2013 à nos jours des n°663 au numéro en cours).



Au programme des Comptes Rendus

2018 >
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Limoges, Haute-Vienne

Hot Vienne - Harlem à Limoges: 11 juin au 8 décembre 2018


C'est par fidélité en amitié, celle que j'ai voué à Bill et Lily Coleman, que j'ai participé à ce colloque, sinon 100% jazz pour le moins grandement dédié au genre. Ce colloque, évènement en lui-même, s'est inscrit dans une aventure plus large et qui, à l'heure du jazz business, n'a pas d'équivalent parce que l'objectif n'est pas la rentabilité, même si c'est un faire-valoir, sous la forme d'une image culturelle, pour la ville de Limoges. La manifestation se poursuit jusqu'au 8 décembre, il est donc encore temps de s’y rendre… (www.ville-limoges.fr)


Au départ, il y a un homme qui a su se rendre incontournable à Limoges pour le plus grand bien du jazz: Jean-Marie Masse (1921-2015), peintre puis batteur professionnel1, homme de radio et fondateur-président du Hot Club de Limoges à partir de 19482. Jean-Marie Masse a fait par acte notarié le legs de ses archives à la ville de Limoges (plus de 20 000 pièces: disques, livres, magazines, photos, correspondances…). Premier miracle: la ville de Limoges l'accepte et envisage «les meilleurs moyens de la rendre accessible au public»! Le maire, Emile Roger Lambertie, est amateur de jazz! L'essentiel des archives est conservé depuis 2016 dans les magasins de la Bfm3 qui en a assuré le référencement (travail énorme). C'est le maire qui a proposé un vaste programme événementiel ouvert à tous, baptisé «Hot Vienne, Limoges se la joue jazz» et décidé la date 2018, à juste raison (les 70 ans du Hot Club de Limoges), et aussi par effet de mode, musicologiquement discutable («centenaire de l'arrivée du jazz en Europe»4). Il est bien sûr romantique de rêver devant la photo d'une harmonie (et non pas une «fanfare») de soldats américains afro-américains, prise au Grand Séminaire de Limoges en juillet 1918.


Dès le 4 juin 2018, ce fut l'inauguration d'une place (square devant le grand théâtre) au nom de Jean-Marie Masse. Mais la saison culturelle, «Hot Vienne», est lancée le 9 juin à 18h à la Bfm. Une quantité d'événements faisant écho au legs de Jean-Marie Masse, se prolonge jusqu'au 31 décembre 2018. Parmi les temps forts de la saison, il y a du 11 juin au 8 décembre une double exposition Harlem à Limoges à la Bfm Centre-ville et juste à côté, à la Galerie des Hospices5.

Galerie des Hospices © Photo X

A la Galerie des Hospices, il s'agit d'une vaste documentation surtout photographique, souvent exposée par personnalités (Louis Armstrong qui n'est pas venu à Limoges, Sidney Bechet, Duke Ellington, Lionel Hampton, etc.) avec des cabines d'écoute (Don Byas, 
Albert Nicholas, etc.). Il y a aussi un studio de radio reconstitué (émission en direct le samedi).

L'Exposition à la Bfm, d'accès gratuit, propose un cabine de projection du film
Swingtime in Limoges de Dilip et Dominique Varmat qui a reçu le 2eprix au New York Jazz Film Festival (documents locaux inédits de Bill Coleman, Buck Clayton, etc., et interview exubérante de Jean-Marie Masse)6. Mais c'est aussi des vitrines avec disques, affiches, photos rares, livres (les deux fondateurs: Le Jazz Hot de Panassié et la Hot Discography de Delaunay), Paulette et Jean-Marie Masse, Hugues Panassié et sa famille, la séance Bechet-Mezzrow de 1938, Rex Stewart, le festival de Nice 1948 (avec le press-book d'Yves Montand, présent), etc. Monique Pauzat fut avec son compagnon Jean-Michel Ponty, la scénariste de cette exposition. Masse avait tourné des films 16 mm (muets) visibles ici et là: sortie d'hôtel à Nice d'un Earl Hines dans toute sa splendeur, saynète tournée à Montauban avec un encore jeune Hugues Panassié mimant un orchestre... Il ressort de tout cela un enthousiasme inimaginable aujourd'hui. Ces pionniers étaient heureux.

Jérôme Etcheberry (tp) et Pierre Guicquero (tb) de l'Anachronic Jazz Band © Michel Laplace

Pendant le Colloque, le soir du 22 octobre, l'Anachronic Jazz Band a donné un bon concert au Centre Culturel Jean Moulin. Un public copieux. Deux remplaçants: Jérôme Etcheberry (tp) à la place de Patrick Artero, et Félix Hunot (bj) au lieu de François Fournet. Daniel Huck, présentateur, chanteur (scat mais pas que), sax alto dans trois titres, toujours avec la même verve. Outre les deux chefs, Philippe Baudoin (p) et Marc Richard (cl, as), la formation comprenait aussi Pierre Guicquero (tb), Gérard Gervois (tu), André Villéger (cl, ss, ts), Jean-François Bonnel (cl, ss, C melody sax) et Sylvain Glévarec (dm). Le principe est connu: jouer les standards du «jazz moderne» à la manière du «jazz traditionnel». Il y eut donc des reprises de l'AJB de la fin des années 1970 comme «Bernie's Tune» et «Blue Monk» (superbe solo d'Etcheberry). Mais aussi de nouveaux arrangements notamment signés Villéger et Bonnel. De beaux trios de clarinettes! Etcheberry a amené beaucoup de drive.

Harlem à Limoges, dirigé par Anne Legrand, Les Ardents Editeurs

Le Colloque en lui-même, à l'auditorium Georges-Emmanuel Cancier de la Bfm, s'est accompagné de la sortie d'un CD d'inédits enregistrés à Limoges, Harlem à Limoges7. Ainsi que d'un luxueux livre du même titre8. Le contenu a été défendu en live, dans un ordre différent, par les auteurs devenus conférenciers à partir du 22 octobre à 14h30.


C'est Anne Legrand, commissaire de l'Exposition, qui a recruté les intervenants. Elle a aussi assuré l'intendance (accueil, gestion du temps, etc.). Philippe Pauliat-Defaye, adjoint au maire chargé de la culture, a ouvert les débats (après deux exposés, il y avait, en principe, une discussion). Après l'introduction de Julien Bardier (Bfm) et d'Anne Legrand (BnF), les «spécialistes», d'âge et de profils variés, se sont succédés pendant trois jours sur des sujets le plus souvent en relation avec Jean-Marie Masse. L'ambiance n'est pas sans évoquer les congrès avec expositions qui se font dans les milieux scientifiques. Le jeune Yaniv Arroua9 a reconstitué le parcours «de la préhistoire à l'apprivoisement du jazz à Limoges: 1903-1940». Une trace de Cake-Walk en 1903 reste sans lendemain jusqu'en 1918 et la photo d'un «American Military Band» qui défile sur le Champ-de-Foire de Limoges le 4 juillet 1918. Il ressort qu'il s'agit ensuite de variétés jazzy et du rôle non négligeable des visites de Ray Ventura. Yaniv nous signale le dentiste-trompettiste Roger Blanc (1913-2007) qui fut le premier à présenter une émission hebdomadaire de jazz pendant six mois en 1938 à Radio Limoges («quart d'heure du Hot Club du Limousin»). Yaniv a trouvé des documents de presse pendant l'occupation qui d'une part signale l'interdiction des dancings, et d'autre part que le «bon jazz» est autorisé (ils ne figurent hélas pas dans le livre). Christophe Guillot10 nous a parlé de Jean Marcland,alias Marc Lanjean (1903-1964), né à Limoges, qui fut pianiste de Ray Ventura puis compositeur recherché de musiques de film. Il a diffusé «Arsenic Blues» de Lanjean (1959) avec Pierre Thibaud (tp), qui fut l'indicatif des Cinq dernières minutes (feuilleton télévisé). Enfin Benoît Morin (né en 1981, à Limoges), journaliste du Berry Républicain, nous a parlé de la radio à Limoges de 1926 à 2018.

L'auditorium de la Bfm © Philippe Nasse, by courtesy of Hot Vienne    Yannick Séité, Alyn Shipton et Michel Laplace © Philippe Nasse, by courtesy of Hot Vienne

Le lendemain, 23 octobre, en principe à 9h30, mais avec retard11, Michel Laplace a présenté avec son expérience de trompettiste, les caractéristiques du style de Bill Coleman, président d'honneur du Hot Club de Limoges. Il a choisi de compléter le texte du livre et a abordé: Bill Coleman, «témoin de son temps»12, «acteur de son temps» (audition comparée de Louis Armstrong, Bill Coleman et Jabbo Smith en 1929), «la relation de Bill à la modernité» (fustigeant le rôle négatif des critiques progressistes sur la carrière des mainstreamers dès 1947; audition du trio de Mary-Lou Williams, 1944, et du break et solo de Bill dans «Idaho», 1949), le rôle de Panassié (premier à faire enregistrer Bill sous son nom) et de Delaunay (qui fait revenir Bill en France fin 1948). Avec complicité, Alyn Shipton13 a évoqué Buck Clayton et diffusé«BC and BC» par Bill Coleman et Buck Clayton (1949). Il a terminé par un enregistrement de son Buck Clayton Legacy Band (partitions de Buck) avec Menno Daams (tp) qui continue de faire vivre l’œuvre de Buck Clayton. Bill et Buck furent les deux trompettes préférés de Jean-Marie Masse.

Affiche du concert Rex Stewart le 14 janvier 1948 à la salle Berlioz de Limoges (collection Swing FM) tirée de l'exposition 'Harlem à Limoges'

Matinée consacrée aux souffleurs, elle se poursuit par «Mon pote Don Byas» par Daniel Nevers que l'on ne présente plus. On a notamment écouté Byas dans «Havard Blues» avec Count Basie. Daniel Alogues, responsable du secteur musique et du fonds Panassié à la médiathèque de Villefranche-de-Rouergue, a surtout fait état, avec passion, dans son Guy Lafitte: le poète du saxophone ténor, d'un échange de courriers entre Lafitte et Panassié (qui ne sont pas dans le livre). Les deux hommes, qui s'aimaient beaucoup, ont eu une brouille passagère à la suite d'un article de Guy Lafitte14. L'après-midi du 23, Bob O'Meally15 a présenté (en anglais), «l'esthétique des collages de Louis Armstrong» (qui ne figure pas dans le livre). Yannick Séité16, par ailleurs pondérateur de la journée, a parlé de Mezz Mezzrow à travers l'écrivain de La Rage de Vivre. Le jeune Pierre Fargeton17 a ensuite abordé sans parti pris et de façon factuelle, «Hugues Panassié ou la botte des sept lieux». C'était le mieux à faire puisque nous avons pu constater, parmi les présents sur scène et dans le public, que les deux blocs opposés, lignée Hot Club et lignée progressiste, resteront sur leurs positions. Mais comme Fargeton le perçoit, Hugues Panassié n'est pas conforme aux réductions qu'ont fait de lui18. Deux amateurs suisses, Klaus Naegeli et Konrad Korsunsky ont fait le portrait du critique Johnny Simmen (1918-2004), ami de Jean-Marie Masse. Ils ont surtout diffusé des pianistes (Willie Smith, Rossano Sportiello, Pete Johnson, Ram Ramirez, Pat Flowers) ce qui est très pertinent car représentatif de la sensibilité de Simmen pour cet instrument et pour lequel il dépassait ses sensibilités de style allant jusqu'à y compris McCoy Tyner (album avec Grappelli, 1990). Nous n'oublions pas le portrait fidèle que Claude-Alain Christophe (né en 1934, Paris), actuel président du Hot Club de Limoges, a fait de Jean-Marie Masse: «une vie vouée au jazz». C'est cet enthousiasme exubérant de Masse qui nous vaut la place que tient le jazz (gospel, blues) encore aujourd'hui, à Limoges.

Rencontre Louis Armstrong-Yves Montand, Nice, 1948, coupure de presse tirée de l'exposition 'Harlem à Limoges'

Le lendemain, 24, Anne Legrand a délégué la pondération à son ami Ludovic Florin19. Ce fut d'abord, dès 9h30, Claude Carrière (ex-Jazz Hot, ex-Radio France…), dans son domaine préféré: Duke Ellington («Duke en France»). Son exposé nous permit d'entendre l'orchestre du Duke dans un de ses sommets (1958) et l'enregistrement de Turcaret20, musique de Duke Ellington et Billy Strayhorn, que Duke a offerte à Jean Vilar, et qui fut enregistrée tôt le matin par des requins de studio (Fred Gérard, tp1, Roger Guérin, tp, Billy Byers, Nat Peck, André Paquinet, tb, Raymond Guiot, fl). Toutes les partitions étaient écrites en ut (non transposées). Duke parvint à faire sonner l'orchestre de façon toute ellingtonienne. Beau document! Alexandre Litwak21 nous a parlé de Garnet Clarke (pas de texte dans le livre) car depuis 2015, il s'est attaché à retracer le parcours de ce pianiste devenu légendaire (cf. Jazz Hot Spécial 2003)
. Arrivé en 1935 en France, à 19 ans, il a impressionné par son jeu incisif influencé par celui d'Earl Hines, avant d'être interné à l'hôpital Ste-Anne puis à celui de Saint-Remy où il est décédé en 1938. Le comble c'est que Jacques Bureau (cf. Jazz Hot n°651) est allé l'enregistrer lors de son internement. La seule photo existante de Garnet Clarke laisse à penser sur son regard et faciès déprimé qu'il était déjà malade en arrivant en France. Litwak a regroupé des documents, et il s'avère que Clarke était atteint de syphilis et de désordres mentaux proches de la schizophrénie (la neurosyphilis). Il avait en solo un jeu, à mon sens, brillant mais confus («I Got Rhythm», 1935; solos en asile). J'ai posé la question de la relation entre l'apparente modernité d'un artiste et sa confusion mentale? Il faudrait, me semble-t-il, explorer dans ce sens avec l'aide de psychiatres et une revue de la littérature médicale sur ce sujet. Ludovic Florin a traité «Willie the Lion Smith à Limoges en 1950. Le Lion dans un magasin de porcelaine». Il a cité un texte d'Hugues Panassié (p.115 du livre) qui dévoile une stratégie: avec Le Lion, il veut amener à la cause du jazz un public amateur de musique classique22. D'où la présentation d'un pianiste, seul en scène, dans le rôle de concertiste. Il me semble entendre une théâtralité dans la version de la Polonaise Militaire de Chopin par Le Lion (cf. CD) qui confirme que le pianiste a bien compris l'objectif à atteindre. Noëlle Ribière23a parcouru pour nous l'ampleur de la carrière diversifiée de Claude Bolling. L'après-midi, l'Américaine, Becca Pulliam24, a présenté, en anglais, Charlie Gabriel, actuel clarinettiste du Preservation Hall Jazz Band. Gabriel était très apprécié de Jean-Marie Masse car, j'en ai témoigné, il fut au 1er rang d'un concert donné aux arènes de Marciac en août 1996 par Red Richards, Doc Cheatham et lui-même, et dont je fus le présentateur. Becca en avait projeté une photo non localisée et datée. Pas moins américaine, Rashida Braggs25, nous a parlé, en français, de Kenny Clarke. Pas de doute que Jean-Marie Masse aurait préféré Jo Jones. Rashida, en relation avec Laurent Clarke, fils du batteur, s'est surtout attachée à la personne. Pas un mot sur Dizzy Gillespie sans lequel Kenny n'aurait pas été le novateur qu'il fut. Rashida nous décrit un batteur discret, ce qui n'est pas sa caractéristique dans le Clarke-Boland Big Band dont elle n'a pas parlé. Chris Dussuchaud et l'ex-bluesman Bobby Dirninger nous ont fait une sorte d'animation, joyeuse, sur «ce blues que j'aime, il vient de là». Enfin, Philippe Nasse26 a remporté un sérieux succès avec ses connaissances et iconographies sur «Naissance de la batterie en France» (qui n'est pas dans le livre).

Harlem à Limoges, Saga Jazz

D
es sujets et des intervenants variés, donc, qui sont parvenus à intéresser une audience de qualité, comptant des experts (Charles Schaettel, Daniel Richard, etc.) mais peu de jeunes, numériquement non négligeable pour un sujet «pointu»: le jazz dans son aspect historique principalement à Limoges. Un événement compte-tenu de son succès et de son ampleur mais aussi par sa démarche plus pédagogique que les festivals à but lucratif. Après ce colloque qui a su séduire, «Hot Vienne» continuera avec des concerts par Claude Tissendier (
Swingin' Bolling, 5 novembre) et le Big Band de Michel Pastre (2 décembre). Y aura-t-il d'autres «Hot Vienne»? En tout cas merci à Anne Legrand qui n'a pas ménagé ses forces pour mener à bien cet ambitieux projet.

*

1. Jean-Marie Masse a reçu les conseils de Jerry Mengo qui lui-même est allé prendre des cours auprès de Gene Krupa à New York. Des éléments de la batterie de Masse étaient exposés.
2. Claude-Alain Christophe: Jazz à Limoges. La saga du Hot Club et de Swing FM (2011, L'Harmattan, ISBN: 978-2-296-56100-7).

3. La centaine de disques à gravure directe (Pyral) est conservée au département de l'Audiovisuel de la Bibliothèque Nationale de France (BnF). Des copies de sauvegarde y sont faites ainsi que le stockage à 0°.
4. Il n'y a pas en 1917-19 de «black-bottom, charleston» comme on le lit p.6 de la brochure Parcours Limoges. L'architecture au fil du jazz (Luc Fattaz, édition Ville de Limoges, septembre 2018). Les intervenants du colloque sont d'accord qu'il ne s'agit pas de jazz mais, au mieux, de «ragtime avec des effets» (Yannick Séité). P.4 du dossier de presse, on a enfin ajouté à Jim Europe, «l'arrivée de l'orchestre du batteur Louis Mitchell»! http://www.epistrophy.fr/comment-le-clef-club-started.html

5. Il y avait aussi Jazz in Limoges 1918-1939 au Musée de la Résistance que nous n'avons pas vu.
6. Ce film en présence des Varmat fut aussi projeté dans l'auditorium le 24 octobre en guise de conclusion du Colloque.

7. Buck Clayton (1949), Willie the Lion Smith (1950, dont Polonaise Militaire, opus 40, n°1 de Chopin), Claude Bolling (vers 1951), Don Byas (1952), Bill Coleman (1952), Guy Lafitte (1954), Mezz Mezzrow (1954), Lionel Hampton (1955, 1956) et Albert Nicholas (1956). A la batterie, Jean-Marie Masse ne manque pas de swing («How High The Moon» avec Hampton), d'efficacité («Crazy Rhythm» avec Lafitte) et il sait utiliser les balais («The Gypsy» avec Don Byas).
8. Aux éditions Les Ardents Editeurs (www.lesardentsediteurs.com)
(juin 2018, ISBN: 978-2-917032-93-0). Le CD & livre: 39 euros, à adresser à la Bfm, 2 place Aimé Césaire, 87000 Limoges (05 55 45 96 00).
9. Titulaire d'un master portant sur L'histoire du jazz en Creuse et en Haute Vienne 1925-1994(prix Lémovice 2013).
10. Auteur d'Echoes of Harlem qui traite de l'arrivée des musiques populaires noires américaines à Limoges (1905-1955).

11. Je n'ai pas eu le temps de diffuser une vidéo de Bill Coleman en duo avec Jean-Claude Pelletier:
https://www.youtube.com/watch?v=mrWalvfgg28&feature=share
12. Signalant que la 1èreédition de l'autobiographie (éd. Canat), généralement utilisée, n'a pas satisfait Bill et Lily Coleman à cause des coupures. La 2e édition, traduite en français par Lily, aux éditions Mémoire d'Oc (2004, ISBN: 291389805-X) est la seule fidèle aux propos de Bill.

13. Contrebassiste, collaborateur des New Grove Dictionary of Jazz et of Music, de l'autobiographie de Buck Clayton, auteur d'une biographie de Dizzy Gillespie.
14. Revue Jazz, n°22, spécial France, 3e année, rentrée 1960, page 24.

15. Sax alto, fondateur du Center for Jazz Studies à la Columbia University
.
16. Maître de conférences en littérature française à l'Université Paris VII. Il a fréquenté le jazz à Tours (Christian Vienot, Alain Wilsch, etc.) et écrit pour Jazz Magazine.

17. Maître de conférences à l'Université Jean-Monnet à St-Etienne, auteur de André Hodeir: le jazz et son double (2017, Symétrie).
18. J'ai rappelé à cette occasion que le territoire de Panassié n'est pas fermé au post-1950 car il a écrit avec enthousiasme sur Jimmy Smith, Wes Montgomery, Chuck Berry, King Curtis et même, ce qui a étonné, sur James Brown (critique de disques in Bulletin du HCF, n°160, septembre 1966, p.12-13).

19. Pianiste, maître de conférences à l'Université Toulouse-Jean Jaurès, auteur de divers ouvrages dontCarla Bley. L'inattendu-e (2013, Naïves Livres). Il écrit dans Jazz Magazine.
20. Turcaret, comédie en cinq actes d'Alain-René Lesage (1668-1747), mise en scène par Jean Vilar (1912-1971), présentée au Théâtre du Palais de Chaillot, le 31 décembre 1960 avec Georges Wilson (Turcaret), Mathilde Casadesus (Mme Turcaret), Christiane Minnazolli (La Baronne), Dominique Paturel (Frantin), Rosie Varte (Lisette), Denis Manuel (Le Marquis), Lucien Raimbourg (M. Rofle), etc. Musique de Duke Ellington & Billy Strayhorn.
https://fresques.ina.fr/en-scenes/fiche-media/Scenes00351/turcaret-d-alain-rene-lesage.html
21. Alexandre Litwak (né en 1970, Paris), petit-cousin d'Anatole Litvak (1902-1974), réalisateur-scénariste américain d'origine ukrainienne, est saxo-clarinette et fondateur en 1999 de Gefilte Swing (klezmer-swing). Il s'occupe avec Jean-Pierre Daubresse du Centre Européen des Musiques de Jazz, à Chevilly-Larue, qui abrite les legs de collectionneurs. Félix Sportis qui a écrit sur Garnet Clarke est son «coach» sur le sujet.
22. Hugues Panassié misait aussi sur les disques d'Art Tatum déjà apprécié des virtuoses (Vladimir Horowitz, Samson François, etc.) pour atteindre cet objectif.

23. Membre du Hot Club de Limoges avec son mari, Jacques. Elle est photographe et auteur de
Jazz dans l'objectif (2011, du May-ETAI).
24. Master de piano jazz de la Manhattan School of Music et productrice de JazzSet.

25. Maître de conférences au William College.
26. Batteur, commissaire de la première exposition en Europe sur la batterie: Roll & Swing, qui a donné existence sous ce titre à une plaquette richement illustrée (co-auteurs Philippe Nasse et Marie-Claire Delavallée, juin 2017, ISBN: 978-2-9561060-0-5; 10 euros, www.mupop.fr)

Michel Laplace
Photos, avec nos remerciements: Philippe Nasse, by courtesy of Hot Vienne, X, Michel Laplace
© Jazz Hot n°685, automne 2018
Bruxelles, Belgique

Réouverture de la Jazz Station, 22 septembre 2018, et Saint-Jazz Festival, 28 et 29 septembre 2018

Après une année sabbatique, le festival de la petite commune de Sain-Josse-ten-Noode reprend des couleurs. Un renouveau qui a pris place à la Jazz Station et au Centre Culturel Le Botanique.


Ewout Pierreux (p) et Tutu Puoane (voc) © Pierre Hembise

Précédant de huit jours cet événement, la Jazz Station avait ouvert sa nouvelle saison par le concert du duo Tutu Puoane/Ewout Pierreux. Unis à la maison comme à la scène depuis une quinzaine d’année, la chanteuse Sud-Africaine et son pianiste recueillent de plus en plus de succès en Belgique, où ils habitent, et en Afrique du Sud, bien sûr! Leur prestation au dernier festival de Marciac devrait leur ouvrir bien grandes les portes de l’Hexagone. On attendait une salle comble, pour cette ouverture; on ne fut pas déçu, ni par l’affluence ni par la qualité d’une voix qu’on a souvent appréciée, en quartet ou en avant du Brussels Jazz Orchestra, dans un répertoire jazz ou pop (hommage à Joni Mitchell), en anglais et en zoulou. En duo, ce soir-là, la symbiose piano/voix fut parfaite. Le récital débute avec «Us»: un original qui illustre d’emblée, avec force, un message d’amour. Dès le second morceau (d’Abbey Lincoln), débuté en onomatopées, du grave à l’aigu, on peut mesurer l’aisance rythmique de la chanteuse. Ewout Pierreux ne se contente pas d’accompagner, il fait réellement corps avec le discours, transformant le concert en un dialogue continué et profond. Suivent «Cape Town» d’Abdullah Ibrahim au cours duquel Tutut Puoane scatte wa-wa mimant un solo de trombone, puis «My Shining Hours» en guise de salut aux leçons prises avec Mark Murphy. Scat encore sur une belle ligne de basse boogie et un joli 4/4. En seconde partie, un morceau de Joni Mitchell; «How About You?» de Gershwin et puis«Ten Songs» de Bert Joris au cours duquel Ewout Pierreux dévoile un feeling blue profond. Et pour terminer le concert: un thème sud-africain avec le public qui scande «hayez-hayez», puis «There’s No Choice, My Love Will Wait For You» et, en rappel: «Harmony» avec un solo de la main gauche. Un régal!

Sal La Rocca © Roger Vantilit

A l’affiche de la première journée du Saint-Jazz, le vendredi 28: deux concerts. Le premier, celui de «Shifted», le nouveau quartet de Sal La Rocca (b) dont on attend l’album en novembre. Le suivant: le quartet du guitariste israélien de New-York: Yotam Silberstein. C’est par le titre générique de l’album que le bassiste sérésien lance son concert avec huit notes de basse en ostinato qui sont continuées par le ténor plaintif de Jeroen Van Herzeele (ts), le drumming en échos de Lieven Venken et les réponses de Pascal Mohy (p). Sur «Waiting» de Lieven Venken, plus calme, on apprécie le souffle ample, vibré ou retenu du sax-ténor. Dès le troisième thème, débuté par un solo de contrebasse, on retrouve la manière de Jeroen Van Herzeelequ’on apprécie aussi avec le collectif Mäâk Spirit: post-coltranien, en marche vers l’absolu, l’atonalité. On pense à «l’Amour Suprême»! Le répertoire qui suit est constitué des compositions des quatre musiciens. «Cache-Cash» du leader est exposé en unissons piano + ténor puis Jeroen Van Herzeele miaule, triture la note puis crie; la ligne de basse est essentielle; la révolte succède à la plainte; les syncopes amènent le climat de tensions/détentes si chères à nos oreilles de bopper. La ballade «Bicycle» de Pascal Mohy permet au pianiste de s’extraire d’une présence qu’on pouvait trouver trop discrète jusque-là. Suit «Crescendo» en un chant du sax sur une base rythmique vigoureuse jouée par Lieven Venken en parfaite harmonie avec le bassiste; Pascal Mohy fournit les réponses en forme de points-virgules. «Hagaww» (orthographe non-garanti) précède «Syndrome» de Carla Bley avec, pour conclure, un stop de contrebasse ouvrant sur un échange ténor-batterie et le solo de rigueur de Lieven Venken: un drummer magnifique qui fait corps avec le discours et qui attaque la cymbale cloutée en cercles latéraux: une manière trop souvent absente chez les jeunes percussionnistes.

Yotam Silberstein © Roger Vantilt

Les amateurs du jazz et de la guitare attendaient beaucoup de Yotam Silberstein. L’Israélien a conquis New York par son doigté véloce. Dernière étape d’une tournée européenne avant d’aller séduire l’Asie: il était accompagné par l’Argentin Vitor Gonçalves (p, acc), Noam Wiesenberg (b) et le batteur natif de Tel-Aviv, Daniel Dor. Le répertoire du quartet est largement issu d’Amérique Latine (Argentine et Brésil) à l’exception de «Matcha», une composition en souvenir d’un voyage au Japon. Le leader débute à la vitesse des quadruples croches; son jeu précipité nous apparaît d’abord un demi-coma en avance sur le temps, mais il n’en est rien. Pour le deuxième thème, «Yafo», Yotam Silberstein (g) chante (murmure) les notes qu’il égrène alors que Vitor Gonçalves double son piano/main droite d’un accompagnement main gauche à l’accordéon; à la droite du batteur: un baby-xylophone joue quelques notes discrètes. Le même procédé est utilisé par le merveilleux pianiste sur la ballade «Night Work». «Half Five Things», "flamen-causant" se veut un hommage à Paco De Lucia; «The Wind of the Lake», une ballade argentine, sonne à la mode de Pat Metheny avant un retour au Brésil avec «Rest For People Samba» et «One Zero For Own». «Lulabye», en bis et solo de contrebasse, conclut un concert éblouissant tant par le doigté dense et précis du guitariste que par le jeu éminemment inspiré du pianiste. Les fidèles de la Jazz Station étaient nombreux; les nouvelles têtes itou et tant mieux!

La deuxième soirée du festival Saint-Jazz, programmée par Dimitri Demannez, se déroulait au Centre Culturel Le Botanique: attribut présidentiel de Jean Demannez, Président-fondateur de la Jazz Station et père du ci-devant programmateur. Comme il est de tradition dans cet antre de la pop-culture, il sied de migrer vers des expressionsextra-jazz mais néanmoins rythmées. C’est d’ailleurs par «Afro Beyond» que débuta le premier concert. Le quintet Botafogo n’eut pas été inintéressant s’il n’avait pas été sur-amplifié par la basse électrique du leader: Javier Breton. Ce n’était vraiment pas utile de pousser les amplis à fond dans la petite salle de la Rotonde déjà très sonore par sa structure.

L’omniprésence de la basse électrique allait apparaître comme le dénominateur commun des quatre concerts de la soirée. Manou Gallo (eb, g, voc) enchaîna dans la salle de l’Orangerie avec un groupe afro-beat constitué de claviers, guitare, batterie et basse et, pour les backings: un trompettiste et un saxophoniste. On ne sait pas si le succès assuré pour la Franco-Africaine tient de sa musique ou de sa vêture; elle avait attiré quelque 400 spectateurs de 20 à 50 ans. Ozma: le troisième groupe de ce samedi soir, est dirigé par Stéphane Scharlé (dm) et comprend: Tam De Villiers (g), Edouard Séro-Guillaume (eb), Julien Soro (sax, kb) et Guillaume Nuss (tb). L’écriture et les arrangements du quintet sont intéressantsmême si l’on doit parler de conventions plutôt que d’improvisations. On flirte avec un jazz-rock revisité mais créatif («Krefeld, mon amour», «Hyperlabs»). On a aimé la fulgurance du tromboniste, adepte du style de Glenn Ferris, mais aussi le bel à-propos de Julien Soro au sax et à la clavinette synthétisée. Reggie Washington (b, eb), Bruxellois d’Amérique, était attendu par les quelques jazzfans qui restaient, curieux d’entendre son Vintage New Acoustic Group qui compte en vedettes: Fabrice Alleman (ts, ss) et Bobby Sparks (p, kb), ex-RH Factor, alors que David Guilmore (g), invité, n’était sans doute pas essentiel à la dynamique d’un groupe profondément ancré dans le groove et le new-swing. Le bassiste américain, plus à l’aise à la basse électrique qu’à la contrebasse nous a présenté un répertoire essentiellement jazz mais teinté de blues et de funk. Fabrice Alleman nous enchanta de nouveau par sa créativité exceptionnelle au ténor (c’est notre Sonny Rollins belge) et par une sonorité de soprano qui rappelle Sidney Béchet mais qui serait revisitée par Steve Lacy. On a particulièrement aimé les solos riches de Fabrice Alleman et fulgurants de Bobby Sparks sur «Footprints» de Wayne Shorter.

L’étiquette usurpée de la seconde soirée du Saint-Jazz ne peut nous faire oublier la qualité des musiciens qui s’y illustrèrent même si l’absence d’ubiquité nous a fait manquer la réouverture du Sounds, rue de la Tulipe, où se produisaient Eric Legnini (p), Jean-Paul Estiévenart (tp) et Antoine Pierre (dm), entre-autres. Nous les espérons demain en concert à la Jazz Station, ou l’an prochain lors d’un autre Saint-Jazz.

Jean-Marie Hacquier
Photos: Pierre Hembise et Roger Vantilt
© Jazz Hot n°685, automne 2018
Eben-Emael, Belgique

Jazz au Broukay, 17 au 19 août 2018


Dans un appendice wallon coincé entre la Flandre, le Limbourg hollandais et le Pays de Herve, une promenade cycliste suit la berge du Geer. C’est là qu’une fois par an, entre rivière et coteau, se déroule l’improbable festival Jazz au Broukay. La lande de terre, est interdite aux voitures mais, chaque année, depuis vingt-deux ans, deux mille aficionados s’y pressent au cours de trois journées éminemment conviviales. Pour s’y rendre, il faut savoir marcher ou bien emprunter l’une des deux camionnettes qui font la navette entre le parking et le site.

Le vendredi, la soirée s’ouvrait sur une vidéo concoctée par Jean-Pol Schroeder, le directeur de la Maison du Jazz de Liège. Elle mixait avec bonheur quelques scènes de la genèse des pianistes belges de jazz, de Jean Omer à Michel Herr et de Jean Fanis à Nathalie Loriers. Pour suivre, en concerts live: deux trios étaient au programme: celui de Martin Salemi (p) et celui de Pascal Mohy (p). Révélation de la saison écoulée, le trio de Martin Salemi constitue sans doute la plus belle découverte de la saison écoulée avec ses concerts et la sortie d’un album de compositions originales: Short Stories (Igloo 285). Ici, comme en tournées, le jeune pianiste étonne et séduit par une écriture dense et délicate, un phrasé enjoué («Confidence»), une valse lente («Early Morning»), un thème profond et introspectif («Si j’avais su»), un autre, illuminé, en hommage à Lennie Tristano («Lennies Pennies») ou un clin d’œil au boogaloo d’Eric Legnini («Leaving»). La mise en place du trio est parfaite. Sur «Regina», Toine Cnokaert (dm) swingue, léger, note pour note avec le discours du pianiste. «Unsaid» est construit en répétitions/progressions. Pas de temps morts dans les développements. Les œuvres sont bien charpentées; Fil Caporali, (le nouveau bassiste, bonifie le trio originel par la justesse de son propos (solo introductif de «Lennie’s Pennies»). Le travail est brillant; la symbiose parfaite.

Martin Salemi Trio © Pierre Hembise

Suivant la jeunesse innovante vient l’assurance de la génération précédente, celle des néo-boppers. Pascal Mohy (p), Sam Gerstmans (b) et Dré Pallemaerts (dm) visitent les standards écrits par leurs ainés dans les années 50 et 60: Thelonious Monk («Bolivar Blues»), Bill Evans, Jackie MacLean («Little Melody»), Duke Ellington («Day Dream», «Lush Life»). Solo de piano, solo de basse, 4/4, solo de batterie; la construction est classique («I Could Write a Book») et plaît à un public de connaisseurs qui retrouvent avec joie le swing et la manière de dialoguer et de développer qui fait trop souvent défaut en ces temps où créer rime avec compliqué. Pascal Mohy (p), transcendé par les démons d’Eben-Ezer, était particulièrement inspiré. Inventif, il nous emmène de surprise en surprise avec un tempo intense. Sam Gerstmans (b) est à l’apogée de la gloire; le regard rivé aux murmures du pianiste, il colle littéralement au discours; ses notes sont justes, en haut comme en bas du manche sans un regard pour la position de ses doigts. Dré Pallemaerts (dm) s’était fait rare en Wallonie; on l’a retrouvé sans rides avec l’usage de la charleston et le poignet souple sur la caisse claire et les cymbales. N’est-il pas le digne élève de Kenny Clarke? Un montage vidéo et deux bons concerts: il n’en fallait pas plus pour retourner nous coucher, rassasiés en attente d’un lendemain dont on sait déjà qu’il sera différent.

Pascal Mohy © Pierre Hembise

Traditionnellement, au Broukay, le dimanche rassemble des amateurs, des musiciens manouches et quelques dizaines de Gens du Voyage qui viennent applaudir leurs idoles, notamment un certain Mike Reinhardt (g) dont un album avec Thierry Elliez (org) laissait espérer une fin en apothéose. N’attendons plus longtemps pour vous dire que nos espérances se sont transformées en une amère déception! Derrière l’arrière petit-neveu de Django, Nini Winterstein (g) et Jean-Luc Miotti (dm) ne méritaient vraiment pas cette démonstration de mièvreries avec des accents à la George Benson sur «All of You», «Nuages» et «How High The Moon» ! Tout avait joliment commencé avec «My Romance» et les double chorus que se partageaient Alexandre Tripodi (vln), Renaud Dardenne (g), Victor Foulon (b) et Fapy Lafertin (g). «Vibra Show», «Facination Rhythm’», «Fishing Guyña à Lisboa» de Renaud Dardenne, «Carnation», «Toronto» et deux compositions d’inspiration portugaise de Fapy Lafertin, «Edge cq» de Django, «You’d be for Life to Be at Home Too», «I Had My Moment» constituaient le répertoire choisi par ce quartet impeccable dans l’organisation et la répartition des solos. Alexandre Tripodi a pris pas mal d’assurance dans son costume de leader. Victor Foulon a bien intégré une musique qui n’est pas sienne. J’avais souvent écouté Renaud Dardenne en rythmicien derrière les Cavalière père et fils; je l’ai découvert en soliste intéressant avec un jeu clair qui contraste avec la sonorité plus matte de Fapy Lafertin. Le choix d’un répertoire moins couru et une mise en place parfaite a capté notre attention. Seuls petits reproches: le manque de modulations vibrées dans le chef des guitaristes et la répartition/tournante trop systématique en deux chorus pour chacun et puis on reprendre thème.
Samson Schmitt (g) et Joachim Iannello (vln)

Un piano dans un trio gypsy: c’est chose rare et pratiquement inusitée sauf si l’on s’appelle Johan Dupont (p) et qu’on évolue avec swing et/ou maestria dans tous les domaines, qu’ils soient bleus ou baroques, au piano acoustique, au Fender, aux synthés ou aux grandes orgues. Associer ce phénomène encyclopédique et déchaîné à l’un des plus beaux sons de la guitare manouche et à la virtuosité d’un disciple de Didier Lockwood, cela pouvait sembler risqué. Et bien, ce fut extraordinaire, grandissime ! On a noté: le vibrato de Samson Schmitt (g) et les tremolos de Joachim Iannello (vln) sur une «Ballade Liégeoise» longuement et brillamment introduite par Johan Dupont; l’attaque stride du pianiste sur «Rire avec Charlie»; l’inventivité de Joachim Iannello accompagné par le pianiste en accords puissants à deux mains sur «Pour Michel(le)»; une très belle valse écrite de concert par les trois musiciens: «Anticodes»; des chants/contrechants violon/guitare, des tension/détente en up-tempo puis solo de piano; les breaks sur «Manouche Attitude»; les crescendos/decrescendos et le silence imposé au public avec le très beau «Chopin in Spain»; la puissante main gauche de Johan Dupont sur «Bertrand Swing»… Quel beau concert! Quels solistes époustouflants et puis cette «Rhapsodie à six cordes»  qui termine nous laissant sans voix avec des larmes aux yeux.

Ce sont d’autres larmes, d’une autre sorte, qui suivirent pour le concert de clôture avec Mike Reinhardt. «But Not for Me» acheva de nous convaincre qu’il était grand temps de reprendre le sentier qui nous ramène vers d’autres concerts… lumineux!

Jean-Marie Hacquier
Photos: Pierre Hembise

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Pertuis, Vaucluse

Festival de Big Bands, 6 au 11 août 2018

Rendez-vous apprécié des amateurs de grandes formations, le Festival de Big Bands de Pertuis est porté, depuis vingt ans, par son président, Léandre Grau, qui est l’âme de ce rendez-vous, tout comme Gérard Badini, son parrain. Drôle et chaleureux, Léandre, qui dirige le Conservatoire de Pertuis (dont les élèves participent à tous les niveaux au festival, musicien, régie, placement…) propose, depuis une dizaine d’années, deux concerts par soirée: le premier généralement consacré à des formations restreintes, du trio au sextet, le second consacré à des big bands, le tout sur deux scènes différentes. L’ambiance y est détendue, conviviale, de vrais connaisseurs côtoient des néophytes, le tout accompagné par près de soixante bénévoles qui contribuent à faire de ce moment une manifestation ancrée dans le tissu musical, artistique et amical de la ville. Le prix modique des places –voire la gratuité de certains concerts– permet une vraie fréquentation populaire des lieux. Si l’on ajoute les concerts d’après-midi en ville et l’organisation de masters class d’improvisation et d’ensemble jazz –avec cette année Julien Armani (flh), Christophe Allemand (ts) et Nicolas Sanchez (tp)–, nous avons-là une manifestation partie prenante d’un véritable travail artistique sur la ville.

Lundi 6 août 2018, 19h30. Tartôprunes

A Pertuis, c’est Tartôprunes qui ouvre le festival, depuis au moins Mathusalem, avec un thème vestimentaire et une façon de présenter la musique et les musiciens différente chaque année et toujours orientée vers l’humour façon potache. La formation, tendance déjantée, s’est constituée autour d’élèves du Conservatoire de Pertuis: certains sont devenus professionnels, d’autres partagent le plaisir de faire de la musique en groupe, mélangeant répertoire jazz (Claude Bolling …), variétés, reggae et rock & roll, le tout joué avec un enthousiasme et un humour communicatifs. Cette année, il s’agissait d’un hommage à Frédéric Mistral (!), au Félibre et toutes ces sortes de choses, dont on conviendra que la correspondance avec ce qui va se passer sur scène n’apparaît pas évidente au premier abord… Mais Alex Chagvardieff (g) tente le coup de l’hommage, avant de revenir aux valeurs sûres de Tartôprunes, sous les vivats du public très nombreux et dans lequel sont nombres d’amis des musiciens. Ludique, fraternel, musical, tel est le déroulement du set. On se souviendra de la version de «Paroles, paroles» de Dalida présentée ce soir-là, comme celle de «Chacun fait (c’qui lui plaît)» du groupe Chagrin d’Amour… On notera quelques chorus pris par Romain Morello (tb) et par Valentain Halain (tp) qui témoignent d’une belle créativité associé à une technique impeccable.
Tartôprunes: Maeva Morello (tp), Valentin Halain (tp), Romain Morello (tb) Philippe Ruffin, Clément Serre, Alex Chagvardieff (g),Caroline Suche (p), Maxime Briard (dm,) Bastien Roblot (g, perc, voc)

Big Band de Pertuis © Christian Palen

Lundi 6 août 2018, 21h30. Big Band de Pertuis

On se presse sur les gradins pour assister au concert des enfants du pays: l’orchestre composé essentiellement d’amateurs de haut niveau est ici chez lui. La présentation de Léandre Grau témoigne de par son humour, sa décontraction et son ambition didactique du caractère très inséré dans le tissu de la ville du chef et des musiciens. Cet orchestre a d’année en année acquis une certaine assurance qui lui permet d’interpréter un répertoire constamment renouvelé. Ainsi, pour la première partie, après «Beauty and the Beast»d’Ashman et Menken, c’est avec «Children of the Night» de Wayne Shorter que le concert démarre vraiment, avec un chorus de Christophe Allemand (ts) dans lequel on perçoit les influences de l’auteur du morceau, suivi par un retour à un répertoire plus «classique» avec« I’ve Got My Love to Keep Me Warm» (présenté en un anglais sommaire et approximatif par Léandre, lequel fait dans cet exercice, véritable running gag, la joie du public) et «Cheek to Cheek»tous deux d’Irvin Berlin, thèmes chantés par Alice Martinez, qui permet une respiration subtile entre les parties purement orchestrales et les parties vocales. On enchaîne subito presto avec «Afro Blue» de John Coltrane, dans lequel, outre le travail très ramassé, très cohérent de la rythmique, Mickael Baez(as), Valentin Halain (tp), Romain Morello (tb) et Julien Sanches (p) prennent une série de chorus qui se situent bien dans l’urgence et l’engagement induit par le thème. On revient ensuite vers des choses plus attendues avec«Orange Sherbert», écrit par Sammy Nestico pour l’orchestre de Count Basie, avec un chorus tout en rondeur de Valentin Halain. C’est ensuite vers la bossa nova que l’on se dirige avec «Chega de saudade» de Carlos Jobim avec un chorus de Mickael Baez (as),pour terminer cette première partie sur «Lullaby of Broadway» de Harry Warrenet Al Dubin,et «New Suit for Zoot» de Les Hooper avec encore un beau chorus de Michael Bez.
La deuxième partie débute avec un thème de Michel Legrand «The Windmills of Your Mind» et une intervention de Lionel Aymes (tp) suivi par «Count Me In» du répertoire de Count Basie, avant le retour d’Alice Martinez pour «All of Me», le standard absolu
écrit par Gerald Marks et Seymour Simons.Un grand moment du concert, un tonnerre d’applaudissement pour Alice Martinez. C’est «A-Tisket, A-Tasket», adapté et popularisé par Ella Fitzgerald qui constitue le rappel, avec Alice Martinez, devant un public ravi et chaleureux. Tant dans le choix du répertoire, alternant standards et pièces moins habituelles que dans la prestation des musiciens, du chef et des solistes, le Big Band de Pertuis est en train d’acquérir une maturité et une personnalité musicale qui sont tout à fait réjouissantes pour le devenir de ce projet artistique.
Big Band de Pertuis: Léandre Grau (lead),Christophe Allemand (ts), Clément Baudier(ts), Laurence Allemand (ts), Yvan Combeau (as) , Michael Baez (as), Jérémie Laurès (bar), Jean-Pierre Ingoglia(tb), Romain Morello (tb), Lonny Martin (tb), Bernard Jaubert (btb, tu), Yves Martin (btb), Yves Douste (tp), Lionel Ayme (tp), Roger Arnald (tp), Valentin Halin (tp) ,Jean Marie Pellenc (tp), Gérard Grelet (g), Julien Sanches (p), Bruno Roumestan (eb), Stéphane Richard (dm), Alice Martinez (voc)

Mardi 7 août 2018, 19h30. Masco en Quartet

La formation est née quelque part entre les collines de Provence et les monts du Chiapas. C’est la chanson française qui sort de ses frontières, qui flirte avec le jazz, qui tourne autour des musiques latines. Porté par la voix chaude d’Anne-Sophie Cabrillat, le quartet déroule un répertoire composé par la chanteuse et son complice, Martin Detours, compositeur et arrangeur subtil, qui déroule l’Amérique latine, la peine des hommes et le réconfort apporté par la musique (le récit sur la façon dont son grand-père s’est vu proposer l’instrument dont «personne ne voulait», à savoir la contrebasse, par l’adjudant en charge de la fanfare pendant la guerre de 14-18), la vie et la mort.
Le batteur accompagne délicatement le bassiste, le trompettiste prend des chorus tout en finesse et le moment fort du concert est atteint sur «Catrina» qui parle de la façon dont au Mexique on rend hommage aux morts. Le dialogue entre le piano et la batterie est un pur moment de plaisir tant les deux instrumentistes prennent plaisir à se répondre, toujours subtilement et avec un vrai sens mélodique pour l’une et l’autre. La dernière chanson, «pour les femmes, et à propos de l’homme idéal» est introduite par un chorus de batterie tout entier sur une ligne claire, très déliée, qui introduit parfaitement le propos d’Anne-Sophie Cabrillat.

Masco en Quartet: Anne-Sophie Cabrillat (lead, p), Cyril Latour (tp), Martin Detours (b), Laurent Planel (dm)

Chrisitan Bon (eg) & Marignane School Big Band © Christian Palen

Mardi 7 août 2018, 21h30. Marignane School Big Band

Créé en 1999, à l’initiative de Guy Badino, le Marignane School Big Band est composé de dix-huit musiciens et est dirigé par le pianiste, compositeur, arrangeur et professeur de jazz, Yves Laplane. L’objectif de la formation, au-delà du partage d’une passion, est de proposer un travail suivi entre musiciens professionnels, amateurs de haut niveau et les meilleurs élèves des classes de jazz du conservatoire de Marignane sous la direction d’un chef expérimenté. Le répertoire est composé de thèmes variés allant de la période des grands orchestres (Benny Goodman, Duke Ellington, Count Basie..) à celle des standards (Cole Porter, Jérôme Kern…) et enfin à celle de compositeurs plus récents (Dizzy Gillespie, Miles Davis, Joe Zawinul…). Le concert commence avec un thème de Dizzy Gillespie «Birks Works», avec des chorus très rapide de Jean-François Aussin (ts), Christian Cayol (tp) et Christian Sanchez (as). La chanteuse, Sophie Tessier, arrive ensuite sur «Passionate Rythm» de Gershwin avant de se distinguer avec «Chega de saudade» de Jobim, pour continuer avec «Lush Life» de Billy Strayhorn. L’orchestre reprend, toujours avec Sophie Tessier, le thème d’Irvin Berlin popularisé par Ella Fitzgerald «I’ve Got My Love to Keep Me Warm» que le public connaît parfaitement depuis la vieille. Le morceau suivant se présente comme un hommage du big band à Vincent Séno, le batteur qui dirigea notamment le big band de Marseille et qui s’illustra dans maintes aventures musicales innovantes dans les années 70 et 80. Yves Laplane faisait partie de la dernière formation de ce big band marseillais et l’orchestre répétait au Hot Brass d’Aix en Provence. Le morceau choix est «Smoke Get Into Your Eyes» qui fut joué par le big band de Vincent Séno le 6 juillet 19988 en hommage à Chet Baker, juste après sa mort, alors que ce dernier devait faire un concert avec ce même big band. L’arrangement est signé de Marcel Picabet avec un chorus émouvant de Romain Morello (tb). On passe à plus léger ensuite avec «The Pink Panther» de Mancini qui donne l’occasion à Christian Bon (eg) de servir un chorus remarquable, suivi par Bernard Cesari (dm), lui-même suivi par Olivier Pinto (b). On revient à un thème de Sammy Nestico «The Blues Machine», écrit pour le big band de Count Basie, avant de terminer la première partie avec «Gibraltar» de Freddy Hubbard, un morceau propre, comme le dit Yves Laplane, à permettre aux musiciens de se «détendre un peu» et c’est bien le cas avec les parties d’ensemble de cuivres jouées comme si la vie en dépendait. Le public ne s’y trompe pas et salue l’ensemble d’une ovation méritée.
La deuxième partie reprend sur les chapeaux de cymbale avec «The Chicken»
de Pee Wee Ellisoù Roland Beauvois (tb) et Achille Autin (tb) se distingue fortement. Après un thème de Sammy Nestico, c’est avec un extrait de «Sweet Charity» de Bob Fosse que le concert continue avant de passer à un morceau de Paul Rodgers «It Would Be so Nice» pour terminer avecune évocation toute en malice et virtuosité de «007» alias «Goldfinger» de James Barry. Le titre suivant, «Happy Faces» de Johnny Stitt, arrangé par Quincy Jones, donne l’occasion à Jean François Osmont (ts) de nous gratifier d’un chorus qui enflammera le public. C’est Duke Ellington qui fournit le support du premier rappel, avec «Don’t Get Around Much Anymore» et Chick Corea celui du second, avec le très reconnu «Spain» qui verra le public quitter à regret le lieu du concert.
Marignane School Big Band: Yves Laplane​ (lead, p), Christian Sanchez (ts), Pascal Casalta (as),Jean-François Osmont (ts), Vincent Strazzieri (ts), Mireille Hermitant (bar) Jacques Long (tp), Jean-Pierre Prunaret (tp), Bruno Bousquet(tp), Christian Caillol (tp), Laurent Dorne (tp) Christian Ballaz (tb), Johannes Finkbeiner (tb), Rolland Beauvois (tb), Achille Autin (tb), Christian Bon (eg), Olivier Pinto (b), Bernard Césari (dm), Sophie Tessier (voc)

Kid Dutch & Renaud Perrais Quartet © Christian Palen

Mercredi 8 août 2018, 19h30. Kid Dutch & Renaud Perrais Quartet

Kid Dutch est né à Orlando mais c’est New Orleans qui le constitue comme musicien, jazzman, bluesman, chef d’orchestre, chanteur, multi-instrumentiste (trompette, trombone, tuba), voyageur du monde, conteur, historien du jazz et experts en instruments à vent. Il est la mémoire de la musique de la ville et c’est avec le quartet de Renaud Perrais (ts, cl, tp, piccolo tp) qu’il tourne en Europe en ambassadeur éclairé de cette musique. Cela raconte La Nouvelle-Orleans, ses bistrots, ses voleurs, ses enterrements, ses musiciens… Sur le premier morceau «Chokobo Finger Head», il s’agit du Mardi Gras, Kid Dutch alterne trombone, trompette et chant pour nous raconter la façon dont ce moment est propice à certains excès. Le thème suivant, un standard deblues «Baby Won’t You Please Come Home» donne l’occasion à Kid de nous gratifier d’un chorus sur trompette bouchée, alternant avec le travail très à l’écoute de Renaud Perrais à la clarinette. Le quartet est un vrai écrin pour Kid Dutch qui s’essaie au français sur «C’est magnifique» avant de prendre un chorus de trompette joué dans un chapeau en métal qui lui donne un son très particulier. Il enchaîne avec une berceuse popularisée par Louis Amstrong «When It’s Sleepy Time Downsouth», qu’il jouait à tous ses concerts.
Dans cette prestation dénuée de tout relent passéiste, c’est à une musique vivante que nous sommes conviés, référée historiquement, où Kid Dutch sur une rythmique talentueuse (l’unique chorus de Thierry Lutz le batteur, tout en tambour et roulements), nous parle en musique du lendemain douloureusement migraineux du Mardi Gras, des fumeurs de marijuana «Willie the Whipper» d’Amstrong, des enterrements à New Orleans, avec une suite jouée par les marching bands, aller et retour «New Orleans Function», «Just a Closer», «Free as a Bird» et «All in Rainbow», aussitôt suivi du «Dr Jazz» de King Oliver, «my hero» nous dit Kid. Il continue le set avec «Shoes on Your Feet» une de ses compositions où nous sommes gratifiés de quelques conseils pour ne pas se faire arnaquer à La Nouvelle-Orléans pour terminer avec un morceau qu’il joue depuis l’enfance «Kid Thomas Boogie Woogie», au titre éloquent pour donner «Ice Cream» en rappel.

Kid Dutch& Renaud Perrais Quartet: Kid Dutch (lead, voc, tp, tb, tu), Renaud Perrais (ts, cl, tp, pictp), Eric Gilles (bjo ténor), Jean-Francois Merlin (b), Thierry Lutz (dm)

Mercredi 8 août 2018, 21h30. San Andreu Big Band

Le San Andreu Big Band est composé de jeunes musiciens, entre 8 et 21 ans, issus de l’école municipale de jazz de San Andreu, près de Barcelone. Il se produit non seulement en Espagne mais aussi dans d’importants festivals, dont celui de Marciac. Quelques-uns des jeunes musiciens ont même des carrières professionnelles, notamment Eva Fernandez (ts, voc), Magali Datzira (b, voc), Marc martin (p), Paula Barzal (voc, tb), Andrea Motis (g, bjo), Rita Payes (voc, tb). Le travail de Joan Chamorro (lead, b) a constitué l’orchestre autour d’une assise rythmique solide sur laquelle évoluent musiciens et chanteur(e)s qui, tout en ayant chacun leur instrument de prédilection, se risquent aussi sur d’autres instruments. Cela demande beaucoup de travail à ces jeunes musiciens et, si l’on peut déceler ici et là quelques approximations dans les voix et les chorus, personne ne s’y trompe et l’enthousiasme et l’engagement des jeunes musiciens provoquent une vraie émotion dans le public.
Le concert commence avec «I Was Doing all Right» de Gershwin, introduit à la guitare et par la voix d’Alba Armengou, suivi d’un thème de Duke Ellington, «I Let a Song Go out of My Heart», chanté par Andrea Motiz,et dans lequel Alba est à la trompette. On continue avec des thèmes classiquement joué par de grands orchestres, tel «Mood Indigo» d’Ellington chanté ici par Joanna Casanova, ou «I Got Rythm» de Gershwin, thème sur lequel on assiste à un beau duo vocal entre Eva Fernandez et Paula Berzal, conclu par les garçons qui donnent aussi de la voix. Le big band alterne ce répertoire avec, notamment dans la deuxième partie, des morceauxissus de la bossa nova, tels que «Aguas de Março» ou «Por toda la minha vida» toutes deux de Carlos Jobim avec un très joli chorus de piano de Marc Martin ou «Doralice» écrit par Stan Getz et Joao Gilberto. Mention spéciale pour «
My Blue Heaven» de Walter Donaldson,enregistré notamment par Doris Day et sur lequel l’ensemble des chanteuses offre une prestation toute en swing et en délicatesse. C’est avec «Jump for Joy» d’Ellington que se termine le concert avant le rappel ou plutôt les rappels avec «What’s New» de Bob Haggart et «I Like You Hear It» de Ray Charles. Le dernier titre donne bien l’ambiance de la soirée. Oui nous avons tous aimé l’entendre!

Vendredi 9 août 2018

Les trombes d’eau qui s’abattent sur Pertuis ont contraint les organisateurs à annuler les deux concerts de la soirée Salsa, Tin ‘Del Batey et Pablo y su Charanga

Vendredi 10 août, 19h30. Olivier Pinto Septet

Olivier Pinto a participé, à la contrebasse ou à la basse électrique, à plusieurs aventures musicales dans la région provençale: notamment aux débuts du Big Band du CNRS, puis au Big band de Marignane avec Yves Laplane (avec lequel il a joué ici mardi) et, côté classique, à l’Orchestre symphonique d’Aix-Marseille dirigé par Sébastien Boin, puis à l’Orchestre Philarmonique de Provence de Bernard Amrani. Il a constitué son propre septet en 2017, dont il signe les arrangements. C’est autour du hard bop que se développe la musique du Septet, avec notamment des compositions de Joe Henderson, Hank Mobley, Kenny Dorham et Horace Silver.
Et c’est d’ailleurs avec «This i Dig of You» d’Hank Mobley que commence le concert avec les quatre soufflants qui prennent des chorus à tour de rôle, de plus en plus courts, qui contribuent largement à faire monter la tension, appuyé par le jeu très précis d’Olivier Pinto, parfaitement complété par celui de Raphael Sontag (dm), très fin et délié sur les cymbales. Les solos pris par Jean Charles Parisi (ts) se révèlent particulièrement propices à faire ressentir au public l’urgence contenue dans le morceau. Le deuxième titre, composé et arrangé par Oliver Nelson,«Yearning»,est attaqué dans la même veine, avant une composition d’Olivier Pinto, «Bleu», qui donne l’occasion d’écouter un chorus de Lionel Danzi (p), qui remplace ce soir le pianiste habituel du septet, coincé entre deux avions. «Waltz for Sony», de Toots Thielmans, offre un vrai travail sur le thème et ses variations par les quatre cuivres, tant ensemble que lors des différentes interventions. Un des moments forts du concert. On continue avec «Lotus Blossom» de Kenny Dohram avant que le septet ne se transforme en trio piano-contrebasse-batterie pour trois morceaux, dont un de Duke Ellington, puis «Valeria» de Jérôme Matheron (le pianiste habituel du septet), puis «Beatrice» de Sam Rivers. Le Septet se retrouve sur «No me esqueca» de Joe Henderson qui verra là encore un joli travail d’ensemble des cuivres. «My One and Only Love» la ballade jouée dans la version d’Horace Silver donnera l’occasion à Olivier Pinto d’un chorus de contrebasse sur une ligne claire qui sera à juste titre très applaudi. C’est «My Groove Your Moove» d’Hank Mobley, un des premiers arrangements d’Olivier Pinto qui sera joué en rappel.

Olivier Pinto Septet: Olivier Pinto (b), Achille Autain (tb), Arnaud Farsy (as), Jean Charles Parisi (ts), Etienne Leterrier (tp), Lionel Danzig (p), Raphael Sontag (dm)

Dominique Mandin (ss) et le Vintage Orchestra © Christian Palen

Vendredi 10 août, 21h30. Vintage Orchestra

Créé en 2000 par le saxophoniste Dominique Mandel, le Vintage Orchestra se propose, d’explorer la musique du compositeur et trompettiste Thad Jones, lequel, avant de créer son orchestre en collaboration avec le batteur Mel Lewis, avait fait partie du big band de Count Basie. Rappelons que Thad Jones était le frère d’Hank Jones (p) et d’Elvin Jones (dm). Si ses compositions instrumentales ont fait le tour du monde et ont été enregistrées par une foule d’interprètes, ses arrangements pour une voix de soliste, datant de la période 1965-1968 n’ont jamais été rejoués ni même édités sous forme de partitions. Il a donc fallu exhumer cette musique par un travail minutieux de réécoute et de transcription, auquel se sont consacrés Dominique Mandin, Stéphane Guillaume, François Biensan, Jon Boutellier et Erick Poirier, non pour en donner une restitution strictement fidèle à l’original mais plutôt pour permettre à un orchestre soudé par quinze ans de pratique commune du répertoire de Thad Jones de se réapproprier ces œuvres.
Le premier morceau du concert donne le ton. Sur «Groove Merchant», le big band se structure autour du pianiste, situation que l’on retrouvera tout au long du concert. Il y a beaucoup de chorus de piano dans le répertoire de Thad Jones, chorus conduit avec la section rythmique où Mel Lewis tenait un grand rôle. On perçoit là une grande machine, un ensemble extrêmement cohérent dans lequel les solistes, ici Jerry Edwards (tb), Ludovic Alamac (p) et Yoni Zelnik (b) peuvent s’exprimer en toute liberté. On continue avec «Second Raise», un blues, puis «All of Me» sur lequel intervient le chanteur Ken Norris, voix chaude d’un vrai professionnel rompu à l’exercice du big band (il était venu à Pertuis en 2016 avec le big band de Lutz Krajenski) avec un vrai talent d’entertainer. Le thème «Get out My Life» et la ballade composée par Duke Ellington «Come Sunday» offre l’opportunité d’admirer la cohésion de l’ensemble avec le chanteur et la capacité du Vintage Orchestra à s’insérer dans ce projet de revisitation du répertoire vocal de Thad Jones, avec un chorus de Jean François Devéze au sax baryton puis David Sauzay au sax ténor. La première partie se conclue sur «It Don’t Mean a Thing».
A la reprise, c’est encore une fois Louis Amstrong qui est à l’honneur avec «Suite for Pops», écrit pour l’enregistrement en hommage à Louie, où Andréa Michelutti (dm), Dominique Mandin, Jerry Edwards et Michael Ballu (tb) prennent une suite de solos qui permet encore une fois d’apprécier le travail d’ensemble des cuivres. Puis c’est le morceau exutoire, notamment nécessaire dans un big band, «Fingers» qui débute très fort par un chorus de Jerry Edwards au trombone, suivi de Michael Ballu avant une partie d’ensemble des trombones tout à fait exceptionnelle, juste avant qu’Olivier Zano (ts) et Thomas Savy (as) arrivent sur le devant de la scène et se lancent dans un duo, avec des phrases de plus en plus courtes, faisant monter l’adrénaline, et la rythmique qui elle aussi fait monter la tension… Les musiciens exultent et le public aussi. Grand moment qui montre à la fois la qualité des solistes, de l’ensemble et de son directeur musical, Dominique Mandin. Ken Norris revient avec une reprise de Ray Charles «Hallelujah I Love Her so» que se clôt le concert avec deux rappels, «How Sweet It Is», le bien nommé, et «Us» qui fit les belles nuits du big band de Thad Jones et Mel Lewis.

Vintage Orchestra: Dominique Mandin (lead, ts), Olivier Zanot (ts), Thomas Savy (as), David Sauzay (as), Jean-François Devèze (bar), Erick Poirier (tp), Lorenz Rainer (tp), Fabien Mary (tp), Julien Ecrepont (tp) Michael Ballue (tb), Bastien Ballaz (tb), Jerry Edwards (tb), Martin Berlugue (tb), Ludovic Alamac (p), Yoni Zelnik (b), Andrea Michelutti (dm), Ken Norris (voc)

Samedi 11 août 19h30. Belmondo Family Sextet

Mediterranean Soundmarque les retrouvailles musicales des frères Lionel (tp) et Stéphane (ts) Belmondo pour un hommage vibrant à –et avec leur père Yvan (bar)–, à la musique qu’il aime et qu’il leur a transmise. Le répertoire de la formation est choisi par Yvan et mis en forme par Lionel, qui nous fait partager leurs influences: jazz moderne, hard bop de la Côte Est et arrangements soignés de la Côte Ouest avec quelques incontournables. «Je voulais écrire un disque qui ressemble à mon père. Que l’on perçoive ses influences mais aussi les nôtres, qui sont venues se rajouter aux siennes. On peut y entendre notre histoire du jazz, à travers des standards que j’ai arrangés spécialement pour mettre en évidence ce qui nous lie. Mais surtout c’est un hommage à celui qui nous a donné l’envie de faire de la musique, qui nous a transmis l’esprit qui nous anime aujourd’hui, ce respect des anciens et ce goût du partage, qui sont au cœur de nos projets» explique Lionel Belmondo. C’est après une présentation très personnelle de Léandre Grau (qui est un proche de la famille) que le concert débute avec une composition d’Arthur Schwartz «Alone Together», arrangée par Lionel sur une inspiration donnée par l’écoute d’un disque de Chet Baker, avec Yvan qui prend le premier chorus, rapide et virtuose, suivi par Henri Florens (p), moderne et déstructuré suivi par Lionel lyrique à souhait. Puis, c’est «Tangerine» de Victor Schertzinger, suivi de «Flamingo» de Ted Grouya –immortalisé par Duke Ellington et Errol Garner– et dans lequel Lionel prend un chorus en piqué, penché sur le batteur, hors du micro, suivi par Stéphane au cornet, lui-même soutenu par le bassiste. Le public ravi chavire dans la fin d’après-midi: il n’y a plus personne à la buvette, tout le monde se rapproche de la scène et suit l’affaire de très prés. Vient ensuite une pièce tirée de l’opéra «Thais» de Jules Massenet, dont Lionel aspire à ne faire rien de moins qu’un nouveau standard. On poursuit avec «Grooving Higher» écrit en référence au «Grooving High» de Dizzy Gillespie par Conte Candoli, trompettiste important de la scène West Coast, puis c’est «Hi Fly» de Randy Weston où l’on ressent encore une fois l’extrême liberté qui règne dans le sextet. Henri Florens prend un chorus très «monkien», introduisant quelques subtiles dissonances suivies par Jero Portal à la contrebasse, très mélodique, pendant que les deux frères continuent de s’approcher et de s’éloigner des micros, donnant un son très particulier au sextet selon leur position et renforçant le caractère libre et live du set. Il s’agit bien d’un hommage, un hommage à la musique vivante, dont il convient, nous dit Lionel, «de faire profiter les gens vivants, pas que les décédés».
Belmondo Family Sextet: Yvan Belmondo (bar), Stéphane Belmondo (tp, cnt), Lionel Belmondo (ts), Henri Florens (p), Jero Portal (b), Christian Tonton Salut (dm)

Anthony Kerr (vib) et le BBC Big Band © Christian Palen

Samedi 11 août 19h30. BBC Big Band

Les origines de ce big band remontent aux débuts de la BBC et à la création de l’original «BBC Dance Orchestra» en 1928. L’âge d’or des années 30 a vu la formation devenir une célébrité avant qu’elle ne soit rebaptisée «BBC Showband», sous la direction notamment de Cyril Stapleton, et commence à se produire avec différentes stars internationales comme Frank Sinatra ou Nat King Cole. Dans les années 60, l’orchestre devient le «BBC Radio Big Band», sous la direction de Barry Forgie, qui assurera la pérennité de l’orchestre jusqu’à la fin de la décennie. Après la décision de la BBC en 1991 de mettre fin à son big band et la forte réaction du public, un accord est trouvé en 1994 pour assurer l’existence de la formation sous une forme indépendante de la BBC, mais en conservant son nom et son identité. Des concerts avec invités prestigieux (Ray Charles, Georges Benson, Tony Bennett, George Shearing, Manhattan Tranfert, Lalo Schifrin…) ont contribué à maintenir la grande notoriété du big band. Il est actuellement dirigé par Jiggs Whigham.
Le concert débute avec «Love for Sale» de Cole Porter et l’on perçoit d’emblée que nous avons affaire à une splendide machine où le contrebassiste, Jeremy Brown, très en avant, va être un maillon essentiel. Les parties d’ensemble où chaque pupitre joue sa partition claquent dans la nuit pertuisienne. On continue avec un thème de Benny Goodman avant «Sweet Georgia Brown» de Maceo Pinkard et Ken Casey, qui fait partie depuis longtemps du répertoire du big band. C’est sur ce morceau qu’intervient Anthony Kerr (vib) qui produit un chorus virtuose qui enchante le public. On constatera durant tout le concert la façon dont le vibraphoniste s’insère dans l’orchestre, non seulement comme ponctuation mais clairement intégré à l’ensemble, notamment au niveau des cuivres. La chanteuse Ray Martin arrive ensuite sur une composition de Gershwin, aussitôt suivi par «That Old Black Magic» où sa voix et son sens du swing s’intègre parfaitement avec la prestation de haut vol de l’orchestre. Sur le thème suivant, encore de Gershwin, Anthony Kerr prend un nouveau chorus qui montre toute l’étendue de son talent. La première partie se termine sur un nouveau thème de Duke Ellington, avec un duo de sax ténor très rapide suivi par une intervention très remarquée de Jay Craig au sax baryton.
La deuxième partie commence par un titre de Tommy Dorsey, suivi par un thème d’Artie Shaw «Begin the Beguine» avec un splendide solo de clarinette donné par Martin Williams. Sur le thème de Count Basie qui suit «Little Town», issu de Atomic Basie, on apprécie la précision millimétrique des parties d’ensemble succédant aux chorus. Suit Wild de Lionel Hampton à propos duquel Jiggs Whigham nous dit que le caractère «wild» de l’orchestre d’Hampton (connu pour être peu discipliné) est difficile à reproduire par des musiciens anglais… Pour autant, Anthony Kerr, une nouvelle fois mis en avant, n’a eu aucune difficulté à jouer «wild»! La chanteuse revient sur un thème popularisé par Sarah Vaughan avant de reprendre «Cheek to Cheek», toujours d’Irvin Berlin et de finir par un thème blues de Count Basie «Dancin’», où l’on perçoit bien que le solo furieusement acrobatique de Gordon Campbell (tb) dure plus longtemps que prévu, empêchant le pupitre de trompettes d’intervenir. Les trompettes interviendront douze mesures plus tard! Jouissi
f!
BBC Big Band: Jiggs Whigham (lead), Mike Lovatt (tp), Pat White (tp), Danny Marsden (tp), Martin Shaw (tp), Gordon Campbell (tb), Andy Wood (tb), Ashley Horton (tb), John Higginbotham (tb), Howard McGill (ts), Sammy Mayne (ts), Paul Booth (as), Martin Williams (as), Jay Craig (bar), Tommy Emmerton (eg), Anthony Kerr (vib), Robin Aspland (p), Jeremy Brown (b), Tom Gordon (dm), Ray Martin (voc
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Texte et photos: Christian Palen

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Le Parc de l’Amirauté © Yves Sportis


Pléneuf-Val-André, Côtes d'Armor

Jazz à l'Amirauté, 10 juillet au 28 août 2018


Toujours et encore dans le très beau Parc de l’Amirauté, à deux pas de mer, dont on nous a dit qu’il subirait bientôt de profondes transformations, avec en fond de scène la belle bâtisse qui fait le charme d’un ensemble entourée de très beaux arbres centenaires, se déroulait en cet été 2018 la 23e édition du festival de jazz. Toujours gratuit et organisé par une équipe enthousiaste et volontaire, ayant comme souci principal de proposer du jazz sans compromis tous les mardis de juillet et d’août, cette édition a encore réuni cette année une forte assistance (plus de 1000 personnes à chacune des soirées, et encore 700 personnes le 10 juillet malgré une demi-finale de coupe du monde de football).
Ici, le service d’ordre est discret, et tout se déroule dans une harmonie parfaite entre scène et public pour faire de ce festival un moment de simple plaisir musical.


Comme d’ordinaire, Jazz Hot était présent à l’une des soirées, le 14 août, mais des échos nous sont parvenus pour nous dire qu’il y eut avant cette date d’excellents moments comme le Just for Swing (10 juillet) des frères Bertrand, le duo Raphaël Lemonnier et Angie Welles (17 juillet), le 3 for Swing de Jacques Schneck (24 juillet) et les Oracles du Phono, un all stars made in France avec Daniel Huck, Stan Laferrière, Nicolas Montier, Jacques Sallent, Christophe Davot, Benoît de Flamesnil, Nicolas Fourgeux (7 août). Le 14 août, nous avions rendez-vous avec une formation inédite autour du trio de Philippe Duchemin (p), le parrain heureux de ce festival, avec ses complices Patricia Lebeugle (b) et Nicolas Peslier (g). Le pianiste avait invité les Sisters in Swing, «la brune et la blonde» telles qu’elles furent présentées avec humour et sans prétention en référence à la comédie musicale Gentlemen Prefer Blondes (Les Hommes préfèrent les blondes) d’Howard Hawks, la seule qu’il réalisa, avec Tina May dans le rôle de Marilyn Monroe et Pauline Atlan dans celui de Jane Russell, un casting tout à fait réussi où le caractère pétillant de Tina May faisait contrechant au feeling plus retenu de Pauline Atlan. Pour être des amies de longue date, elles n’avaient jamais croisé leur chant sur une scène, et c’était donc la première d’une rencontre inédite. L’esprit fut swing, jazzy par moments  Le répertoire commença par «A Little Girl From Little Rock» et se termina, avant le rappel, par «Bye Bye Baby», deux thèmes de la comédie musicale évoquée plus haut, puis fit de nombreux détours par tous les états d’âme tour à tour explosifs, sentimentaux, intenses, ludiques, avec des évocations de Frank Sinatra («September in the Rain», «Come Fly With Me», «Too Marvelous for Word»), de Cole Porter («True Love»), de Billie Holiday («Good Morning Heartache»).

Philippe Duchemin, Patricia Lebeugle, Tina May, Pauline Atlan, Nicolas Peslier © Yves Sportis

Après un intermède en trio, pour un beau «Daahoud» de Clifford Brown ou chacun des instrumentistes brilla, le club des cinq attaqua un medley des Beatles, dans un traitement jazzy de bon niveau, mais le moment le moins captivant pour votre serviteur malgré l’évocation du «Can’t Buy Me Love» d’Ella Fitzgerald. On passa ensuite à l’inévitable référence à Nat King Cole («Walkin' My Baby Back Home») avant de revenir à un registre plus dynamique et jazz avec un «Take the 'A' Train» bien enlevé où les deux chanteuses firent preuve de leur brio et de leur complicité.

Quand le concert sembla s’achever sur le retour à «Bye Bye Baby» et à Les Hommes préfèrent les blondes, Tina May annonça la «surprise du chef» à savoir la présence dans l’assistance de son phénoménal compatriote Bruce Adams: le trompettiste écossais était venu en voisin (il séjourne en Bretagne), et ne s’est pas fait prier pour participer à un rappel qu’il dynamita avec sa fougue habituelle et son talent d’instrumentiste hyper-expressif qui réunit les qualités de ses maîtres Cat Anderson (pour les aigus), Cootie Williams (pour la wah-wah) et Louis Armstrong dans la puissance et la clarté d’émission. Au programme de ce nouveau concert si l’on peut dire: «Them There Eyes» et «It Don’t Mean a Thing If It Ain’t Got That Swing», le swing dans tout son éclat, de Billie Holiday et Ella Fitzgerald à Duke Ellington, en passant ce jour-là par Bruce Adams et une excellente formation où le trio de Philippe Duchemin entoura avec énergie (Patricia Lebeugle), fluidité à la Barney Kessel (Nicolas Peslier) et fulgurance à la Oscar Peterson (Philippe Duchemin), deux chanteuses talentueuses, complices en swing comme deux sœurs…

Bruce Adams, Patricia Lebeugle, Tina May, Pauline Atlan, Nicolas Peslier © Yves Sportis

C’est la qualité de ce festival de ne pas mentir sur son projet et sur ses affiches, et de proposer du jazz qui swingue. Le public fut soulevé par ce point d’orgue inattendu, et ravi d’une soirée qui avait tenu au-delà de ses promesses. Les cieux le furent sans soute aussi puisque quelques perles de pluie vinrent saluer la dernière note sans refroidir nullement l’enthousiasme du public.

Il restait encore deux soirées pour clôturer Jazz à L’Amirauté en 2018 dans cette belle station balnéaire de la Côte d'Emeraude (le 21 août avec Romane, Enzo Mucci, Claude Tissendier, Gilles Chevaucherie, et le 28 août avec le Harlem Rhythm Band). Gageons qu’elles ont été à la hauteur de l’ensemble de l’édition. On espère que la prochaine édition pourra se dérouler dans un Parc de l’Amirauté préservé dont l’esprit –une autre belle pinède– n’est pas pour rien dans le succès de cette sympathique équipe et de ce bon festival de jazz.

Texte et photos: Yves Sportis

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Ospedaletti, Italie

Jazz Sotto le Stelle, 8 au 10 août 2018

C'est toujours un plaisir de retrouver, début août, l'auditorium communale d'Ospedaletti où se tenait la 15eédition du festival Jazz Sotto le Stelle organisé par l'équipe de notre ami et correspondant Umberto Germinale, tant les conditions d'écoute et la proximité avec les artistes y sont parfaites.

Andrea De Martini Sextet © Giulio Cardone, by courtesy of Jazz Sotto le Stelle d'Ospedaletti

C'est le projet Ottimo massimo d'Andrea De Martini (ss, ts, comp, arr) qui ouvre le bal, le 8 août. Dans une veine jazz-fusion et dans l'esprit des Brecker Brothers ou de Pat Metheny, selon les moments. Les très valeureux musiciens de San Remo –Lorenzo Herrnhut (g), Francesco Bertone (b) et Enzo Cioffi (dm)– étaient épaulés pour illustrer leurs répertoire par quelques invités prestigieux, au rayonnement plus médiatisé: Gianpaolo Casati (tp), Luigi Di Nunzio (as) et le fantastique Antonio Faraò (p), donnèrent à cette prestation un lustre post bebop supplémentaire, pour un concert de près de deux heures, très applaudi.

Le lendemain,les Dream Weavers de Gavino Murgia (ss), Nguyên Lê (g, b, synth) et Mino Cinelu (perc) doivent se réfugier dans la petite halle de l'ancienne gare qui contient à grand peine les spectateurs que la pluie n'a pas découragés. Adeptes, voire proches de Miles Davis ou Joe Zawinul (Mino Cinelu a joué dans leurs formations), les trois musiciens s'aident de nombreuses machines dont le maniement semble les accaparer davantage que leurs instruments conventionnels. Ils improvisent une musique de climats, expérimentale, très électronique, étrange, onirique, que certains trouveront envoûtante, quand d'autres regretteront le caractère trop aléatoire du processus créatif...

Rosario Bonaccorso Quartet © Giulio Cardone, by courtesy of Jazz Sotto le Stelle d'Ospedaletti

Retour à l'amphithéâtre le troisième et dernier soir, pour une musique plus aérée, avec le groupe réuni par Rosario Bonaccorso (b, voc) qui comprend Fulvio Sigurt (tp, flh), Dino Rubino (p) et Alessandro Partenesi (dm), et, comme special guest, le distingué Stefano Di Battista (ss). Reprenant, avec les mêmes pianiste et batteur, le répertoire de A Beautiful Story, son dernier album, Rosario Bonaccorso, qui aime doubler de la voix ses lignes de basse, présente ici de très belles compositions, lyriques à souhait. Le trompettiste et le saxophoniste se font un plaisir de les prolonger par des improvisations brillantes, dynamiques, gorgées d'invention et de swing. Les spectateurs sont, cette fois, unanimes: ils ont assisté à un superbe concert. Umberto Germinale, très ému, a même eu droit, en second rappel, à un spécial «happy birthday» à la manière réjouissante du Dirty Dozen Brass Band, enrichi de très longs développements mélodiques, comme si les musiciens voulaient faire durer le plaisir encore et encore.

Daniel Chauvet
Photos: Giulio Cardone, by courtesy of Jazz Sotto le Stelle d'Ospedaletti

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Aix-en-Provence, Bouches-du-Rhône

Festival de Jazz d'Aix, 5 août 2018

C’est la première édition du Festival de Jazz à Aix-en-Provence, organisé par l’association «Les Harmonistes», fondée il y a à peine quelques mois, et qui ambitionne d’en faire une manifestation estivale pérenne, accompagnée d’une programmation en saison dans différents lieux à travers le Pays d’Aix, autour de «toutes sortes de jazz». Le but étant aussi de promouvoir de jeunes talents, notamment de la région, laquelle compte de nombreux musiciens peinant à trouver des endroits où s’exprimer. En outre, l’association, présidée par Alain Calas, est en lien avec d’autres organisations locales comme Jazz Folla ou le festival Marseille Jazz des Cinq continents. Elle souhaite fonctionner sur fonds propres, sans contraintes, sans subventions publiques donc, même si la mairie d’Aix-en-Provence a mis le parc de la Torse à sa disposition pour cette soirée inaugurale, qui restera la seule date de cette première édition 2018.

Dee Dee Bridgewater © Christian Palen

Dee Dee Bridgewater est ainsi la première artiste invitée par le festival, accompagnée de l’orchestre Memphis Soulphony (Coris Polyum, tp, Brian Mafat, ts, Dale Smith, kb, org, Clinton Johnson, g, Carlos Sergent, dm, Money Owens, Scarlet Jordan, voc), pour un concert tout entier dédié à la musique qui constitua la bande son de son adolescence, la musique de Memphis, qu’elle écoutait sur «son transistor», nous dit-elle, «avec une petite feuille d’aluminium pour améliorer la réception», sur la station de radio WDIA, qui a commencé à émettre à Memphis à la fin des années 1940 et passait de la musique afro-américaine, et que Dee Dee écoutait en cachette de ses parents. On conviendra qu’il s’agit là de choses profondément ancrées et qui sont constitutives d’une personnalité musicale. Son dernier album, Memphis…Yes, I’m Ready (Okey/Sony), est consacré à ce répertoire.

Elle attaque le concert, très en forme, avec «Soul Finger» des Barkeys et d’emblée le ton est donné. Ce sera soul et elle va, avec la musique et avec ses mots, nous parler de l’endroit d’où elle vient, de ce qu’elle pense, de ce qu’elle sent. Puis, c’est «Going Down Slow» de St. Louis Jimmy Oden, un blues dans lequel Clinton Johnson (g) prend un chorus sur très peu de notes, avant de laisser la place à Dale Smith (kb, org), le directeur musical, avant la reprise par Dee Dee, puissante, expressive, chaleureuse. Entre chaque morceau, elle plaisante, en anglais puis en français puis de nouveau en anglais, éventuellement avec un accent français outré avant de retraduire en anglais pour les musiciens, distillant un humour de dame indigne, qui se permet des allusions sexuelles appuyées avec ses jeunes musiciens, de les tripoter, de les séduire comme elle séduit le public.

Suit «Giving up» le tube de Gladys Knight & The Pips, qu’elle reprend splendidement, soutenue par les deux choristes de haute-volée, Money Owens et Scarlet Jordan avec Carlos Sergent (dm) qui tient parfaitement l’édifice. Grand moment avec «Why? Am I Treated so Bad» des Staple Singers où elle évoque ce qui s’est passé à Little Rock dans l’Arkansas en 1957, quand neuf élèves afro-américains, avec le soutien de la NWACP, décidèrent d’aller dans un lycée réservé aux Blancs; épisode dans lequel s’illustra le gouverneur Faubus, celui des «Fables» de Charlie Mingus. Elle poursuit avec un hommage à Obama avant une version très concernée du tube de Carla Thomas, «the Queen of Memphis soul»: «B-A-B-Y», puis «Don’t Be Cruel» (d’Otis Blackwell et Elvis Presley, titre qui constitua d’ailleurs la seule collaboration du King avec un artiste afro-américain), dans lequel le duo avec Brian Mafat (ts) est un grand moment du concert. Dee Dee saisit alors l’occasion pour nous parler du son de Memphis, pas du tout arrangé pour plaire à tout le monde, contrairement à celui de Tamla Motown nous dit-elle, mais constitué d’un mélange de soul, rock, gospel, soit «un mélange très spécial pour des gens très spéciaux». Autre grand moment et apprécié comme tel par le public, le long chorus de trompette, très délié, mid-tempo, bluesy à souhait, pris par Coris Polyum sur «The Sweeter He Is», une reprise du groupe The Soul Children, constitué chez Stax par Isaac Hayes. La nuit aixoise en est illuminée. Dee Dee enchaîne avec une intervention sur la situation faite aux femmes aux Etats-Unis et dans le monde avant de saluer B. B. King avec «The Thrill Is Gone».

En rappel, «Try a Little Tenderness» d’Otis Redding, clôt la soirée, titre adressée comme un viatique, par une chanteuse qui vient d’offrir l’image même de l’authenticité.

Texte et photo: Christian Palen

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Le site mégalithique d'Ales Stenar © Jérôme Partage

Ystad, Suède

Ystad Sweden Jazz Festival,
1er au 5 août 2018

Si les festival d’Ystad demeure sympathique par son esprit bon enfant et la simplicité de ses fonctionnements «à l’ancienne» (la presse et le public ont la plupart du temps facilement accès aux artistes, il n’y a pas de restriction pour les photographes et l’organisation est assurée par une équipe de bénévoles souriants et dévoués) et s’il est encore possible d’y entendre quelques excellents concerts de jazz, la tendance déjà observée l’année dernière de resserrement de la programmation (toujours assurée par le pianiste Jan Lundgren) autour d’artistes scandinaves, dont le travail relève souvent des musiques improvisées plus que du jazz se confirme. Les têtes d’affiches américaines  présentait cette année un intérêt moindre, exception faite de la somptueuse performance de Monty Alexander, invité d’honneur de cette édition 2018 et du concert de Cécile McLorin Salvant en ouverture.


Janis Siegel, Alan Paul, Trist Curless, Cheryl Bentyne © Jérôme partage

Le 1er août, le festival a débuté en fin de matinée avec un concert et une parade menés par la formation suédoise de jazz new orleans Second Line Jazz Band, tandis que le premier grand concert, avec le quartet de Cécile McLorin Salvant, se déroulait dans le complexe sportif de l’Ystad Arena, à 17h. Nous n’étions malheureusement pas encore arrivés à Ystad pour couvrir ces événements. La compagnie aérienne n'a pas tenu compte du jazz, une fois de plus… Le festival a donc commencé pour nous à 20h, à l’Ystad Arena, avec le show vocal de Manhattan Transfer. Le public était au rendez-vous pour écouter ce quartet historique, en activité depuis 1972 (une première version du groupe a existé de 1969 à 1971 avant de se dissoudre), qui comprend Alan Paul, Janis Siegel (présents depuis 1972), Cheryl Bentyne (arrivée en 1979) et Trist Curless (qui a remplacé le fondateur, Tim Hauser, en 2014, après son décès). Les quatre vocalistes sont accompagnés par un trio mené par Yaron Gershovsky (p), lui aussi de l’aventure depuis l’origine, qui comprend également Gary Wicks (b) et Steve Haas (dm). Manhattan Transfer a ainsi déroulé ses titres les plus connus: «Route 66», «Joy Sping» de Clifford Brown –tiré d’un de leur plus gros succès, l’album Vocalese (Atlantic, 1985), dont les paroles de chaque chanson avaient été écrites par Jon Hendrix– ainsi que le fameux «Birdland» adapté de Weather Reaport. Si ce spectacle façon «cabaret», parfaitement chorégraphié, a donné lieu à quelques bons moments, comme le «solo de trompette» de Janis Siegel sur «A Tisket a Tasket», en hommage à Ella Fitzgerald, on a fini par trouver le temps long et ce n’est ni l’extrait de leur nouveau disque, The Junction (2018): «Sometimes I Do» (de la pop) ou leur tube en rappel, «Chanson d’amour» qui pouvaient redonner de l’intérêt à un spectacle quelque peu aseptisé.

Le lendemain à 11h, dans la jolie cour de Per Helsas Gård, se produisait Ellen Andersson (voc). Débutant le concert simplement en duo avec son guitariste, Anton Forsberg, celle-ci a séduit par son joli timbre et l’interprétation sans fioriture de «Lady Be Good» et «I’ll Be Seeing You». Le reste du quartet (Hannes Jonsson, b, Sebastian Brydniak, dm) l’a ensuite rejointe et le concert a en partie dérivé sur une sorte de pop jazz  La version de «Gloomy Sunday» permît de renouer avec la bonne impression du début. Le début de soirée resta timide, avec le retour de Youn Sun Nah (voc) à Ystad (à 19h, au théâtre): elle s’était en effet produite en duo avec Ulf Wakenius (g) lors de la première édition du festival et était revenue l’année suivante. Avec un quintet à la tonalité jazz-rock (Tomek Miernowski, eg, Frank Woeste, p, ep, org, Brad Christopher Jones, b, Dan Rieser, dm), la Sud-Coréenne a fait son habituelle démonstration technique, loin de l'esprit du jazz jazz.

Monty Alexander © Jérôme Partage

Cette timidité fut admirablement compensée par la somptueuse leçon de swing qu’administra le grand Monty Alexander (à 23h, au théâtre), invité d’honneur de ce Ystad Sweden Jazz Festival 2018. Bien que le pianiste soit apparu les traits tirés et paraissait souffrir quelque peu de la main gauche, il se présenta au public souriant et décontracté. La fluidité de son jeu, relevé par des épices caribéens, nous régala du meilleur jazz avec le soutien des excellents Hassan Shakur (b) et Obed Calvaire (dm). Un concert parfait où le plaisir la beauté et le plaisir se loger dans chaque morceau, du blues à la reprise du célèbre «No Woman, No Cry». Depuis plusieurs années, Monty Alexander alterne albums jazz et projets tournés vers le reggae et la musique jamaïcaine. Si ses aventures (assumées et revendiquées) n’ont pas toujours convaincu (ces disques ont été chroniqués dans Jazz Hot), le pianiste a transformé ce soir-là en une jolie ballade jazz le tube de son compatriote Bob Marley, sans en expurger totalement le rythme reggae. S’adressant volontiers au public entre deux morceaux, Monty rappela le coup de pouce que lui apporta Frank Sinatra en 1962, lequel le fit engager dans le club de son ami Jilly Rizzo, le Jilly’s, à New York, dont il devint le pianiste attitré pendant quatre ans. En hommage, il interpréta «In the Wee Small Hoursof the Morning» et «I’ve Got You Under My Skin». Et Monty de poursuivre son récital de façon aérienne, glissant sur les belles lignes de basse d’Hassan Shakur, et écoutant mourir les dernières notes d’un morceau, les mains suspendu sur le clavier, s’apprêtant à prolonger le son du bout du doigt et laissant finalement la musique s’éteindre doucement, comme pour éviter une note de trop. C’est tout l’art de Monty Alexander: son abord du piano n’a rien de démonstratif; il joue simplement d’une expression claire et profonde, naturellement swing. On l’entendit enfin au melodica sur le dernier morceau. En fin de concert, il prit de nouveau la parole pour expliquer qu’il avait subi une attaque cinq jours plus tôt, laquelle l’avait laissé temporairement paralysé de tout le côté gauche. On comprit alors pourquoi cet éternel jeune homme semblait tout d’un coup accuser davantage le poids des ans. Il n’en reste pas moins un musicien lumineux, proclamant que ce malheureux épisode marquait un nouveau départ dans sa vie. Et c’est celle qui la partage qu’il appela sur scène pour le rappel, son épouse et manager, Caterina, qui interpréta une jolie chanson italienne.

Le 3 août, pour le concert de 11h, le pianiste, chanteur, auteur, compositeur et homme de télévision Jan Sigurd (p, voc) rendait hommage à Monica Zetterlund (une icône du jazz en Suède qui avait fait l’objet d’une soirée spéciale à l’Ystad Arena en 2017, voir notre compte-rendu), dont il avait composé les musiques de son ultime album, et à Mose Allison qu’il a contribué à populariser auprès du public suédois dans les années 1990. Il était pour cela accompagné d’un sextet et de trois invités: Anna-Lena Brundin (voc), Tomas Franck (ts) et le Français Sébastien Charlier (hca). La voix éraillée de Jan Sigurd donne du caractère à son interprétation des standards («Sway»…) et lui confère sur le blues (avec un de ses titres, «Come Along to St. Louis») des faux-airs de Dr. John assez savoureux. Ses autres compositions étaient décevantes, effet accentué par les interventions lénifiantes de Lena Brundin –passée par les cabarets berlinois et le tango argentin– et d’autant plus regrettable que l’orchestre était dans son ensemble d'excellent niveau.

Trinity: Ali Djeridi (dm), Karl Olandersson (tp), Andreas Hellkvist (org) © Jérôme Partage

L’après-midi, à 15h, dans la charmante cour fleurie du Hos Morten Café, on eut l’occasion de découvrir une formation autochtone intéressante avec Trinity: Andreas Hellkvist (org), Karl Olandersson (tp) et Ali Djeridi (dm). Ce trio, créé en 2005, vient de sortir son quatrième album, Nuages. Proposant une relecture groovy et festive des standards, ainsi que quelques bons originaux, tout à fait dans le ton («Philosophical Sanday Walk»), on a apprécié de l’entendre sur «Honeysuckle Rose», «On the Sunny Side of the Street» ou encore «Nuages» dans une excellente version. Cette prestation réjouissante s’est achevée avec «The Preacher» d’Horace Silver, titre sur lequel le trompettiste est descendu parmi le public, donnant à ce final des accents venus de New Orleans.

A 21h, à Löderup, petite localité de 500 habitants à proximité d’Ystad, s’est tenu, dans un charmant dancing des années 1900 encore «dans son jus», le concert de Goran Kajfeš (tp, kb, Jazz Hot n°678), lequel présentait son dernier projet, Tropiques, qui est un prolongement de son Subtropic Arkestra, avec un effectif plus réduit: Alexander Zethson (p, kb), Johan Berthling (eb) et Johan Holmegard (dm, perc). Musicien au foisonnement éclectique, Goran Kajfeš s’exprime tantôt dans un jazz free marqué par le folk suédois (comme avec son quintet Oddjob), tantôt dans un ailleurs toujours très inventif et en l’espèce une musique de fusion dense mais accessible, bien servie par des sonorités électroniques utilisées sans abus.

Le 4 août, la journée a débuté, à 11h, avec le quartet de la chanteuse britannique Trudy Kerr augmenté d’un invité, l’altiste finlandais Jukka Perko, pour une évocation de Paul Desmond. Si le saxophoniste emblématique du Dave Brubeck Quartet n’est pas le plus hotde l’histoire du jazz, il méritait mieux que cet hommage servi par des instrumentistes consciencieux et une chanteuse peu inspirée.  Outre l’inévitable «Take Five» et quelques autres standards représentatifs de la collaboration Desmond/Brubeck, on n’échappa pas à Simon & Garfunkel, «Mrs Robinson», dont Paul Desmond avait enregistré une version en 1970 (Bridge Over Troubled Water, A&M Records).

Christian Bekmulin (g), Stefan Abel (ts), Lutz Krajenski (org) © Jérôme Partage

Si les concerts du matin ont été globalement décevants en cette édition 2018, on eut, à l’inverse, une deuxième bonne surprise au Hos Morten Café, à 15h, avec les Allemands du Christian Bekmulin Quartett. Encore une formation avec orgue (Lutz Krajenski), menée par un jeune guitariste. Si le batteur, Nathan Ott, a sensiblement le même âge que le leader, le ténor Stefan Abel, tout comme Lutz Krajenski, est un musicien plus expérimenté. C’est donc à un dialogue entre deux générations auquel on assiste, autour d’une musique inspirée par Wes Montgomery, le principal modèle de Christian Bekmulin. Ce furent majoritairement des compositions originales qui furent présentées, servies avec un groove réjouissant. Un bon moment de jazz.

Les concerts à caractère historique ne sont jamais légion à Ystad, d’où l'idée de reléguer la prestation (à 21h30) du clarinettiste et saxophoniste Sammy Rimington (as, fl, voc, 1942), figure du revival New Orleans en Angleterre, dans l’abbaye d’Ystad, bordé par un petit jardin médiéval au milieu d'un parc charmant. Le Britannique –entouré du Belge Philippe de Smet (tb), des Néerlandais Wouter Nouwens (bjo) et Emile van Pelt (p) et de Gregory Boyd, natif de Milwaukee (Wisconsin) résident danois de longue date– a su en tirer son parti en glissant quelques spirituals au milieu des standards caractéristiques de Crescent City, notamment un medleyconsacré à Mahalia Jackson. L’ensemble de la prestation fut agréable.

La dernière journée du festival, le 5 août, a démarré fort tôt: 5h20 du matin! Il s’agissait de proposer aux courageux une expérience inédite: assister au lever du soleil dans un cadre magnifique, le site de mégalithes de Ales Stenar, un petit Stonehenge, à quelques kilomètres d’Ystad, perché sur une falaise au bord de la mer. L’endroit est en soi magique et y voir progressivement naître la lueur du jour, avec tous ses changements de nuances, est un spectacle exceptionnel qui se suffit à lui-même. Cependant, afin d’assurer une ambiance mystique, le festival avait donné carte blanche à Nils Petter Molvaer (tp). Dans le froid et le vent de l’aube suédoise, le Norvégien, assisté d’un ordinateur portable, s’est livré à une longue improvisation solo, agrémentée d’effets électroniques.
Retour ensuite à Ystad, dans la cour de Per Helsas Gård pour le concert de 11h (grande tasse de café obligatoire!) pour écouter la chanteuse britannique Claire Martin accompagnée de son compatriote Jim Mullen (g) et d’une rythmique scandinave (Magnus Hjorth, p, Thomas Ovesen, b, Kristian Leth, dm). Encore un hommage à Wes Montgormey, disparu il y a tout juste cinquante ans. De «Bumpin’ on Sunset» à «Goin' Out of My Head» l’évocation a été à la hauteur.


Lizz Wright © Jérôme Partage

A 17h, au théâtre, se produisait Lizz Wright en tournée promotionnelle pour son dernier album paru chez Concord Jazz: Grace. Une nouvelle fois, la chanteuse a présenté des compositions personnelles déployées dans un univers entre folk et soul, avec la touche gospel caractéristique de cette artiste originaire de Georgie. Car Lizz Wright a un talent vocal exceptionnel, une expression naturelle qui a mûri à l’église. Aussi, on reste un peu perplexe devant la veine pop alors qu’elle sait interpréter les standards du jazz de façon impériale! Mais c’est un choix assumé et revendiqué par la jeune femme. On s’est tout de même consolé avec un de ses morceaux originaux, dans l’esprit Ray Charles, «Singing in My Soul» qui rend véritablement grâce à ses qualités artistiques.

Enfin, à 20h, le festival s’est achevé là où il avait débuté pour nous, dans le complexe sportif de l’Ystad Arena. Le directeur artistique, Jan Lundgren (p) s’y mettait en scène dans un show un peu foutraque avec la complicité d’un autre éminent musicien suédois et directeur de festival (Jazz Baltica, Timmendorfer Strand, Allemagne), Nils Landgren (tb, voc). On se souvient de leur duo, plaisant, l’année dernière, mais cet alternance de tableaux musicaux représentant soit le jazz introspectif de Jan Lundgren, soit le funk débridé de Nils Landgren, chacun avec leur formation et invités respectifs –auxquels on a rajouté un orchestre à cordes– a laissé sceptique. Et ne parlons pas du mélange des deux! D'un côté, Jan Lundgren, son trio (Matthias Svensson, b, Zoltan Csörsz, dm) et ses invités (Paolo Fresu, tp, flh -qui donnait la veille un concert au théâtre-, Wolfgang Haffner, dm, et Jukka Perko, as); de l'autre, le Funk Unit de Nils Landgren. Si avec son trio, ou en duo avec Paolo Fresu, le pianiste a permis quelques jolis moments musicaux (parfois même jazz!), la situation est presque devenue embarrassante lorsque le tromboniste a invité sur un morceau, on ne peut plus funky, le sage Paolo Fresu qui a fait au mieux pour se sortir de l’impasse. Le final festif qui a réuni l'ensemble des protagonistes sur fond de cordes pas très audibles, a ravi le public, heureux de danser sur du funk...

Un mot des jam-sessions du 2, 3 et 4 août, sur la Marina, toujours menées par le bon pianiste Sven Erik Lundeqvist et son trio (Simon Petersson, b, et Olle Dernevik, dm). Le premier soir, il était en quartet avec un jeune trompettiste qui a fait forte impression: Björn Ingelstam. Ces afters sont restés agréables et demeurent une part importante de l'esprit de convivialité qui anime le festival, bien qu'aucune des têtes d'affiche du festival n'y ont participé. Les absents ont toujours tort.

Texte et photos: Jérôme Partage

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Langourla, Côtes d'Armor

Jazz in Langourla, 3 au 5 août 2018

Pour sa 23e édition, le festival Jazz in Langourla au pays du Méné change les têtes d’affiche mais conserve son état d’esprit porté par Marie-Hélène Buron et Gildas Le Floch qui profitent du cadre particulier offert par le Théâtre de Verdure, surplombé d’une couverture de vélum, et du caractère bucolique du site, pour attirer un public fourni, avec un aspect très familial dans la synergie des énergies bénévoles qui caractérisent l’organisation. Avec une première série de concerts vers 19 heures, plus tournés vers la scène locale, et deux sessions nocturnes à partir de 20 heures, cette édition a bénéficié d’une météo clémente qui donne tout son sens à un festival de plein air, dans la pleine acception du terme.

Vendredi 3 août, à 19 heures 30, le duo lauréat du Tremplin Jazz in Langourla 2017, Robbe Gloaguen, investit la pelouse du site pour un set plein de vie et d’énergie. Fabien Robbe au piano et Jérôme Gloaguen à la batterie initient une synthèse à base de musique bretonne et de jazz aux accents free. Ainsi une valse danoise voisine-t-elle avec des titres pur swing («Victorine»), «L’Ennui» essai pour piano solo avec «La Beauceronne», une ode angélique de Malher avec un chant nocturne camerounais. De quoi faire passer un premier bon moment aux festivaliers installés sur l’herbe autour de la scène aménagée.

A 21 heures, Edouard Leys Trio régale de sa verve classique, matinée de gospel et de blues, le public du festival. Un set émaillé de divers incidents techniques, qui met à rude épreuve le sens de l’humour et le talent d’entertainer du pianiste Edouard Leys, accompagné de Michel Roschiglione (b), Stéphane Stanger (dm), et en guest star de la chanteuse Lys Cogui. Avec un son résolument acoustique, des intermèdes constitués d’échantillons de notes laissés à la convenance du public sur lesquels baser ses improvisations, un classique comme «Sunny» de Bobby Hebb prend tout son sens, et cet optimisme sera aussi celui du leader tout au long de la soirée, en dépit ou à cause des incidents susmentionnés. Un premier blind test avec la chanteuse Lys Cogui, qui interprète superbement la chanson titre du film «Skyfall», des accents syncopés de biguine et de calypso propices à des figures de danse, un classique de Wayne Shorter «El Toro», un nouveau blind test avec Lys Cogui sur la trame de «Wild Horses» des Rolling Stones (que le pianiste oubliera d’ailleurs de communiquer au public), et le set tout de bonne humeur et de musicalité s’achève en beauté contagieuse.

Francis Lockwood (p), Fiona Monbetet (vln), Diego Imbert (b), Adrien Moignard (g) © Philippe Colliot by courtesy of Jazz in Langourla

A 22h30, le clou de la soirée est, bien évidemment, cet hommage à Didier Lockwood, dont la présence était fort attendue en cette édition 2018 du festival de Langourla. La violoniste Fiona Monbet est l’héritière spirituelle de celui dont l’ombre plane au-dessus de Théâtre de Verdure. Francis Lockwood (p), Adrien Moignard (g) et Diego Imbert (b), profitant de la nuit tombée, vont donner le concert le plus émotionnellement abouti du festival, tout de recueillement, d’intimisme et de profondeur musicale. Une entame de concert comme Didier Lockwood avait coutume de le faire, sur un titre de Stéphane Grappelli (présenté comme son maître à penser par Fiona Monbet, suggérant par là-même ce que Lockwood représentait pour elle), «Les Valseuses». «I Got Rhythm» de George Gershwin permettent de poser les bases d’une musique à la fois très enracinée et moderne. «Someday My Prince Will Come», de par ses sonorités intemporelles, continue dans la même veine, en instaurant une complicité naturelle avec l’ensemble des personnes présentes, tandis que «The Kid», élégant et racé, incarne son rapport à une certaine modernité. L’intensité de ce set, parfois bouleversant, culmine au cours de l’improvisation solo de Francis Lockwood, qui profite de son récent tribute à Jimi Hendrix pour lui dédier les arpèges de «Little Wing», disséminés parmi les lignes mélodiques plus traditionnelles associées à la personne de son frère. «Nuages» de Django Reinhardt poursuit cet hommage avec puissance et fougue. «Barbizon Blues» prouve par l’exemple que la postérité devrait retenir les qualités de compositeur de Didier Lockwood, avant que «Les Feuilles mortes» de Jacques Prévert et Joseph Kosma ne finissent d’emporter l’adhésion en émouvant les cœurs les moins enclins à s’épancher. L’absence de percussions, l’intimisme revendiqué de la prestation, l’émotion à fleur de peau, tangible durant tout le set, font de ce concert un véritable manifeste, avec une esthétique proche du jazz de Django Reinhardt; un passage de témoin inspiré et profond, dont la sincérité évidente constitue la qualité majeure. Le legs du violoniste est ici honoré dans sa dimension la plus enracinée, celle de la filiation avec le grand Stéphane. Un concert magnifique.

Samedi 4 août, à 19 heures, le groupe Jazz de Bazz –Paddy Paumard (s), Jean-Yves Moka (g), Manuel Paumard (b), et Jean-Benoît Culot (dm), inaugure la soirée avec ses standards qui couvrent toutes les périodes du jazz, du New Orleans au hard bop. De «Body and Soul» à «Besame Mucho», la formation réinvente à sa manière un répertoire de toujours, qui fut manifestement à l’origine de la vocation de chacun des membres du groupe.

Dmitry Baevsky (as), Clovis Nicolas (b), Bernd Reiter (dm) © Philippe Colliot by courtesy of Jazz in Langourla

A 20h30, Dmitry Baevsky (as), en trio avec Clovis Nicolas (b) et Bernd Reiter (dm), entre en scène pour ce qui restera comme l’un des grands moments du festival. Les trois musiciens jouent un jazz new-yorkais plein de fougue et de verve, avec une prédilection marquée pour la période moderne. Très technique, le concert est marqué par une série d’explorations inspirées, fluides et surtout musicalement contrastées, sans préjudice de fraicheur et de vivacité.A partir d’un répertoire d’une grande diversité, du registre de la ballade à celui du boléro, en passant par nombre de up tempos, ce concert haut en couleurs restera comme une illustration de la réussite du festival. Le saxophoniste a d’ailleurs enregistré avec Jimmy Cobb et Cedar Walton. Il est surtout l’un des musiciens actuels qui ont le mieux assimilé le vocabulaire du bop et ses divisions subséquentes. «Chant» et ses accents gospel, «Delilah» pour la filiation avec Clifford Brown, notamment, en témoignent de façon particulièrement éloquente, avec un regain de musicalité constant entre deux breaks fulgurants. Une musique fractale, qui séduit d’autant plus qu’elle joue de toutes les ambiances, de tous les courants, sans jamais renoncer à une quête de la beauté ultime.

A 22 heures, le Trio Aïrès nous propose un jazz très influencé par la musique contemporaine. Si Edouard Ferlet (p) et Stéphane Kerecki (b) sont bien présents, Airelle Besson, la trompettiste arrangeuse et compositrice est absente ce soir Elle est remplacée au pied levé par Geoffroy Tamisier qui s’en sort admirablement, avec un timbre très posé empreint d’une certaine majesté. Basé sur l’album Aïrés, qui mêle compositions de Ravel («Pavane pour une infante défunte»), Fauré, et Tchaïkovski, sans parler des «Stances du Sabre» tout droit issues de «La Danse du Sabre» de Khatchatourian, le groupe ajoute quelques thèmes originaux («Infinité»,«Manarola») et une touche de baroque qui doit évidemment beaucoup à La Passion selon Saint-Jean de Bach. Bien que ce concert soit le moins swing de tout ce que propose le festival, le lyrisme d’ensemble, l’inspiration en constant renouveau et le goût de l’expérimentation, qui sous-tend la plupart des créations proposées par le groupe (cordes frappées à l’intérieur du piano, jouées à l’archet, étouffées, etc), remportent une très large adhésion du public.

Dimanche 5 août, à 18 heures, les stagiaires de la Master Class sont réunis autour de Dominique Carré (g) pour un set entièrement consacré au jazz Django. Le tout jeune Matteo Leye se distingue particulièrement dans cet aréopage composé uniquement de guitaristes. D’un strict point de vue guitaristique, l’attaque de cordes de Dominique Carré, parmi les plus puissantes du style, s’apparente par sa vigueur à celle des grands musiciens de flamenco.

Thomas Enhco (p) et David Enhco (tp) © Philippe Colliot by courtesy of Jazz in Langourla

A 20h, David Enhco (tp) et Thomas Enhco (p) prennent la scène pour donner une représentation dont la complicité et la communication développées tout au long de leurs vingt-cinq ans d’entente et de partages musicaux sont les principales qualités. Les deux frères s’adressent de gentilles boutades durant leur set, Thomas opposant, par exemple, le manque d’originalité du titre «Novembre» à la valeur de sa musique. David lui rend la pareille en évoquant des anecdotes familiales à l’origine de certaines des compositions jouées («Looking for the Moose»). Cette musique, dans ses développements, n’est pas sans susciter de vives questions esthétiques, car la formation classique des frères Enhco ne s’est nullement diluée au contact du jazz et de l’école de leur beau-père Didier Lockwood. Ainsi l’interprétation de standards, tels «I Fall In Love too Easily», «What’s New», ou «All The Things You Are» de Jerome Kern, pleines de fioritures et d’ornementation, doit-elle beaucoup à ce background familial complexe, avec des influences musicales multiples. Les évolutions pianistiques de Thomas Enhco compliquent encore la donne, empreintes d’une verve où se ressent l’influence des études de Debussy et Scriabine. David Enhco métisse un peu les échanges, canalisant l’énergie de son frère en conférant à sa trompette les propriétés d’une voix humaine. Sans doute, à cet égard, la discipline acquise au sein de l’Amazing Keystone Band avec Jon Bouteiller est-elle pour quelque chose dans cette dimension orchestrale du jeu du trompettiste. Le grand moment du concert demeure cette belle version du classique de Duke Ellington «In a Sentimental Mood», que le duo dédie fort à propos à Michel Petrucciani, qui jouait ce titre avec Didier Lockwood. Après cet intermède inspiré, «You’re Just a Ghost» de Thomas Enhco, clôt sur une note pour le moins talentueuse cette évocation pudique et indéniablement populaire des grandes musiciens de jazz et de classique qui inspirent le tandem.

Enfin, à 21h30, le quartet de Marian Badoï (acc) ressuscite l’âme de la musique tzigane avec Sébastien Giniaux (g), Olivier Lorang (b) et Mihaï Trestian au cymbalum, sorte de cithare sur table. Un concert de clôture bien loin de la musique festive qu’on associe trop souvent à l’esprit rom, et qui par sa gravité et sa profondeur saisit littéralement le public présent. L’accordéoniste a une culture musicale étendue, basée tout à la fois sur un contexte familial riche en musique et en musiciens, et sur sa rencontre avec le jazz de Django («Clair de Lune») lors de son installation en France, qu’il confronte à sa propre tradition en révélant leur profond socle commun. Des traditionnels du folklore roumain sur le mode phrygien («Hora») aux compositions personnelles comme «La Balade à Nantes», «Le Tango du 17 Septembre», «Guitare Si Basse», cette célébration d’un esprit typique au jazz manouche et aux gens du voyage («Les Gosses De La Rue»), réhabilite à sa manière le concept d’une musique nomade, explicitant les raisons pour lesquelles le peuple tzigane fut toujours rétif à rentrer dans le rang de la sédentarité, plus enclin à défendre l’idée d’un art et d’une musique libres, incompatibles par essence, tant avec les lieux clos qu’avec les cénacles où s’élaborent les certitudes culturelles. Si chacun des musiciens se montre impeccable dans sa partie, une mention spéciale revient à la «Suite pour Cymbalum», sorte d’OVNI plein de vie du festival, lors duquel Mihaï Trestian brille de mille feux en témoignant de toutes les possibilités harmoniques de l’instrument. Un beau manifeste pour la liberté, symbole d’une édition 2018 mémorable du festival de Langourla, l’équipe technique expérimentée ajoutant des effets d’ambiance et de mise en scène sous forme de jeux de lumières somptueux et d’une image sonore dénuée de défauts, tandis que les musiciens se prêtent au jeu jusqu’au bout de la nuit en sacrifiant à la tradition désormais bien établie des jam sessions au pub Le Narguilé after hours.

Jean-Pierre Alenda
Photos: Philippe Colliot by courtesy of Jazz in Langourla

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Gandia, Javea, Espagne

Festival Polisònic, 25 juillet au 18 août 2018
Festival Xàbia Jazz, 4 au 6 août 2018

Frank Catalano © Juan José Todolí by courtesy

Chaque été, la côte de la Marina Alta (sud de Valencia, nord d’Alicante) renaît au jazz avec désormais trois moments forts: le vétéran Festival Polisònic de Gandia qui présente toujours parmi ses concerts une ou plusieurs scènes de bon jazz; le Xàbia Jazz qui commence lui aussi à prendre de l’âge et le tout neuf Festival de Jazz de Dénia qui fait se produire des musiciens de la province. Il faut ajouter que, depuis peu, le jazz sort du cadre estival puisque Gandia propose en hiver chaque mois ses jeudis du jazz. Laissons grandir un peu le Festival de Denia.



Festival Polisònic

Mais en fidèle habitué du Polisònic, il importait le 3 août d’écouter dans les magnifiques jardins arborés de la Casa de Cultura, le saxophoniste de Chicago, Frank Catalano (Jazz Hot n°674). Frank a offert le jeu énergique avec lequel il a l’habitude de régaler le public et qui a depuis longtemps assuré sa réputation. Dès les premières notes de «Things Ain't What They Used to Be» le souffle est puissant, le son du ténor envahit les jardins. Catalano apprécie le quartet traditionnel qui permet à tous les partenaires d’être à l’écoute des uns des autres, ce qui favorise le dialogue et la création in situ, moment important pour le saxophoniste. Et c’est en quartet qu’il est sur la scène du Polisònic. Autour de lui, figurent Jean Bardy (eb), Manu Dalmace (dm), qui apporte un groove un peu rock à sa musique, et Valérie Benzaquine (p) qui, sans autre répétition que le moment de la balance, s’est illustrée de belle façon devant le Nord Stage avec des interventions appréciées du public. Bardy était lui aussi passé au tout électrique et a dû s’employer à pallier l’absence d’un ampli (aïe, les doigts!) mais a su gratifier le public de belles interventions en soliste. Le batteur, toujours à l’écoute de Frank et de ses partenaires, à l’aise sur les compositions du saxophoniste, solide dans l’accompagnement, a envoyé de beaux soli sur «Big Al’s Theme» et «Shakin» la composition de Catalano qui caracole en tête du Billboard aux Etats-Unis, sur laquelle le ténor exprime aussi sa vélocité héritée de ses maîtres chicagoans, Von Freeman, Eddie Harris. «Bye Bye Blackbird» débute par une belle introduction du saxophone. La puissance de Catalano éclate après chaque intervention de ses partenaires. Suit un magnifique «At Last» qui permet d’écouter le saxophoniste plus mélodique. Après avoir indiqué l’importance de Coltrane dans sa conception du jazz Frank lance « Impressions », thème difficile qui requiert une grosse attention de la part de ses partenaires pour satisfaire leur leader. Personne attentive, il laisse une large place à ses partenaires. Et Valérie Benzaquine, percutante, agressive sur les touches s’en donne à cœur joie sur les standards tout particulièrement «Our Love Is Here to Stay», «Night and Day» et son introduction, plus délicate, sur «Fly Me to the Moon» est superbe. Manu se met aussi en évidence sur «Our Love Is Here to Stay» et Jean sur «Shakin» et « Cold Duck Time » qui termine en beauté la soirée offerte par le quartet de Frank Catalano. Environ cinq cents amateurs étaient venus découvrir le saxophoniste et nul doute qu’ils repartent des jardins pleinement satisfaits tout comme peut l’être Eudald González, directeur du Polisònic pour avoir fait preuve d’une certaine audace.

Festival Xàbia Jazz

Le 4 août, non loin de là, pour le premier jour du Festival Xàbia Jazz, deux formations étaient programmées. Frank Catalano d’une part et le guitariste valencien Ximo Tebar d’autre part. Peu sans doute parmi le bon le millier et demi de personnes qui s’étaient données rendez-vous Plaza de la Constitución, étaient présentes la veille à Gandia, mais comme le quartet du saxophoniste bénéficiait d’un beau piano à queue et d’une contrebasse la prestation sonnait différemment. L’espace plus ouvert laissait aussi se répandre davantage la musique, conduisant à une ambiance différente. Frank Catalano, même s’il débute comme la veille avec «Things Ain't What They Used to Be», n’a pas non plus repris tous les mêmes thèmes. Energique, il a laissé éclater sa classe sur «Tuna Town». Suivent «At Last», «Bye, Bye Black Bird», «Shakin» le meilleur thème de la soirée, avec un excellent solo de Manu qui récidive sur «Stella by Starlight». Jean Bardy, les doigts moins en souffrance avec la contrebasse a pu exploiter totalement les plages laissées par le saxophoniste et Valérie Benzaquine, trop contente de troquer le Nord Stage pour le piano à queue a été applaudie par le public dans ses belles interventions («At Last», «Big Al’theme»). Pas assez connue dans le monde du jazz et des jazzophiles, elle mériterait sans aucun doute un peu plus d’attention de la part des amateurs.
Ximo Tebar prenait la suite avec son quartet pour présenter son dernier enregistrement Con Alma & United. En tant que valencien, il a ici ses inconditionnels. Ses objectifs musicaux restent inchangés, «méditerraniser» le jazz. Pour ce faire il reprend des standards et les traite avec un son qui à l’exception de sonorités d’Afrique du Nord ou du flamenco comme il le fait avec «Manha de Carnaval» est certes personnel mais que l’oreille peine parfois à identifier. Mais ce n’est pas toujours nécessaire car en réalité ce que veut faire Tebar c’est jouer le jazz mais avec joie, esprit festif, luminosité, simplicité, créativité et une absence de tension. Si la créativité peut être bien entendu compatible avec le jazz, l’absence de tension peut représenter un défi lorsqu’on s’attaque à cette musique en respectant ses racines. Tebar propose aussi une version de «Take Five», un arrangement du Concierto de Aranjuez, «En Aranjuez con tu amor» et de la composition de Gillespie «Con Alma». Le tout est présenté dans un show où l’étincelante guitare électrique brille de tous ses feux, où les tenues de scène brillent aussi et où le pianiste est enseveli sous un tas de claviers en plus du piano. Tout cela n’enlève rien aux indéniables qualités de Ximo comme guitariste. On relève aussi la présence dans la formation du magnifique batteur nord-américain Nathaniel Townsley.


BvR Flamenco Big Band © Vilam Dobilaite by courtesy

Le 5 août, c’est le grand big band de Bernard Van Rossun, compositeur et saxophoniste alicantino-anglo-hollandais, qui est à l’affiche. D’un côté, une section flamenca avec guitare, cajón, la voix et les palmas de María Marín, la danseuse Karen Lugo et ses taconeos. De l’autre, l’orchestre de treize musiciens et liant les deux groupes le piano, la contrebasse/basse électrique et la batterie. Le BvR Flamenco Big Band n’est pas un ensemble de jazz comme pouvait l’être le big band de Perico Sambeat présenté sur cette même scène il y a quelques années, mais bien de flamenco. L’orchestre, comporte de très bons musiciens et plusieurs solistes se sont illustrés au fil des thèmes dont Latino Blanco au saxophone baryton. Le big band appuie la section flamenca et les prestations modernes de Karen Lugo. Très souvent c’est le flamenco qui lance le thème avant que les jazzmen prennent le relais. Parmi les compositions de la première partie on relève «Lejos de Casa», «El GladiadorCobarde», «Tras la Tormenta», «La Gaviota» avec l’intervention de Rossun au soprano. Puis le seul nuage présent ce jour en Europe perce au-dessus de la scène. Le public se disperse comme une volée de moineaux mais revient tout aussi vite, la pause ayant suffit pour laisser passer quelques gouttes. On reprend avec «Luz de Luna» thème très réussi où le «collage» débouche sur une jolie fusion due au talent de compositeur et d’arrangeur de Van Rossun. Basse électrique, cajón, palmas, congas, se mêlent aux soli successifs de flûte, ténor, alto et trombone. «Aquarela» et «Alegria de Cádiz» sont exclusivement interprétées par la section flamenca avec un show de Karen et de ses taconeos. Le très beau concert du Flamenco Big Band s’achève avec un «Capricho» basé sur seulement trois accords et un magnifique boléro «Y tu ni siquiera lo sabes» dans lequel le soprano de Bernard van Rossun et la voix de María s’entrelacent de belle manière.

Cyrille Aimée © Lucía Ronda, by courtesy

Pour la nuit de clôture du 6, le Xàbia Jazz avait convié la voix de Cyrille Aimée. La jeune chanteuse franco-dominicaine a apporté la seule note de fraîcheur de la suffocante soirée. Cyrille est dynamique, souriante, parle en anglais, espagnol et conquiert le public dès son apparition sur la scène. Elle est entourée de deux partenaires français le contrebassiste Jeremy Bruyère et le guitariste Anthony Jambon. Le batteur est américain, Yonathan Rosen.  Elle débute par une série de scats sur «Watever Lola Wants», genre qu’elle domine correctement et qu’elle répétera plusieurs fois au cours du concert. Cyrille poursuit sa prestation avec notamment «Undicided» qui permet au groupe de groover et au batteur de s’illustrer. Récupéré sous le titre «I Wish  You Love» la chanteuse offre une magnifique version de «Que reste-t-il de nos amours». Elle chante en français et –à notre avis–  dans cet exercice, Cyrille dépasse ce qu’elle peut faire dans ses thèmes américains. Ce n’est pas une question de langue mais viscérale. Aucun doute, elle chante Trenet comme un peu plus tard elle va offrir Gainsbourg et «La Javanaise», avec ses tripes et le soutien de la seule guitare. Elle transmet un flux d’émotions que l’on ne ressent pas autant dans les autres thèmes. Un duo voix /contrebasse permet d’écouter de nouveau une série de scats ainsi qu’un beau solo de contrebasse. La chanteuse s’amuse ensuite avec son loop… C’est sympathique, elle a bien le droit de s’amuser! Mais on préfère nettement «Well You Needn’t» avec les soli successifs des trois partenaires de Cyrille. On aura droit au retour de la pause buvette à une belle version de «Estrellitas» de Juan Luis Guerra. Elle chante en espagnol et là aussi c’est du ressenti. «Inside & Out», «With so little» précèdent un travail de Jéremy Bruyère et un nouveau loop. C’est avec un beau «Each Day» de sa composition que s’achève le concert. Un rappel permet à la chanteuse de retrouver son français avec «Nuit Blanche».

Si nous avions délaissé l’an passé le Xàbia Jazz pour avoir été fort déçu en 2016, cette année la programmation de Kiko Berenguer, son directeur artistique, a sans aucun doute a été variée et de belle qualité. L’organisation a été impeccable même si au niveau des lumières on pouvait attendre mieux. Le Xàbia Jazz qui à chaque soirée a fait le plein de public et rassemblé quelques quatre mille amateurs de jazz peut envisager l’avenir avec sérénité.

Patrick Dalmace
Photos: Vilam Dobilaite by courtesy, Lucía Ronda by courtesy, Juan José Todolí by courtesy

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Dinant, Belgique

Dinant Jazz, 27 au 29 juillet 2018

Malgré de multiples vicissitudes, le Dinant Jazz est parvenu à sa 17e édition avec une localisation qu’on espère définitive dans le parc Saint-Norbert de l’Abbaye de Leffe. Jean-Claude Laloux a repris la présidence de l’association et Patrick Bivort (animateur RTBF, ancien collaborateur de Jazz Hot) en assure la programmation avec, comme fil conducteur le parrainage d’une vedette internationale. Cette année, Joshua Redman (ts) avait accepté de se poser trois jours en bord de Meuse pour deux soirées comme soliste invité; l’une, le vendredi 27 juillet, avec le trio de Billy Hart (dm), l’autre, le dimanche 29, avec le quartet de Philip Catherine (g). Le samedi 28, il présentait son propre trio avec Reuben Rogers (b) et Greg Hutchinson (dm).

Le 27, en fin d’après-midi du vendredi 27, un petit millier de jazzfans avait préféré s’asseoir sous le chapiteau plutôt qu’admirer l’éclipse de lune du haut de la Citadelle. Dès 20h, Félix Zurstrassen (eb) avait convié le Néerlandais Ben Van Gelder (as) àrejoindre son trio: Nelson Veras (g), Antoine Pierre (dm). L’écriture du bassiste est belle; son jeu est sûr, comme soliste («Aurora») et comme accompagnateur («Omoyomo»). Leader, il distribue les parties; à Nelson Veras (g) dont le toucher, aux doigts et en arpèges, colorie les œuvres («Nova»); au jeune Hollandais Ben Van Gelder (as) qui, par la tonalité de son instrument et sa détermination, ajoute un peu d’air et de liberté («Catabaucalise»). Antoine Pierre (dm) –très présent dans ce festival pose les points et virgules où et quand il faut («Chi», «Lumen»), sur une ballade, comme sur «April in Paris» qui vient en clôture du set.

77 ans, enjoué comme à 20 ans, Billy Hart entame son concert par «Southhampton», une composition d’Ethan Iverson, son pianiste. Dès son premier solo, Joshua Redman (ts) s’envole, crescendo, à la limite du décrochage; Ethan Everson suit, monkien, avec deux ou trois accords dissonants et l’un ou l’autre clin d’œil à des chansonnettes. Billy Hart présente chaque morceau avec histoire et anecdotes. «Song for Balkis» débute aux mailloches. Sur des rythmes déstructurés, Joshua Redman, majestueux d’aisance, alterne tempête et apaisement. Attentif, Ben Street (b) répond aux appels du saxophoniste. Billy Hart dédie «The Duchess» à toutes les grand-mères, ce qui laisse Ethan Iverson libre de citer «Dodo, l’enfant Do» au cours d’un solo classieux en contraste avec la fougue du saxophoniste. Puis «Yard» en hommage à Charlie Parker… Cinq morceaux pour quatre-vingt-dix minutes! Les chorus sont multiples pour chaque soliste et les surprises du Chef: légèreté, vélocité, précision… C’est encore par un solo de batterie superbe qu’il entamera le dernier thème; un thème qui nous laissera heureux et comblés dans l’attente d’une nouvelle journée chaude!

Songs Between Two Lands © Jean-Luc Goffinet, by courtesy

Le 28, le programme débute à 14 heures avec deux des quatre groupes sélectionnés pour le Tournoi des Jeunes Talents. Au pied du Pont Charles-de-Gaulle sur un petit podium bien sonorisé mais assez mal situé pour l’environnement routier, l’objectif est d’attirer les chalands et les plaisanciers 500 mètres plus loin pour les concerts du soir. Sous le soleil de plomb, les passants s’arrêtent peu devant la scène, alors que les jeunes musiciens s’appliquent de leur mieux pour convaincre les oreilles d’un jury composé de chroniqueurs spécialisés et grillés! Oscar Georges Trio précède le quintet Songs Between Two Lands lequel poursuit, indifférent au concert de carillon au clocher de la Collégiale.

Vers 17 heures, le Jardin des Prémontrés s’ouvre, torride, aux deux mille privilégiés (soirée sold out) qui cherchent l’ombre sous les pommiers. De temps en temps, une pomme s’escamote sur une caboche alors qu’on s’active en régie pour assurer le premier concert. L’ouverture est offerte à un groupe dirigé par Loris Til (eb): un Belge, émule de Marcus Miller et Daniel Romeo. Pour l’accompagner: Alex Tassel (tp et wawa), Igor Gehenot (kb) et Xavier Bouillon (kb, synth), Hervé Letor (ts), Patrick Dorcean (dm) et Michel Seba (perc). C‘est fusion comme de bien entendu mais totalement improvisé. Inattendu, audacieux! Ça groove, ça bouge; batteur et percussionniste s’appellent, se provoquent, se questionnent et se répondent; itou pour les claviéristes. Hervé Letor, saxophoniste polyvalent, profite de l’occasion pour nous offrir ses audaces avec des chorus en tempo doublé; Alex Tassel (tp) joue des pédales avec goût. Le leader jubile, slappe les cordes et distribue les parties de la tête. Les rythmes sont endiablés, les harmonies basiques, les solos improvisés. De belles joutes!

A 20 heures, Joshua Redman (ts), Reuben Rogers et Greg Hutchinson entament le premier morceau: un «Mack The Knife» revisité, revigoré. Le trio explose, cohérent, merveilleusement créatif. «Back From Burma», «Tail Chase», «Saccade Day» et un «Never Let Me Go» à chialer suivent. Joshua est survolté au cours de longs solos qui taquinent les harmoniques avant quelques rugissements dans les graves. Les notes sont écorchées; elles crient, elles appellent et les compères répondent en osmose avec le saxophoniste. C’est grand, c’est beau, ça swingue, c’est excitant! Le public, debout, ovationne, crie sa joie et scande le rappel. On sent Joshua Redman heureux. Nous le sommes tout autant!

Une Leffe d’été, une Leffe Rubis et un pain-saucisse plus tard, le soufflé n’est pas encore retombé quand Marcus Miller (eb, clb) et son band (ts, tp, g, kb, dm) viennent clôturer la seconde soirée. «Trip-Trap», «Sublimity», «Hy Life», «Preacher’s Kid» à la clarinette basse en hommage à son père Dewey. Pour terminer, l’attendu «Tutu» est livré sur un up-tempo d’enfer. La musique est funky mais les solos de saxophone et de trompette sont résolument jazz, ce qui plaît au public qui repart, repu, souriant et content aux alentours de minuit.

Dimanche 29 juillet, jour du Seigneur, la messe est encore loin d’être dite lorsque vers 14 heures les deux derniers groupes du Tournoi des Jeunes viennent s’affronter. NH4 d’abord: un quartet sax-alto, guitare, basse électrique et batterie. Le projet est intéressant mais on note un peu de crispation dans le jeu du guitariste. Le duo qui suit vaut par sa distribution: un claviériste, Simon Groppe, et un batteur autoritaire, Pierre Martin. On sent le jury interpellé. Après délibérations, il choisira finalement le groupe Songs Between Two Lands qui passait la veille pour sa cohésion et la qualité des solistes: Flavio Spampinato, élève de David Linx (chant), Matteo Di Leonardo (g), Pierre-Antoine Savoyal (flh), Fil Caporali (b), Pierre Hurty (dm).

Monty Alexander © Hugo Lefèvre, by courtesy

Le dernier jour attisait la curiosité par divers aspects: la rencontre entre Philip Catherine (g) et Joshua Redman (ts) d’abord, le retour en festival de Monty Alexander (p) ensuite et la prestation de Barbara Wiernik (voc, vocoder, loop) et Nicola Andrioli (p, kb) dans une formule élargie du duo au quartet, avec Nicolas Thys (b) et Antoine Pierre (dm). La fréquentation est un peu moindre que la veille, mais elle rassemble quand même 1500 personnes. Barbara Wiernik est en forme. Musicienne, elle scatte avec beaucoup d’assurance. Le répertoire est constitué d’originaux écrits par la chanteuse et son pianiste pour leur album «Complicity» («Sunbow», «Félé»); de la reprise d’une œuvre de Mario Laguilha, d’un duo vocal Wiernik/Andrioli sur «Les Petits Riens» de Gainsbourg»… «Running to Wings» clôture ce premier concert très réussi.

On apprécie sans doute mieux le trio de Monty Alexander (Hassan Shakur, b, Jason Brown, dm), dans des salles plus intimistes. Néanmoins, au fil des standards et des citations («The Pink Panther») il ravit les amateurs d’un âge certain. «Down by the Riverside», «Sweet Georgia Brown», «Take the 'A' Train». Swing retenu, envolées, breaks, syncopes… Quelle élégance! Au micro, il rend hommage à la Belgique, à ses musiciens et ses organisateurs et de citer feu Juul Anthonissen. Jamaïcain, le pianiste de 74 ans ne manque pas de jouer ses origines avec «No Woman, no Cry» de Bob Marley, «Stand up Get up» de Peter Tosh. Avec «Banana Boat Song» d’Harry Belafonte, il prend un solo au melodica. Pour une ballade de sa plume («The River»), il dit apprécier la rivière qui traverse Dinant, mais, précise-t-il, la plus belle des rivières est celle qui traverse notre cœur. Le public -de tout âge- est conquis et il termine sur l’«Eté 42» de Michel Legrand.

On s’interrogeait sur le répertoire qui pouvait réunir Joshua Redman (ts) et Philip Catherine (g) qui n’avaient jamais croisé les notes. Allait-on écouter des standards? Nenni! Humble, Joshua avait décidé de se fondre dans la musique du guitariste belge après deux petites heures de répétition dans l’après-midi. Bien entendu, ils avaient échangé quelques partitions au préalable, mais le grand métier de l’un et la fougue de l’autre allaient sublimer ces 90 minutes pour un public sifflant et criant, incapable de retenir son bonheur avant la fin des solos. «I’ll Never Be Another You»; Joshua Redman change d’anche par deux fois puis s’envole dans un solo fulgurant. Philip Catherine entame les morceaux par de longues impros, puis Joshua Redman fait de même sur le morceau suivant. Valse changement de tempo, call and answerentre le saxophoniste et le guitariste… Bossa Nova, solo de Catherine en accords puis passage de témoin à Redman qui se défonce. Solo de Nicola Andrioli (p), solo de Philippe Aerts (b), 4/4, solo d’Antoine Pierre (dm)… En bis, sur «Guitar Groove», Philippe Aerts ouvre par un solo de contrebasse. On arrive à la fin. Il n’y eut aucune présentation des morceaux tant la concentration est intense. Etonné, Joshua Redman confiera à des confrères: «Philip Catherine est un grand musicien; le groupe est formidable!». Et nous sommes bien d’accord!

Philip Catherine, Philippe Aerts, Joshua Redman, Antoine Pierre © Jacky Lepage

Un site magique, une programmation de qualité et un accueil chaleureux: les conditions sont réunies pour réussir un festival mémorable. Il y a bien longtemps que je n’avais plus vécu cela. Trois concerts par soirée: c’est suffisant. Faisons confiance à Jean-Claude Laloux et à Patrick Bivort pour illuminer 2019!

Jean-Marie Hacquier
Photos: Jacky Lepage, Jean-Luc Goffinet by courtesy, Hugo Lefèvre by courtesy

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Toulon, Var

Jazz à Toulon, 20 au 29 juillet 2018


Jazz à Toulon, édition 2018, fut égal à lui-même avec une acmé: la prestation de haute tenue de Youn Sun Nah; et les concerts d’après-midi qui ont présenté quelques-unes des meilleures facettes du jazz qui se joue aujourd’hui, en particulier dans le sud-est de la France. Les choix étaient bien dans la philosophie du festival qui consiste à animer différents quartiers de la ville avec des concerts gratuits. Concerts qui sont concoctés avec courage, abnégation et persévérance par Bernadette Guelfucci, présidente du Comité officiel des fêtes et des sports de la Ville de Toulon (Cofs), aidée encore et heureusement par quelques subventions, épaulée par une solide équipe dévouée, travailleuse et efficace. Ajoutons à cela deux bons points pour le son et la présentation des concerts. L’an prochain le festival fêtera sa 30e édition: gageons qu’il y aura de belles surprises.


Les concerts du soir

Le 20, le festival s’ouvrait sur la grande place de La Liberté, au centre de Toulon, avec le jeune chanteur britannique Myles Sankoet et son show Just Being Me. D’emblée, il se présente comme un chanteur de «soul jazz music». Sa voix est effectivement proche de celle de Gregory Porter, en un peu plus chaude, plus crooner. Mais la comparaison s’arrête là: il force chaque note, du début à la fin, sans aucune nuance, si bien que tous les morceaux se ressemblent. Quant au groupe qui l’accompagne –Gareth Lumbers (s), Sam Ewens (tp), Tom O’Grady (kb), Philip Stevenson (g), Jon Mapp (b), Rick Hudson (dm)–, il n’améliore en rien la prestation: solos basiques avec effets répétitifs et plans identiques, arrangements grossiers basés sur des riffs et des tenues. On oublie…

Lucky Peterson, Kelyn Crapp, Nicolas Folmer et Ahmad Compaoré © Serge Baudot

Le 21, place Martin Bidouré, au Pont du Las, le blues était au rendez-vous avec Lucky Peterson (org, voc, g), entouré de Kelyn Crapp (g), Nicolas Folmer (tp), et Ahmad Compaoré (dm). Ce fut un concert de trois heures, surréaliste en diable. Lucky Peterson vient se caler derrière son orgue, face au public. Seule sa tête dépasse, illuminée par son large sourire. La soirée s’est découpée en plusieurs temps. Tout d’abord, des grondements de l’orgue, des phrases jetées aux étoiles: l’organiste se cherche. De magnifiques fulgurances, et puis souvent du n’importe quoi, rattrapé, sauvé, par Nicolas Folmer qui lance de magnifiques solos tant à la trompette wah-wah électrique, qu’en trompette ouverte. Le guitariste est du même tonneau, et le batteur, excellent, assoit le groupe avec un drumming jazz aux baguettes sur martèlement blues à la grosse caisse. Tous trois recadrent les dérives avec à propos. Puis, les musiciens quittent la scène, Lucky sort de derrière son orgue et prend sa guitare rouge. Il lance à la nuit des rugissements de cœur blessé. Par sauts de puces, tout en jouant, il vient s’asseoir sur le bord de la scène, et là, c’est l’extase. Le blues, le grand, le dramatique, l’enfer et le paradis, la souffrance et la joie, oui, le blues est là! Lucky chante toute la douleur du monde, les drames de l’amour («6 O’Clock Blues»), la joie de vivre, de sa voix brisée. Lucky est ailleurs, il est le blues. Des invités entrent ensuite en scène: Samantha Peterson (voc), pour quelques morceaux avec l’orchestre et Lucky –qui a repris sa place derrière l’orgue–, et Philippe Petrucciani (g), qui se frotte au blues avec un plaisir évident. Puis le quartet reprend sa place pour un délire final qui s’achève vers minuit devant une foule en liesse. C’était «Lucky Happy Peterson»!

Le 23, à la périphérie de Toulon, aux 4-Chemins-des-Routes, Michelle Hendricks (voc) était en quintet avec Olivier Temime (ts), Arnaud Mattei (p), Bruno Rousselet (b) et Philippe Soirat (dm). Depuis l’adolescence, Michelle voue un culte à Ella Fitzgerald qui la marqua à jamais, et dont l’influence saute aux oreilles; d’où cet hommage. Elle chante essentiellement en scat, ayant d’ailleurs repris le phrasé et les onomatopées de son inspiratrice. Dotée d’une grande aisance, elle possède une voix grave, mais qui peut monter dans l’aigu, puissante, chaude avec du grain, le tout avec une belle maîtrise des registres. Elle se donne à fond, avec une conviction qui emporte l’adhésion. Beaucoup d’émotion quand elle interprète une chanson de son père, Jon, décédé l’an dernier, «I’ll Die Happy» (Je mourrai heureux). Elle déclare sa foi au swing avec «It Don’t Mean a Thing…». Et nous époustoufle, à la fin du concert, quand elle imite la contrebasse, battantBruno Rousselet sur son propre terrain; du grand art! A remarquer, Olivier Temime, qui fut révélé à Jazz à Toulon il y a quelques années, dont le jeu de ténor a gagné en profondeur et en chaleur, et qui, manifestement, se régalait de dialoguer avec la chanteuse.

Youn Sun Nah © Serge Baudot

Le 24, place Victor-Hugo,
un ange est descendu vers nous, Youn Sun Nah, petite femme d’apparence si fragile sous sa robe bleue qui flotte dans l’air du soir, et qui, pourtant, possède une voix d’une puissance exceptionnelle, capable des graves les plus profonds jusqu’aux aigus les plus fracassants. Elle chante avec une facilité déconcertante, toujours souriante; aucun effort n’apparaît, même le souffle continu ne se remarque pas. Au fil des ans, elle s’est forgée une technique qui n’appartient qu’à elle, amenant une autre façon de chanter le jazz, dans un choix de répertoire des plus éclectiques; mais quel que soit le morceau, il devient du Youn Sun Nah. Jamais le public n’a retenu son souffle aussi unanimement à Jazz à Toulon, c’est dire la qualité d’écoute! Elle était accompagnée à minima par Frank Woeste (kb), Brad Christopher Jones (b), Tomek Miernowski (g) et Dan Rieser (dm). De l'avis général, ce concert restera comme l’un des plus brillants et des plus émouvants de ce festival.

Le 25, à Saint-Jean-du-Var, un concert-hommage, «Remember Petrucciani» réunissait la fine fleur des musiciens de jazz habitant la région, dont Yvan Belmondo (bar), figure patriarcale et grand formateur de musiciens –dont ses propres fils, Lionel (ts, présent ce soir) et Stéphane (tp)–, ainsi que la famille Petrucciani et des proches, soit le sympathique Philippe Petrucciani (g, lead), frère de Michel, Nathalie Blanc (voc), mais également Nicolas Folmer (tp), Francesco Castellani (tb) Dominique Di Piazza (eb) et Manhu Roche (dm). Nathalie Blanc explique que les morceaux joués sont des thèmes que le regretté pianiste aurait aimé mettre en chanson. C’est à présent chose faite, Philippe Petrucciani ayant signé les arrangements et Nathalie Blanc les paroles en français. Ainsi, «I Wrote Your Song» devient-il «Soir de mai». Mais ces paroles n’étant pas transcendantes et la façon de chanter trop linéaire, malgré le scat, on ressent un certain ennui. C’est dans le morceau en rappel que Nathalie Blanc va «se lâcher», et faire exploser ses qualités vocales, en galvanisant l’orchestre, avec les habituels et roboratifs délires de Lionel Belmondo. Dommage que tout le concert n’ait pas été de cette trempe.

Le 26, la place de l’Equerre a accueilli une véritable fête cubaine avec Carlos Maza & Familia Septeto: cinq femmes, deux hommes; la parité s’effondre! Affaire de famille: le père, Carlos Maza (p), la mère, Mirza Maza (eb) et leurs deux filles, Hilda Camila Maza (vln) et Ana Carla Maza (cello). Le noyau familial est renforcé par l’excellent Nino de Luca (acc), Rita Payes (tb) et Naile Sosa (dm, perc). Ana Carla Maza mène les réjouissances, aussi belle que déchaînée; elle maltraite son violoncelle, mais sait en jouer, chante, hurle et danse, ne tenant pas en place, occupant toute la scène, elle provoque le délire, au détriment de la musique souvent. Mais quel emportement, et quel charme sensuel! Le spectacle fut abracadabrantesque, avec quand même de beaux moments jazz, surtout grâce au pianiste et à l’accordéoniste.

Le 27, place Louis Blanc, Trilok Gurtu jouait avec un trio eurasiatique: Jonathan Ihlenfeld Cuniado (eb), espagnol, Tulug Tirpan (p), turc, et Frederik Köster (tp), allemand. Trois bons instrumentistes, fougueux et brillants. Certes, l’essentiel du concert est dévolu au percussionniste qui fait la preuve de son immense savoir-faire en la matière. Mais le jazz n’est pour autant pas oublié, et les musiciens sont là, avec notamment un vibrant hommage à Paolo Fresu, intitulé «Berchidda», village de Sardaigne qui a vu naître Paolo; ou encore «Pop Corn» dédié à Miles Davis.

Stanley Clarke et Cameron Graves © Serge Baudot

Le 28, le concert de clôture eut lieu sur les plages du Mourillon, avec le groupe de Stanley Clarke. Les musiciens étaient manifestement ravis du chaleureux accueil qu’ils ont reçu. Stanley Clarke se place derrière sa grande contrebasse, et c’est parti pour le show avec Cameron Graves (kb), Beka Gochiashvili (p) et Shariq Tucker (dm). Trois musiciens emblématiques de la nouvelle génération qu’on ramasse à la pelle aux Etats-Unis ou à Cuba, qui jouent vite et fort à peu près n’importe quoi. C’est ainsi que le batteur, matraquant ses tambours, a explosé sa grosse caisse... Comme au cirque! Stanley Clarke, physique de colosse américain avec casquette de base-ball vissée sur le crâne, montre d’emblée ce qu’il sait faire. Je me souviens de lui au célèbre Festival de Jazz de Châteauvallon au début des années 70 avec Jean-Luc Ponty et Tony Williams pour un trio mémorable; il avait 19 ans, il était la révélation, et n’allait pas tarder à inventer ce fameux slap du pouce sur la basse électrique, et d’autres techniques, qui allaient essaimer et révolutionner la façon de jouer de cet instrument. Au cours du concert, il en use et en abuse jusqu’à la caricature. Il tente parfois de retrouver le feeling de School Days; ce furent-là les meilleurs moments. Ainsi qu’avec son hommage à John Coltrane «Song for John». On retient aussi ces moments où il se met à jouer vraiment de la contrebasse, démontrant qu’il reste un maître de l’instrument, comme sur «No Mystery». Dommage qu’il n’ait pas su résister aux sirènes du showbiz… La foule en délire lui fit une ovation à faire décrocher la lune qui se tenait à l’écoute derrière la scène. Il en fut ainsi à tous les concerts, même sans la lune!


Les concerts d’après-midi

Le 23, place Dame-Sibille: le groupe ALF and Half (Marc Abel, g, voc, Stéphane Leroy, eb, Frank Farrugia, dm) qui tourne avec succès dans la région depuis de nombreuses années, présentaient son nouveau disque intitulé Wacky. Le trio pratique à sa manière un jazz plutôt fusion, qui ne s’interdit pas d’autres influences. Il avait invité pour l’occasion Cyril Goinguené, excellent sax ténor. Grand succès public pour ce groupe qui le mérite amplement.

Jean Dionisi et Christian Lefèvre © Serge Baudot



Le 24, place Puget, Jean Dionisi, 81 ans, joue toujours de la trompette et du cornet avec la même fougue, le même plaisir, la même joie et la même force qu’à ses débuts. Voilà plus de soixante ans qu’il fait vivre le jazz traditionnel dans la région et au-delà, ayant toujours été à la tête des meilleurs groupes new orleans. Et celui d’aujourd’hui ne nous démentira pas, avec Jean-François Bonnet (cl, ss), Raphaël Porcuna (tb) Christian Lefèvre (soubassophone), Jean-Claude Proserpine (dm) et Eric Méridiano qui remplaçait au pied levé, et avec brio, le pianiste en titre. On comptait également un invité de poids, l’excellent banjoïste Henri Lemaire. La foule était venue nombreuse écouter celui dont le dieu est Louis Armstrong, qu’il imite à merveille.

Le 25, place Puget toujours, le Jean-Philippe Sempéré (g) Quartet, avec Gérard Murphy (as), Pierre Fenichel (b) et Cédrick Bec (dm), s’exprimait sur le répertoire de Grant Green, auquel le leader voue une grande admiration. Ces quatre musiciens sont des piliers du jazz dans la région et leurs qualités ne sont plus à démontrer. Le très subtil batteur est pour beaucoup dans la réussite du quartet, excellent tant aux baguettes qu’aux balais. On retiendra «Talking About» pour l’élan des solos et «I Remember You» en trio pour les développements du guitariste.

Le 26, place Puget encore, Jean-Marie Carniel (b) se produisait avec Denis Césaro (p) et Cédrick Bec (dm) sur notamment quelques titres de son disque This I Dig for You. Un grand moment de communion avec «Witch Hunt» de Wayne Shorter, et ce ne fut pas le seul. Jean-Marie Carniel a travaillé avec nombre de grands jazzmen; c’est un contrebassiste raffiné qui sait ne jouer que les notes essentielles, donnant ainsi beaucoup de profondeur, de relief et de swing au trio. Denis Césaro est du même acabit; Il peut être prolifique en s’emparant de tout le clavier, s’envolant en blockchords ou distillant des notes qui touchent au cœur: un grand lyrique, un improvisateur riche et infatigable. Quant à Cédrick Bec, il est la «Rolls» des batteurs, swing et finesse, des roulements à la Art Blakey qui relance en beauté le soliste, et un jeu polyrythmique foisonnant; le tout avec une décontraction et une facilité déconcertantes. Une surprise avec l’invitation sur scène d’Olivier Chaussade (ts), qui possède ce qu’on appelle un son texan, c’est à dire un vrai son de ténor, puissant et chaud, enjôleur, avec un phrasé qui vient des grands maîtres.

Le trio de Jean-Marie Carniel (b) avec Olivier Chaussade (ts) © Serge Baudot

Le 27, place Puget enfin, était programmé Sub Jazz Project, le groupe de l’excellent batteur Rudy Piccinelli, lequel chante aussi d’une façon très personnelle, et qui n’est plus à présenter dans la région. Cette formation a déjà pas mal de prestations à son actif avec Olivier Debourrez (tb), Benoît Eyraud (kb) Julian Broudin (s), Mathieu Maurel (tp), Antoine Borgniet (b) et Fortuné Muzzupapa (perc). Rudy Piccinelli a eu l’idée de puiser dans le fonds d’excellentes chansons célèbres comme base de son jazz. Louis Armstrong disait: «Le jazz n’est pas dans ce que l’on joue mais dans la façon de le jouer». On entendra ainsi, pour n’en citer que quelques-unes: «Les Sucettes à l’anis», «Una lacrima sul viso», «Ame câline», «Celle que j’aime», «Tango jalousie»... Un seul morceau dérogea à l’affaire «Out of a Dream» composé par le batteur lui-même, avec un échange congas-batterie de grande envolée. La mise en place est impeccable grâce au drumming du batteur solide, imperturbable; il colle le groupe sur le temps, et chacun peut jouer en toute décontraction. Le percussionniste est remarquable aux congas. «Une lacrima sul viso» devint une splendide et chaude interprétation salsa-jazz. «Tango Jalousie», avec une longue introduction aux congas, emmena le public ravi vers les pays Latins.

Finalement, force est de constater chaque année que les concerts de jazz pur se déroulent sur ces petites places du vieux Toulon. On y entend de très bons musiciens qui jouent du jazz avec conviction et passion, body and soul, loin des modes, de l’agitation gratuite et de la démagogie scénique. Le traditionnel concert «Coup de cœur» qui clôt tout à fait le festival le dimanche après-midi sur la place Mgr-Deydier, au Mourillon, faisait appel à Lo Triò (Bastien Ribot, vln, l’excellent Emile Mélenchon, g, et Rémi Bouyssière, b).

Texte et photos: Serge Baudot

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Toucy, Yonne

Toucy Jazz Festival, 20 et 21 juillet 2018

Le Toucy Jazz Festival fête cette année ses dix ans. Créé par le ténor américain Ricky Ford et sa femme Dominique, dans un petit village de l’Yonne, il a accueilli au fil des éditions des musiciens historiques, et pas des moindres: Benny Golson, Archie Shepp, Ravi Coltrane, Ran Blake, Bobby Few, Alain Jean-Marie, La Velle, Rhoda Scott, etc. Dix ans de beaux concerts, de rencontres inoubliables, et de difficultés aussi. Défendre une ligne 100 % jazz, inviter des pointures, et rentrer dans ses frais, ce n’est pas simple, comme pour tout petit festival de jazz. Chaque édition relève de l’engagement, de Ricky Ford, de Dominique, d’une équipe de bénévoles fidèles. Pas assez connu à l’échelle régionale, trop peu à l’échelle nationale, ce festival mérite notre plus grande attention. L’état d’esprit de ce festival créé par un musicien, la proximité avec les musiciens et le public, la qualité des concerts présentés, tout cela fait du Toucy Jazz Festival un rendez-vous essentiel.


Cet été, honneur est à la guitare avec Steven Reinhardt et Yvonnick Penven, et à la chanteuse Michele Hendricks. Vendredi 20 juillet, direction le Parc de la Glaudonnerie. Il y a du monde pour voir l’un des descendants de Django Reinhardt. Sur scène, Steven Reinhardt est accompagné d’Antoine Abed (b), Benji Winterstein (g) et Alban Chapelle (as). Mais, ça commence mal: clope au bec, casquette et lunettes noires, Reinhardtcommunique peu ou pas avec le public. Serait-il intimidé par le public toucycois ? Ce type d’attitude gâche toujours un peu la soirée, surtout dans le contexte d’un festival au cadre aussi intime et convivial. Seconde mauvaise surprise: deux sets durant, le leader est très démonstratif. Qu’il s’attaque à un répertoire archiconnu («Nuages», «Les Copains d’abord», «Minor Swing»... il y a aussi le joli «Duke and Dukie») ou à quelques compositions originales plus intéressantes(«Jade», «Thaissy Bolero»), sa technicité prend toute la place. Le quartet se donne à fond, surtout l’alto Alban Chapelle. Le public est chaleureux. Il ne manquait au leader qu’un peu de feeling...

Yvonnick Penven © Mathieu Perez

Le lendemain, samedi matin, c’est jour de marché. Le guitariste breton Yvonnick Penven se produit en solo à la Galerie 14, l’espace d’exposition de Ricky Ford (où expose le peintre Bernard Gortais). Il s’empare de «My Foolish Heart», de «It Should've Happened a Long Time Ago» (Motian), de «Days of Wine and Roses», d’un thème de la harpiste et compositrice bretonne Kristen Noguès. Chez lui, tout est personnel, tout est fin, tout est délicat, tout est raffiné. On sent chez Penven une immense culture jazzistique de la guitare et une sensibilité de tous les instants. Une heure d’une musique qui touche au cœur. (Ford et Penven se connaissent bien. En août, ils se produiront en quartet à travers la Bretagne, avec le contrebassiste Fred Guesnier et le batteur Marc Delouya.)

Autre emplacement, autres guitaristes: en fin de matinée (et dans l’après-midi), les jeunes Léo Rathier et Paul Ménard se produisent en duo place de l’Hôtel de Ville. Ce sont des habitués du festival. Leurs interprétations de standards, tels que «Old Devil Moon» et «Willow Weep For Me», sont aériennes. Mais ce jazz-là nécessite une écoute attentive de la part des auditeurs. L’emplacement sur la place de l’Hôtel de Ville, en fin de marché, se prête peu à cette esthétique. Les duettistes mériteraient de jouer dans un lieu plus intime, comme la Galerie 14, afin que les auditeurs apprécient pleinement cette musique.

Bruno Rousselet (b), Michele Hendricks (voc), Ronald Baker (tp) © Mathieu Perez

Dernier concert du festival: Michele Hendricks Quintet. On ne présente plus la grande vocaliste américaine, qui a jeté l’ancre à Paris. Sur scène, elle est entourée d’une formation très soudée : le vieux complice Arnaud Mattei (p), l’impeccable Ronald Baker (tp, voc), l’ultra solide Bruno Rousselet (b) et le magnifique Philippe Soirat (dm). Quel moment! Michele Hendricks, c’est l’excellence à l’état pur. Durant deux sets, elle mêle les standards (tels que «It Don’t Mean A Thing», «Airmail Special»), enregistrés dans son album-hommage à Ella Fitzgerald (A Little Bit of Ella, Cristal Records, 2016), et les compositions originales («Honk, If You WantIt», «Don't Give Your Soul Away»). Elle a le scat aussi naturel que plein d’humour, elle multiplie les duos avec Ronald Baker, donne de beaux solos à ses musiciens, revisite «How High The Moon» dans une version reggae étonnante. Il y a aussi «I Bet You Thought» et «I’ll Die Happy, deux chansons composées par son père Jon Hendricks (1921-2017). «Watermelon Man», dont Hendricks avait signé les paroles. «I Keep Going Back To Joe’s», une des chansons préférées de la vocaliste. Le concert finit en beauté avec Ricky Ford, qui rejoint la formation pour un blues.

A deux pas, la jam session, animée comme la veille, par Mathieu «Matchito» Caldara (dm) et Fred Guesnier (b), se prépare. Il reste encore aux festivaliers à découvrir la rencontre de trois guitaristes: Yvonnick Penven, Léo Rathier et Paul Ménard. Un autre beau moment musical.

Texte et photos: Mathieu Perez

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Marseille, Bouches-du-Rhônes

Marseille Jazz des Cinq Continents, 18 au 27 juillet 2018


19e édition de Marseille Jazz des Cinq Continents –la 2e pour son directeur artistique Hugues Kieffer, à la tête d’une équipe qui a trouvé sa stabilité–, et un développement toujours à l’œuvre avec ce qui, en amont et en aval, ressemble de plus en plus à une saison de concerts, répartie sur différentes communes du département. Pour ce qui est du festival en lui-même, toujours proposé sur dix jours, la politique reste la même, celle d’un éclectisme musical revendiqué. Reste qu’en pratiquant une fréquentation ciblée, les amateurs de jazz peuvent toujours profiter de quelques beaux moments de jazz, comme avec Roy Hargrove.


Le quartet Hudson au Théâtre Silvain © Jérôme Partage

Le 19 juillet, dans le beau Théâtre Silvain, le festival nous donnait l’occasion de découvrir un trio de jazzmen chinois, qui se produisait pour la première fois en France, celui du pianiste Luo Ning, l’une des têtes de pont de la scène jazz de l’Empire du Milieu. Originaire du Xinjiang (dans le nord-ouest du pays), il a montré très tôt des aptitudes pour la musique. Après de brillantes études classiques et jazz, il s’installe à Pékin en 1996. Depuis, il occupe régulièrement l’affiche des festivals qu’il a notamment partagée avec Kenny Garrett en 2006. En août 2010, il étudie à Cuba avec les maîtres du jazz afro-cubain (dont Chucho Valdès), une expérience qui a marqué ses dernières compositions. Depuis 2017, il est sous contrat avec Universal Music, ce qui explique sans doute qu’il ait désormais la possibilité de s’exporter. Accompagné de Ji Peng (b) et de Shao Haha (dm), il a donné une courte prestation qui a attesté d’une expression tout à fait jazz, dans un registre intimiste qui le rapproche de nombre d’interprètes européens.
Changement d’ambiance, pour le concert suivant, avec le quartet Hudson, un all-stars mené par Jack DeJohnette (dm) –flanqué de John Scofield (eg), John Medeski (org, kb, p) et Scott Colley (b)– qui célèbre à la fois la vallée de l’Hudson, où résident les quatre musiciens, les 75 ans du batteur et la musique des années 60, notamment Jimi Hendrix. Soit un jazz-(très) rock mêlant improvisation et sons électriques et funky. On ne doute pas un instant que les musiciens prennent un grand plaisir à barboter ainsi ensemble dans la fontaine de jouvence. Le public le partage avec enthousiasme. Il est vrai que la prestation est plaisante, très dense, avec un groove parfois hypnotique, en particulier quand John Medeski passe à l’orgue. L’assistance réagit de façon particulièrement positive lorsque Jack DeJohnette se met à chanter, sans pour autant quitter ses cymbales. Bref, un concert tonique et coloré, fait pour plaire tant aux amateurs de jazz qu’aux nostalgiques de l’Ile de Wight. Sympathique bien qu’un peu superficiel.

Le lendemain, c’est la chanteuse (et guitariste) belge Selah Sue qui ouvrait la soirée au Théâtre Silvain. Dotée d’un joli grain de voix, elle se situe dans la mouvance folk-soul-pop où d’autres avant elles (Norah Jones par exemple) ont donné quelques satisfactions aux maisons de disques. A seulement 29 ans, elle aligne déjà près de dix ans de carrière et a été à l’affiche des festivals de renom, du North Sea Jazz Festival au Eurockéennes de Belfort. Un éclectisme consensuel qui lui permet de toucher des publics différents, dont celui qui fréquente les scènes jazz. Pour autant, la formule sobre et «acoustique» présentée à Marseille a permis d’apprécier quelques jolies ballades et moments un peu bluesy.
Toujours dans une veine variétés, le duo atypique que forment Sarah Quintana (g, voc) Christophe Lampidecchia (acc) propose la mise en musique de la correspondance amoureuse –et authentique– de soldats américains ayant participé au Débarquement en Provence de 1944. A partir d’archives trouvées à La Nouvelle Orléans (d’où Sarah Quintana est originaire), les deux musiciens ont monté un répertoire de chansons originales. Un projet intéressant et bien échafaudé, mais un peu loin du jazz.

Fred Wesley et ses New JB's, accompagnés par Martha High (en blanc) © Laura Dauphin, by courtesy of Marseille Jazz des Cinq Continents

Le 24 juillet, le festival avait déjà repris ses quartiers dans le parc du Palais Longchamp et nous a offert une belle première partie avec la venue de Fred Wesley (tb, voc). A 75 ans, celui qui a été pendant quinze ans le directeur musical de l’orchestre de James Brown, délivre toujours un funk des plus réjouissants. Certes, le tromboniste –qui passe aussi volontiers au chant– joue souvent assis sur un tabouret, mais l’énergie est là, et la musique est des plus festives. Pour rendre hommage à son ancien complice, il invite sur scène une autre artiste ayant côtoyé the Godfather of Soul: Martha High (voc, 1945, Victoria, Virginie) qui débuta avec The Four Jewels, un groupe vocal qui effectua une tournée avec James Brown en 1964. Swing et blues étaient au rendez-vous de cet excellent concert qui est venu confirmer, une fois de plus, que le funk de Fred Wesley appartient à l’univers étendu du jazz.
Pourtant, c’était pour la deuxième partie de soirée que la majorité du public semblait s’être déplacée: Kool and the Gang, groupe phare des années disco, dont il faut reconnaître cependant les origines jazz. En effet, les frères Robert (b) et Ronald Bell (ts, ss) , dont le père était un ami de Thelonious Monk et de Miles Davis, fondèrent, en 1964, The Jazziacs qui deviendra Kool and the Gang. En ces premières années, la formation se fit remarquer dans un style jazz-funk. Elle prit le virage commercial du disco à la fin des années 1970 et enchaîna alors les tubes: «Celebration», «Get Out on It», «Fresh» que les Marseillais étaient venus entendre ce soir. Si beaucoup des membres historiques ne sont plus là, les frères Bell tiennent toujours la boutique, épaulés par de jeunes recrues qui assurent un show millimétré. A réserver aux amateurs de revival variétés…

Le trio de Chick Corea © Ellen Bertet

Le 26 juillet, le festival Marseille Jazz des Cinq Continents nous a offert la soirée la plus jazz de cette édition 2018 avec deux excellents concerts: Chick Corea Akoustic Band et Roy Hargrove Quintet. L’Akoustic Band de Chick Corea (p) n’est rien d’autre qu’un beau trio piano-contrebasse-batterie in the tradition. L’ancien sideman de Miles (mais aussi de Cab Calloway) nous rappelle ainsi qu’à l’issue d’un parcours éclectique et souvent électrique, il reste un superbe pianiste dont l’expression est emprunte de sensibilité et de swing. Ces aventures musicales variées, John Patitucci (b) et Dave Weckl (dm) les ont en partie partagées avec lui et l’entente entre les trois musiciens est palpable. Au programme, des standards magnifiquement exécutés («That Old Feeling», «In a Sentimental Mood») et également quelques compositions personnelles («Life Line»). En hommage à Miles Davis et Gil Evans, Chick Corea entreprend, d’abord en solo et avec une approche classique, le «Concierto de Aranjuez» de Joaquín Rodriguo, qui se jazzifie quelque peu quand le leader est rejoint par ses sidemen. Un régal.

Roy Hargrove © Ellen Bertet

Séquence suivante: le quintet de Roy Hargrove (tp, flh, voc) qui reste un valeur sûre de la scène jazz internationale. Et encore une fois, l’on a pas été déçu par le trompettiste toujours entouré des fidèles Justin Robinson (as), Ammen Saleem (b) et Quincy Philips (dm), tandis qu’au piano Tadataka Unno a remplacé Sullivan Fortner (2010-2017) qui depuis développe sa propre carrière de leader. La juxtaposition de plusieurs concerts sur une courte période, propres aux festivals, peut permettre –et c’est encore possible à Marseille– de remettre en perspective ce qui est essentiel dans le jazz et que le robinet promotionnel s’emploie à nous faire perdre de vue. Un concert comme celui donné ce soir par Roy Hargrove et ses musiciens remet les pendules à l’heure! Il rappelle de façon éclatante ce qu’est le jazz, véritablement: un art total, vivant, foisonnant, qui se doit d’être porté avec dévouement et intégrité. Car Roy Hargrove est au service du jazz et non le contraire, comme cela s’observe souvent. Il nous l’avait dit, il y a quelques années dans une belle interview (Jazz Hot n°676): le jazz est pour lui un «ministère» et il y consacre toute son existence, le propageant sans arrêt sur les routes, malgré des problèmes de santé récurrents. Et ses compagnons sont à son image: ils prennent le jazz avec sérieux et talent, dans une cohésion de groupe qui s’est construite avec les années. On retiendra quelques moments en particulier de cette heure et demie de pur bonheur: le récurrentet toujours enthousiasmant «Top of My Head», dont il chante aussi les paroles; une reprise rhythm and blues de Sam Cooke, «Sooth Me» (là encore Roy est au chant), et dont Tadataka Unno fait ressortir les accents gospel, et auquel Justin Robinson donne une intensité hard bop; et, en rappel, un «Never Let Me Go» à fleur de peau, avec un son de buggle beau à pleurer, ce qui n’empêche pas Roy Hargrove de glisser quelque malicieuse citation funk. Tout simplement magique.

Des étoiles encore plein les yeux (et du jazz plein les oreilles), on espérait entendre encore un peu de jazz à Marseille, pour la soirée de clôture du festival. Las, quatre formations de (plutôt) jeunes musiciens étaient censées incarner le jazz «de demain». Pour paraphraser Pierre Dac: le jazz a l’avenir devant lui, il l’aura dans le dos à chaque fois qu’il fera demi-tour! On vit ainsi se succéder le trio marseillais One Foot qui, à coup de rythmes binaires et de sons électroniques, produit une musique inspirée par les jeux vidéos (sic); le duo Emile Parisien (ss)/Jeff Mills (DJ) pour un prétendu hommage à Coltrane a raté le Tranepour le trio britannique GoGo Penguin, évoluant dans un univers sonore proche de la techno, on se demande ce qui le relie au jazz; enfin, Cory Henry, un sacré organiste, natif de Brooklyn, au groove bouillonnant mais égaré dans une bouillabaisse variété-funk censée lui ouvrir la voie du succès commercial, a eu au moins le mérite de produire la seule musique festive de cette dernière soirée.
La 20e édition de Marseille Jazz des Cinq Continents, un bel anniversaire l'an prochain, donnera sans doute plus de grain à moudre pour les amateurs de jazz. 

Jérôme Partage
Photos: Ellen Bertet, Jérôme Partage, Laura Dauphin by courtesy of Marseille Jazz des Cinq Continents

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Gregory Porter © Alain Karsenty, by courtesy


Nice, Alpes-Maritimes

Nice Jazz Festival, 16 au 21 juillet 2018

Nice fêtait cette année le 70e anniversaire de son festival de jazz, dont la première édition de 1948 en fait le plus ancien festival d’Europe. Parallèlement au festival, s’ouvrait une exposition, à la Villa Massena, « Jazzin' Nice», retraçant cette longue histoire. Elle reste d’ailleurs visible jusqu’au 15 octobre. Cet anniversaire est également célébré par la sortie d’un livre, Nice Jazz, Histoire d'un festival (éditions Gilletta), dont votre serviteur est l’un des auteurs. Les organisateurs ont pu se féliciter de l’affluence record enregistrée pour cette édition 2018, laquelle confirme le succès du festival. Succès dû en partie à «l’ouverture» sur d’autres musiques, proposées sur la scène Masséna. Tandis que les amateurs de jazz pouvaient se retrouver au Théâtre de Verdure, auquel nous avons donc limité notre compte-rendu.


Tout était prêt pour l'ouverture du festival le 16 juillet, mais, vers 18h, une pluie diluvienne a contraint les organisateurs à annuler la soirée d'ouverture pour des raisons de sécurité évidentes. Dommage pour l'altiste, arrangeur et chef d'orchestre niçois Pierre Bertrand qui avait prévu une «Grande Parade du 70e anniversaire» mettant en scène plus d'une trentaine de jazzmen niçois dont André Ceccarelli (dm) et Bunny Brunel (eb). Par miracle, le «Tribute to Nat King Cole» du chanteur Gregory Porter, avec Chip Crawford (p), Jahmal Nichols (b), Emanuel Harrold (dm), l'orchestre philharmonique de l'opéra de Nice et Vince Mendoza (arr, lead), trouvera un créneau le lendemain au Théâtre de Verdure devant un public plus nombreux encore que d'habitude, se pressant assis à même le sol (la soirée, gratuite, étant initialement prévue pour le jeune public). Très beau concert. Les arrangements de Vince Mendoza sont somptueux et dénués d'accents sirupeux hollywoodiens. Une chanson sur deux est accompagnée seulement par la rythmique habituelle. Gregory Porter évoque ses sentiments en racontant sa visite de l'exposition. Il s'est dit très ému de constater à quel point la mémoire du jazz est conservée précieusement en France, et à Nice en particulier.

Le 18 juillet, les chaises sont heureusement revenues pour deux concerts très attendus. Le New Monk Trio de Laurent de Wilde (p), avec Jérôme Regard (b) et André Ceccarelli (dm), qui reprend superbement en version liveles thèmes de Thelonious du disque éponyme, agrémentés de commentaires savoureux du pianiste qui, réussira même à faire chanter au public le thème de «Friday the 13th». Un véritable prodige! C'est le quartet de Billy Hart (dm), invitant Joshua Redman (ts), qui conclue la soirée. Complété d’Etahan Iverson (p) et de Ben Street (b), il entame et termine sa prestation par des thèmes construits sur la structure du blues, mais l'essentiel du concert présente une musique assez difficile d'accès, austère, voire abstraite. Pour autant, le public du Théâtre de Verdure, constitué d’initiés, ne s’effraie pas pour quelques envolées free.

Le 19 juillet, les Ancestral Memories ne sombrent pas non plus dans la facilité. Baptiste Trotignon (p), Yosvany Terry (as, ss, perc), Samuel F'hima (b), et Ernesto Simpson (dm) font, en effet, un large usage des rythmes des tambours Gwo Ka antillais et d'harmonies complexes des Caraïbes, ce qui donne une musique étrange, mais qui se marie parfaitement avec les canons du jazz. Suite au récent décès d'Henry Butler, le quintet de Florian Pélissier (p) se voit programmé pour un demi set et lui dédie le concert (le «Cotonette» du chanteur brésilien Di Melo, sans grand intérêt, lui succédant trop vite). Avec Yoann Loustalot (tp, flh), Samy Thiébault (ts), Yoni Zelnick (b), et David Georgelet (dm), Florian Pélissier opère un retour au terrain balisé d'un jazz inventif, aux mélodies dynamiques et swinguantes flirtant avec le jazz-modal. Un matériau que les soufflants de première catégorie, bien soutenus par une section rythmique à la hauteur, se font un plaisir de faire briller haut et fort. L'esprit des combos de McCoy Tyner plane sur le festival pendant ces trop courtes 45 minutes…

Rhoda Scott © Jacques Lerognon, by courtesy

Le 20 juillet, le guitariste niçois Jef Roques, vainqueur du «Tremplin» 2017 ne se voit offrir, lui aussi, qu'une petite demi-heure de concert devant la fine fleur des guitaristes de la région qui voient en lui le digne héritier des guitar heroes de la grande époque: Grant Green, Kenny Burrell et Wes Montgomery dont il fait une synthèse très réussie, soutenu admirablement par Olivier Slama (p), Sébastien Lamine (b) et Thierry Larosa (dm). En milieu de soirée, c'est au tour des ladies qui entourent Rhoda Scott (org), en pleine tournée pour son 80e anniversaire. Sophie Alour (ts), Lisa Cat Berro (as) et Julie Saury (dm), qui pourraient être ses petites-filles, semblent prendre un grand plaisir à être sur scène à ses côtés et bien des spectateurs leur envient une telle grand-mère...

Randy Weston © Alain Karsenty, by courtesy

Le 21 juillet, le «Tribute to Les McCann» ouvre cette dernière soirée qui s'annonce très prometteuse. Dès 19h30, les amateurs, occupent tous les sièges et se pressent même sur les marches. Eric Legnini (p), Jon Boutellier (ts), Malo Mazurié (tp), Géraud Portal (b), Ali Jackson (dm) font revivre la musique du pianiste, grand amateur de «socca» (le plat national du pays niçois), pionnier d'un «jazz-funk» incorporant les influences de la soul, du gospel et du blues, qu'il avait rendu populaire dès les années soixante (et dont Eric Legnini, quel chanceux, fut un des rares élèves). L'enceinte ne désemplit pas pour le Trio Rosenberg. Ce sont des habitués du NJF, ils font quasiment partie de la famille... Stochelo Rosenberg et Nou'che Rosenberg (g), Nonnie Rosenberg (b) n’offrent pas de surprises: on connaît et aime leur musique, héritière de celle de Django Reinhardt, mais leurs invités, Mathias Levy (vln), et Evan Christopher (cl) font forte impression. Le set est très justement acclamé.

Enfin, c'est l'African Rhythms Quartet de Randy Weston (p) qui conclue en beauté le festival 2018. Avec TK Blue (as, fl), Billy Harper (ts), Alex Blake (b) et Neil Clarke (perc), il offre alors un concert magnifique, où, au-delà des influences africaines, le jazz triomphe, par son enthousiasmante énergie, son swing irrésistible, son sens des mélodies envoûtantes et des alliages sonores directement issus du gospel et des chants de travail. Randy Weston est né en 1926. Géant du piano jazz, il a été l'un des premiers à s'intéresser aux racines purement africaines de la musique de jazz. Il a parcouru l'Afrique, et même vécu à Tanger quelques années, côtoyant les communautés des musiciens sorciers et guérisseurs. Le très jeune Tahar Ben Jelloun, futur prix Goncourt, fan de jazz en général et de John Coltrane en particulier qui, encore étudiant, y organisait des séances d'écoute de disques, s'en souvient encore. L'altiste, par sa fougue évoque Ornette Coleman, et le ténor, Pharoah Sanders. Le percussionniste impose la touche africaine, en ponctuant ses interventions de chants yorubas. Quant au contrebassiste, assis sur une simple chaise, ce qui l'oblige, pour émettre les notes les plus graves à tendre le bras gauche au delà du raisonnable, il produit dans le registre médium des lignes évoquant tour à tour les gimmicks des joueurs de «hajoujs» ce guimbri basse des Gnawas de la place Jamaa El Fna de Marakech, ou bien le jeu percussif et en «tout en accords» des guitaristes de flamenco. Le pianiste veille sur tout cela avec bienveillance et amusement, relançant au besoin cette «machine infernale» vers de nouvelles pistes. Il jubile de voir les derniers spectateurs passionnés, qui, trempés par une ultime et violente averse dix minutes avant la fin du concert se pressent devant la scène, comme si cette proximité avec les musiciens, sorciers et guérisseurs, eux-aussi, les protégeait du déluge...

Daniel Chauvet
Photos: Alain Karsenty by courtesy, Jacques Lerognon by courtesy

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Antibes-Juan-les-Pins, Alpes-Maritimes

Jazz à Juan, 12 au 22 juillet 2018

Se retrouver dans la pinède Gould à Juan-les-Pins, à la mi-juillet, peut être considéré comme l'un des vrais plaisirs de l’existence. Le festival fonctionne comme une machine superbement rodée et qui a su conserver une ambiance unique, à laquelle sont visiblement sensibles les artistes invités. Si la journée à Juan est assez «plage, sieste, farniente», la nuit est très animée. D’autant que le temps ne gâte rien et que la sonorisation, pour l’ensemble des concerts, est proche de la perfection. On apprécie la volonté de faire sens dans la programmation de Jean-René Pallacio, qui présente les concerts chaque soir, avec des premières et secondes parties qui se répondent et s’enrichissent. Quant aux jams, elles ont été menées par le trio de Nils Indjein (p), chaleureux et ouvert, inspiré par le funk.

Chick Corea Akoustic Band © Christian Palen

18 juillet, 20h30. Chick Corea Akoutic Band

La pinède est chargée d’histoire, comme le rappelle l’ensemble des musiciens. Chick Corea (p) commence son set en évoquant Miles et combien cette période fut importante pour lui (il n’est pas le seul dans ce cas parmi les invités du festival!). Chick Corea, John Patitucci (b) et Dave Weckl (dm) jouent ensemble depuis un temps certain, dans des formations électriques (Chick Corea Electrik Band, juste après Return to Forever) et acoustiques, comme ce soir. Ils jouent ensemble avec un plaisir évident; ça s’entend, ça se sent et ça se voit. Les trois se regardent, s’écoutent, se suivent. Les morceaux sont présentés à tour de rôle par chacun des membres du trio.
Le premier, «Morning Sprite», fait ressentir cette cohésion entre le phrasé plutôt riche et délicatement articulé de Corea et la fluidité du jeu de Patitucci, jamais aussi bon qu’à la contrebasse. On continue avec «Japonese waltz», toujours du pianiste, avec, encore une fois, le plaisir du trio qui se ressent. Le chorus de Patitucci, parfaitement soutenu mezzo voce par le batteur, permet à Chick de rebondir subtilement sur le thème. C’est ensuite le standard «That Old Feeling» de Sammy Fain,délicatement pris par Chick dont on perçoit que le jeu peut être moins percussif et plus délié. On vient ensuite sur Ellington avec «In a Sentimental Mood» où un long développement du pianiste précède l’intervention à l’archet de John Patitucci, toujours parfaitement articulée avec les deux autres. L’interaction entre les membres du trio trouve son point ultime avec «Life Line» écrit pour cette formation, où la cohésion, l’écoute et l’engagement des trois musiciens fait rugir de plaisir le public, attentif et concerné. Corea, percussif cette fois, accompagnant la contrebasse magique de Patitucci très en avant, avec Weckl très précis en contrepoint du pianiste. Une section rythmique superlative! Corea plaisante ensuite sur son goût pour les «espagnolades» pour présenter une sonate de Scarlatti, qu’il appelle familièrement «Dom». La sonate est jouée au piano seul «classiquement» avant d’être reprise par le trio sur un arrangement de Corea. Il tripote les cordes du piano comme lors de ses expérimentations de 1971, Piano Improvisations. Le chorus de David Weckl laisse entendre la présence de l’Afrique dans la musique du trio. On termine avec «You and the Night and the Music» d’Arthur Shwartz, superbement revisité avec des up-tempo. Un concert qui restera dans les annales de Jazz à Juan.

David Sanborn © Christian Palen

18 juillet, 22h30. David Sanborn Acoustic Band

On connait la longue carrière, la fréquentation des studios new-yorkais, le son très plébiscité de David Sanborn (as). On sait le fait qu’il est reconnu et apprécié d’une part, largement critiqué d’autre part. Quoiqu’il en soit, David Sanborn revient à Juan depuis 1974 (c’était alors avec Gil Evans) et une partie du public lui est totalement acquise. Le set débute avec une composition de Michael Brecker avec lequel le saxophoniste a beaucoup joué, «Tumble Weed», où visiblement quelques problèmes d’anche de saxophone perturbent ses interventions mais l’on perçoit très vite que David Sanborn sait très bien s’entourer: Wycliffe Gordon (tb), Andy Ezrin (p, kb), Ben Williams (b) et Billy Kilson (dm). Le deuxième morceau, toujours de Brecker, «Half Moon Lane» confirme cette impression et le solo de Ben Williams, follement inventif, totalement déstructuré, avec des passages sur les cordes à vide, est un grand moment du concert. Le même Ben Williams –qui joue avec David Sanborn depuis deux ans– confirme que le leader laisse une totale liberté aux musiciens et qu’aucun concert n’est le même. On poursuit avec un thème de Miller «Maputo», dans lequel le saxophoniste prend un chorus qui laisse entendre un son unique avant une version de «All in the Game»de Roy Hargrove, plus lente que l’original, mais qui donnera à Andy Ezrin l’occasion d’un chorus parfaitement soutenu par Billy Kilson. Sanbornse remémore ensuite, sur le morceau de De Angelo «Spanish Joint», le temps d’une jeunesse folle et son chorus est empreint de mélancolie douce. On apprécie ensuite sur le rappel «Smile» de Charlie Chaplin un splendide travail de Wycliffe Gordon qui montre encore une fois que David Sanborn a su constitué autour de lui un superbe ensemble, cohérent et aventureux.

Biréli Lagrène © Christian Palen

19 juillet, 20h30. Biréli Lagrène & Charlier-Sourisse Big Band «Remember Jaco Pastorius»

Jaco Pastorius et Biréli Lagrène se sont rencontrés en 1985, à New York, ont joué des nuits entières et sont partis sur la route en Europe (en témoigne le disque Stuttgart Aria, 1986). A l’issu, le guitariste s’est tâté pour savoir si, finalement, la basse électrique n’était pas l’instrument qu’il devait choisir. L’hommage rendu ce soir à l’icône du jazz fusion s’inscrit donc dans une véritable continuité artistique et le projet, non dénué de risques pour Biréli (à la basse électrique), est chargé de talents et d’émotion, d’autant que le choix d’un big band –s’il n’est pas une nouveauté pour lui– demeure inhabituel pour un musicien plus coutumier des longues plages improvisées et qui ne lit pas la musique. Il fera part au public du challenge que constitue pour lui, à son âge et à ce stade de sa carrière, la mise en place de ce projet, qui est destiné à se poursuivre sur d’autres scènes.
Le premier titre présenté est tiré de l’album Words of Mouth de Jaco Pastorius, enregistré justement avec un big band, «Liberty City». D’autres sont issus de périodes différentes (The Birthday Concert, Twins,Invitation) et d’autres formations, notamment Weather Report (et arrangés essentiellement par Stéphane Guillaume, taulier des cuivres dans le big band de Charlier et Sourisse). Au début du concert, Benoît Sourisse (p, org) rappelle quelques éléments de l’histoire commune de Biréli et Jaco et lance «The Chicken». Nous sommes tout de suite dans le vif du sujet, le public ne s’y trompe d’ailleurs pas et donne à entendre son plaisir à l’écoute de ce morceau important dans l’itinéraire du bassiste. Ensuite, «Kurou» (Pastorius) et «Like a Child» (Hancock), qu’il a beaucoup joués en concert. Lucas Saint-Cricq (as, ts) prend un très beau chorus. Puis, vient «Barbary Cost», de l’époque où Jaco était l’âme même de Weather Report. Ensuite, «Continuum», joué par Biréli, soutenu par le clavier, est l’occasion pour lui d’explorer les possibles sur des harmoniques à la fretless. «Palladium», encore de Weather Report, arrangé par Pierre Drevet (tp), vient clore le concert où l’hommage rendu sur fond de plaisir, de concentration, d’enjeu artistique et affectif provoque une vraie émotion partagée.

Le big band Charlier-Sourisse se compose de Benoît Sourisse (p, org), André Charlier (dm), Denis Leloup, Damien Verherve, Philippe Georges (tb), Didier Havet (btb), Stéphane Chausse (as , cl), Lucas Saint-Cricq (as, ts), Stéphane Guillaume (ts, ss, fl, cl), Fred Borey (ts), Fred Couderc (bar, bcl), ), Claude Egéa, Pierre Drevet, Erick Poirier, Yves Le Carboulec (tp), Pierre Perchaud (eg) et Nicolas Charlier (perc).

Marcus Miller © Christian Palen

19 juillet, 22h30. Marcus Miller

«Sublimity» est un mot qui n’existe pas et c’est l’expression même de la liberté artistique nous dit Marcus Miller (eb, bcl). Il rend aujourd’hui hommage à son père avec son dernier album, Laid Black (Blue Note). Dans une longue intervention, très émouvante, il raconte comment son père souhaitait devenir pianiste de concert, comment cette ambition fut mise de côté quand il eut à faire vivre sa famille et choisit un travail de conducteur de train et comment il devint organiste à l’église le dimanche. Quant à son oncle,n’était autre que Wynton Kelly, le pianiste qui s’illustra, entre autres, avec Miles sur Kind of Blue. Marcus Miller assure que sa carrière n'est que la continuation du rêve de son père qui été quelqu'un de très influent sur sa vie d'artiste et d'homme. Il était présent lors de son premier concert avec Miles après Tutu, à Montréal. Marcus Miller dit l'avoir senti très fier à cette occasion.
On se souvient, et c’est un élément de la continuité du concert de ce soir, outre le fait que les quatre cordes sont à l’honneur, que c’est lui, Marcus Miller, qui composaà 21 ans «Mr Pastorius» pour l’album du trompettiste. Le «bassiste funk qui connait très bien le jazz», comme il se définit, commence son set sur des morceaux de sa composition, «The Blues», puis «Unianez», avant «Sublimity» et «Trip Trap», tous deux tirés du dernier disque, où, loin de tirer la couverture à lui, il sait laisser de la place aux musiciens qui l’accompagnent:
Russell Gunn (tp), Alex Han (ts), Brett Williams (kb) et Alex Bailey (dm). Ainsi le chorus d’Alex Han sur «Trip Trap» est-il très applaudi, tout comme celui d’Alex Bailey sur me même morceau; Alex Bailey que l’on retrouvera tapant le bœuf à l’hôtel Marriott avec le trio de Nils Indjein (p), chargé des after.
La chanteuse Selah Sue, qui a participé à l’enregistrement deLaid Black, arrive sur «Ragamuffin». La voix, très soul, qui peut devenir rauque, s’accorde bien avec le jeu des autres musiciens, très imprégné de funk. C’est avec le tube de Doris Day «Que sera» que le set se poursuit, tube repris par Sly and the Family Stone, dont le bassiste, Larry Graham, inventeur du slapping, a eu un impact important sur le jeu puissant plutôt que rapide de Marcus Miller. Ce dernier chausse prend ensuite la clarinette basse, soutenu par le clavier de Brett Williams, pour un très émouvant «Preacher’s Kid», morceau dédié à son père, composé pour l’album Afrodeeziaet réarrangé depuis, avant de poursuivre avec «Hy Life», en compagnie de Selah Sue. «Come Together» de Lennon-McCartney en rappel, qu’il interprète souvent avec la chanteuse, indique assez bien l’inclinaison chaleureuse de l’homme au chapeau, qui parle facilement aux gens, dédicace des disques à la fin du concert, sourit pour les selfies…

20 juillet, 20h30. Youn Sun Nah

Jean-René Pallacio, le directeur artistique du festival, introduit Youn Sun Nah disant qu’elle «rend le jazz accessible». Et c’est à un set très éclectique que nous sommes conviés, avec l’empathie que dégage la chanteuse. Entourée de Tomezk Miernowski (eg), Frank Woeste (p, ep, org), Brad Christopher Jones (b) et Dan Rieser (dm),elle commence son set par un hommage aux musiciens de jazz, avec qui elle peut se retrouver pour jouer dans le monde entier en introduction d’une de ses compositions «Traveller». La voix est très acrobatique, capable d’intervenir sur plusieurs registres, parfois rauque sur «Driftin», parfois flutée sur «Momento magicode Ulf Wakenius ou «A Sailor’s Life» de Fairport Convention. Elle sait aussi se montrer émouvante sur «Hallelujah» de Leaonard Cohen. Le tout parfaitement accompagné par son groupe où Brad Christopher Jones n’est pas le dernier à swinguer. On remarque sur les longues plages instrumentales le talent de Frank Woeste et les chorus brillants de Tomezk Miernowski qui offre de beaux moments sur « Drifting» de Jimi Hendrix. Le mélange des genres a visiblement conquis le public qui offrira une standing ovation à la chanteuse.

20 juillet, 22h30. Ibrahim Maalouf & Angélique Kidjo

Ibrahim Maalouf (tp) qui respire la joie de jouer et sait la communiquer au public, dans les différents styles musical qu’il aborde, et Angélique Kidjo, dont on connait la voix chaude et puissante, sont réunis ce soir pour un projet écrit spécialement par les deux artistes et qui devrait donner lieu à un enregistrement. Il s’agit d’une œuvre symphonique composée par Ibrahim Maalouf sur un texte écrit en fondje (béninois) par Angélique Kidjo, inspirée de la légende de la reine de Saba. Ce projet musical constitué de sept pièces de dix minutes durant lesquelles Ibrahim Maalouf, tour à tour, dirige son septet (Francois Delporte, eg, Mohamed Awish, g, Frank Woeste, kb, Zapostrof, b, Stéphane Galland, dm, Mogar Soul Ux, perc) et l’Orchestre symphonique Cannes Provence Alpes Côte d’Azur (fondé en 1975), danse avec Angélique, joue de la trompette. Là encore l’accueil du public est enthousiaste.

En début de soirée, à la petite pinède, on a pu également entendre (le 18 juillet) le trio de Gauthier Toux (p), lequel en est à son troisième album et présente une musique sans aspérité mais qui constitue une belle démonstration de la pertinence du trio jazz. Le lendemain, Merakhaazan et sa contrebasse bouclée nous emmenait aux confins de l’électro-acoustique contemporain. Le 20, c’était au tour que quartet de Scott Tixier (vln).

Texte et photos: Christian Palen

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Le Théâtre de Verdure © Jean-Luc Goffinet, by courtesy of Brosella


Bruxelles, Belgique

Brosella Folk & Jazz , 7-8 juillet 2018

Comme chaque année depuis quarante-deux ans, l’a.s.b.l. «Brosella», en collaboration avec la ville de Bruxelles, convie autochtones, allochtones et touristes à participer à deux journées festives: folk le samedi et jazz le dimanche, dans et autour du Théâtre de Verdure, près de l’Atomium (50 ans cette année). Sept groupes étaient invités le dimanche dès 15 heures sur deux podiums: le premier, dans l’amphithéâtre de verdure et le second, non loin, dans le magnifique parc d’Osseghem. Entre les deux, à l’ombre des arbres, un grand bar, des tables, un disquaire et une demi-douzaine de food-trucks (frites, pizza, thaï, beignets…). Ambiance chaleureuse, assurée et appréciée.


Pile-poil à l’heure, le Jazz Station Big Band dirigé par Stéphane Mercier (as) entame les festivités avec «Summertime» et quelques originaux parfaitement arrangés par le leader et ses sidemen. Au piano, invité, Jason Rebello. Le Britannique, spécialiste du hot-piano, colle parfaitement à la musique de l’orchestre qui privilégie le swing, l’harmonisation de la section des saxes, les backings de trombones et lespèches vigoureuses des trompettes. Outre le leader, Stéphane Mercier (as), on remarque la présence de Nicolas Kummert (ts), Daniel Stokart (as), Jean-Paul Estiévenart (tp), Thomas Maiade (tp), Edouard Wallyn (tp), David De Vrieze (tb), François Decamps (g) et Piet Verbist (b). Sur «The Jazz Studio», une composition de Stéphane Mercier en hommage à l’école anversoise, on retiendra le magnifique solo de Jason Rebello.

Jason Rebello © Jean-Luc Goffinet, by courtesy of Brosella

Pour le deuxième concert, il faut déménager sa chaise (si l’on veut s’assoir) à quelques cent mètres de là pour découvrir la carte blanche offerte à l’accordéoniste diatonique Anne Niepold. La jeune femme a sans aucun doute beaucoup écouté Richard Galliano et son new-musette. Elle virevolte sur des valses entre jazz et java, osant même quelques libertés atonales («Déluge»). La musique est dense et l’organisation parfaite. Pour l’accompagner dans ses promenades festives, on reconnaît Hendrik Vanattenhoven (b) et le splendide Stefan Bracaval (sans doute notre meilleur flûtiste).

Retour dans l’arène pour le Ghex Trio du guitariste israélien Gilad Hekselman. Rick Rosato (b) et Jonathan Pinson (dm) complètent ce petit groupe pianoless. La musique est sensible, sans heurts dans un endroit surdimensionné pour une écoute attentive. Néanmoins, c’est très beau et on se prend à penser à Pat Metheny (ancienne version). La sonorité de guitare est claire, reverb’ sans excès, avec de temps en temps des passages sur les loops («Clap-clap»). Redéménagement sur le pré pour le duo formé par Yun Sun Nah (voc) et Ulf Wakenius (g). La gentille Coréenne enchante toujours à tout crin; son guitariste colle derrière elle des accords puissants, des solos véloces et, une fois encore des passages par les loops. On ne manque pas les minauderies habituelles, les scats en solo, le gospel «Hallelujah», l’un ou l’autre growls et la finale avec Léo Ferré («Avec le Temps»). De la belle ouvrage, comme d’hab’!

Une frite-mayo plus tard, on s’installe bien cambré devant Romane (g) et Stochelo Rosenberg (g) accompagnés par Marc-Michel Le Bévillon (b). Pas de surprise avec ces papes du gypsy swing: la gaieté et la légèreté de leur duo confine à la perfection. Stochelo développe une sonorité claire, métallique; Romane, plus mate, sans être moins puissante. La mise en place est parfaite; aux chasessuccèdent des séquences à l’unisson pour notre plaisir! «Pour parler», «Double Jeu», «Blues For Barney», «Anoumane» écrit (sic) par Django en 1952 et, pour conclure, le surprenant «Rythmes Futurs»: vision futuriste (éthérée?) de Monsieur Reinhardt.

Stochello Rosenberg et Romane © Jean-Luc Goffinet, by courtesy of Brosella

Léon Parker (dm) avait réuni quelques cadors et minors pour un concert qui pouvait apparaître comme un assemblage de dernière minute: la voix nasillarde de la jeune chanteuse africaine nous a déplu. Celle-ci pourrait émerger dans dix ans après quelques cours sérieux de maîtrise vocale puisqu’en scat elle montre d’intéressantes dispositions. En revanche, les solos de Frédéric Nardin (p) nous ont révélé un musicien doué et hyper-créatif. Quant à Sophie Alour (ts, ss, voc) on s’interroge toujours sur sa motivation à joindre le groupe. Elle mérite bien mieux que cette sous-exposition dans un reunion-band où le leader privilégie le show (percussions manuelles sur la cymbale, percussions thoraciques…).

Pour conclure, les organisateurs avaient invité The Bad Plus, un trio originaire de Mineapolis: Reid Anderson (b), Dave King (dm) et Aaron Evans (p). Puissants, rigoureux, les musiciens visitent les chansons rock et pop… en jazz (?). C’est bien fait, mais n’en déplaise à beaucoup, la pauvreté des phrases, les two-beatset l’absence d’improvisations créatives ont tôt fait de me convaincre que le marchand de sable m’attendait au terminus du tram 7. Neuf heures, sept groupes et six promenades de bas en haut ou de haut en bas du parc: c’est beaucoup pour un chroniqueur qui compte la moitié d’une vie avec Jazz Hot! A l’année prochaine!

Jean-Marie Hacquier
Photos: Jean-Luc Goffinet, by courtesy of Brosella

© Jazz Hot n°685, automne 2018
Saint-Cannat, Bouches-du-Rhônes

Jazz à Saint-Cannat, 7-8 juillet 2018

En ce 9 juillet 2018, seules les cigales auront fait swinguer les beaux platanes du château de Beaupré; victime d’un «allègement» des subventions allouées aux activités culturelles, le jazz s’est replié vers la très démocratique salle Yves Montand, dans le village de Saint-Cannat, pour présenter ses deux soirées consacrées au piano. Allègement du programme aussi, en conséquence, avec la suppression des premières parties qui avaient pourtant l’avantage de faire découvrir les groupes régionaux et nationaux. Mais le Steinway est fidèle au poste, le son irréprochable, et les partenaires sont encore là pour régaler et désaltérer nos papilles.

Et la foi est restée intacte: l’équipe d’Art Expression nous a présenté deux trios qui laissent entrevoir l’immensité du continent jazz. Deux groupes très différents mais portés par la même approche de la musique, ouverte et curieuse, avec cette énorme capacité d’absorption et de re-création que permet le jazz. 

Harold Lopez Nussa Trio © Ellen Bertet

Le 7, place au jazz cubain avec le trio de Harold Lopez Nussa (p), Gaston Joya (b) et Adrian Lopez Nussa (dm, perc). Les frères Lopez Nussa sont bien nés: la musique est une première nature dans la famille, où l’on connaît déjà Ernan (oncle et pianiste) et Ruy (papa et percussionniste); la maman, quant à elle, enseignait le piano… Apprentissage classique dans un Cuba aux rythmes forts, et imprégné de jazz depuis près d’un siècle: cette Trinité culturelle donne sa densité au jeune trio, lui confère une agilité à passer d’un monde à l’autre, à marier les couleurs, les ambiances, avec une grande imagination. Ainsi «New Day», «Una Tarde Cualquiera en Paris», en hommage à Bebo Valdès, reflètent bien la qualité de cet alliage délicat. Sur «Los Muñecos», air populaire dédié à leur maman, Harold et Adrian se mesurent à quatre mains au piano, dans un jeu de chaises musicales très drôle. Puis, tout en déhanchements, éclate le joyeux standard cubain «Y la Negra Bailaba». La mélancolie nous rattrape sur «Preludio», souvenirs d’un ami décédé. Ce trio n’est pas seulement une affaire de famille, c’est aussi l’histoire d’une amitié avec Gaston Joya «l’autre frère», comparse de longue date en musique, un bassiste très jazz, impressionnant à la fois de dextérité et de souplesse, mélodieux. Adrian, à la batterie et aux percussions, rajoute un grain de folie à ce foisonnement rythmique, jusqu’au paroxysme. On en redemande, ils nous en donnent encore, on se quitte ravis, on rêve d’une île de musique.

Enrico Pieranunzi Trio © Ellen Bertet

Le lendemain, voici le «Ménage à Trois» d’Enrico Pieranunzi (p), Diego Imbert (b) et André Ceccarelli (dm) pour une évocation d’œuvres européennes modernes sur une trame jazz. Les œuvres de Milhaud, Debussy, Satie, Fauré, Schumann… passent par le toucher subtil et mélodique du pianiste, et c’est avec un plaisir évident (et partagé) qu’il swingue les «Gymnopédies» de Satie, la «Romance» de Milhaud, «La plus que lente» de Debussy en lui adjoignant une suite, « La Moins que lente» de son inspiration, ou le très bel «Hommage à Fauré», tout en légèreté et finesse. Avec «Mr Gollywogg» le trio nous rappelle que Debussy était déjà acquis à la cause du jazz. Le plus souvent, le maestro expose son interprétation du thème classique en solo puis, au détour d’une phrase, la basse et la batterie se glissent à ses côtés et le jazz émerge. La transition est d’autant plus imperceptible qu’Enrico Pieranunzi, le malin, a choisi les auteurs anticonformistes de la fin du xixe et du xxe, qui avaient déjà introduit dans leur écriture des formes «modernes», ou qui ont même côtoyé le jazz at home, comme Darius Milhaud, le plus contemporain, exilé en 1940 aux USA. Et avec fantaisie, humour, pédagogie, Enrico Pieranunzi nous interpelle, ponctue ses pièces d’un petit commentaire sur ses choix, ses moods, ses inspirations, déroule un fil d’Ariane qui éclaire le projet. Il pose ses notes sensibles sur le support complice de la basse et de la batterie, ou ponctue avec discrétion les solos de ses amis; il en résulte une belle construction, toute en nuances, en verve, en équilibre. Comme hier, le public ne s’avoue pas vaincu et manifeste longtemps son plaisir: la soirée était dense et belle.

Encore deux bons choix donc à l’actif de Chris et Roger; et l’on ne peut que souhaiter une poursuite heureuse de leur entreprise, et peut-être globalement une meilleure estime des pouvoirs publics envers ces «petits festivals de jazz» qui sont des éléments indispensables de la vie culturelle des régions.

(Off: Après les postes, les hôpitaux, les mairies, les écoles, l’administration et la culture, qu’est-ce qu’on peut bien encore enlever aux territoires pour faire que quelques-uns s’enrichissent davantage? Vous le saurez dans le prochain épisode…)

 

Texte et photos: Ellen Bertet

© Jazz Hot n°685, automne 2018